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El reportaje definitivo de la película de Pixar «Soul»

“Aquí es donde todo empezó. Este es el momento en el que me enamoré del jazz. ¡Escucha esto! La melodía solo es el punto de partida, ¿lo pillas? La música solo es una excusa para sacar tu YO”. ~Joe Gardner, «Soul”

¿Qué es lo que hace que tú seas… TÚ? El nuevo largometraje de Pixar Animation Studios, “Soul”, presenta a Joe Gardner (voz de Jamie Foxx), un profesor de música de instituto que siente una gran pasión por el jazz. “Por encima de todo, Joe quiere convertirse en pianista profesional de jazz», afirma el director Pete Docter. “Así que cuando se le presenta la oportunidad de tocar para uno de los grandes, Joe siente que ha llegado a lo más alto”.

Sin embargo, un pequeño traspiés lo llevará de las calles de Nueva York al Más Atrás, un lugar de fantasía donde las almas nuevas reciben sus personalidades, peculiaridades e intereses antes de ir a la Tierra. Según Docter, la idea de este mundo tan singular tardó 23 años en gestarse. “Comenzó con mi hijo, ahora tiene 23 años, pero que desde el instante en que nació, ya tenía su propia personalidad”, dice Docter. “¿De dónde le venía? Yo creía que la personalidad se desarrolla a medida que interactúas con el mundo. Pero estaba claro que todos nacemos sabiendo de forma muy certera quiénes somos.

“En nuestra historia, todos nacen con un alma”, continúa diciendo Docter. “Y esas almas no surgen de la nada, han pasado por una formación y tienen su propia personalidad y sus intereses”.

Sin embargo, Joe Gardner no cree pertenecer a esta tierra de nuevas almas. Él está decidido a recuperar su vida y une fuerzas con un alma precoz, 22 (voz de Tina Fey), que nunca ha comprendido el atractivo de la experiencia humana. “A veces, las almas tienen problemas para encontrar esa chispa especial que les permita llegar a la Tierra”, dice el codirector Kemp Powers. “Los Orientadores del Más Atrás piden a mentores que les ayuden a inspirar a esas almas: personas tan extraordinarias de la Historia como Abraham Lincoln. Y eso es así para todas las almas, salvo en el caso de 22, que tiene mucho de adolescente sabelotodo. Está claro que ella no tiene ningún interés en ir a la Tierra”. 

Sin darse cuenta, Joe se convierte en el próximo mentor de 22 y cree que si consigue ayudarla él podría regresar a la Tierra a tiempo para su gran actuación. “Joe cree que lo único que tiene que hacer es ayudarla a encontrar su chispa, eso que hace que la vida valga la pena», dice la productora Dana Murray. “Le parece fácil. Es como amar el jazz, algo absolutamente obvio para él”.

Pero mientras Joe intenta desesperadamente demostrar a 22 lo maravilloso que es vivir, es posible que descubra las respuestas a preguntas que nunca pensó hacerse sobre su propia vida. La jefa de historia Kristen Lester afirma: “¿Qué da sentido a la vida? ¿Las relaciones que tienes? ¿Estar presente? Puedes tener una conversación maravillosa seguida de una excelente taza de café. ¿Si juntas ambas cosas, adquieren sentido? Nuestra historia no solo aborda un campo: las relaciones, la familia… también está la sensación de que es todo”.

El coguionista Mike Jones está de acuerdo. “Creo que no importa dónde estemos o lo lejos que hayamos llegado, a veces queremos más. Siempre lo estamos intentando. En un artista, siempre hay ese impulso para crear algo más, para no estar nunca satisfecho”.

Docter reconoce que así es su propia vida. “He tenido mucha suerte de trabajar con gente increíble y hacer películas que se han visto en todo el mundo”, declara el director. Pero me he dado cuenta de que, por muy maravillosos que sean esos proyectos, la vida es algo más que sentir pasión por algo, por muchas satisfacciones que te aporte esa pasión. A veces, las cosas más insignificantes son las que tienen más valor.

“Recuerdo que un día iba en bicicleta, me paré y cogí una frambuesa”, continúa diciendo. “El sol la había calentado y fue la frambuesa más maravillosa que me he comido nunca. Sigo recordando ese momento aparentemente insignificante con total claridad. Casi todos los momentos de nuestra vida pueden ser un momento trascendental que defina por qué estamos aquí. La idea de esta película es ayudar a comprender que debemos ampliar nuestras miras y ver lo que la vida tiene que ofrecer y también lo que nosotros tenemos que ofrecer a la vida.

Ambientada en la vertiginosa ciudad de Nueva York centrada en el jazz y en el abstracto mundo ilusorio del Más Atrás, “Soul” aprovecha al máximo los contrastes entre la gran ciudad y el reino cósmico. El enfoque de los realizadores y las interpretaciones de los personajes se inspiraron en parte en dos influencias diferenciadas. Por un lado está el arte de Ronald Searle, el artista y caricaturista satírico inglés y por el otro la animación del clásico animado de 1961 de Disney “101 Dálmatas”. El supervisor de animación Jude Brownbill afirma: “Searle y ‘101 Dálmatas’ influyeron en el aspecto y la percepción de ‘Soul’ en casi todos los departamentos, desde la forma imperfecta de los edificios, muebles y atrezzo, hasta el número de pliegues en la ropa de los personajes. En la animación, la influencia de Searle inspiró poses atrevidas y directas dentro de composiciones claras que guían la mirada del espectador por la escena. Estudiar ‘101 Dálmatas’ reafirmó la importancia de diseñar una idea de interpretación a la vez y mantener las poses clave para que los momentos importantes se lean con más claridad”.

En el caso de la música, complementar esas decisiones visuales exigió un enfoque compuesto de dos vertientes. “Jon Batiste, nominado al GRAMMY® es cantante, compositor, canta autor, líder de una banda y genio del jazz. Se ocupa de producir el jazz que refuerza el lado hermoso a la vez que crudo del Nueva York de la película”, dice Murray. “Cuando ves las manos de Joe tocando en la película, es Jon él que está tocando. Nuestros animadores estudiaron material de referencia de Jon Batiste al piano para capturar detalles de cómo toca, desde el movimiento de sus dedos hasta su manera de respirar.

“Trent Reznor y Atticus Ross de Nine Inch Nails se encargaron de toda la música del universo de ‘Soul’”, continúa diciendo Murray. “Es tan etéreo. El contraste que aportan es absolutamente maravilloso. Es una decisión poco habitual en Pixar. No se parece a nada de lo que hemos hecho antes. Me encanta la mezcla que hemos logrado”.

Jamie Foxx («Cuestión de justicia», «Proyecto Power»), que ganó un Oscar® y un Globo de Oro® por su interpretación en «Ray» en 2004, presta su voz a Joe Gardner. La voz de la nueva alma llamada 22 es la de la galardonada escritora, productora, autora y actriz Tina Fey. Graham Norton, ganador de cinco BAFTA («The Graham Norton Show») presta su voz a Moonwind, el espiritual hombre anuncio, y Rachel House («Hunt for the Wilderpeople, a la caza de los ñumanos», «Thor: Ragnarok») es la voz del Terry obsesionado con el recuento.

La película también cuenta con las voces de Phylicia Rashad (serie de TV «This Is Us», «A traición») como la pragmática madre de Joe, Libba, el comediante Donnell Rawlings como Dez de la barbería de Joe, Ahmir «Questlove» Thompson (director musical de «The Tonight Show Starring Jimmy Fallon”, The Roots) como el antiguo alumno de Joe, Curley, Angela Bassett (“Vengadores: Endgame”, “Black Panther») como la leyenda del jazz Dorothea Williams, y Daveed Diggs (“Hamilton”, “Blindspotting”) como Paul, el hater del barrio. Alice Braga («Elysium»), Richard Ayoade («The Mandalorian»), Wes Studi («Woke», «El último mohicano»), Fortune Feimster («Bless the Harts») y Zenobia Shroff («The Affair») son las voces de los Orientadores. June Squibb («Nebraska») presta su voz a Gerel, de 106 años que se dirige al Más Atrás.

El ganador del Premio de la Academia® Pete Docter («Del revés [Inside Out]», «Up») dirige «Soul», y Dana Murray, nominada al Premio de la Academia (corto de Pixar «Lou») es la productora. Kemp Powers («One Night in Miami») codirige la película, con historia y guión de Docter, Mike Jones y Powers. Dan Scanlon y Kiri Hart son los productores ejecutivos. «Soul» presenta composiciones y arreglos de jazz del músico de prestigio internacional Jon Batiste, nominado al GRAMMY®, y la banda sonora original es obra de los ganadores del Oscar® Trent Reznor y Atticus Ross (“La red social).

“Lo que quieres es que estos personajes sean lo más auténticos y reales posible», dice Docter. “Soy músico aficionado y me identifico muchísimo con Joe, pero no soy afroamericano. No crecí en esa cultura. Por eso fue tan importante contar con la ayuda de Kemp y de los asesores culturales y los músicos con los que hemos trabajado. No hubiéramos podido hacer la película sin su ayuda y su apoyo”. Los asesores culturales y musicales incluyen al Dr. Peter Archer, Jon Batiste, Dr. Christopher Bell, Terri Lyne Carrington, Dr. Johnnetta Betsch Cole, Daveed Diggs, Herbie Hancock, Marcus McLaurine, George Spencer, Ahmir “Questlove” Thompson y Bradford Young.

¿QUÉ HACE QUE TÚ SEAS TÚ?

“Soul» presenta un reparto dinámico de personajes

Soul” de Disney y Pixar se mueve entre Nueva York, con su población dinámica, diversa y compleja, y El Más Atrás, que acoge una etérea variedad de habitantes que surgió de la imaginación de los artistas y técnicos de Pixar Animation Studios. Esta dicotomía crea un rico tapiz de personajes que están conectados de forma muy singular pero que son mundos separados.

“Soul” también representa la primera película de Pixar con personajes con tonos de piel negra y morena. Los realizadores quisieron asegurarse de que todos los tipos de piel estuvieran representados con riqueza y autenticidad. “Soy muy consciente del tono de la piel”, dice el director artístico de sombreado Bryn Imagire. “Queríamos representar una amplia gama de personajes afroamericanos. Y para mí era muy importante hacerlo bien”.

Los realizadores realizaron una profunda investigación y de hecho consultaron con el prestigioso director de fotografía Bradford Young, quien fue nominado a un Oscar® por su trabajo en “La llegada” en 2016. “Creo que mis aportaciones fueron más filosóficas que físicas”, dice Young. “El equipo ya había llegado muy lejos en lo que respecta a la textura visual. Yo me limité a animar a la gente a hacer que las cosas fueran más impactantes, les aconsejé en cómo hacerlo más contundente, más tridimensional. Porque lo que habían hecho ya era muy bueno”.

La lista de personajes de “Soul” incluye músicos de talento, una madre fuerte, almas nuevas, orientadores de campamento y un gato de terapia, entre otros. Y todos ellos llevan a Joe Gardner a asumir que hay cosas que te pueden cambiar la vida, cosas que nunca vio venir. 

“Hoy empezó siendo el mejor día de mi vida…”

JOE GARDNER es un profesor de música de instituto cuya verdadera pasión es tocar jazz, y la verdad es que es bastante bueno. Sueña con tocar el piano de manera profesional y hace mucho que espera que le llegue su gran oportunidad. “Hace todo lo que puede para no desanimarse. Tiene muchas ilusiones, pero también tiene que complementar sus ingresos de profesor”, dice el director Pete Docter. “Siempre asumió que sería algo temporal hasta que encontrara un trabajo a tiempo completo”.

El coguionista Mike Jones dice que cuando conocemos a Joe, éste se encuentra en una encrucijada que lleva mucho tiempo evitando. “El director del instituto le dice que el instituto ha recibido fondos para un puesto a tiempo completo, que es como un certificado de defunción para Joe. ‘Voy a recibir una pensión ahora y moriré sin haber cumplido nunca mi verdadero sueño’.”

Kristen Lester, jefa de historia, señala que el viaje de Joe no es diferente a muchas de las trayectorias de las personas que integran Pixar. “Tengo una formación artística”, dice, “siento una gran pasión por el arte, así que me identifiqué con lo que experimenta Joe, su razón para vivir. Cree que si no consigue hacer lo único que le interesa de verdad, entonces no vale para nada”.

Los realizadores querían que el look de Joe ilustrara sus luchas internas. El supervisor de animación Bobby Podesta dice que Pete Docter fue una fuente de inspiración. “Si te fijas, ves que Pete tiene algo de Joe. Tienen la misma proporción de tamaño con extremidades largas que a veces se mueven en todas direcciones”.

El animador Frank Abney señala que el equipo también se inspiró en el pianista de jazz Jon Batiste. “Joe tiene esta constitución larguirucha y dedos largos, y eso lo sacamos de Jon», dice Abney. “También nos fijamos en Roger de ‘101 Dálmatas’, que tiene una estructura similar. Cuando Roger o Joe se sientan al piano y tocan, pueden parecer poca cosa”.

Pero una vez que Joe empieza a tocar, una vez que se deja llevar por la música es como si hubiera vuelto a casa. Esos momentos eran tan importantes que los realizadores se aseguraron de que cada nota que se tocaba fuera auténtica. El supervisor de animación Jude Brownbill afirma: “Recrear el torbellino de los dedos de Jon Batiste en las teclas exigió colocar la cámara en muchísimos sitios para capturar imágenes de referencia en directo, y una nueva tecnología para iluminar las teclas de forma que reflejaran la música que interpretaba Jon. Queríamos asegurarnos de que cada nota que Joe toca en la pantalla fuera la misma nota que Jon toca en el estudio”.

Batiste también enseño a los animadores lo que significa tocar con tanta alegría. “Yo actuaba y hacía lo mío y ellos me capturaron magistralmente”, dice Batiste. “Ver cómo Joe transmite todo eso es algo increíble. ¡Estos chicos son unos genios!”

Jamie Foxx, que presta su voz a Joe, logró identificarse con la felicidad que experimenta el personaje cuando toca. “Su sueño es tocar algún día con Dorothea Williams, una leyenda del jazz. Es como un jugador de baloncesto que quiere jugar en el Madison Square Garden. Yo nací con una chispa similar, siempre estaba cantando y contando chistes”.

Docter está de acuerdo con el actor. “Jamie Foxx no para nunca», dice el director. “Es tremendamente ambicioso y queríamos que Joe también lo fuera. Al igual que Jamie, Joe no es un tipo dispuesto a rendirse. Sigue luchando por sus sueños”.

“Solo quiero que me recuerden por mi alegría», dice Foxx. “Tenía que participar en una función en el colegio de mi hija. Me presenté como el Repartidor de Sol. Yo creo las sonrisas y ofrezco alegría”.

Joe está empeñado en hacer realidad su sueño. Vive solo en su apartamento de Queens, totalmente inmerso en su música y cuando sale, se pasa el tiempo hablando de jazz. Pero justo cuando su sueño se va a hacer realidad, todo da un giro inesperado. “Se cae por una alcantarilla”, dice la productora Dana Murray, “pero decide que no ha llegado su hora. No, todavía no. Así que se las arregla para atravesar múltiples reinos, y acaba aterrizando en el Más Atrás.

