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31 días, 31 nuevas películas de terror en Shadowz.es: la plataforma de ‘streaming’ lanza un título diario durante octubre con motivo de Halloween

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-Del 1 al 31 de octubre, una novedad diaria combinando clásicos de referencia, títulos recientes y lanzamientos exclusivos.

-Entre las nuevas incorporaciones al catálogo destacan exclusivas como “Traumatika” (2025) o “Lake Mungo” (2008), junto a títulos de referencia como “Martyrs” (2008) o “Tucker & Dale vs. Evil” (2010).

-Shadowz.es es un servicio centrado exclusivamente en películas de miedo, que se autodefine como la “primera plataforma de screaming”. Actualmente cuenta con casi 300 títulos en su haber.

SHADOWZ, plataforma de ‘streaming’ centrada en cine de terror, incorporará 31 nuevas películas a su catálogo, una por día, durante todo octubre, con motivo de Halloween. Habrá clásicos de referencia, títulos recientes y lanzamientos exclusivos, con el objetivo de “convertir cada día del mes en una cita con el género”, como apunta Eric González, representante de la compañía en España.

Entre las exclusivas confirmadas se hallan “Traumatika” (2025, Pierre Tsigaridis), terror de posesiones proyectado con éxito en algunos de los más destacados festivales de cine fantástico; “The Stylist” (2020, Jill Gevargizian), largometraje que expande el celebrado corto homónimo; o “Lake Mungo” (2008, Joel Anderson), “falso documental” australiano con tintes sobrenaturales.

Junto a ellas, el plan reúne títulos de referencia como “Inseparables” (1988, David Cronenberg), “Maniac Cop” (1988, William Lustig), “Martyrs” (2008, Pascal Laugier) o la comedia de terror “Tucker & Dale vs. Evil” (2010, Eli Craig), además de títulos recientes aplaudidos por crítica y público como “Bloody Hell” (2020, Alister Grierson) o “Becky” (2020, Jonathan Milott y Cary Murnion).

Como rescate histórico, llama la atención “The McPherson Tapes” (1989, Dean Alioto). Rodada en vídeo doméstico, circuló durante años como cinta apócrifa de “sucesos reales” y dio pie al remake televisivo “Alien Abduction: Incident in Lake County” (1998), pieza clave en la genealogía del subgénero ‘found footage’. El ciclo incluye también títulos con sello español, como “El asesino de muñecas” (1975, Miguel Madrid) y “Diabólica malicia” (1972, James Kelley/Andrea Bianchi), trazando así un recorrido por varias décadas y distintos países y registros del género. Además, también se añadirán varios cortometrajes.

“Queremos que octubre sea un ritual diario: cada día un estreno, una conversación nueva y una excusa para explorar el terror con amplitud, de los clásicos a las sorpresas más recientes”, señala González.

Sobre SHADOWZ

SHADOWZ, accesible a través de la web oficial www.shadowz.es, se autodefine como la “primera plataforma de screaming” y actualmente cuenta con casi 300 títulos, entre los que se incluyen clásicos, cintas de culto nuevas y antiguas, joyas desconocidas dirigidas a un público muy experto y también cortometrajes. Un catálogo 100% legal que se va ampliando cada mes y donde destaca la presencia de títulos exclusivos, ya que los responsables del servicio compran nuevas películas que no están disponibles en ningún otro lugar y que también podrían distribuir en cines.

“La gran diferencia de SHADOWZ con respecto a otros servicios similares es el enfoque apasionado” señala Christophe Minelle, uno de los creadores del servicio, quien insiste en que “todas las películas se seleccionan con pasión, solo se eligen buenas películas”. Precisamente de la pasión por este género nació el proyecto en Francia en 2020, tras una campaña de financiación colectiva que triplicó su objetivo inicial.

En exclusivas del servicio asoman cintas como la estremecedora “Possum” (2018), la comedia negra hospitalaria “12 Hour Shift” (2020), la satírica “Spree” (2020) con Joe Keery (“Stranger Things”) o el documental “King on Screen” (2023), sobre las adaptaciones a la gran pantalla de las obras de Stephen King.

El bloque de clásicos incorpora, entre otros muchos, nombres de primera fila como los de John Carpenter con “Están Vivos” (1988), “1997: Rescate en Nueva York” (1981) y “La Niebla” (1980); William Lustig con “Maniac” (1980) o Adrian Lyne con “La escalera de Jacob” (1990).

Así, el catálogo despliega variedad por décadas, países y subgéneros: el díptico italiano “Demons” (1985) y “Demons 2” (1986) de Lamberto Bava; el terror contemporáneo de Ari Aster con “Midsommar” (2019) y “Hereditary” (2018); el folk horror con “El hombre de mimbre” (1973); el satanismo retro de “The House of the Devil” (2009); el anime de culto “Wicked City” (1987) o el horror japonés con “La Maldición (Ju-on)” (2002) y su secuela.

El servicio cuesta 4,99 euros al mes y existe una cuota anual por un valor de 49 euros. Asimismo, SHADOWZ, que ofrece todo su contenido en alta definición, cuenta con un periodo de prueba gratuito de 7 días, así como con su propio sitio web y una aplicación disponible para Apple y Android (televisores, móviles y tablets). También se puede contratar a través de Amazon Prime (la suscripción es diferente).