Joe se aventura en un viaje de descubrimiento con el que no había contado. Deberá encargarse de enseñar a una nueva alma que vale la pena vivir y cree tener todas las respuestas. Como es lógico, su apariencia cambia cuando está en el mundo del soul, pero los realizadores querían mantener la esencia de Joe. Al igual que el resto de los mentores, el diseño del mundo de las almas tiene características que se identifican con las que tenían en la Tierra. Brownbill afirma: «Aunque son muy diferentes en tamaño y en forma, hay una conexión visual entre Soul Joe y Joe humano, no solo en las proporciones del rostro y en su icónica combinación de sombrero y gafas, sino también en la amplitud de sus gestos y en gestualidades muy concretas que caracterizan a Jamie Foxx. Queríamos que el público creyera que eran el mismo personaje a pesar de que aparecían bajo dos formas diferentes”.

Pero el tiempo de Joe en El Más Atrás es temporal. Él y 22 encuentran el camino de regreso a la Tierra de una manera poco convencional, y eso marca el verdadero comienzo de su aventura juntos. Según el codirector Kemp Powers, aunque Joe tiene mucho que aprender, no es el único en esa situación. “Joe Gardner somos todos nosotros”, dice Powers. “Creo que cualquiera puede sentir empatía con la idea de cuestionarse si están haciendo lo que se supone que deben hacer. ¿En qué momento renuncio a lo que llevo persiguiendo durante tanto tiempo?”

Resulta que, después de todo, la lección que vamos a aprender no es sobre la realización de nuestros sueños. “No queríamos hacer una película que obligara a la gente a creer que deben tener un propósito muy grandioso y muy concreto en la vida”, dice Murray. “Esta película es para todos; todo el mundo puede identificarse con ella”.

“No quiero ir a la Tierra”.

22 es un alma precoz que ha pasado cientos de años en el Seminario del Tú, donde las nuevas almas deben cumplir varios requisitos antes de ir a la Tierra. Al igual que le ocurre a todas las almas, 22 ha pasado por los Pabellones de la Personalidad, lo que explica su faceta sarcástica, su rapidez mental y también sus ramalazos de mal humor. Ha cumplido con todos los requisitos para ir a la Tierra, excepto uno. Pero no importa cuántas visitas haga al Salón de Todo, cuántas lumbreras la hayan asesorado, lo cierto es que no consigue encontrar esa chispa que necesita para cumplir con los requisitos y viajar a la Tierra. Pero la verdad es que 22 pasa del tema. No le interesa para nada la vida en la Tierra. ¿Podrá Joe convencerla de lo contrario?

“22 ha tenido una lista impresionante de mentores, desde Arquímedes hasta Gandhi”, dice Docter. “Y Joe es un chico normal y corriente de Queens. En vez de enseñarle una lista de grandes logros, todo lo que puede contarle son algunos momentos horribles en el aula y un montón de audiciones fallidas. Pero 22 está intrigada. Por cada persona que cree que nació para hacer algo, hay alguien que cree que no tiene ni idea de lo que se supone que debe hacer”.

Según la productora Dana Murray, 22 lo pasa peor de lo que parece. “Cuando ve a todas esas almas que la abandonan para ir a la Tierra, creo que en el fondo está destrozada”, dice Murray. “Intenta ser cínica y burlarse de ello, pero tiene miedo”.

Tina Fey, que presta su voz a 22, cree que el miedo es lo que hace que 22 sea un personaje tan atractivo. “Creo que es fácil identificarse con su manera de ser cínica y con las cosas que le dan miedo”, dice Fey. “A veces la vida da miedo y causa dolor. Todo el mundo tiene momentos en los que dice: ‘¡Ya no puedo más!’”

A Docter le gustó mucho que Fey comprendiera al personaje de forma tan intuitiva. “Tina Fey es increíblemente inteligente y divertida”, dice. “Siempre tengo la sensación de que va 15 pasos por delante de mí, es tan rápida y ágil. Su estilo de humor eleva a 22 al siguiente nivel”.

El diseño del personaje comenzó con un aspecto similar al del resto de las nuevas almas del Más Atrás. Bryn Imagire, director artístico de sombreado, afirma: “Observamos la refracción, los prismas, ese tipo de ideas, para aplicarlos a los personajes de las almas. Hay una gradación en todos sus cuerpos que sugiere la idea de que la luz atraviesa un objeto traslúcido y se dispersa en él”.

Todas las almas nuevas, incluida 22, tienen un aspecto similar ya que sus personalidades acaban de formarse. Para diferenciar al personaje principal, los artistas le pusieron a 22 unos ojos medio cerrados, una mirada escéptica y dos dientes salientes. Según la supervisora de personajes Junyi Ling, también era importante que 22 pudiera exteriorizar sus sentimientos con claridad, algo nada fácil de conseguir con un personaje volumétrico. “Ponemos sombras en la superficie para que las cosas parezcan más táctiles, pero los volúmenes que componen las nuevas almas son delgados, así que resulta más difícil leer los rasgos faciales”, dice Ling. “Los artistas y los técnicos trabajaron juntos para transferir información geométrica de la superficie al volumen, algo poco habitual. De esa forma podemos leer la boca y los labios, aunque sean transparentes”.

Los animadores encontraron maneras muy divertidas y singulares de mostrar la personalidad del personaje. La supervisora de animación Jude Brownbill dice: «Las nuevas almas no tienen ni brazos ni piernas, pero supusimos que como 22 lleva tanto tiempo allí, después de tantos años y tantos mentores, ha aprendido a poner en funcionamiento las piernas o los brazos cuando quiere. Puede tener unas manitas que son como manoplas o, si quiere señalar, puede crear dedos. Pero también es perezosa e insegura, así que cuando no quiere esos miembros extra, los encoge y los esconde”.

Aunque la historia trata sobre el viaje de autodescubrimiento de Joe, la productora ejecutiva Kiri Hart dice que el viaje de 22 a la Tierra también podría transformar la nueva alma cínica. “Una de las cosas más especiales de la película es que 22 tiene la oportunidad -gracias a una serie de circunstancias poco habituales- de vivir temporalmente en la Tierra y tener una idea de lo que es”, dice Hart. “Se da cuenta de que no se parece en nada a lo que esperaba”.

“¿Este concierto tiene una pensión?”

LIBBA GARDNER es la madre de Joe, su mayor fan y la que le canta las verdades con la mejor intención. Es una mujer de negocios que ha sido propietaria durante décadas de una sastrería en Queens que ha tenido mucho éxito. Su difunto marido, el padre de Joe, era un músico sin mucha suerte, así que Libba era el principal sostén de la familia. Ella sabe que la vida de un músico puede ser muy cruel y por eso anima a Joe a tener un plan B, que él interpreta como una falta de apoyo. Pero aunque Libba es muy pragmática, ama a Joe por encima de todo y quiere que sea feliz.

“Libba no quiere que Joe lo pase tan mal como su padre”, dice el codirector Kemp Powers. “Puedo identificarme con ella como padre. Todos queremos apoyar las esperanzas y los sueños de nuestros hijos, pero eso puede chocar con ese deseo subyacente de querer que estén bien cuando nosotros ya no estemos”.

“Libba solo quiere lo mejor para Joe”, añade Murray. “Phylicia Rashad ha clavado la voz de Libba. Es fuerte pero reconfortante”.

Según Rashad, los realizadores la animaron a apoderarse del personaje. “Trabajar con [Pixar] fue maravilloso, algo muy orgánico y muy colaborativo”, dice la actriz. “Querían que la voz tuviera su propia personalidad y me dieron libertad para encontrarla. Siempre he querido poner voz a un personaje de una película animada. Esta es mi primera vez. Y me lo he pasado en grande”.

Según el supervisor de animación Jude Brownbill, los animadores recurrieron a la interpretación de Rashad para definir al personaje. “Phylicia Rashad aportó algo especial al personaje. Libba tiene mucha energía, sobre todo cuando intenta convencer a Joe de que acepte la vida como profesor y se conforme con la estabilidad que le ofrece ese trabajo”.

Libba es un ejemplo de los personajes femeninos fuertes de “Soul”, y los realizadores querían la representación de esas mujeres tan potentes fuera lo más auténtica posible. Así que se dirigieron a la Dra. Johnnetta Betsch Cole en busca de orientación. “Hablamos mucho sobre la manera de representar a las mujeres negras”, dice la Dra. Cole. “Para mí era importante que estas mujeres, Libba, Dorothea, no fueran retratos estereotipados”.

Y lo cierto es que algunos de los realizadores compararon a Libba con la Dra. Cole, que comprende la comparación. “Me identifico profundamente con Libba y de muchas maneras”, dice la Dra. Cole. “Ella es fuerte y muy sensible. Y aunque se muestra muy protectora con su hijo, acaba aceptando que debe perseguir su pasión”.

Los artistas responsables del diseño de personajes querían asegurarse de que Libba pareciera fuerte y segura. Además, su vestuario era muy importante porque el personaje tiene una sastrería. Bryn Imagire, el director artístico de sombreado, quería que la ropa que lleva Libba pareciera muy buena. “Todos los vestidos de Libba están hechos con telas que tienen una textura maravillosa”, dice Imagire. “Usamos un programa informático que teje de verdad fibras para formar la tela”.

Los realizadores también eligieron colores potentes para el vestuario de Libba. “Le quedaban muy bien los colores muy saturados”, dice Imagire. “Me encanta usar colores análogos como el magenta y el coral. Es sutil, pero ayuda a transmitir su fuerte personalidad”.

“Levántate ya, Profe. No tenemos todo el día”.

DOROTHEA WILLIAMS es una leyenda del jazz de prestigio mundial que se ha ganado un lugar en el olimpo de los grandes. Es fuerte, sensata y segura de sí misma y además tiene un talento descomunal tocando el saxofón. Dorothea hace gala de una gran confianza en el escenario y no se deja engañar cuando se trata de jazz o de la vida. Su banda es su familia y formar parte de esa familia es un honor que muy pocos merecen. No resulta fácil impresionar a Dorothea, pero vale la pena intentarlo.

“Dorothea es muy selectiva a la hora de elegir a quién quiere en su grupo”, dice la productora ejecutiva Kiri Hart. “Joe siente una gran admiración por ella así que la oportunidad de tocar con ella es muy importante para él”.

Según el director Pete Docter, los realizadores necesitaban a alguien que pudiera transmitir cómo controla Dorothea cuando toca en una sala, pero sin olvidar su irresistible encanto. Angela Bassett encajaba a la perfección. “Angela tiene mucho poderío”, dice Docter. “Cuando entra en una habitación, se nota enseguida su presencia. Cuando habla, la escuchas. Así que hemos aprovechado ese poderío para el personaje”.

Los animadores retrataron la confianza en sí misma de Dorothea de una manera inesperada: limitando sus movimientos. “Hicieron un trabajo increíble. Su postura es erguida y potente, parpadea poco y cuando mira a los ojos resulta intimidante”, dice el supervisor de animación Jude Brownbill, que añade que fue difícil conseguir esa contención tan pronunciada. “Quieres mover a los personajes. Quieres divertirte y hacer nuevas poses. Pero en el caso de Dorothea, tuvimos que eliminar muchas cosas. Quitamos un parpadeo o un cambio de expresión, porque su poderío surge de su inmovilidad”.

La historia fue una fuente de inspiración para Bassett, cuya potente interpretación deja clara la pasión de Dorothea por el jazz. “Fue maravilloso trabajar con nuestros directores Pete y Kemp”, dice Bassett. “Es un proceso largo, lleva varios años. Cada vez que volvía a grabar, su entusiasmo era contagioso, podía sentir su pasión por la historia.

“Me intrigaba que fuera una historia sobre el alma, sobre el espíritu, sobre quiénes somos en realidad, sobre lo que esperamos hacer con nuestras vidas”, continúa diciendo Bassett. “Me pareció tremendamente original. Me encanta el jazz y la idea de interpretar a un personaje que tocar el piano, la guitarra u otro instrumento, me entusiasmó”.

“Nosotros los Místicos nos reunimos en este espléndido paisaje todos los martes”.

ASTRO VIENTOLUNAR es un hombre que tuvo una “revelación” en la edad madura. Su antiguo yo decidió cambiar de nombre y de trabajo en busca de una vida más feliz. Ahora, Astro Vientolunar es un excelente hombre anuncio en una esquina de Manhattan. Este trabajo le hace feliz, se siente útil y le permite viajar mental y espiritualmente a un lugar místico llamado El Plano Astral (cerca del Más Atrás), donde rescata a las almas perdidas de sus vidas estresantes y aburridas. 

Según la productora Dana Murray, hay una razón por la que Astro Vientolunar sabe tanto sobre almas perdidas. “Él mismo fue un alma perdida cuando pasaba demasiado tiempo jugando a videojuegos”, dice Murray. “Pero lo abandonó todo para buscar el sentido de la vida formando parte de un grupo llamado Místicos sin Fronteras. Encuentran almas perdidas en los campos de los sueños y les ayudan a reconectarse con sus cuerpos”.

Recurrieron a Graham Norton para que prestara su voz a Astro Vientolunar. “Fue una inmensa fuente de inspiración”, dice Brownbill. «Derrocha intensidad y queríamos que la empleara tanto en su forma terrestre como cuando lo vemos en el Plano Astral. Es un poco más suave en el mundo de las almas, pero con una personalidad similar”.

Brownbill añade que los animadores utilizaron cientos de videos sobre hombres anuncio para acertar en la interpretación de Astro Vientolunar. “Es increíble que haya tantos vídeos sobre eso”, dice Brownbill. Y añade: “Fue muy divertido”.

LOS ORIENTADORES del Más Atrás. Hay unos cuantos y todos responden al nombre de Jerry. Los omnipresentes Orientadores son alegres, optimistas y lo saben todo (o casi todo). Dirigen El Seminario del Tú como si fuera un campamento, batallando con decenas de nuevas almas humanas, otorgándoles personalidades únicas y ayudándolas a encontrar su chispa para graduarse y viajar a la Tierra.  Cada Jerry es una representación única del propio universo. Deben tener paciencia, buen humor y aplicar técnicas pasivo-agresivas según convenga. Pero todos hacen gala de un entusiasmo ilimitado a la hora de cumplir con sus responsabilidades metafísicas.

“Son como maestros de jardín de infancia que hacen gala de una paciencia infinita para guiar a esas almas a través del caos del Seminario del Tú”, dice el coguionista Mike Jones.

El aspecto de los Orientadores no fue tarea fácil. Según el supervisor de animación Bobby Podesta, la forma en que los Orientadores se describen a sí mismos puso el listón muy alto. “Dicen ser como el universo que baja de nivel para que los humanos puedan comprenderlo”, afirma Podesta. “Buscamos inspiración en muchas fuentes como la escultura sueca, la naturaleza y la iluminación de espectáculos. El departamento de arte empezó dibujando innumerables formas hasta que surgió una que se parecía a un personaje pero lo suficientemente maleable para que surgiera todo lo imaginable. Aunque parezca increíble, ese personaje estaba hecho con una línea, una línea que tiene vida”.

La artista de historia Aphton Corbin dice que la idea surgió en la sala de historias durante una sesión de brainstorming. “Ambos eran bi-dimensionales y tri-dimensionales”, dice Corbin. “Le di algunas vueltas a los dibujos y se me ocurrió la idea de que sus caras parecieran diferentes desde distintos ángulos.”

Los artistas de Pixar Deanna Marsigliese y Jerome Ranft crearon una versión en 3-D de las imágenes en wireframe, mostrando el aspecto que tendrían los personajes desde diferentes ángulos y con diversas formas. “Los animadores hicieron lo mismo que el departamento de arte a la hora de explorar cómo podían ser los Orientadores”, dice Podesta. “Nuestros animadores se basaron en su experiencia de artistas para crear una interpretación impactante en el plano visual”.

El supervisor de personajes Michael Comet dice que para potenciar aún más la creatividad de los animadores, su equipo creó controles adicionales para ellos. “Desarrollamos una nueva tecnología que crea un nuevo tipo de curva y les permite encender y apagar cada punto de control individual. Pueden obtener formas muy suaves, añadir una mano o un pulgar o todos los dedos; tienen controles que les permiten afilar o añadir un ángulo”.

Podesta añade, utilizando un mantra de Pixar muy citado, “El arte desafía a la tecnología y la tecnología inspira el arte”.

Según el productor ejecutivo Dan Scanlon, el resultado final puso de manifiesto la fuerza del trabajo en equipo y la forma en que Pixar continúa sorprendiendo a los espectadores, incluso a él mismo. “El equipo hizo todo lo posible para crear personajes que desafiaran la lógica, pero que aún rebosaran encanto y personalidad. La primera vez que vi una proyección de la película con esos personajes enjutos y tridimensionales de Seminario del Tú en movimiento, tanto yo como otras personas que había en la sala empezamos yo y otras personas en el teatro empezamos a lanzar gritos de admiración. Nunca había visto ese tipo de animación 2-D hecho de esa manera en 3-D, y ver algo que nunca he visto es la razón por la que voy al cine”. 

Hay cinco Orientadores y todos se llaman Jerry. Las voces de los Jerry son Alice Braga, Richard Ayoade, Wes Studi, Fortune Feimster y Zenobia Shroff.

“El recuento está apagado”.

TERRY es una peculiar prolongación del equipo de El Más Atrás y se encarga de la singular tarea de realizar un seguimiento de los candidatos al Más Allá. Cada Jerry hace lo que puede para aguantar a Terry, cuya obsesión por El Recuento puede resultar agobiante, sobre todo cuando está apagado. Así que cuando Joe Gardner se desvía del Más Allá hasta el Más Atrás, Terry está decidido a hacer las cosas bien.

“Terry se toma demasiado en serio a sí misma”, dice el codirector Kemp Powers. “Sospecho que se suponía que iba a ser una Consejera, pero los Jerry no querían tener nada que ver con ella, así que le dieron este trabajo tan concreto para mantenerla ocupada”.

Rachel House presta su voz a Terry. “Estoy absolutamente enamorada de ella”, dice la productora Dana Murray. “Resultó ser la antagonista perfecta”.

“La verdad es que la única razón para ir al colegio era asistir a tu clase”.

CURLEY es uno de los antiguos alumnos de Joe Gardner que alimentó su propia pasión por la música hasta la edad adulta, consiguiendo un codiciado puesto en el cuarteto de jazz de Dorothea Williams. Este consumado batería nunca olvidó a su maestro favorito de piano de slash-jazz, así que cuando surge una oportunidad para un pianista, Curley le consigue a Joe la audición de su vida.

Ahmir “Questlove” Thompson presta su voz a Curley, pero no es ahí donde terminó su trabajo en la película. “Questlove aportó muchísimo en el terreno de la música», afirma la productora Dana Murray. “Es como una enciclopedia de la música”.

Questlove afirma: “Uno de los momentos de los que más me enorgullece de haber participado en esta película fue que se dirigieron a mí para que les asesora en el tema de la música. Mi respuesta, que es la que doy a todo el mundo, es que hago listas de reproducción. Les hice un montón de listas de reproducción de canciones que me parecieron que encajaban.

“Para la escena de la barbería, me pareció que el hip-hop clásico de los 90 encajaba muy bien”, continúa diciendo Questlove. “En un establecimiento como una barbería, el propietario suele tener 30 o 40 años. Están muy apegados a lo que vivieron cuando tenían entre 15 y 23 años, así que cuando vas a ese tipo de establecimientos, sueles escuchar música de hace 20 o 25 años. Soy el rey de la nostalgia. Siempre estoy dispuesto a hacer una lista de reproducción”.

DEZ es el barbero y oyente profesional de Joe desde hace mucho tiempo. Des conoce a Joe desde hace muchos años y es muy simpático además de tener un gran sentido del humor. Le encanta que su clientela hable de lo que quiere, y en el caso de Joe, su tema es, por supuesto, el jazz.

“Dez lo hace todo con alegría”, dice el líder de la historia Trevor Jimenez. “Es algo más que un barbero. Hay arte en lo que hace y le gusta hacer feliz a las personas que le rodean”.

Donnell Rawlings presta su voz a Dez. “Es un comediante», dice Murray. “Nos encantó su voz áspera. Encaja muy bien con el diseño del personaje”.

PAUL es el cínico del vecindario y lo vemos a menudo en la barbería local. Paul suele discutir con Joe pero no se priva de hacer comentarios negativos o sarcásticos sobre los que entran en la barbería, aunque la verdad es que nadie lo escucha.

Daveed Diggs es la voz de Paul y también ejerció de asesor cultural para la película. “Fui una de las numerosas personas que vinieron a ver las primeras versiones de la película y a dar mi opinión”, dice Diggs. “Hablaron muchísimo y todo lo que dijeron quedó por escrito para poder hacer un seguimiento. Era impresionante ver el cuidado que pusieron a la hora de elaborar esta película. Escucharon a muchísimas personas y todas muy diferentes.

“Querían que Joe resultara muy real, costara lo que costara”, continúa diciendo Diggs. “Todos los personajes de la película podrían ser personas reales. Hay muchas maneras de ser negro. En la animación, te arriesgas a crear algo que parezca una caricatura y decir: ‘Esto es ser negro.’  Pero hay una amplísima diversidad de experiencias en esta película”.

MANOPLITAS es un gato para terapia que se pasa la vida ronroneando, haciendo mimos y consolando a los pacientes en sus habitaciones de hospital. Reclutan a este cariñoso gato para que ayude a Joe Gardner cuando está hospitalizado después de una desafortunada caída. A pesar de hacer bien su trabajo, Manoplitas termina en el lugar equivocado en el momento equivocado y se, embarca en una aventura inesperada.

Según el supervisor de animación Bobby Podesta, Pixar invitó a un especialista a venir a hablar sobre la anatomía y la manera de moverse de los gatos. “Aprendimos que son extremadamente flexibles y que pueden hacer muchas cosas con sus patas y sus muñecas”, afirma Podesta. “Manoplitas siempre se mueve como se movería un gato. Eso era muy importante para que el personaje resultara real”.

Uno de los desafíos que planteó Manoplitas fue simular a la criatura en el entorno del hospital. Según la supervisora de simulación Tiffany Erickson Klohn, la secuencia del hospital —con cables que se mueven, cortinas, mantas, una almohada y un gato peludo con chaleco— fue bastante complicada. “La escena estaba estilizada, no iba a ser limpia y perfecta. Por ejemplo, la manta estaba arrugada, desordenada y con textura, con un gato caminando por encima. Combinamos la simulación del volumen, de la piel, la tela y el pelo para hacer que los esos elementos interactuasen y añadimos un pequeño movimiento de barriga”.

“Soy como un florero con mal carácter y peligrosamente curioso”.

Las NUEVAS ALMAS son rostros jóvenes, tienen los ojos color violeta y son muy curiosas. Son lienzos en blanco cuya misión consiste en descubrir sus identidades. Desde los Pabellones de la Personalidad hasta el Salón de Todo, las nuevas almas adquieren los rasgos que manifestarán en la Tierra. Encontrar su chispa es el paso final para todas las nuevas almas antes de obtener su Pase Terrenal y comenzar sus vidas como seres humanos. Sin embargo, para algunas nuevas almas, encontrar esa chispa no es nada fácil.

“Las nuevas almas acaban de nacer en el Universo, así que son las almas más pequeñas”, dice el diseñador de producción Steve Pilcher. “Están diseñadas para parecer bebés con rasgos menos distinguibles que las almas mentoras, ya que no han experimentado la vida en la Tierra encarnándose en un cuerpo. Tienen una forma sencilla que se asemeje a una bombilla y no tienen ni brazos ni piernas permanentes”.

Sin embargo, ese concepto aparentemente sencillo es engañoso, añade Pilcher. “Todas las almas tienen un aspecto medio opaco y con formas suaves para sugerir un estado espiritual, etéreo, suave, vaporoso y trascendente”, dice Pilcher. “Aunque tienen un diseño sencillo, son bastante sofisticados en la superficie, la iluminación y los efectos especiales que necesitan”.

Los realizadores no querían que los personajes del Más Atrás parecieran fantasmas. El director de fotografía Ian Megibben trabajó con Pilcher y un grupo de artistas para descubrir cómo sería y la manera de lograrlo. “Contamos con directores técnicos de diferentes disciplinas (efectos, departamento de personajes, decorados e iluminación) que se incorporaron al equipo para conseguir que estos personajes funcionaran”, dice Megibben.

“Estudiamos arcoíris y prismas, rocas, minerales y cristales opalescentes”.

El resultado final es un personaje iridiscente que se adapta muy bien al mundo que habita. “Cuando la forma del personaje intercepta la luz», dice Pilcher, «se ve una luz cálida (roja, naranja, amarilla) que lo atraviesa y que llega hasta el lado frío, el lado sombreado, que es un azul ultramar profundo. Cuando los colores se encuentran en el medio se mezclan maravillosamente bien”.

Pero los bordes suaves de los personajes sí que supusieron un problema. Los realizadores comprendieron que habría algunas circunstancias en las que debían ser más inteligibles. “Desarrollamos una nueva tecnología que detecta los bordes”, dice el supervisor de personajes Michael Comet. “Los animadores tenían controles para mostrar las líneas de las manos cuando estaban frente a otro personaje o realizando algún tipo de contacto”.

El equipo de masas también se enfrentó a varios problemas. “Tuvimos que averiguar la forma de trabajar con grandes grupos de personajes volumétricos”, dice el supervisor técnico de masas Michael Lorenzen. “Desarrollamos muchos programas informáticos para que todo funcionara. Los volúmenes son mucho más pesados de renderizar; llevan mucho tiempo. Hicimos algunos cambios en la forma de procesarlos”.

En El Más Atrás, los MENTORES ayudan a las nuevas almas a encontrar su chispa. Los Orientadores llevan generaciones emparejando mentores con nuevas almas. “Han trabajado con personas como Abraham Lincoln, Mahatma Gandhi, Aristóteles, Copérnico, María Antonieta y muchos otros”, dice el jefe de la historia Trevor Jiménez. “Pueden llevarlos al Salón de Tú, donde un mentor muestra su vida para inspirar a las nuevas almas”.

En general, los mentores, gracias a su sabiduría y a su experiencia de la vida, pueden llevar a las nuevas almas de manera segura y feliz a la Tierra. Pero hay una nueva alma llamada 22 a la que no le gusta nada colaborar a pesar de la ayuda que le han prestado una infinidad de mentores. Cuando Joe Gardner llega al Más Atrás, lo confunden con un mentor y acaban emparejándolo con 22.

“Normalmente, seleccionamos un par de rasgos distintivos como la forma del pelo o algo que vestían en la tierra para diferenciar a los mentores de las nuevas almas”, dice Pilcher, que añade que la experiencia de la vida que tiene un mentor también les otorga su color de ojos, sus brazos y sus piernas terrenales.

Las ALMAS PERDIDAS deambulan por el Plano Astral mientras sus yos terrenales luchan por liberarse de la obsesión. “Algunas personas se ven atrapadas en algo que no siempre es malo: cocinar, los videojuegos, el arte”, dice el director Pete Docter. “Pero si lo haces excluyendo el resto de las cosas que conforman la vida, podrías convertirte en un alma perdida”.

El codirector Kemp Powers añade: “Cuando un alma perdida se cura y vuelve a conectarse con su cuerpo, la persona en la Tierra experimenta una especie de revelación. Es como tener una nueva oportunidad emocional en la vida”.

Según Pilcher, el aspecto de las almas perdidas representa una prisión psicológica restrictiva autoimpuesta. “Están envueltos en el polvo de estrellas, parecido a la arena, de color azul oscuro, que forma el Plano Astral”, dice Pilcher. “El alma se encierra en una forma parecida a una concha, más grande y algo lenta, que impide que pueda expresarse libremente”.

La supervisora de personajes Junyi Ling dice que trabajaron con los decorados y los equipos de iluminación para desarrollar un sombreador de arena para las almas perdidas. “El material es bastante translúcido y brillante y tiene algo de sobrenatural”, dice Ling. “Se dispersa debajo de la superficie y tiene una especie de destello. Queríamos que ese destello se pudiera identificar visualmente”.

LA GRAN CIUDAD Y EL MÁS ALLÁ

Los realizadores crean dos mundos distintos: De la avezada y descarnada Nueva York a los Reinos Cósmicos Etéreos

“Soul» se ambienta en dos mundos perfectamente identificables: Nueva York y el mundo totalmente imaginario de El Más Atrás. “En cierto sentido, hemos creado dos películas distintas”, dice la productora Dana Murray. “Cada uno debía tener un estilo propio totalmente identificable. Estos mundos son completamente diferentes, una gran ciudad que vive a un ritmo frenético y una tierra etérea imaginaria. Pero ambos te dejarán boquiabierto”.

El director Pete Docter eligió la relación de aspecto cinematográfica 2.39 para “Soul”, la primera vez que lo hacía en sus películas. “Estaba entusiasmado con las posibilidades compositivas y cinematográficas que le brindaba esta relación de aspecto de pantalla panorámica”, dice el director de fotografía Matt Aspbury. “Le pareció que la inmensidad del Más Atrás se entendería mejor de esa manera”.

“¡Esto es Nueva York! No te paras en medio de la calle. ¡Venga! ¡Venga! ¡Venga!”

NUEVA YORK

Los realizadores querían ambientar «Soul» en una ciudad reconocible para que esta parte de la película resultara realista. “En cuanto optamos por el jazz, empezamos a explorar Nueva York”, dice Docter. “Aunque el jazz no se originó allí, Nueva York es la capital del jazz en Estados Unidos. Es el epicentro cultural que aglutina a inmigrantes e influencias de todo el mundo. Es un lugar rico y vibrante para ambientar una película”.

Según el codirector Kemp Powers, la conexión de la Gran Manzana con el jazz era muy fuerte. “El jazz es un estilo musical que solo se da en Estados Unido, y Nueva York tiene una historia del jazz muy potente. De hecho, algunos de los músicos más famosos se han dado a conocer gracias a sus actuaciones en Nueva York.