Listado de lanzamientos

1 de octubre de 2025 — «La mansión de los horrores» (1959)

2 de octubre de 2025 — «Inseparables» (1988)

3 de octubre de 2025 — «Magnum opus» (2024)

4 de octubre de 2025 — «Hinterland» (2021)

5 de octubre de 2025 — «Becky» (2020)

6 de octubre de 2025 — «Musarañas» (2014)

7 de octubre de 2025 — «Ángel de la muerte» (2018)

8 de octubre de 2025 — «Maniac cop» (1988)

9 de octubre de 2025 — «Bloody hell» (2020) + «Luz diabla» (2025) + «Dolores» (2024) + «Punto ciego» (2020)

10 de octubre de 2025 — «Ebony and ivory» (2024)

11 de octubre de 2025 — «La hermandad» (2013)

12 de octubre de 2025 — «The McPherson tapes» (1989)

13 de octubre de 2025 — «La desvida» (2020)

14 de octubre de 2025 — «La pequeña tienda de los horrores» (1960)

15 de octubre de 2025 — «Gatlopp» (2022)

16 de octubre de 2025 — «Punto rojo» (2021)

17 de octubre de 2025 — «The stylist» (2020)

18 de octubre de 2025 — «Tucker & Dale contra el mal» (2010)

19 de octubre de 2025 — «En compañía de lobos» (1984)

20 de octubre de 2025 — «El terror» (1963)

21 de octubre de 2025 — «La aparición de Alice» (2008)

22 de octubre de 2025 — «Espectro» (2013)

23 de octubre de 2025 — «Mártires» (2008)

24 de octubre de 2025 — «El asesino de muñecas» (1974)

25 de octubre de 2025 — «Exorcismo en Georgia» (2013)

26 de octubre de 2025 — «Noctem» (2017)

27 de octubre de 2025 — «Diabólica malicia» (1971)

28 de octubre de 2025 — «Chain reactions» (2024)

29 de octubre de 2025 — «Superhost» (2021)

30 de octubre de 2025 — «Traumatika» (2024)

31 de octubre de 2025 — «MOM» (2024) + «Outside noise» (2024)

Claudia Basterra: «La evolución es algo inevitable y positivo en cualquier artista»

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En Culturamanía conversamos con la cantante, compositora y flautista Claudia Basterra, una artista que ha sabido unir la formación académica, la experiencia coral y la experimentación sonora para dar vida a un universo musical propio. En esta entrevista nos habla de su trayectoria, de la importancia de la honestidad creativa y de la propuesta especial que llevará al escenario del Teatro Príncipe Felipe de Tegueste dentro del Festival DocuRock.

Empezaste tu formación musical muy joven, con la flauta travesera en el Conservatorio. ¿Cómo ha influido esa base académica en la música que creas hoy en día? 

R- Considero que la formación musical es esencial a la hora de componer. En mi caso, no solo escribo las letras de las canciones, sino que compongo la música, por lo que la formación musical constituye una herramienta básica para desarrollar las canciones desde el punto de vista estrictamente musical. El conocimiento de la armonía y cómo utilizarla para dibujar la progresión de acordes, generar tensiones o simplemente sostener la melodía, es fundamental, en mi opinión, para poder desarrollar el concepto primigenio de cualquier canción. 

En tu trayectoria también destaca tu paso por formaciones corales. ¿Qué aprendizajes de esa experiencia sigues aplicando en tu trabajo actual como cantante y compositora? 

R- Pienso que todo/a músico debería experimentar en algún momento lo que es cantar con más personas dentro de una formación coral. El canto coral proporciona muchos beneficios, no solo a nivel psicológico y/o emocional, sino que además, dentro del desarrollo del sector musical, aporta herramientas muy útiles. La escucha conjunta (observar qué están cantando los demás y qué papel juego yo dentro de la masa coral), o la capacidad de discernir cada una de las voces que están sonando a la vez, son algunas de estas valiosas herramientas que contribuyen a la educación auditiva y musical. En mi caso, esta experiencia coral se ve reflejada en mis canciones, en la medida en la que puedo incorporar distintas voces armonizadas para enfatizar algún pasaje del tema, o que se introducen como una textura más de la canción, aportando colores o sensaciones diferentes. 

Tu primer disco, Semilla (2021), está inspirado en vivencias e inquietudes personales. ¿Qué significó para ti dar ese paso y mostrar tu mundo interior a través de tus canciones? 

R- Componer, plasmar mis canciones y lanzar este disco fue una experiencia muy bonita que recuerdo con cariño. Lo que más disfruté fue el proceso creativo, el cómo “armar” las canciones, el juego con los instrumentos y los distintos elementos que pensaba para cada canción. Fue un proceso personal y musical muy enriquecedor, que me permitió desarrollar mi creatividad y poner en palabras una serie de vivencias que en ese momento quería compartir a través de la música. 

Has actuado en escenarios muy diversos, desde salas íntimas hasta teatros más grandes. ¿Qué diferencias sientes al conectar con el público en esos distintos formatos? 

R- Las salas pequeñas son espacios perfectos para tomar el pulso al público, ver qué efectos les producen las canciones, e incluso interactuar de una forma más cercana. En las salas o espacios más grandes, a veces puede desdibujarse un poco esto, pero si el

público está conectado y receptivo, eso también se transmite y se genera una reciprocidad muy mágica escenario-público. 

En tu música incorporas la flauta travesera, creando un sello muy particular que viaja entre géneros como el folk, jazz o funk. ¿Cómo surge esa mezcla y qué papel juega la experimentación en tu proceso creativo? 

R- La flauta se integra de una manera muy natural en mis canciones, es un elemento más de la canción, aportando riqueza y sonidos que quizá no acostumbramos a escuchar en la música que consumimos habitualmente. La suelo emplear, con un papel más protagonista, en los temas con influencias jazz o funk, y como un elemento que aporta texturas o capas en otro tipo de estilos. 

En tus últimos lanzamientos, como Despídete y Paredes de papel, se percibe una evolución de sonido. ¿Qué buscas transmitir con estos nuevos caminos musicales? 