“Pero no se trata solo de la música”, continúa diciendo Powers, que creció en la ciudad. “Se trata del dinamismo que desprende ese mundo. ‘Soul’ es una historia sobre el significado de la vida y las conexiones que hacemos entre nosotros. En Nueva York, las personas chocan -literalmente- entre sí. La diversidad es visualmente evidente en cada calle. No hay otro lugar como este”.

Powers añade que la forma de representar Nueva York y los lugares que aparecen en la película eran muy importantes para él. “Puedes ser universal pero también muy local”, dice. “Era muy importante que Nueva York fuera un gran crisol de ciudades, pero también era importante que Joe pudiera pasar por zonas mayoritariamente afroamericanas; me pareció que aportaría autenticidad cultural al personaje y haría que toda la historia cobrara vida”.

Los realizadores querían que los edificios de Nueva York parecieran auténticos y eso significaba que no podían ser perfectos y prístinos. Según el diseñador de producción Steve Pilcher, el mundo humano tenía que reflejar la experiencia de Nueva York. “Tiene fuerza, presencia física y refleja su naturaleza local tan terrenal”, dice. “La ciudad tiene una manera muy táctil de expresar su historia a través del maravilloso desgaste de la vida. Los edificios, las barandillas y las aceras están erosionados por la naturaleza y la interacción humana. Nada es realmente perfecto en ese mundo. Es muy orgánico e interesante. El contraste entre la Tierra y el mundo de las Almas fue el hilo conductor de todas nuestras decisiones visuales”. 

El director de arte de sombreado Bryn Imagire, quería que la edad y la historia de la ciudad fueran visibles. “Hablamos sobre la antigüedad de un edificio, cuántas capas de pintura acumula a lo largo de su vida, los residuos minerales, los excrementos de palomas, todo añade dimensión”, dice Imagire. “Se trata de la vida de Joe y del paso del tiempo así que era muy importante reflejar esas sensaciones en los sets”.

La textura, la aspereza y la edad constituyeron el contraste perfecto con El Más Atrás. El director de fotografía Matt Aspbury tuvo en cuenta ese contraste desde el principio de la producción. “Sabíamos que queríamos filmar los dos mundos de manera diferente”, dice Aspbury. “Para las secuencias en Nueva York nos inspiramos mucho en las películas con lentes de largo alcance de los años 70 en lo que respecta a la distorsión, las aberraciones; nos gustaba mucho el aspecto y el feeling que tienen.

“Nueva York tiene tantos detalles; es muy táctil”, continúa diciendo Aspbury. “Así que en muchas tomas rodamos con lentes de mayor alcance y con poca profundidad de campo para asegurarnos de que el foco estaba en nuestros personajes”.

El equipo de Aspbury utilizó un paquete de lentes anamórficos para reflejar el aspecto de las películas clásicas de acción real que sirvieron de inspiración. Introdujeron el caos en la cámara para resaltar las secuencias en las que Joe corre por la ciudad y en esas tomas donde se veían calles bulliciosas y ruidosas.

De hecho, un elemento clave de las tomas de la ciudad fue la gente. “Una ciudad como Nueva York necesita toneladas de personas que se mueven de forma muy singular”, dice el supervisor técnico de masas Michael Lorenzen. “Se nos ocurrieron pequeñas historias sobre lo que está sucediendo en segundo plano”.

El supervisor de animación de masas, Guillaume Chartier, añade: “Queríamos que nuestras masas reflejaran las de Nueva York, diversas en todos los sentidos”.

El gran número de personajes en segundo plano exigía un gran vestuario. La supervisora de simulación Tiffany Erickson Klohn afirma: “Son las prendas más complejas de personajes de masas que hayamos hecho jamás. Hay un total de 208 personajes de masas adultos, 16 adolescentes y cuatro niños. Creamos alrededor de 60 prendas diferentes para usar en más de 100 combinaciones únicas. Hay personajes con capas de camisetas, sudaderas con capucha, chaquetas largas, bufandas larguísimas, pelo largo… son muchísimas cosas”.

Los realizadores también dotaron de cierta actitud neoyorquina a los personajes de las masas. “Al principio de la película hay una secuencia en la que Joe corre para llegar a su audición”, dice Chartier. “Tiene que esquivar a un montón de gente. Le pregunté a Pete [Docter] si quería que la gente reaccionara y me dijo: ‘No, son neoyorquinos, no les importan esas cosas.’”

Sin embargo, según el director de arte de sombreado Bryn Imagire, muchas de esas escenas sí que necesitaban transmitir una sensación de caos. “Aunque solemos ver a muchos neoyorquinos vistiendo mucho negro, intentamos que el vestuario tuviera mucho color”, afirma Imagire. “En mi opinión, eso le dio un toque musical a los movimientos de la gente”.

LA BARBERÍA

“No hay otro lugar que sea más auténtico para la comunidad afroamericana que una barbería”, dice el codirector Kemp Powers. “En muchos sentidos, es el centro de la ciudad, sobre todo para los hombres afroamericanos. “Es un lugar donde se reúnen hombres de todos los ámbitos de la vida”.

Los realizadores visitaron varias barberías para capturar el aspecto de este lugar tan simbólico y sacaron varias conclusiones. “Las barberías suelen ser muy estrechas ya que en Nueva York el espacio es escaso”, dice el director de arte de sets Paul Abadilla. “También observamos una cosa que distingue a los barberos de los peluqueros: cuando trabajan, sus clientes miran en dirección opuesta al espejo, hacia los clientes que esperan, lo que fomenta la conversación y aumenta la sensación de comunidad”.

Para Powers, las escenas de la barbería también representan un hito tecnológico. “Pixar Animation Studios ha logrado cosas asombrosas a lo largo de su historia, desde la piel en ‘Monstruos, S.A.’ al agua en ‘Buscando a Nemo’”, dice Powers. “Pero a nivel personal, la idea de reproducir una maravillosa variedad de pelo negro, que tiene tantas texturas y colores increíbles, era una oportunidad demasiado tentadora y se convirtió en un elemento importante de la película”.

LA SASTRERÍA DE LIBBA

La relación entre Joe y su madre cobra vida en su sastrería, con la presencia destacada de sus tías honorarias. El entorno debía ser un reflejo de Libba y dejarnos ver que la tienda de Libba era el sustento de la familia cuando el padre músico de Joe no trabaja entre conciertos. “Es un lugar repleto de historias”, dice el diseñador de producción Steve Pilcher. “El amor de Libba por el color y su dominio de las telas se ponen de manifiesto en todas partes, así como su amor por la tradición y la familia”.

El supervisor de sets, Jun Han Cho, añade: “Queríamos asegurarnos de que el aspecto de su tienda tuviera sentido en el aspecto cultural. Colores intensos, formas de maniquíes decorativos. También tiene que ser un reflejo de Libba, así que es un espacio más acogedor. Lleva mucho tiempo allí, sus amigos vienen y pasan el rato. Hay un sofá y decorados muy bonitos de alguien que lleva años coleccionando y mostrando objetos”.

EL CLUB «THE HALF NOTE»

La investigación es una parte importante de las películas de Pixar y lleva a los realizadores a lugares tan dispares como vertederos o Escocia. “Soul” necesitó una de las investigaciones más profundas que haya realizado Pixar hasta la fecha. “Visitamos varios clubes de jazz”, dice Pilcher. “El Half Note es bastante fiel al tamaño típico de un club de jazz. No queríamos apartarnos de la tradición, la historia y la riqueza de los clubes. El ambiente es auténtico, pero contemporáneo. Fue un placer y un honor crear retratos de los Grandes del Jazz y colocarlos en las paredes del club”.

Cho añade: “Queríamos capturar esos escenarios íntimos de los clubs de jazz. Suelen ser unos sótanos muy bonitos a los que accedes por unas escaleras con espacios pequeños donde te sientes muy cerca de la música”.

Durante la audición de Joe en The Half Note, se desliza hacia lo que él denomina «La Otra Dimensión”. Los realizadores tenían que imaginar qué aspecto debía tener. “Es tremendamente subjetivo”, dice el supervisor de efectos Bill Watral. “Estudiamos fotos y cuadros para encontrar ese aspecto”.

Según Watral, las notas que tomaron generaron formas azul oscuro profundo en segundo plano. “La mano derecha, todos los arpegios que toca, están representados por formas geométricas rosas más pequeñas que discurren a su alrededor”, dice Watral. 

EL APARTAMENTO DE JOE

El diseño y la decoración del apartamento de Joe se asemejan al personaje en sí. “Se centra en su pasión por la música”, dice Cho. “Está claro que debía haber un piano, así que construimos el resto del apartamento alrededor de eso. Hay estanterías repletos de discos de vinilo, pero no hay un televisor”.

Imagire imaginó que la madre de Joe le había ayudado a decorar el apartamento, añadiendo almohadas con estampados animal-print. “Desprende una sensación de locura y misterio”, dice Imagire. “Y repite un patrón que vemos en el vestido de Dorothea, que es justo la persona a quien Joe quiere emular”.

“¿El Más Atrás?”

“No, ahora lo llamamos El Seminario del Tú. Un cambio de imagen”.

EL MÁS ATRÁS

En «Soul», los realizadores pudieron basarse en la vida real que discurre en la gran cuidad en las escenas de Nueva York. Pero en el caso del Más Atrás tuvieron que partir de cero. “Es maravilloso crear mundos como éste pero también es un gran desafío, porque pueden ser cualquier cosa”, dice el director Pete Docter. “Era muy importante que fuera un reflejo del personaje principal y de la historia que estábamos contando sobre él. Joe está convencido de que nació para ser músico, así que este mundo se diseñó para amplificar su manera de pensar: las almas reciben personalidades e intereses”.

El supervisor de efectos visuales Michael Fong señala que al principio, los realizadores utilizaron palabras como impresionista y etéreo para describir ese mundo. “No sabíamos muy bien lo que significaba eso o cómo sería el mundo al principio. Pasamos mucho tiempo experimentando y explorando posibilidades”, dice Fong. “Después descubrimos que podíamos crear ambientes impresionistas y etéreos generando formas suaves a partir de combinaciones de volúmenes, partículas y líneas. A los realizadores les encantó que los bordes suaves de los objetos parecen mezclarse entre sí”.

Según el diseñador de producción Steve Pilcher, la clave del aspecto de ese mundo fue un tipo especial de suavidad. “Casi todo tiene cierto nivel de difuminado”, dice. “Hay algo que parece hierba, pero en realidad no es hierba. Es suave, casi como una pluma, translúcido en su forma de moverse. Todo es muy suave y etéreo y tiene algo transparente. Es una paleta predominantemente pastel, poco saturada”.

La célebre imaginación de Docter está plenamente representada en el mundo. “De las películas anteriores de Pete como ‘Up’ y ‘Del revés (Inside Out)’ se puede deducir que le chifla la animación y le encanta rebasar los límites de lo que puede hacer”, dice el productor ejecutivo Dan Scanlon. “Pero en el caso de ‘Soul’, él y su equipo se esforzaron por llegar más lejos que nunca. Querían mostrar al público un mundo que no habían visto nunca en la forma del Seminario del Tú. Para Pete y su equipo, mostrar algo nuevo residía más en la contención que en añadir mucha parafernalia. El mundo es engañosamente simple, con formas grandes y atrevidas muy bonitas, edificios abstractos que no se parecen a ninguno que se pueda ver en la Tierra. Se necesitan agallas para comunicar una idea con menos cosas. Pero si se hace bien, se acaba diciendo mucho más”.

El supervisor de sets Jun Han Cho, dice que construir un mundo desde cero es apasionante a la vez que abrumador. “Si queríamos colocar una colina, primero teníamos que preguntarnos de qué estaba hecha», dice Cho. “No nos podíamos basar en la hierba o en la tierra porque está hecha de otra cosa y necesitábamos averiguar qué era. ¿Es brillante? ¿De qué color es? Es como inventar una lengua totalmente nueva”.

Al mismo tiempo, los realizadores querían que este mundo resultara sutilmente reconocible para los cinéfilos. “Tenemos nuestras versiones de árboles, edificios, césped”, dice Cho. “Ese tipo de familiaridad permite que la gente comprenda mejor lo que se supone que es este lugar”.

A diferencia den las secuencias de Nueva York, el director de fotografía Matt Aspbury utilizó un paquete de lentes esféricas para El Más Atrás. El movimiento de la cámara también fue coreografiado para reforzar el feeling que querían transmitir. “Pete [Docter] quería que pareciera un entorno muy sereno, controlado y etéreo”, dice Aspbury. “Todo es suave. La cámara refleja ese feeling de una manera muy flotante, casi ingrávida”.

Los realizadores consultaron con el aclamado director de fotografía Bradford Young. “Insistí en que todos los que están relacionados con la cámara intentaran crear un homenaje visual a la música”, dice Young. “Tienes que ser libre y vulnerable”.

Según el director de fotografía Ian Megibben, la iluminación se inspiró en las nuevas almas. “Intentamos evocar la idea del amanecer, de un nuevo día”, dice Megibben. “Siempre tiene el aspecto que hay a primera hora de la mañana: tonos pastel intensos, muy brillantes y coloridos.

“Está hecho de materiales que no son superficies duras”, continúa diciendo Megibben. “Todo es suave. Usamos una mezcolanza de técnicas de renderizado para obtener ese aspecto etéreo y volumétrico”.

El Más Atrás, también conocido con el nombre de Seminario del Tú, es la base de operaciones de los Orientadores que trabajan diligentemente para dotar a las nuevas almas de todo lo que necesitan para ir a la Tierra. Dentro de Seminario del Tú, las nuevas almas visitan un gran número de destinos.

“Lo primero es el Pabellón Excitable. ¡Vosotros cuatro, adelante! Vosotros cinco os quedáis fuera. Y vosotros dos. ¿Por qué no?”

PABELLONES DE PERSONALIDAD

Los pabellones de personalidad son edificios individuales donde las nuevas almas se dirigen para obtener su personalidad. Según el director de arte de sets Paul Abadilla, cada pabellón es una representación abstracta del rasgo de la personalidad. “Dejamos algunos a la imaginación porque hay tantas posibilidades”, dice Abadilla. “Pero nuestros pabellones de héroes utilizan formas icónicas: el Pabellón Aloof, por ejemplo, parece una nariz apuntando hacia arriba. Es un breve apunte que se apoya en las interpretaciones de los personajes”.

GALERÍA DEL TÚ

En la Galería del Tú los mentores pueden compartir sus historias vitales con nuevas almas. El entorno está diseñado para parecerse a un museo, con imágenes y viñetas que representan momentos clave de la historia de un mentor.

GALERÍA DEL TODO

La Galería del Todo es una colección de todo lo que hay en la Tierra que inspira a nuevas almas en busca de su chispa. Pilcher afirma: “Blanqueamos el color de la Galería del Todo, donde las almas van a interactuar con posibles intereses. Todo es reconocible, pero no hay ningún color a menos que interactúes con él”.

“Se supone que es la interpretación de lo que creen los Orientadores que es el mundo humano”, añade Michael Fong, supervisor de efectos visuales.

PLANO ASTRAL

Junto al Seminario Tú, el Plano Astral es donde Místicos Sin Fronteras intentan salvar a las almas perdidas de forma activa. “El terreno está inspirado en la arena mágica con la que juegan los niños”, dice Abadilla. “En el universo de las almas todo está hecho de este material compuesto de partículas brillantes. Mientras que El Seminario del Tú está construido de forma más matemática, el Plano Astral es más orgánico”.

La arena astral necesitaba moverse de una forma concreta, sobre todo cuando el barco de Moonwind la atravesaba. Aquí entran en juego el supervisor de efectos Bill Watral y su equipo. “La idea es que sea una construcción mental de lo que crees que es cuando estás allí… puede ser cualquier cosa”, dice Watral. “A medida que el barco empuja la arena, se mueve de una forma física que no se basa en la realidad y se congela, tomando las formas del entorno que le rodea. También creamos un pase brillante para todo. Controlamos cuidadosamente dónde están esos destellos en todo el mundo”.

LA OTRA DIMENSIÓN

Los realizadores recurren a Trent Reznor y Atticus Ross para crear una banda sonora espectacular y a Jon Batiste para la música jazz 

“Si vuelves a ver las primeras películas animadas con sonido”, dice el director Pete Docter, “te das cuenta de que existe una conexión real con la música jazz. Es rítmica, es interesante escucharla, y es real. Siempre me produce una gran alegría oír y ver algo que está sincronizado al mismo tiempo. Creo que eso fue lo que atrajo a algunos de los primeros artistas de animación al jazz. Se dieron cuenta de lo bien que se sincronizaría con lo que estaban intentando hacer en el terreno visual”.

Cuando Docter y los realizadores de Pixar Animation Studios empezaban a desarrollar “Soul”, no estaban seguros de qué sería lo que persigue Joe con tanta pasión. “Necesitábamos que Joe hiciera algo que representara lo que da significado a una vida, algo con lo que todos podemos identificarnos», dice Docter. “¿Y si es un científico o un hombre de negocios? Y luego, casi por casualidad, encontramos este video de una clase magistral online de la leyenda del jazz Herbie Hancock”.

“Cuando trabajaba con Miles Davis me pasó algo increíble.», decía Hancock en el video, “Toqué algo que técnicamente estaba mal. Y fue en medio de un concierto que era el mejor concierto de esa gira. Nos lo estábamos pasando genial. Y en medio de una de las canciones, durante la canción de Miles, toqué muy mal un acorde. Pensé que lo había echado todo a perder. Miles respiró hondo, tocó algunas notas y rectificó mi acorde. No sé cómo lo hizo, pero sonaba a magia. Tardé años en comprender lo que había sucedido. Y lo que sucedió es que yo juzgué lo que había tocado pero Miles no lo hizo. Miles simplemente lo aceptó como algo nuevo que había sucedido. E hizo lo que cualquier músico de jazz siempre debería intentar hacer: convertir cualquier cosa que ocurra en algo de valor”.

“Cuando escuchamos eso”, dice Docter, “pensamos que no solo era una gran historia, sino también una metáfora perfecta de la vida. Nos pareció que el jazz también es la representación perfecta. Así que Joe tenía que ser músico de jazz”.

Aunque la música siempre es una parte importante de las películas de Pixar, como por ejemplo Randy Newman y las películas de «Toy Story», o «Coco», la carta de amor a México de 2017, se convirtió de forma instantánea en una parte fundamental de la historia de «Soul”.

Los realizadores querían representar este género musical de forma auténtica así que contrataron a profesionales del mundo del jazz como Hancock, Daveed Diggs, Ahmir “Questlove” Thompson y la baterista, compositora, productora y divulgadora de jazz estadounidense Terri Lyne Carrington. “Ya lo tenían muy claro en el guion cuando me incorporé al proyecto”, dice Carrington. “Lo que yo quería es que la película capturara la alegría de la música, la alegría de los músicos. Muy a menudo el dolor y las dificultades se asocian al blues, al jazz e incluso a la música negra moderna, así que fue genial que su enfoque quisiera centrarse en la parte alegre”.

Los dos mundos que se crean en “Soul” exigieron dos estilos distintos de música que ayudan a dar forma y a definir cada mundo. Jon Batiste, un músico de prestigio mundial, es el responsable de las composiciones y arreglos de jazz originales de la película, y los ganadores del Oscar® Trent Reznor y Atticus Ross («La red social») de Nine Inch Nails han compuesto una banda sonora original que oscila entre el mundo real y el mundo de las almas.

JON BATISTE

“Crecí con los dibujos animados de Snoopy y Carlitos y con la música de Vince Guaraldi”, dice Docter. “Me da la impresión de que corre por mis venas, y esta es nuestra versión de eso. Jon Batiste es un músico maravilloso. Además es un historiador que es capaz de llevar la música más lejos, aportando todas esas diferentes influencias a su trabajo. Espero sinceramente que la música jazz de ‘Soul’ inspire a toda una nueva generación”.

Según Batiste, la música se escribió teniendo eso en mente. “Todas las composiciones están influenciadas por los más de cien años de historia de música jazz, lo que le da al oyente muchos puntos de referencia”, dice Batiste. “Es una forma sutil de rendir homenaje a ese tipo de sonidos y al mismo tiempo darlo a conocer a un público totalmente nuevo”.

Batiste seleccionó una banda multi-generacional de músicos que abarca cuatro generaciones, incluidas leyendas vivas como el baterista de 95 años Roy Haynes, que tocó con Charlie Parker y Louis Armstrong, entre otros, así como con algunos de los músicos jóvenes más destacados del panorama actual. “Formar ese tipo de banda era muy importante para mí porque aporta a las sesiones la riqueza de un gran legado y también una profundidad mítica”, dice Batiste. “Es el relevo de la antorcha”.

Al codirector Kemp Powers, ese enfoque de que lo viejo es lo nuevo le pareció muy atractivo. “Algunas personas piensan que el jazz es una manifestación artística antigua”, dice Powers. “Lo que me gusta de la actitud de Jon Batiste es que cuando le hablas de jazz, él dice que el jazz es el tipo de música más nuevo que existe. Lo creas literalmente cuando lo tocas y no hay nada más nuevo que eso”.


Batista se identifica de forma natural con el protagonista. “Soy una persona musical de forma innata. Siempre escucho y analizo lo que ocurre a mi alrededor en el contexto de la música, incluso cuando no estoy tocando”, dice. “Joe también tiene esta cualidad. Pero al final, Joe comprende que la vida es algo más que la música. También me identifico con eso. Fue muy importante darme cuenta de eso cuando era un músico joven. Tuvo un impacto profundo en mí. Lo que tocamos es vida, y tenemos que saborear la vida para que surja del instrumento”.

Cuando llegó la hora de grabar las pistas, salió a relucir el enorme talento de Batiste. “Tocaba algo que por alguna razón no sonaba bien del todo”, dice el montador Kevin Nolting. “Pete hablaba con él, y en unos segundos repetía la misma pista y hacía que encajara perfectamente con la película”.

TRENT REZNOR & ATTICUS ROSS

“Soul” representa la primera vez que Reznor y Ross componen música para una película animada. Pero su enfoque no fue diferente a su trabajo para otras películas. Reznor señala: “Lo primero que hacemos siempre es escuchar e intentar comprender de dónde parten los realizadores: qué están viendo, qué están imaginando. Pasamos mucho tiempo hablando de lo que se supone que sientes cuando ves por primera vez el mundo de ‘Soul’. Después volvimos a nuestro estudio, que está lleno de muchos instrumentos reales, imaginarios y sintéticos, y pasamos una primera fase experimentando con diferentes arreglos e instrumentos y viendo lo que encajaba emocionalmente para crear el tejido de ese mundo”.

Según Ross, querían ayudar a diferenciar las diferentes áreas de ese mundo. “Está el Más Atrás, El Más Allá, El Plano Astral, El Seminario del Tú”, dice Ross. “Cada lugar necesitaba tener su propia identidad”.

Para crear el sonido adecuado, los artistas recurrieron a los sintetizadores, pero trataron todo como si fueran instrumentos tradicionales. “Los grabamos en multipista como si estuviéramos tocando con una orquesta”, dice Reznor. “A lo largo de los años hemos creado algunas técnicas cuyos sonidos no parecen especialmente de nuestro mundo, pero que no dejan de ser acogedores, orgánicos y naturales”.

Según Docter, ese enfoque tan singular coincidía exactamente con lo que necesitaba la película. “Queríamos que la banda sonora de esta película no se pareciera a ninguna otra película de Pixar”, dice Docter. “Nos encantó la idea de trabajar con Trent y Atticus porque sabíamos que nos transportarían a lugares en los que no habíamos estado nunca. Su enfoque tan singular sobre el sonido y el proceso creativo hizo que trabajar con ellos fuera tremendamente inspirador”.

ELABORANDO LAS ACTUACIONES

El jazz es un aspecto tan importante de «Soul» que los realizadores querían asegurarse de que todas las actuaciones fueran auténticas. Este enfoque implicó la participación de varios departamentos y cientos de horas de trabajo para lograr la aprobación de los músicos de jazz.

Se tomaron muchas imágenes de referencia utilizando múltiples ángulos de cámara, incluidos primeros planos de las manos del músico tocando las teclas del piano y el saxofón, así como el bajo y la batería. “En cada una de esas tomas -algunas de ellas compuestas de miles de fotogramas- dimos mucha importancia a la veracidad del contenido”, señala el director de fotografía Matt Aspbury.

La productora Dana Murray añade: “La autenticidad que logramos con Joe al piano y Dorothea al saxofón fue uno de los aspectos más destacados de toda la actuación. Te pierdes en las actuaciones, te pierdes en la música, y eso es justo lo que queríamos conseguir”.

EL REPARTO DE VOCES

JAMIE FOXX (voz de Joe Gardner) es un actor, cantante y monologuista que ha obtenido numerosos premios. 

Foxx ganó recientemente el premio al mejor de reparto en una película en los Premios NAACP Image, y recibió una nominación al premio SAG® a la destacada actuación de un actor masculino en un papel de reparto por su fascinante interpretación en «Cuestión de justicia» para Warner Bros.

Actualmente, podemos ver a Foxx en «Project Power« de Netflix que se estrenó el 14 de agosto.  Foxx está produciendo y protagonizará «They Cloned Tyrone» y es productor ejecutivo y protagonista de la serie de comedia padre/hija de Netflix titulada “Dad Stop Embarrassing Me”, que se basa en su relación con su hija mayor, Corinne Foxx, que también produce la serie.

Se anunció recientemente que Foxx tiene un acuerdo general con Sony Pictures Entertainment para desarrollar y producir largometrajes.

TINA FEY (voz de 22) sigue cosechando aplausos por las siete temporadas de la icónica e innovadora serie de comedia «Rockefeller Plaza (30 Rock)» de NBC en la que ejerce de productora ejecutiva, guionista principal además de ser la protagonista. La serie ha ganado tres Emmy® (2007, 2008, 2009). Su interpretación de Liz Lemon le valió a Fey un Emmy, dos Globos de Oro®, cuatro Premios SAG® y un Premio People’s Choice. En 2009, «Rockefeller Plaza (30 Rock)» fue nominada a la cifra record de 22 Premios Emmy, más que cualquier otra serie de comedia de televisión en una sola temporada. De 2012 a 2013, recibió un total de 13 nominaciones por su última temporada, seis de las cuales fueron nominaciones individuales para Fey.

Antes de crear «Rockefeller Plaza (30 Rock)”, Fey realizó nueve temporadas como guionista principal, miembro del reparto y co-presentadora de «Weekend Update» un segmento de «Saturday Night Live”. Fey ha ganado un Emmy® y dos Premios del Sindicato de Guionistas por sus textos para «Saturday Night Live» y en 2009 ganó un Emmy por su aparición como artista invitada en una serie de comedia por su retrato de Sarah Palin en la temporada 2008-2009 de “SNL”. Fey también hizo historia en los Emmy de 2016 cuando ella y Amy Poehler se convirtieron en las primeras ganadoras conjuntas al premio de mejor actriz invitada en una serie de comedia por su aparición como copresentadora en «SNL».

Fey se inició en el cine en la primavera de 2004, como guionista y actriz en la comedia de éxito «Chicas malas”, que le valió una nominación a los Premios del Sindicato de Guionistas al mejor guión adaptado. En la gran pantalla, Fey actuó junto a Amy Poehler en la película «Mamá de alquiler» de Universal Pictures, que superó una recaudación de 50 millones de dólares en las taquillas norteamericanas. En 2010, Fey protagonizó la película «Noche loca» de 20th Century Fox junto a Steve Carell, y fue una de las voces de “Megamind”, la película animada de DreamWorks.

En abril de 2011, Fey publicó su primer libro titulado «Bossypants», que encabezó la lista de bestsellers del New York Times, donde estuvo 39 semanas consecutivas, y recibió una nominación al GRAMMY® al mejor álbum hablado. “Bossypants» se publicó en formato de libro de bolsillo en enero de 2012 y ha vendido más de 3,75 millones de ejemplares.

En 2015, Fey y su socio de escritura Robert Carlock fueron coproductores ejecutivos y crearon la exitosa comedia original de Netflix “Unbreakable Kimmy Schmidt”, protagonizada por Ellie Kemper. La serie fue nominada en la categoría de mejor comedia en los 67 Primetime Emmy Awards, con cuatro nominaciones al reparto, incluida una nominación a mejor actriz invitada para Fey. Después de cuatro temporadas de éxito, el programa realizó el primer especial interactivo de comedia titulado “Unbreakable Kimmy Schmidt: Kimmy vs The Reverend” para Netflix, una emocionante conclusión de la serie. El especial se estrenó en Netflix el 12 de mayo.

En 2018, la adaptación de Fey para Broadway de «Chicas malas» se estrenó en el August Wilson Theatre. Dirigida por Casey Nicholaw y con música escrita por su marido Jeff Richmond, la obra recibió 12 nominaciones a los premios Tony®, incluido el de mejor libreto para Tina Fey.

Fey está trabajando en «Untitled Mayor Project» de NBC, que está escribiendo y del que es productora ejecutiva con Carlock. Fey y Carlock también son productores ejecutivos de “Girls5Eva”, una serie de comedia para la próxima plataforma de transmisión de NBCU, Peacock. Netflix también ha encargado 20 episodios de la serie de comedia animada “Mulligan”, en la que Fey es productora ejecutiva junto con los guionistas Carlock y Sam Means y Universal Television. “Mulligan” representa el tercer proyecto que Fey está desarrollando con NBCUniversal. 

Fey vive en Nueva York con su marido, Jeff Richmond, y sus dos hijas.