R- Partiendo de que “Despídete” y “Paredes de papel” no tienen nada que ver entre sí en cuanto a estilo y sonoridad, sí que comparten ese elemento común porque han marcado una diferencia clara respecto de todo lo anterior. “Despídete” fue el punto de inflexión que trazará el camino de lo que va a ser mi siguiente álbum, en el que estoy trabajando actualmente. Para mí, la evolución es algo inevitable y positivo en cualquier artista, esencial en la propia búsqueda de la identidad musical. En mi caso, creo que voy hacia, -y ya sucedía un poco con “Semilla”-, un lugar más honesto y puro, más asentado en la tierra, en la raíz, con sonidos y letras que desprendan calidez y delicadeza, y que a la vez suene grande, lleno. A veces lo más sencillo es lo que funciona y te conecta con lo primigenio, con esas bases sólidas sobre las que se construye nuestra vida. 

El próximo 10 de octubre actúas en el Teatro Príncipe Felipe de Tegueste, dentro del Festival DocuRock. ¿Qué puede esperar el público de ese concierto y habrá alguna sorpresa especial en tu propuesta para esa noche? 

R- Se encontrarán una propuesta diferente y madura, con una selección de temas adaptados al formato acústico en el que iré con el guitarrista Jorge Hernández, y que conforman un pequeño viaje y una mirada hacia mi universo musical. También haremos un guiño musical al documental que se proyectará posteriormente.

Los productores más innovadores del cine se dan cita en Santa Cruz de Tenerife en las V Jornadas ProCine, del IFIC

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Montse Triola, Luis Miñarro, Jaione Camborda, María Zamora y Payal Kapadia, entre los invitados al encuentro, que gira este año en torno a la figura del productor creativo 

Ya está abierta la matrícula para inscribirse en el programa

Santa Cruz de Tenerife se prepara para convertirse en punto de referencia del cine contemporáneo con la celebración de la quinta edición de las Jornadas Cinematográficas del Instituto de Formación e Investigación Cinematográfica (IFIC), que se celebra en los meses de octubre y noviembre de 2025. La matrícula ya está abierta y puede gestionarse a través de la web oficial del programa: jornadas.programadecine.com.

Las jornadas se desarrollarán los días 14, 15, 16, 28 y 29 de octubre y el 4 y 5 de noviembre. Entre los invitados destacan figuras reconocidas del cine contemporáneo, como Montse Triola (Andergraun Films), Luis Miñarro (Eddie Saeta), Jaione Camborda (Esnatu Zinema) y Marina García López (Sintagma Films).

El programa contempla el desarrollo de seis clases magistrales y una mesa redonda, que, bajo el título Producir en Canarias. Un archipiélago de posibilidades, y con la participación de los direcotres y productores canarios David Baute, Marina Alberti y Octavio Guerra, aborda los desafíos y las oportunidades de la producción de cine en el archipiélago. También se incorpora por primera vez el formato online, con la participación de la premiada directora india Payal Kapadia, y una masterclass virtual con la reputada productora María Zamora (Elástica Films).

La proyecciones y los coloquios que las siguen son abiertas al público general. El coste de inscripción en las jornadas es de 50 euros, lo que incluye la entrada a todas las proyecciones y coloquios, además de la asistencia al resto del programa de formación. El IFIC aplica un descuento a 40 euros para personas que sean socias del Clúster Audiovisual de Canarias, Tenerife Film Commission, Asociación de cineastas de Canarias Microclima, de DOCMA, de la delegación en Canarias de CIMA o del Equipo PARA.

El coste reducido a 30 euros corresponde a quienes participaron en la cuarta edición de las jornadas, en 2023 y a estudiantes de audiovisuales en el curso 2025/2026. Para la aplicación del descuento es necesario acreditar la condición correspondiente a cada caso. Se expedirá un certificado por 35 horas de formación, para las personas inscritas que asistan al menos al 80% del programa, incluidas las proyecciones.

El V Programa de Especialización Cinematográfica del IFIC es un espacio de análisis y reflexión con cineastas y productores/as regionales, nacionales e internacionales, una oportunidad para conocer los distintos procesos creativos dentro de la producción cinematográfica, desde su origen hasta la concreción de la obra. En este marco, el productor se presenta como una figura clave: acompaña al creador en todo momento, orienta las decisiones creativas y actúa como puente entre los aspectos legales y administrativos, los cuales, lejos de ser rígidos, también requieren creatividad y son esenciales para llevar adelante cualquier proyecto cinematográfico.

Durante tres semanas, el programa incluye seis proyecciones con coloquios gratuitos en el Tenerife Espacio de las Artes (TEA), entre ellas tres estrenos en Canarias: Ciudad sin sueño, de Guillermo Galoe (premio al Mejor Guion en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes en 2025); Magalhães, de Lav Diaz (estrenada en Cannes Premiere este año, y candidata de Filipinas a Mejor Película Internacional en los Oscars); y Maternal, de Maura Delpero (Mención Especial del Jurado en el Festival Internacional de Cine de Locarno en 2019). En el TEA se celebra también la mesa redonda, mientras que la clases magistrales tendrán lugar en la Cámara de Comercio, igualmente en la capital tinerfeña.

A lo largo de sus ediciones anteriores, el Programa de Especialización Cinematográfica del IFIC ha contado con la presencia de cineastas de referencia, como Oliver Laxe, Albert Serra, Lisandro Alonso o Elena López Riera, confirmando su papel como plataforma para el diálogo cinematográfico más actual e influyente. Cuenta con los apoyos del Cabildo de Tenerife, el Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife y del Ministerio de Cultura, dentro del plan de Recuperación, Transformación y Resiliencia, financiado por la Unión Europea – NextGenerationEU.

Imágenes en portada: fotograma de la película Magalhães y fotografías del director y productor Luis Miñarro (firmada por Óscar Orengo) y de la directora Payal Kapadia (firmada por Ranabir Das).

Aula de Cine de la ULL proyecta este miércoles 1 de octubre la película «Snowpiercer»

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La proyección en V.O.S.E dará comienzo a las 19:00 en los Multicines Tenerife situado en el Centro Comercial Alcampo La Laguna.

Sinopsis

En un futuro cercano, un experimento para detener el calentamiento global sale terriblemente mal y provoca una nueva edad de hielo que extermina casi toda la vida en la Tierra. Los únicos supervivientes viven a bordo del Snowpiercer, un tren gigantesco en movimiento perpetuo que da la vuelta al globo. Dentro del tren se ha instaurado una jerarquía brutal: los privilegiados viajan en los vagones delanteros con lujos, mientras que los más desfavorecidos sobreviven en condiciones miserables en la cola. Curtis, un habitante de los últimos vagones, lidera una rebelión para abrirse paso hasta la parte frontal, enfrentándose a los guardias, a la injusticia del sistema y al motor, fuente del poder absoluto.

La película, dirigida por Bong Joon-ho en 2013, cuenta con un reparto coral encabezado por Chris Evans, Tilda Swinton, Song Kang-ho, Jamie Bell, Octavia Spencer, John Hurt y Ed Harris.

Reseñas / impresiones de medios

The Guardian: Destacan la película como una obra que funciona “brillantemente”, describiéndola como la suma de partes muy dispares que juntas logran una excelencia cinematográfica.

The Washington Post: Reconoce los visuales deslumbrantes, los ambientes extremos y la violencia como elementos poderosos, pero también critica que el tono a veces se mezcla demasiado: el director parece no decidir entre metáfora política seria, humor ligero o violencia cruda.

Fotogramas: Subrayan la impresionante dirección de fotografía y efectos visuales que sumergen al espectador en el mundo distópico.

Chalart58 & Matah en el Festival Boreal. Por Álex Ro

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Festival Boreal, 20-09-2025

Nadie podía prever las ondas de choque de frecuencias graves que flotarían en Los Silos la noche del 20 de septiembre de 2025. Las vibraciones de los bajos atraían a la gente como olas de tsunami en una verdadera comunión de cuerpos. The only Good system is a sound system es el máximo mandamiento de esta comunidad, hecho suyo por Chalart58 y Matah, quienes se encargaron de conducir a los neófitos hasta el último escalón en este progreso espiritual. Porque la música, cuando trasciende lo melódico para convertirse en alimento del alma deja de ser solo música, y eso fue lo que ocurrió esa noche. Bailar, bailar… y bailar como los derviches, como los voladores mexicas, como el zaouli, como el tinikling, bailar sin descanso, sin respiro, bailar para sanar la mente. Eso es el dub y Chalart58 y Matah conocen perfectamente los ingredientes necesario para alcanzar este estado de comunicación.

Texto y fotografías de Álex Ro.

Puedes ver más imágenes en nuestras redes sociales.

El Festival Isla Calavera y el Aula de Cine de la Universidad de La Laguna presentan en octubre el ciclo de proyecciones “Medioambiente bestial”

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  • El programa arranca este miércoles con la proyección de Snowpiercer, de Bong Joon-ho.
  • Una propuesta que une cine fantástico y reflexión, que continuará con las películas La carretera, Hijos de los hombres y La vida de Pi.

El Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera celebrará su novena edición del 7 al 16 de noviembre, reforzando este 2025 su compromiso con la formación y divulgación audiovisual gracias a la colaboración con el Aula de Cine de la Universidad de La Laguna. Como acción prefestival, Isla Calavera apoya el ciclo “Medioambiente Bestial”, que durante el mes de octubre invitará a reflexionar sobre la relación entre la humanidad y la naturaleza a través de grandes títulos del cine de género.

Esta actividad se desarrollará todos los miércoles de octubre en Multicines Tenerife, sede del Aula de Cine y el Festival Isla Calavera, a partir de las 19:00 horas y en versión original subtitulada. Dará comienzo con la película surcoreana Snowpiercer (2013), de Bong Joon-ho, el día 1. Retrato de un futuro postapocalíptico en el que, tras un fracaso global para combatir el cambio climático, los últimos supervivientes de la humanidad viajan a bordo de un tren en perpetuo movimiento, donde los privilegios y la lucha de clases dan pie a una rebelión encabezada por los más desfavorecidos.
 
El 8 de octubre es el turno de La carretera (2009), dirigida por John Hillcoat. Adaptación de la novela homónima de Cormac McCarthy, la historia sigue a un padre y su hijo que atraviesan juntos un mundo devastado y desolado en busca de esperanza y supervivencia. Enfrentados a peligros constantes, luchan por mantener la humanidad en un entorno hostil dominado por la desesperanza y el riesgo.

El 15 de octubre se proyecta Hijos de los hombres (2006), dirigida por Alfonso Cuarón. La trama nos lleva al año 2027, donde la humanidad ha perdido la capacidad de procrear y la sociedad está sumida en el caos. El protagonista, un antiguo activista llamado Theo, debe proteger a una joven que podría ser la clave para el futuro de la especie. El filme plantea profundas reflexiones sobre la esperanza en condiciones límites.
 
Cierra el ciclo “Medioambiente Bestial” del Aula de Cine de la ULL La vida de Pi (2012), de Ang Lee (2012), el 29 de octubre. Esta aventura narra la extraordinaria historia de Pi, un joven que sobrevive a un naufragio en el Océano Pacífico en un bote salvavidas con un tigre de Bengala. A través de esta convivencia forzada, la cinta explora la fe, la supervivencia y la relación humana con la naturaleza con una impactante belleza visual.