GRAHAM NORTON (voz de Moonwind) es uno de los presentadores más populares del Reino Unido y ha ganado casi todos los premios de televisión, incluidos numerosos premios BAFTA, premios nacionales de televisión y Premios International Emmy®. Su trabajo como presentador de programas de entrevistas en el Reino Unido comenzó en Channel 4 a finales de los 90 con «So Graham Norton» y «V Graham Norton», y continúa ahora en BBC1 con «The Graham Norton Show”. Desde que se trasladó a la BBC, ha presentado numerosos programas de éxito, incluidos los BAFTA de Cine, los BAFTA de Televisión, «Elton John confidencial», «Adele en la BBC», «How Do You Solve a Problem Like Maria», «Any Dream Will Do”, “I’Do Anything” y “Let It Shine”. Fue durante más de una década presentador del icónico “Festival de Eurovisión” y sigue presentando su propio programa de los sábados por la mañana en BBC Radio 2, que se ha convertido en el programa de radio individual mejor calificado de Europa. Más recientemente, Graham apareció como juez en el gran éxito “Ru Paul’s Drag Race UK” (BBC).

Como escritor, Norton ha escrito dos libros memorias que han cosechado un gran éxito. Su primera novela «Holding» se publicó en 2016 con gran éxito comercial y de la crítica, y su segunda novela, «A Keeper», fue un bestseller de la lista del Sunday Times y fue preseleccionada para los Premios Nacionales del Libro. Su tercera novela, “Home Stretch” se publicó a principios de octubre. 

RACHEL HOUSE/Ngāi Tahu, Ngāti Mutunga (voz de Terry) es una de las actrices más prestigiosas de Nueva Zelanda. Atesora una larga carrera plagada de éxitos tanto a nivel local como internacional en el cine, el teatro y la televisión.  Entre las películas más destacadas de su carrera cabe destacar «Vaiana», «Thor: Ragnarok», «Boy», «Hunt for the Wilderpeople, a la caza de los ñumanos» y «Penguin Bloom”. También es conocida por poner su voz en «Sherwood», «La Guardia del León» y «Underground Uglies”. 

Como preparadora de actores, también ha trabajado junto a Jane Campion en «Top of the Lake» y «The Power of the Dog», y con Taika Waititi en «Boy», «Hunt for the Wilderpeople, a la caza de los ñumanos», «Jojo Rabbit» y «Next Goal Wins”.

Rachel House también es una galardonada directora de teatro, particularmente por la versión maorí de «Troilo y Crésida» que se representó en el Globe Theatre de Londres. Estudió en la escuela de cine de Praga, donde ganó el premio al mejor director y el premio del público por sus dos cortometrajes. Rachel House ha dirigido anuncios publicitarios para ASB con Curious films y para Auckland Transport con Adrenalin, dirigidos concretamente a la seguridad vial de jóvenes maoríes, que también escribió. Estos anuncios publicitarios de muy bajo presupuesto se volvieron virales y obtuvieron más de un millón de visitas.

House también ha sido galardonada con los premios Arts Laureate, NZOM, Mana Wahine (WIFT) y Te Waipuna a rangi (premios Matariki) como actriz y directora.

ALICE BRAGA (voz de Jerry) es una actriz y activista brasileña conocida por sus destacados papeles en películas como “Ciudad de Dios”, “A ciegas”, y en televisión por el papel de Teresa Mendoza que retoma en la serie “Queen of the South (Reina del Sur)” de USA Network. Actualmente, Braga protagoniza la miniserie dramática de HBO/Sky de Luca Guadagnino «We Are Who We Are», La serie de ocho episodios es uno de los dramas de mayor prestigio de HBO en la temporada televisiva de otoño. En la gran pantalla, vimos por última vez a Braga en el thriller de 20th Century Studios “Los Nuevos Mutantes”, dirigido por Josh Boone junto con un reparto que incluye a Charlie Heaton, Anya Taylor Joy, Maisie Williams y Blu Hunt. El año que viene veremos a Alice Braga protagonizando «El Escuadrón Suicida», cuyo estreno está previsto para finales del verano de 2021.

Otros créditos destacados en cine y televisión incluyen “La cabaña” de Stuart Hazeldine, junto a Sam Worthington, Octavia Spencer y Tim McGraw; «El duelo» de Kieran-Darcy Smith, coprotagonizada junto a Woody Harrelson y Liam Hemsworth; «Cinturón rojo” de David Mamet junto a Chiwetel Ejiofor y Emily Mortimer; «Territorio prohibido” de Wayne Kramer, con un reparto liderado por Sean Penn y Harrison Ford; la exitosa película de Francis Lawrence, «Soy leyenda», junto a Will Smith; el drama futurista de Neill Blomkamp «Elysium» junto a Matt Damon, Jodie Foster y Sharlto Copley; «En la carretera” de Walter Salles, basada en el libro de Jack Kerouac con Kristen Stewart, Kirsten Dunst, Amy Adams y Garrett Hedlund; el thriller de Mikael Hafstrom «El rito» junto a Anthony Hopkins; el thriller de Miguel Sapochnik “Repo Men” junto a Jude Law y Forest Whitaker; la película de Nimrod Antal «Predators» junto a Adrien Brody; «Sólo Dios sabe” de Carlos Bolado, junto a Diego Luna, así como el fascinante drama “Cidade Baixa».

Alice Braga es una activista que lucha contra el cambio climático y trabaja en estrecha colaboración con la organización Greenpeace para ayudar a luchar por un mundo más verde y saludable para nuestros océanos, bosques, alimentos y democracias. Braga habla portugués, español e inglés con fluidez.

RICHARD AYOADE (voz de Jerry) es un monologuista, actor, escritor y director ganador de múltiples premios. Al éxito de «Dark Place» de Garth Marenghi, que coescribió, dirigió y protagonizó, le siguió su papel ganador de un premio BAFTA en «The IT Crowd (Los Informáticos) » y muchos otros créditos televisivos como «The Mighty Boosh”.

Ayoade escribió y dirigió la película nominada al BAFTA «Submarine» y escribió y dirigió «The Double», protagonizada por Jesse Eisenberg. Presentó “Travel Man” y “The Crystal Maze” para Channel 4 y ha publicado tres libros, “Ayoade on Ayoade”, “The Grip of Film” y “Ayoade on Top”, todos en la editorial Faber & Faber.

PHYLICIA RASHAD (voz de Libba) es una consumada actriz y directora de teatro que se dio a conocer cuando encarnó a Claire Huxtable en “El Show de Bill Cosby”. El duradero atractivo de su personaje le ha valido numerosos galardones y premios durante más de dos décadas. Rashad encarnó a Carol en «This Is Us» de NBC (nominaciones a los Emmy® en 2020 y 2019), a Diana Dubois en la popular serie de televisión de Fox «Empire», y a la Dra. Woods-Trap en la serie de OWN Network «David Makes Man»de Tarell Alvin McCraney ganadora del premio Peabody.

Aunque la televisión fue un catalizador en el ascenso de la carrera de Rashad, también ha brillado en los escenarios teatrales apareciendo en obras representadas en el Off-Broadway, donde suele hacer gala de su talento musical como «Jelly’s Last Jam», «Into the Woods”, “Dreamgirls” y “The Wiz”.

En 2016, Rashad fue incluida en el Salón de la Fama del Teatro y recibió el Premio Lucille Lortel de 2016 a la mejor actriz principal en una obra por su interpretación de Shelah en «Head of Passes» de Tarell Alvin McCraney en el Public Theatre, papel que retomó en el Mark Taper Forum de Los Ángeles. Rashad interpretó a la duquesa de Gloucester en “Ricardo II”, la colaboración de 2020 “Shakespeare on the Radio” entre The Public Theatre y la emisora de radio pública de Nueva York WNYC.

En Broadway, Rashad ha sido Violet Weston en «August Osage County», Big Mama en «El gato sobre el tejado de zinc» de Tennessee Williams (un papel que retomó en el escenario de Londres), la tía Ester en “Gem of the Ocean” de August Wilson, (nominación al premio Tony®) y la Reina de Britania en “Cimbelino” de Shakespeare en el Lincoln Center.

Rashad recibió tanto el Drama Desk como el premio Tony a la mejor actriz en una obra de teatro por su fascinante interpretación de Lena Younger en la reposición de Broadway de 2004 de “Un lunar en el sol” de Lorraine Hansberry. 

Entre los créditos cinematográficos de Rashad cabe destacar «Creed: La leyenda de Rocky» y «Creed II: La leyenda de Rocky», «Jugada perfecta» y «Good Deeds» de Tyler Perry, «For Colored Girls Who Have Considered Suicide/When The Rainbow Is Enuf» y el estreno de 2020 «A traición”. Sus próximos estrenos cinematográficos son “Soul” de Disney y Pixar y el musical navideño “Jingle Jangle”.

Rashad hizo su debut como directora de teatro en el Seattle Repertory Theatre con “Gem of the Ocean” de August Wilson que cosechó excelentes críticas. También ha dirigido la obra de Stephen Adly Guirgis “Our Lady of 121st Street” en el Signature Theatre,«The Roommate» en el Steppenwolf Theatre, «Ma Rainey’s Black Bottom» y «Joe Turner’s Come and Gone» (Premio NAACP Theatre de 2014 al mejor director) en el Mark Taper Forum, «Immediate Family» en el Taper and Goodman Theatre, “Fences”en el Long Wharf Theatre y en el McCarter Theatre, “Un lunar en el sol”en el Ebony Repertory Theatre, Kirk Douglas Theatre y Westport Country Playhouse, y “Four Little Girls”en el Kennedy Center.  Dirigirá una próxima reposición de «Blue» de Charles Randolph Wright en Nueva York en 2021.

Rashad es una respetada figura en el mundo académico y ha impartido clases magistrales en muchos colegios, universidades y organizaciones artísticas, incluida la Universidad de Howard, la Universidad de Nueva York, Carnegie Mellon, el Black Arts Institute of the Stella Adler Studio of Acting y en la prestigiosa Fundación Ten Chimneys creada en el Alfred Lunt and Lynn Fontanne Estate. Rashad también fue la primera destinataria de la Cátedra Denzel Washington de Teatro en la Universidad de Fordham.

El compromiso de Rashad con la excelencia en las artes escénicas ha sido reconocido por los numerosos colegios y universidades que le han otorgado Doctorados Honorarios, incluyendo la Universidad de Carolina del Sur en Columbia, la Universidad Brown, St. Augustine College, Providence College, Barber Scotia College, Clark Atlanta University, Morris Brown College, Carnegie Mellon University, Howard University y Fordham University.  Rashad también recibió un Doctorado Honorario del Spelman College, donde la Primera Dama Michelle Obama pronunció el discurso de graduación en 2011.

En 2015, Rashad recibió el premio BET Honors Theatrical Arts, el premio Spirit of Shakespeare del Chicago Shakespeare Theatre y el premio Inaugural Legacy del Ruben Santiago-Hudson Fine Arts Learning Center. Entre los numerosos premios que decoran sus paredes y estanterías se encuentran el Premio Will 2018 de la Shakespeare Theatre Company de Washington D.C., el Premio Mosaic Woman Legend de la revista Diversity Woman en 2014, la Medalla de las Artes de Texas, el Premio del National Council of Negro Women’s Dorothy L. Height Dreammaker, el Premio AFTRA’s AMEE a la Excelencia en el Entretenimiento, el Premio New York Women in Film and Television’s Muse a la Destacada Visión y Logros, el Premio Dallas Women in Film Topaz, y el Premio Lifetime Achievement que otorga el Pan African Film Festival.

Rashad es miembro de varias consejos de administración de entidades de prestigio como el Brainerd Institute Heritage, que dirige la restauración del Kumler Hall en el emplazamiento histórico del Brainerd Institute en Chester, Carolina del Sur, y DADA, la Academia de Danza Debbie Allen. Desde 2017, Rashad ha sido la embajadora del National Trust for Historic Preservation African American Cultural Heritage Action Fund. También es miembro fundadora de Black Theatre United (BTU).

Rashad se graduó magna cum laude de la Universidad de Howard y es madre de dos hijos adultos.

DONNELL RAWLINGS (voz de Dez) ha viajado por el mundo actuando en salas con las entradas agotadas con su espectáculo “2Soon with Donnell Rawlings”. Apareció en la película «Jay y Bob el silencioso: El reboot» y protagonizó el cortometraje de Kevin Smith del 2018 «Hollyweed”. Rawlings apareció en «The New Negroes» para Comedy Central, en Netflix en «Historical Roasts with Jeff Ross» y es actor recurrente en la serie nominada al Emmy® «It’s Bruno!». Rawlings apareció en el podcast «The Joe Rogan Experience» y en «The Last OG» de TBS con Tracy Morgan. Presentó su propio programa interpretando al Juez Rawlings en «Guy Court» de MTV2, y también fue miembro del reparto de «Guy Code» de MTV2. En 2016, Rawlings hizo gala de su versatilidad y contó su vida como padre primerizo en la primera temporada del exitoso programa de TLC «Project Dad”. Ha viajado por todo el mundo actuando junto a Dave Chappelle, con el que obtuvo su primer papel interpretando a Ashy Larry en “Chappelle’s Show” para Comedy Central.

AHMIR «QUESTLOVE» THOMPSON (voz de Curley) es batería, DJ, productor, empresario culinario, diseñador, autor de best-sellers que figuran en la lista del New York Times y miembro de The Roots, el grupo de hip-hop más influyente de Filadelfia que destaca por su inconfundible sonido. Es el director musical de «The Tonight Show Starring Jimmy Fallon», donde su grupo Roots es la banda del programa. Además, la indiscutible reputación de este músico ganador de cinco premios GRAMMY® le ha valido puestos de dirección musical con multitud de artistas que van de D’Angelo a Eminem y Jay-Z.

Questlove ha publicado cinco libros, incluido el best seller de la lista del New York Times «Mo ‘Meta Blues», «Soul Train: The Music», «Dance and Style of a Generation», el libro «somethingtofoodabout: Exploring Creativity with Innovative Chefs» nominado al Premio James Beard y ganador del premio AIGA 50 Books | 50 Covers, el best seller de la lista del New York Times y nominado al GRAMMY «Creative Quest», y su más reciente estreno «Mixtape Potluck”.

Questlove coprodujo la grabación del reparto original de Broadway ganadora del premio GRAMMY del musical «Hamilton» junto a Alex Lacamoire, Bill Sherman, Lin-Manuel Miranda y Tariq «Black Thought» Trotter. Questlove también fue productor musical ejecutivo y compositor en la miniserie de A&E “Roots”. 

Questlove y Black Thought of the Roots han sido productores ejecutivos de la aclamada serie documental «Hip-Hop: The Songs That Shook America» en AMC con su compañía de producción, Two One Five Entertainment.

Además, Questlove será el productor ejecutivo de un próximo musical de Broadway basado en «Soul Train», el icónico programa de variedades musicales que se emitió entre 1971 y 2006.

Questlove es conocido en el mundo culinario como autor de «somethingtofoodabout», como presentador de una serie de Food Salons con chefs innovadores y de renombre mundial en su apartamento del distrito financiero de en el edificio NY by Gehry, y por el lanzamiento de su nuevo proyecto, Questlove’s Cheesesteak™ realzado con Impossible™ 2.0 en más de 40 salas de Live Nation de todo el país, así como en estadios deportivos y de entretenimiento. También es un inversor en la fase inicial de Impossible Foods™, Ocean Huggers™ y Magic Cereal™.