Sobre el Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera

Organizado por la Asociación Cultural Charlas de Cine, la Asociación Cultural Isla Calavera, Multicines Tenerife y la publicación especializada TumbaAbierta.com, el Festival Isla Calavera cuenta en su novena edición con el patrocinio del Ayuntamiento de La Laguna, a través de la concejalía de Cultura, Gobierno de Canarias, Promotur, Turismo de las Islas Canarias, Islas Canarias Latitud de Vida, Cabildo de Tenerife, Instituto Canario de Desarrollo Cultural y Canary Islands Film; y la colaboración de la Universidad de La Laguna, La Laguna Zona Comercial, Alda Producciones, Zulay Panaderías, Grupo Fly Luxury, Juan Antonio Ribas Subtítulos y Ediciones Digitales, Consejo Regulador de la Denominación de Origen Tacoronte-Acentejo, Mercado Nuestra Señora de África, Culturamanía, CinemaNext, Flaming Frames, Fundación SGAE, Teatro Leal, Tenerife Film Commission, José Acosta Style, Audi Canarias, Coca-Cola y Royal Bliss.

Isla Calavera nace en 2017 y en sus ocho primeros años de trayectoria ha logrado una importante repercusión y está considerado como uno de los encuentros de cine fantástico más relevantes del país, miembro de Méliès International Festivals Federation (MIFF), que agrupa a 32 miembros de 22 países en cuatro continentes, con una audiencia mundial de más de 900.000 espectadores cada año.
 
En el ámbito internacional se ha convertido en una de las citas a tener en cuenta, gracias a la participación de figuras tan relevantes como Ron Perlman, Henry Thomas, Adrienne Barbeau, John Landis, Joe Dante, Lou Ferrigno, Sam J. Jones, Deborah Nadoolman, Sarah Douglas, Rick Baker, Caroline Munro, David Naughton, Enzo G. Castellari, Mick Garris, Neil Marshall, Charlotte Kirk, Nicholas Rowe, Colin Arthur, Jack Taylor, Amber Heard o Eduardo Noriega. Otros invitados que han visitado Tenerife en el marco del Festival de Cine Fantástico de Canarias y que han puesto el evento en el mapa de encuentros cinematográficos son Belén Rueda, Álex de la Iglesia, Manuela Velasco, F. Javier Gutiérrez, Víctor Clavijo, Silvia Tortosa, Paco Plaza, Carolina Bang, Paco Cabezas, Víctor Matellano, Juanma Bajo Ulloa, Eugenio Mira o Lola Dueñas, entre otros.

Francisca Wenk inaugura nueva exposición Little Black Dress en Lapanera

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El proyecto LBD de la artista Francisca Wenk une el concepto del Little Black Dress como fondo del armario que nos saca de cualquier apuro o consigue transformarnos en algo que no somos, como el Camp y la moda, herramientas que pueden ser extremadamente superficiales, nos da una liberación que nos deja ser totalmente banales y funciona como una gran herramienta de expresión. La propuesta LBD se retomó el pasado agosto a modo de residencia artística en La Limonera (@lalimonera_estudio), como parte de un ciclo de cine inspirado en el camp. 

El Camp es un término que ya existía desde el siglo XVII y que en el siglo XX ya pasa a formar parte de la cultura latina, negra y LGTB. Como explica posteriormente Philip Core, el Camp es el heroísmo de la gente que no iba a ser héroes. Más adelante es Susan Sontag la que teoriza acerca de este término. Determina el Camp en 58 notas y de forma resumida, se trata de una estética en el que importa el nivel de artificio y es una forma de entender el mundo como un fenómeno estético y requiere un campo artístico donde pueda haber sacrificio de contenido para dar paso a la estética y al estilo. 

Uno de estos campos es la moda, muchos diseñadores usan la moda como herramienta para hablar de lo opresivo y artificial de las nociones como el género, raza, sexualidad, clase y gusto. Algunos diseñadores usan el Camp para hacer alarde de esta opresión para apropiarse de ella, otros lo usan para superar el rol del marginado. 

Unos de los grandes hitos de la moda es el little black dress, categorizado como un indispensable del armario que nos salva/eleva de cualquier situación, es conocido por ser una herramienta democratizadora y que nos pone a todos en un mismo nivel y que automáticamente nos mejora. 

Su origen tiene que ver con Coco Chanel y las criadas y sus jefas ricas: las jefas ricas le daban sus vestidos negros que no usaban a sus criadas hasta que se repopulariza de nuevo y las jefas ricas vuelven a usar esta prenda, y Coco Chanel la relanza al mercado como “el lujo de los pobres”. Así se entra en una dinámica compleja debido a que el color negro siempre ha representado términos antagónicos: es un color que siempre se asocia al poder o a la falta de este. Un ejemplo podrían ser las criadas y sus jefas ricas. 

Como explica Diana Vreeland, antigua editora de Vogue, producir en negro es el mayor rompecabezas de los diseñadores, ya que destaca los elementos claves del diseño y si se diseña mal se notan todos los fallos. Resulta curioso saber que el diseño que más expone a los diseñadores es el que usamos nosotros para ocultarnos o transformarnos, es decir ser algo que no sea nosotros mismos. ¿De qué nos queremos ocultar o qué pretendemos ser? 

Las piezas bordadas con hilo natural y sintético sobre cinco capas de organza que configuran la exposición Little Black Dress representan esta dinámica de poder que nos muestra el negro: contamos con una una monja, tres criadas y tres modelos sacadas de publicaciones como Vogue o Harper’s Bazaar. A su vez cada uno de estos bordados está constituido por cinco capas: la cara de fondo de Twiggy, una silueta completa, un contorno, una silueta con citas de Susan Sontag respecto al Camp y una silueta que imita el juego de unir 58 puntos (ya que Sontag habla de 58 puntos del Camp). 

Como parte de la exposición, abrimos las puertas a un espacio íntimo, un taller reconstruido donde se respira el pulso creativo de la artista. Notas, bocetos y apuntes dispersos que funcionan como archivo conceptual de la obra final. 

Sobre la artista: 

Francisca Rubio Wenk (Córdoba, Argentina, 1999) centra su práctica artística en el bordado tradicional, explorando sus connotaciones históricas y desafiando las percepciones de esta técnica como un “arte menor” relegado al ámbito femenino. Utiliza el bordado como un medio para contar historias no contadas. 