Questlove ha aparecido como Juez Invitado en la temporada 11 de «Top Chef» y su interés por la comida y sus propios proyectos culinarios han aparecido en la portada del New York Magazine, en la revista Food & Wine, Bon Appetit y en «The View”, “Watch What Happens Live” y “Late Night with Jimmy Fallon”. Es miembro del City Harvest Food Council, miembro de la junta del Food & Finance High School (Food Education Fund) y del Consejo Asesor del Museum of Food and Drink (MOFAD). Questlove también es miembro fundador de la Fundación CAPA en Filadelfia. También coprodujo y fue presentador de un especial de estrellas de Food Network titulado «Questlove’s Potluck», que recaudó dinero para el Fondo de Alimentos de Estados Unidos durante la pandemia.

ANGELA BASSETT (voz de Dorothea Williams) es una actriz, directora y productora ejecutiva conocida por sus cautivadoras interpretaciones que rebosan dignidad y emoción. Fue una de las protagonistas de la icónica película «Black Panther», «Misión Imposible: Fallout», «Bumblebee» de Paramount, «911» y «Master of None”. Otros proyectos incluyen los largometrajes “Más que madres” de Netflix y “Planeta Tierra: ¿Somos historia?” de National Geographic, por el que recibió una nominación al Emmy® como narradora destacada. 

Bassett ha terminado el rodaje del próximo thriller de acción “Gunpowder Milkshake”. Además, recientemente fue nominada a dos premios Emmy como destacada narradora en «Imagineering Story: The Happiest Place on Earth» y como destacada actriz invitada en una serie de comedia en «A Black Lady Sketch Show”.  Bassett ha recibido un Globo de Oro® y varios premios NAACP Image; fue nominada a un Oscar®, a dos Screen Actors Guild Awards®, a seis Emmy y a nueve premios BET; y tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Fue nominada a un premio del Sindicato de Directores de América por su debut como directora, la película biográfica de Whitney Houston titulada «Whitney”. También hizo gala de su talento como directora en la popular serie antológica de terror «American Horror Story”.

DAVEED DIGGS (voz de Paul) es actor, rapero y productor ganador del Tony® y del GRAMMY®. Es muy conocido por su creación de los papeles duales de Thomas Jefferson y del Marqués de Lafayette en «Hamiton», el musical de éxito de Broadway.

Diggs también ha protagonizado la serie futurista de suspense de TNT «Snowpiercer» junto a Jennifer Connelly. La serie está basada en la aclamada película del director de «Parásitos» Bong Joon-ho y en la serie de novelas gráficas del mismo nombre. Ambientada más de siete años después de que el mundo se haya convertido en un páramo helado, «Snowpiercer» se centra en lo que queda de la humanidad, que habita en un tren gigantesco en constante movimiento dando la vuelta al globo terráqueo. La guerra de clases, la injusticia social y la política de supervivencia entran en juego en esta fascinante adaptación para la televisión. La serie se estrenó el 17 de mayo de 2020 y ya se ha firmado una segunda temporada.

Este verano, Diggs actuó junto a Kristen Bell, Josh Gad y Stanley Tucci en la nueva comedia musical animada de Apple TV “Central Park”. La serie narra la historia de una familia de vigilantes que vive y trabaja en Central Park. Los vigilantes acaban salvando el parque y también el mundo.

Diggs terminó recientemente la producción de la película independiente «The Starling» junto a Melissa McCarthy, y actualmente protagoniza la miniserie de televisión «El pájaro carpintero» de Showtime junto a Ethan Hawke. A principios de este año, pudimos ver en Disney+ las interpretaciones de Diggs en sus galardonados papeles de Thomas Jefferson y del Marqués de Lafayette.

En 2019, Diggs protagonizó junto a Jake Gyllenhaal el thriller de Netflix «Velvet Buzzsaw» y prestó su voz en «Green Eggs and Ham» de Netflix, «Undone» de Amazon y «Star Wars Resistance» de Disney XD.

En 2018, Diggs coescribió, produjo y protagonizó el largometraje de Lionsgate aclamado por la crítica «Blindspotting», que Peter DeBruge de Variety denominó «el enfoque cinematográfico más emocionante sobre las relaciones raciales contemporáneas desde ‘Haz lo que debas’ hace casi 30 años”. Eric Kohn de IndieWire definió a Diggs, que recibió una nominación al premio Independent Spirit por su actuación, como «una estrella de cine instantánea”. Tras el éxito de la película, Diggs está escribiendo y ejerciendo de productor ejecutivo del spin-off televisivo protagonizado por Jasmine Cephas Jones, actualmente en desarrollo en Starz.

En 2017, Diggs coprotagonizó la exitosa película de Lionsgate, «Wonder», junto a Julia Roberts y Jacob Tremblay, en una interpretación que le valió elogios como «irresistiblemente encantadora» y «profundamente compasiva”. También prestó su voz al personaje de Dos en la película animada de Blue Sky Studios «Ferdinand» junto a Kate McKinnon.

En televisión, Diggs ha prestado su voz a “Bob’s Burgers” de Fox, “Edendale” de Apple y “BoJack Horseman” de Netflix. Otros créditos televisivos incluyen la serie nominada al Emmy® de ABC «Black-ish», la exitosa comedia de Netflix «Unbreakable Kimmy Schmidt», «Tour De Pharmacy» de HBO, «Ley y Orden: Unidad de Víctimas Especiales» de NBC y «The Get Down» de Netflix, creada por el visionario director Baz Luhrmann. Diggs también fue productor ejecutivo de “The Mayor” de ABC y de una variedad de cortos digitales para ESPN.  

Diggs es miembro del trío de hip-hop experimental clipping con sede en la costa oeste de Estados Unidos. Ha realizado giras a nivel nacional e internacional, tanto como solista como con clipping, tocando en escenarios como el Festival Sonar en Barcelona, el Off Festival en Cracovia, el ATP Iceland en Keflavic y el AfroPunk Fest de Brooklyn. Una de las canciones del trío de hip-hop, «The Deep», se convirtió en un libro de la editorial Simon & Schuster y fue elegido uno de los mejores libros de NPR en 2019. Tiene compromisos para tocar en la Red Bull Music Academy y en Moog Electronics. El grupo también fue nominado a un premio Hugo por su segundo álbum, Splendor & Misery, y Simon & Schuster lanzó recientemente una novela basada en su aclamado single «The Deep”.

WES STUDI (voz de Jerry) hace gala de una carrera polifacética con sus magníficos retratos de personajes que han cambiado para siempre los estereotipos de Hollywood.

Basándose en su rica experiencia vital, Studi cautivó al público con actuaciones inolvidables en «Bailando con lobos», «El último mohicano», «Gerónimo, una leyenda» y «Heat», así como en «Avatar» de James Cameron. “La vida de Flynn” de Paul Weitz y “Hostiles” de Scott Cooper. Supo abrir nuevos caminos llevando a la pantalla personajes nativos americanos perfectamente definidos y logró llegar aún más lejos con papeles que no eran los tradicionales para un nativo americano como él.

En 2019, Studi recibió el Premio del Gobernador de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas, una estatuilla honoraria del Oscar, otorgada como distinción extraordinaria a los logros de toda una vida.

En 2018 invitaron a Studi, un veterano de Vietnam, a presentar en los 90 Premios de la Academia. Ante 26,5 millones de hogares, presentó un montaje de video de películas militares como tributo a los veteranos norteamericanos.

Studi fue incluido en 2013 en el National Cowboy & Western Heritage Museum’s Hall of Great Western Performers. A lo largo de sus 30 años de carrera, ha recibido numerosos galardones, como varios premios First Americans in the Arts y el premio Lifetime Achievement en 2009 que otorga el Festival de Cine de Santa Fe.

Curiosamente, de joven, Studi nunca pensó en trabajar como actor. A diferencia de muchos actores que se dedican a la interpretación desde una edad temprana, descubrió su pasión cuando ya era adulto.

Studi es el hijo mayor de un peón de rancho y nació en 1947 en Nofire Hollow, Oklahoma. Habló solo la lengua cherokee hasta los 5 años, cuando le matricularon en la Murrell Home para asistir a la escuela pública. Más tarde asistió al internado indio Chilocco en el norte de Oklahoma, donde permaneció hasta graduarse en el instituto. Sin embargo, a diferencia de muchos otros estudiantes nativos americanos, nunca olvidó su idioma.

Studi se incorporó al ejército de Estados Unidos y mientras estaba destinado en Fort Benning, Georgia, las historias de los veteranos de la Guerra de Vietnam le llegaron al alma. Cuando tan solo le quedaban 12 meses para cumplir su servicio militar de seis años, Studi se alistó como voluntario en la guerra de Vietnam. Estuvo en Vietnam del Sur con la 9ª División de Infantería en el Delta del Mekong, viviendo sus propias historias de guerra. En cierto momento, su compañía quedó atrapada en el delta del Mekong, y estuvieron a punto de morir por culpa del fuego amigo.

Después de licenciarse con honores, Studi regresó a casa con muchas ganas de implicarse en la política de los nativos americanos. Se unió al Movimiento Indígena Americano (AIM) y participó en la marcha de protesta Trail of Broken Treaties en 1972 que se desarrolló en Washington y en la que desfilaron cientos de activistas nativos americanos. Fue uno de los manifestantes que ocupó brevemente el edificio de la Oficina de Asuntos Indígenas de la capital. En 1973, Studi participó en la ocupación de Wounded Knee, Dakota del Sur, por lo que fue arrestado.

Ahora, Studi ve su activismo político como una forma de catarsis posterior a lo que vivió en Vietnam. “Empecé a purgar todos esos malos sentimientos que llevaba en el interior», dice, y añade que se unió a los resistentes porque “quería convertirme en una parte efectiva de la maquinaria que afectaba a mi pueblo”.

Studi comprendió que el camino que seguía podía llevarle a la autodestrucción así que cambió de rumbo y canalizó sus sentimientos para lograr un cambio positivo. Poco después de Wounded Knee, Wes se mudó a Tahlequah, Oklahoma, donde trabajó para la Nación Cherokee, y ayudó a lanzar el Cherokee Phoenix, un periódico bilingüe que se sigue publicando en la actualidad. Durante ese tiempo, Studi aprovechó sus conocimientos lingüísticos y comenzó a enseñar la lengua cherokee en la comunidad. Posteriormente, asistió a la Northeastern University en Tahlequah y realizó nuevos intentos para ser una influencia positivo entre su gente.

Después de la universidad, Studi centró su atención en gestionar su propio rancho de caballos y se convirtió en un entrenador de caballos profesional. En esa época comenzó a actuar en The American Indian Theatre Company de Tulsa en 1983, donde encontró tanto la adrenalina que buscaba ansiosamente como la liberación catártica que necesitaba. “Es más sano liberar esos sentimientos a través de la interpretación que guardártelos dentro”, afirma el actor sobre su descubrimiento de la interpretación.

Studi se subió por primera vez en 1984 a un escenario profesional co la obra «Black Elk Speaks» y desde entonces no ha vuelto a mirar atrás. A medida que su éxito crecía en los escenarios, trabajó en otras producciones para la Nebraska Public Television en el verano de 1985. Poco después, se trasladó a Los Ángeles, consiguiendo su primer papel cinematográfico en «Powwow Highway» y debutó en televisión en 1988 en un pequeño papel de un telefilm de ABC titulado «Longarm».

En 1990, Wes encarnó a un guerrero pawnee absolutamente memorable en «Bailando con lobos”. Dos años después consiguió el papel de Magua en «El último mohicano» de Michael Mann, la actuación que le dio a conocer a escala mundial.

Studi se basó en su propio entrenamiento de combate, en la ira y en la sensación de aislamiento forzado para interpretar al vengativo Magua. No tardó en hacerse muy popular por sus papeles cinematográficos que retratan personajes nativos americanos muy potentes dotándolos de emoción y autenticidad.

Después, Studi encarnó al protagonista de la película dirigida por Walter Hill «Gerónimo, una leyenda» (1993) junto a los veteranos actores Gene Hackman y Robert Duvall, que le valió un premio Western Heritage. También hizo apariciones memorables en películas como «Heat» (1995) como el socio de Al Pacino, «Deep Rising (El misterio de las profundidades)» (1998) y «Mystery Men (Hombres misteriosos)» (1999). En 2002, dio vida al legendario teniente Joe Leaphorn para una serie de películas de PBS producidas por Robert Redford y basadas en los libros de Tony Hillerman «Skinwalkers: El poder de la sangre», «Coyote Waits» y «A Thief of Time”.

En 2018, invitaron a Studi a presentar un homenaje a los veteranos militares en los 90 Premios de la Academia. Durante su presentación, dijo lo siguiente en su lengua cherokee: “Hola. Agradecemos el servicio prestado por todos los veteranos y cherokees. ¡Muchas gracias!”

Otros créditos cinematográficos destacados de Studi incluyen «The Only Good Indian», que también produjo, «Avatar» de James Cameron, ganadora del Oscar, «Hostiles», «El nuevo mundo», «Street Fighter, la última batalla», «Enfrentados», «Three Priests”, y películas para la televisión tan prestigiosas como “Crazy Horse», “Comanche Moon”, “Tres tejanos”, “Broken Chain”, Entierra mi corazón en Wounded Knee” y “Bandland”. Sus créditos televisivos incluyen las series de televisión «Penny Dreadful» de Showtime, «El mentalista», «Infierno sobre ruedas» e interpretando al general Abner en «Reyes”.

En casa, el talento artístico de Studi va más allá de la interpretación. Es un experto tallador de piedra, que trabaja sobre todo con esteatita y otras piedras blandas. También es un músico consumado. Toca el bajo y la guitarra y es el líder de la banda Firecat of Discord junto con su esposa, la cantante Maura Dhu con la que interpretan música original. Firecat lanzó su primer CD homónimo en 1998 e hicieron una gira por Estados Unidos en 2000. Su música también apareció en el cortometraje “Iron Art Wagon” de Bonnie Looksaway, que dirigió Studi.

Además, Studi ha escrito dos libros infantiles, “The Adventures of Billy Bean” y “More Adventures of Billy Bean” para el Cherokee Bilingual/Cross Cultural Education Center. En 2006, Studi recibió el Golden Boot Award.

Studi sigue siendo un apasionado activista y profesor. Ha asumido un papel de liderazgo nacional en la promoción y preservación de las lenguas indígenas, actuando como portavoz del Instituto de Lenguas Indígenas con sede en Santa Fe y trabajando como asesor lingüístico en varias películas, incluyendo «Avatar» y el documental de PBS «We Shall Remain”. También participa activamente para ayudar a la siguiente generación de realizadores e intérpretes, actuando como mentor y participando en programas de formación.

Studi y Maura viven en Santa Fe, Nuevo México. Tienen un hijo llamado Kholan. Wes también tiene un hijo, Daniel, y una hija, Leah, de un matrimonio anterior.

LOS REALIZADORES

PETE DOCTER (Director/Historia y guión adaptado) es el director ganador del Oscar® de “Monsters, Inc.”, “Up” y “Inside Out”, y director creativo de Pixar Animation Studios.