Su investigación se divide en varias líneas temáticas. Por un lado, explora el concepto del hogar como un espacio aparentemente seguro, pero que puede ser el escenario de relaciones dañinas, como las dinámicas entre madre e hija y la herencia de traumas generacionales femeninos. Por otro lado, examina el papel de la moda desde una perspectiva camp, reconociéndola como una herramienta de expresión política para comunidades marginadas como la LGBT, latina y negra. 

Exposición Little Black Dress de Francisca Wenk en Lapanera (La Laguna), del 4 al 18 de octubre

Horario: de martes a viernes de 11:00 a 14:00 h y de 17:00 a 20:00 h, sábados de 11:00 a 14:00 h

Beatriz Martín: “En cada concierto el tiempo se detiene y me siento en paz”

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Erick
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La cantautora canaria Beatriz Martín presenta su nuevo single Lo sabrá Madrid, disponible en todas las plataformas digitales. Se trata de una canción que nace de un recuerdo íntimo y que se convierte en una experiencia compartida, con la ciudad como escenario y metáfora de lo vivido. “Es la historia que se queda a medias, el momento exacto en el que entiendes que eso no te va a pasar sino una vez en tu vida”, explica la artista.

El tema ha sido producido por Sergio Sancho, con quien Martín mantiene una sólida complicidad musical desde hace años. “Sé que cuando pongo mis canciones en sus manos todo va a estar bien. Tiene la sensibilidad de transmitir lo que quiero expresar”, comenta. Además, el single cuenta con la colaboración de Jan Cruz, cuya voz aporta un diálogo cargado de matices y emoción. La presentación oficial de esta nueva composición tendrá lugar el 10 de octubre en Sala La Bowie de La Laguna.

Lo sabrá Madrid refleja el estilo compositivo de Beatriz Martín, basado en la intuición y en una conexión muy personal con la música. “No tengo un método concreto; a veces las canciones me llegan en sueños, otras simplemente nacen cuando cojo la guitarra. Depende mucho de mi estado de ánimo”, confiesa la cantautora.

Los escenarios han sido otra parte fundamental de este camino. Cantar en Madrid supuso para ella un reto y un sueño cumplido. “Cada concierto es una experiencia única, un momento en el que el tiempo se detiene y me siento en paz al compartir esa magia con el público”, asegura.

De cara a su próximo concierto en la sala La Bowie, Beatriz adelanta que llegará acompañada de sus músicos habituales y que habrá sorpresas sonoras. “Cada concierto con ellos es diferente. Habrá canciones y ritmos nuevos”, anticipa. Con este lanzamiento, del que mañana, martes 30 de septiembre dará una sorpresa en sus redes sociales, la artista reafirma su lugar en la nueva generación de cantautoras españolas, apostando siempre por la autenticidad y la calidad.

La Gran Canaria Wind Orchestra inaugura temporada con un homenaje a la zarzuela

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  • El evento será el domingo 5 de octubre, en el Auditorio Alfredo Kraus, con las voces de Juan Antonio Sanabria y Judith Pezoa, bajo la dirección de David Fiuza
  • Un viaje musical que une lo sinfónico y lo lírico: desde obras inspiradas en el género chico hasta las romanzas y dúos más inolvidables de la zarzuela

Octubre arranca con música y tradición. La Gran Canaria Wind Orchestra (en adelante, GCWO) abre su temporada con un concierto dedicado al género chico, el próximo domingo 5 de octubre en el Auditorio Alfredo Kraus. Sobre el escenario, la poderosa sonoridad de la gran formación de vientos y percusión se unirá a las voces de dos intérpretes internacionales nacidos en Canarias: Juan Antonio Sanabria y Judith Pezoa, bajo la batuta de su director titular, David Fiuza.

El programa, dividido en dos partes, combina la mirada sinfónica de los siglos XIX y XX sobre la zarzuela con una cuidada selección de romanzas y dúos inmortales.

La primera parte rinde homenaje a compositores que llevaron la zarzuela al terreno sinfónico, como Miguel Asíns Arbó, con su galardonada suite Los Madriles, o Carlos Surinach, que en Memories of an Old Zarzuela recupera temas de El barberillo de Lavapiés desde un lenguaje moderno y brillante.

En la segunda parte, la GCWO se adentra en el repertorio lírico con piezas que han trascendido generaciones: desde el dúo Caballero del alto plumero de Luisa Fernanda (Moreno Torroba) o la célebre romanza No puede ser… de La tabernera del puerto (Sorozábal), hasta páginas memorables de Doña Francisquita (Vives) y La Marchenera (Moreno Torroba). El concierto culminará con una suite sinfónica de El Gato Montés, de Manuel Penella.

Con este programa, la Gran Canaria Wind Orchestra consolida su apuesta por acercar al público el patrimonio musical español desde una perspectiva renovada y con grandes voces de la lírica actual.

primera parte 

Así se configura un programa con una primera parte de música sinfónica original, con dos fantásticas obras que captan la esencia zarzuelística, aunque con una sonoridad más moderna y traducida al lenguaje de las bandas actuales.

La primera obra, del maestro Asíns Arbó, fue galardonada como primer premio “Maestro Villa” de Madrid en el año 1994; se trata de una partitura madrileña, la suite Los Madriles, que resulta ser un homenaje a los maestros del sainete lírico madrileño. Asíns Arbó consideraba esta obra como una deuda pendiente con el pueblo de Madrid, que tan bien le había acogido siempre. Los Madriles es una apasionada exaltación de la Villa y Corte, y los títulos de los cuatro tiempos que integran la suite, ponen de manifiesto la intención expresiva del compositor:

  • “Arco de Monteleón”: evoca la heroica gesta del pueblo madrileño del 2 de mayo.
  • “Junto al Manzanares”: es un humilde y poético canto de amor de populares

acentos.

  • “Las Vistillas”: el inconfundible ritmo de la mazurca encarna el casticismo

madrileño garboso, de buena ley.

  • “La Puerta del Sol”: el lugar donde Madrid se vuelve España entera.

Esta primera parte se completa con la obra Memories of an Old Zarzuela, del compositor catalán nacionalizado norteamericano Carlos Surinach. Este autor fue uno de los defensores del brutalismo, pero solía moderar esta impetuosidad con nuevas melodías de corte folclórico. Memorias de una vieja zarzuela, del año 1987, es el raro ejemplo en el que utiliza una melodía preexistente, en este caso la ópera española cómica en tres actos de Asenjo Barbieri, El barberillo de Lavapiés, como base para una nueva pieza. La obra se divide en 4 movimientos que recogen 4 músicas de la zarzuela mencionada, aunque presentadas en un idioma más vanguardista, con tímbricas brillantes y armonías de carácter flamenco.

Segunda parte

La segunda parte del programa presenta una selección de romanzas y dúos de zarzuelas muy conocidas, que se han mantenido vivas con éxito durante un siglo, cuyos números para voces solistas se han consagrado en el repertorio icónico de este género. En la selección de este programa se interpretarán 4 romanzas / dúos conocidos y una selección sinfónica con voces solistas.

  • “Dúo de la Flor de Carolina y Javier”, también conocido como Caballero del alto plumero y que pertenece a la zarzuela Luisa Fernanda del maestro madrileño Federico Moreno Torroba. Nos muestra una hermosa historia de coqueteo seductor, con una música de una ternura evidente.
  • “No puede ser…”, del autor vasco Pablo Sorozábal, es una de las romanzas más interpretadas de la zarzuela La tabernera del puerto; en ella se manifiestan los sentimientos controvertidos de Leandro, enamorado profundamente de una tabernera que lo lleva al mundo del contrabando de drogas. 
  • “Le van a oír…” es un dúo lírico que pertenece a la zarzuela Doña Francisquita del catalán Amadeo Vives. En este dúo se presentan los diálogos entre Francisquita y Fernando sobre un galimatías amoroso en el que están inmiscuídos ambos.
  • “Tres horas antes del día” es la famosa romanza de soprano de la zarzuela La Marchenera. A través de un ritmo de petenera y cierta melancolía, en ella se expresan los intensos sentimientos de amor no correspondido.

Esta segunda parte lírica se cierra con una suite sinfónica del título El Gato Montés. Esta obra del valenciano Manuel Penella, es considerada una ópera por su construcción (sin diálogos), aunque el idioma de la música está totalmente contextualizado en el estilo de la zarzuela, mediante el empleo de músicas populares y folclóricas españolas, así como orquestaciones ligeras. El maestro holandés Marcel van Bree presenta esta selección de algunos de los momentos más hermosos de la ópera, contados y cantados por los protagonistas Soleá y Rafael.

Judith Pezoa, Soprano 

Judith Pezoa, natural de Las Palmas de Gran Canaria, se gradúa con la máxima calificación en Canto y Piano en el Conservatorio Superior de Música de Canarias obteniendo Premio Fin de Carrera en la especialidad de Canto. Alcanza Distinción de Honor en Canto por la Academia Internacional de Música de Niza y es distinguida como alumna en la Academia Rossiniana de Pesaro. Siempre en constante formación, ha perfeccionado su técnica de la mano de Luciana Serra, Francisco Kraus, Mariella Devia, Alberto Zedda y María Orán. Ha sido premiada en los Concursos Internacionales de Canto de Torino, Logroño, Colmenar Viejo, Ópera de Tenerife y Cajacanarias.

Su trayectoria artística se extiende por numerosos teatros y auditorios como el Pérez Galdós, Reina Victoria, Alfredo Kraus, Adán Martín, La Maestranza, Niza, Padova, Udine, Monza, Milano, Busto Arsizio, Varese y Pesaro, en donde interpreta los principales roles de óperas y zarzuelas como Rigoletto, Die Zauberflöte, Cosi fan Tutte, L’elisir d’amore, La Traviata, Lucia di Lammermoor, La Fille du Regiment, Bohéme, Doña Francisquita, El Barbero de Sevilla, Marina, Carmina Burana, etc. Bajo la dirección musical de Eric Hull, Miquel Ortega, Alessandro D’Agostini, Pedro Halfter, Pier Pelucchi, A. Zedda, Liu Ja, Alessandro Vitiello, Bruno Aprea, Víctor Pablo Pérez, Marzio Conti, Lucía Marín y Evelino Pidò entre otros. Ha compartido escenario junto a la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, Orquesta Filarmónica di Milano, Orquesta Sinfónica de Udine, Orquesta Sinfónica de Las Palmas, Orquesta Sinfónica de Tenerife, Orquesta del Atlántico y la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid.

Numerosos han sido los conciertos y recitales a voz y piano interpretados a nivel nacional e internacional en ciudades como Niza, Lyon, Lugano, Brissago, Viena, Milán, Madrid, Barcelona, Logroño, Las Palmas de Gran canaria, Tenerife, etc. Destaca su participación en el ciclo internacional de conciertos Vive la Lírica en Las Palmas de Gran Canaria junto artistas de la talla de Aprile Millo, Ainhoa Arteta, Nancy F. Herrera, Carlos Álvarez, Yolanda Auyanet y Lawrence Brownlee entre otros.

Recientemente, ha impartido MasterClasses de Canto y seminarios en Italia y México, colaborando con instituciones como el Conservatorio de Brescia y la Universidad Nacional de México. A nivel regional, destaca por su labor investigadora y divulgativa participando como profesora en la Escuela Coral del Auditorio de Tenerife y en los cursos “María Orán” en Tenerife.

Actualmente compagina su carrera artística con su labor como Catedrática de Canto en la Escuela Superior de Canto de Madrid, manteniéndose activa tanto en la docencia e investigación como en el panorama lírico nacional e internacional.