Docter comenzó a trabajar en Pixar en 1990 como tercer animador del estudio colaborando y ayudando a desarrollar la historia y los personajes de “Toy Story”, el primer largometraje animado de Pixar, donde también fue supervisor de animación. Fue artista de storyboard en “Bichos. Una aventura en miniatura”, y escribió los guiones iniciales de “Toy Story 2” and “WALL•E”. Además de dirigir sus tres películas, Docter también fue productor ejecutivo de «Monstruos University» y de «Brave (Indomable)», ganadora del Oscar.

El interés de Docter por la animación comenzó a los ocho años, edad a la que creó su primer flipbook. Estudió animación de personajes en el California Institute of the Arts (CalArts) en Valencia, California, donde produjo una variedad de cortometrajes, uno de los cuales ganó un Student Academy Award®. Desde entonces, esas películas se han exhibido en festivales de animación en todo el mundo y aparecen en la «Pixar Short Films Collection Volume 2”. Cuando se incorporó a Pixar, había animado y dirigido varios anuncios y ha sido nominado a seis Oscar®, entre ellos a la Mejor Película Animada, por Up: Una aventura de altura» y «Monstruos, S.A.» y al Mejor Guión Original, por Up: Una aventura de altura» y «WALL•E». En 2007, «Up: Una aventura de altura» también fue nominada a un Oscar a la Mejor Película por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas.

KEMP POWERS (Codirector/Historia y Guión adaptado) se incorporó a Pixar Animation Studios en agosto de 2018.

Powers creció en Brooklyn, Nueva York. Asistió a la Universidad de Howard y a la Universidad de Michigan. Antes de incorporarse a Pixar, Powers fue un galardonado dramaturgo, guionista de cine y televisión, y periodista. Su obra «One Night in Miami…» recibió tres premios del Círculo de Críticos de Teatro de Los Ángeles y cuatro premios de Teatro NAACP, y fue nominado al premio Laurence Olivier en 2017 a la mejor obra de teatro nueva. Lo adaptó a un largometraje, que está dirigiendo Regina King, la actriz ganadora del Oscar®. Fue guionista del programa de televisión «Star Trek: Discovery» y ha realizado giras a nivel nacional como narrador de la serie ganadora del premio Peabody «The Moth (La polilla)”.

Reside en Los Ángeles y Emeryville, California.

DANA MURRAY, p.g.a. (Productora) se incorporó a Pixar Animation Studios en junio de 2001 como ayudante de producción en “Buscando a Nemo”. Fue como coordinadora de arte y tecnología en varios cortometrajes, incluidos «Boundin'», «One Man Band» y «Lifted”. Murray fue coordinadora de iluminación en «Cars» y ocupó varios puestos de jefa de departamento en las películas ganadoras de un Oscar® «Ratatouille», «Up: Una aventura de altura» y «Brave (Indomable)”. Murray fue jefa de producción de la película ganadora del Premio de la Academia «Del revés (Inside Out)» y, más recientemente, produjo su primer cortometraje, «LOU», que se proyectó delante de «Cars 3» y fue nominado al Oscar® al Mejor Cortometraje de Animación. Es la productora de «Soul» con el director Pete Docter y el codirector Kemp Powers.

Dana Murray creció en Placerville, California y asistió a la Universidad Estatal de Sonoma. Vive en Oakland, California, con su marido, sus dos hijas y su perro, Gracie.

DAN SCANLON (Productor ejecutivo) se incorporó a Pixar Animation Studios en septiembre de 2001 como artista de storyboard en los galardonados largometrajes de Pixar «Cars» y «Toy Story 3”. Durante las fases iniciales de producción de ambas películas, trabajó en estrecha colaboración con los directores para trasladar sus ideas a la gran pantalla.

Después, Scanlon codirigió el cortometraje original «Mate y la luz fantasma», que es uno de los extras que se incluye en el DVD de «Cars». Además de su trabajo en Pixar, Scanlon escribió y dirigió simultáneamente la película de acción real «Tracy», que se estrenó en 2009.

Scanlon debutó como director de animación en 2013 con «Monstruos University», que recaudó más de 738,9 millones de dólares en las taquillas de todo el mundo y recibió el Hollywood Animation Award en los Premios de Cine de Hollywood en 2013. También dirigió el largometraje original de Pixar «Onward», que se estrenó el 6 de marzo de 2020.

Como vicepresidente creativo, Scanlon participa en las grandes decisiones creativas del estudio y asesora sobre el desarrollo y la producción de las películas. Será productor ejecutivo de las siguientes dos películas de Pixar que todavía no se han anunciado.

Scanlon creció en Clawson, Michigan y de niño adoraba los dibujos animados de Warner Bros., las películas animadas de Disney y, de forma premonitoria, los cortometrajes de Pixar. Su pasión lo llevó a estudiar cine y animación en el instituto y en la universidad, donde se centró en la ilustración en el Columbus College of Art and Design (CCAD).

Después de graduarse en el CCAD, Scanlon empezó a trabajar como animador y artista de historia para Character Builders, una compañía de animación en 2D que realizaba largometrajes y anuncios publicitarios en Columbus, Ohio.

Scanlon reside en San Francisco con su mujer Michele, un perro llamado Carol y con Chichi, un gato tuerto.

KIRI HART (Productora ejecutiva) se incorporó a Pixar Animation Studios como consultora creativa en enero de 2019. Es la productora ejecutiva y consultora creativa del largometraje “Soul” de Disney y Pixar. Como productora ejecutiva, contribuye al desarrollo de la historia, la estrategia, el marketing, la publicación y los productos de consumo de la película. Hart también es consultora creativa de la película, y asegura que la historia y los personajes sean un reflejo auténtico de un mundo diverso.

Ha trabajado en la industria del entretenimiento durante 27 años como analista de historia, ejecutiva de desarrollo, productora y guionista. Después de iniciar su carrera en 1992 como ayudante en el Departamento Literario de CAA y más tarde en Ladd Company, se trasladó a HBO Films como ejecutiva creativa desarrollando una lista de películas originales. Después pasó diez años como guionista y redactora de televisión, escribiendo proyectos para Universal, HBO, Showtime y NBC.

Antes de Pixar, Hart fue vicepresidenta senior de desarrollo de Lucasfilm durante seis años. Constituyó el Lucasfilm Story Group y supervisó el desarrollo creativo de todo el contenido de «Star Wars» en películas, televisión animada, publicaciones, juegos, medios inmersivos y parques temáticos. Durante su estancia en Lucasfilm, Hart coprodujo las películas «Star Wars: Los últimos Jedi», «Rogue One: Una historia de Star Wars» y las cuatro temporadas de la premiada serie animada de televisión «Star Wars Rebels”.

Hart creció en Los Ángeles, California, y asistió a la Universidad de Stanford. Es miembro de la Academia de Arte y Ciencias Cinematográficas y del Gremio de Guionistas de América. Kiri Hart reside en San Francisco, California.

MICHAEL WARCH (Productor asociado) empezó en Pixar Animation Studios como jefe de unidad de producción en junio de 2001. Antes de su puesto actual como productor asociado, Warch trabajó como jefe de producción en la película ganadora del Oscar® «Toy Story 3» y jefe de coproducción en «Los Increíbles 2”. También trabajó en los departamentos de decorados, diseño, sweatbox, iluminación, efectos y arte en las películas ganadoras del Oscar® «Buscando a Nemo», «Ratatouille» y «Del revés (Inside Out)», además de «El viaje de Arlo» y «Buscando a Dory”. Warch también fue coproductor de la película SparkShorts «Una vuelta» y, más recientemente, como productor asociado en el largometraje de Pixar «Soul”.

Como productor asociado, la función principal de Warch consiste en gestionar y planificar el plan de producción general de una película. Sus tareas incluyen el presupuesto de la película, el plan de implementación, el diseño de un plan de producción global, la gestión del reparto de ingresos de la película y la asociación con el director y el diseñador de producción para garantizar que el alcance, el presupuesto y el calendario estén sincronizados.

Michael Warch creció en Maywood, Nueva Jersey, y asistió al New York Technical College, donde estudió artes culinarias y gestión de restaurantes. Después de trabajar como chef durante muchos años, volvió a las aulas y estudió cine en la Universidad Estatal de San Francisco.

Warch reside con su esposa en Orinda, California.

MIKE JONES (Historia y Guión adaptado) ha sido guionista y consultor de historia de Pixar Animation Studios desde junio de 2013 y se incorporó al estudio a tiempo completo en marzo de 2017. Ha trabajado en los «brain trusts» (grupos de cerebros) de muchas películas de Pixar entre las que cabe destacar «Buscando a Dory», «Los Increíbles 2» y las películas ganadoras del Oscar © «Del revés (Inside Out)», «Coco» y «Toy Story 4”. También forma parte de los «brain trusts» (grupos de cerebros) de historias de muchos Sparkshorts, además de participar en el desarrollo inicial. Más recientemente, ha coescrito el largometraje de Disney y Pixar «Soul”.

Como artista creativo y de historia senior, Jones trabaja con el director para desarrollar una historia en sus primeras etapas. Juntos, exploran personajes y arcos de personajes, y Jones escribe varios borradores de guiones hasta que resulta coherente. Después del desarrollo inicial, Jones sigue trabajando con los departamentos de producción en las diferentes versiones de las películas reescribiendo cada secuencia según sea necesario, consultando los storyboards y asesorando sobre los montajes.

Antes de incorporarse a Pixar, Jones trabajó como guionista durante 20 años, escribiendo guiones para casi todos los grandes estudios de Hollywood. Antes de dedicarse a escribir guiones, Jones formó parte de los consejos editoriales de Filmmaker Magazine, IndieWire y Variety.

Jones creció en San Antonio, Texas, y asistió a la NYU Film School. Vivió en Nueva York durante 16 años antes de mudarse a Los Ángeles. Reside en el Norte de California.

TRENT REZNOR y ATTICUS ROSS (Banda sonora original) son los autores de la banda sonora original de “Soul” y representa la primera vez que componen música para una película animada.

Rezner formó la banda Nine Inch Nails en Ohio en 1988 y, durante los siguientes 30 años, llegó a vender más de 30 millones de discos en todo el mundo. Los álbumes de estudio de la banda incluyen los discos multiplatino «Pretty Hate Machine» (1989), «The Downward Spiral» (1994) y «The Fragile» (1999), que se convirtió en el primer álbum de NIN en alcanzar el nº1 en el US Billboard 200 de Estados Unidos, una hazaña que se refleja en «With Teeth» (2005). El EP de 1992 «Broken» obtuvo dos GRAMMY® y también llegó a ser disco de platino.

En 2008, Reznor se asoció con Ross, su nuevo socio en NIN, y ambos iniciaron una prolífica carrera en la composición de música para el cine. Su primer proyecto, “La red social” de David Fincher, valió a la pareja un Oscar® y un Globo de Oro®. 

Reznor y Ross han seguido componiendo música para una amplia gama de proyectos de cine y televisión. Recientemente, fueron nominados a dos premios Emmy® por su trabajo en la serie limitada de HBO nominada al Emmy «Watchmen”. La banda sonora se lanzó en tres volúmenes a fines del año pasado. Cada uno coincidía con un momento importante del argumento de la serie.

Su lista de bandas sonoras que abarcan todos los géneros incluye la película de Disney y Pixar «Soul», que se estrena en exclusiva en Disney+ el 25 de diciembre, y «Mank», la película biográfica de Herman Mankiewicz, el guionista de «Ciudadano Kane», que reunirá a Reznor y Ross con el director David Fincher. 

Anteriormente, Reznor y Ross compusieron la banda sonora original de la nueva versión estadounidense de «Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres», que también dirigió Fincher. El álbum de 39 pistas ganó un GRAMMY a la mejor banda sonora para medios visuales. Reznor y Ross también compusieron música para la adaptación de 2014 de Fincher de la novela «Perdida» de Gillian Flynn. 

En 2016, Reznor y Ross compusieron la banda sonora original de “Día de patriotas”, la película de Peter Berg sobre el atentado del maratón de Boston. En su primer trabajo como supervisores de la música, se unieron a Gustavo Santaolalla y Mogwai para componer conjuntamente la banda sonora de «Planeta Tierra: ¿Somos historia?», un largometraje documental del activista medioambiental Leonardo DiCaprio y del productor de documentales Fisher Stevens ganador del Oscar («The Cove», «Racing Extinction”).   

Reznor y Ross colaboraron con el célebre documentalista Ken Burns en la docuserie de ocho horas de 2017 “La guerra de Vietnam”. En 2018 compusieron la banda sonora original de la película de Netflix “Bird Box”, dirigida por Susanne Bier y protagonizada por Sandra Bullock, John Malkovich, Sarah Paulson y Trevante Rhodes. El dúo también compuso música original para «En los 90», una película sobre la mayoría de edad ambientada en la era del skate en Los Ángeles de los años 90, que escribió y dirigió Jonah Hill. 

JON BATISTE (Composiciones y Arreglos de jazz) es un cantante y compositor estadounidense, multi-instrumentista, director de orquesta, productor de discos, divulgador y actor. De adolescente, empezó a producir y publicar su música en Internet, además de actuar a nivel internacional. Su debut con un gran sello discográfico, «Hollywood Africans», fue nominado a un premio GRAMMY® a la mejor interpretación de raíces estadounidenses en 2019 y, junto con su banda Stay Human, aparece todas las noches en «The Late Show with Stephen Colbert”. Su música y sus canciones se podrán escuchar en su obra sinfónica a gran escala que fusiona varios géneros titulada «American Symphony», que se representará en el Carnegie Hall en 2021.

Batiste nació en el seno de una familia de músicos de Louisiana y se licenció e hizo un máster en la Juilliard School. Actualmente es el director musical de The Atlantic, el co-director artístico del National Jazz Museum en Harlem, y forma parte del consejo de administración de Sing for Hope.

Batiste, que formó parte de la lista «Forbes 30 under 30», combina su apretado calendario de actuaciones que suele incluir sus característicos desfiles callejeros llamados «love riot», con charlas, clases magistrales, asociaciones con marcas y papeles de actor. Se interpretó a sí mismo en la serie de HBO «Treme» y apareció en «Red Hook Summer» del director Spike Lee.

Batiste ha aparecido en campañas publicitarias de Chase Bank, Apple Watch y Lincoln Continental, además de numerosas marcas de moda como Coach, Polo Ralph Lauren Black Label, Frye, Kate Spade, Jack Spade Barneys, Nordstrom y H&M. Ha trabajado con Bruce Weber y Annie Leibowitz, entre otros, y su estilo personal ha sido recogido en reportajes de numerosas revistas de moda como GQ, Vanity Fair, CR Fashion Book, Esquire y Vogue.

Batiste está comprometido con la educación y el mentoring de jóvenes músicos. Ha dirigido su propio Social Music Residency and Mentoring Program patrocinado por Chase, e imparte clases magistrales en todo el mundo. También ha dirigido varios intercambios culturales que comenzaron en 2006 cuando era un adolescente, con el Netherlands Trust, que permitió a alumnos de Estados Unidos y Holanda actuar con él tanto en el Royal Concertgebouw como en el Carnegie Hall.

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