Juan Antonio Sanabria, tenor 

Nacido en Las Palmas de Gran Canaria, Juan Antonio  Sanabria es Licenciado en Pedagogía del Canto y  postgraduado en Artes Escénicas. Discípulo de María Orán,  se perfecciona con el tenor Juan Lomba y la pianista Elena  de Miguel. Ha sido galardonado en concursos nacionales e  internacionales, como el Premio María Orán y el Clermont 

Ferrand. 

Desde su debut en 2006, su versatilidad le ha permitido  abordar repertorios operísticos, sinfónicos y de oratorio. Ha  interpretado óperas de Mozart, Haydn, Rossini, Donizetti,  Puccini y estrenos mundiales como Tenorio y  Fuenteovejuna. Ha cantado en importantes auditorios de  España y trabajado con orquestas como la Nacional de  España y la Danish National Symphony. 

Entre sus próximos compromisos destacan, la Misa de  Réquiem, de Mozart, y los Carmina Burana, con la  OCRTVE, Lucía di Lammermoor, en Andorra, entre otros.

Sanguijuelas del Guadiana inaugura LALA MUSIC 2025 el 9 de octubre en la Sala Aguere

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Culturamanía
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El festival de música emergente hecha en Canarias cierra mañana martes 30 de septiembre la convocatoria para bandas canarias que quieran sumarse a la programación.

La cuarta edición de este festival que funciona como escaparate de música en vivo canaria, ofrece una amplia programación del 9 al 10 de octubre con conciertos, encuentros formativos y networking

El próximo jueves 9 de octubre arranca la 4ª edición de LALA MUSIC, el festival dedicado a la música emergente hecha en Canarias. La inauguración tendrá lugar en la Sala Aguere Cultural con el concierto de Sanguijuelas del Guadiana, una de las bandas revelación de la escena estatal que llega por primera vez al Archipiélago. Las entradas para el concierto ya están disponibles a través de Tickety.es.

De la Siberia extremeña, a La Laguna, Sanguijuelas del Guadiana, formados en Casas de Don Pedro (Badajoz), son tres amigos que comenzaron tocando por diversión y que se han consolidado como una de las propuestas más prometedoras del panorama emergente español, basando su discurso en la premisa de triunfar en la música sin tener que abandonar tu tierra natal, siendo fiel a tus principios. Su sonido mezcla rock, actitud punk y letras incisivas, que recuerdan a bandas como Estopa o Extremoduro, conquistando tanto a públicos jóvenes como a seguidores de la tradición rock contestataria.

Su disco debut, Revolá, ha sido señalado por la crítica como una referencia imprescindible y su rápido ascenso los ha llevado a escenarios de festivales nacionales de prestigio. Su paso por LALA MUSIC refuerza el espíritu del festival: visibilizar propuestas con identidad propia y generar inspiración en diálogo con la escena canaria.

Convocatoria showcases: un escaparate musical en el corazón de La Laguna

Además del concierto inaugural, LALA MUSIC desplegará durante los días 10 y 11 de octubre una ruta de conciertos gratuitos en formato showcase por diferentes espacios del casco histórico de San Cristóbal de La Laguna. Los locales confirmados este año son: Sala Aguere Cultural, El Rincón de Tintín, El Desleal y Lapanera. 

El público podrá descubrir la diversidad de la música emergente en Canarias recorriendo distintos ambientes y estilos, mientras que los artistas tendrán la oportunidad de mostrar su trabajo frente a público general, periodistas musicales y profesionales del sector, entre ellos promotores, responsables de agencias de management y directores de festivales.

La convocatoria de showcases, abierta a todas las edades y géneros musicales, permanece abierta hasta mañana martes 30 de septiembre. Las bases, requisitos para participar y formulario de inscripción se encuentran en la página web lalamusic.es. De entre las propuestas recibidas se seleccionará la programación definitiva de esta edición.

La selección se realizará según el criterio de un equipo compuesto por profesionales y personas con trayectoria contrastada en el sector musical, así como organizadores/as de festivales de referencia. Se valorará la originalidad, calidad de las canciones, y la proyección nacional de propuestas interesadas en una expresión artística actual.

LALA PRO: formación y encuentro profesional

El festival también apuesta por la formación y la profesionalización del sector musical en Canarias. El sábado 11 de octubre en el Museo de Historia y Antropología de Tenerife (Casa Lercaro) por la mañana se celebrará la jornada LALA PRO, un espacio de debate y aprendizaje colectivo que incluirá charlas, talleres prácticos y encuentros con reconocidos profesionales de la industria musical.

Con su triple propuesta, conciertos, showcases y jornada profesional, LALA MUSIC consolida su posición como un escaparate de referencia para la música independiente en Canarias, dinamizando la escena local y conectando al talento emergente con agentes clave de la industria.

Sobre LALA MUSIC

LALA MUSIC es un festival que celebra la música emergente hecha en Canarias. Cada edición convierte San Cristóbal de La Laguna en un espacio de encuentro entre creadores, profesionales y público, con una programación que combina conciertos invitados, showcases de proyectos seleccionados por convocatoria abierta y actividades profesionales. Su objetivo es visibilizar el talento canario, dinamizar la música independiente en las Islas y crear nuevas oportunidades para la escena local en diálogo con la industria nacional. En la pasada edición fueron más de veinte programadores de las islas, responsables de festivales de referencia como Sonidos Líquidos, LPA Beer & Music Festival, Phe Festival, FMAC, Hero Fest y otros espacios con programación habitual de conciertos, así como periodistas musicales de emisoras de referencia nacional como Radio 3 y Radio Nacional. 

Este encuentro organizado por Phe Team cuenta con la colaboración del Ayuntamiento de La Laguna a través del OAAM, la consejería de Cultura del Gobierno de Canarias y el Organismo Autónomo de Museos de Tenerife.

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