Un retrato de la infancia en el Madrid de los 80 que aborda las creencias, ritos y vínculos familiares desde la mirada de una niña

Tras su participación en la 28ª edición del Festival de Cine de Málaga, presentada en la Sección Oficial — Fuera de Concurso, el próximo 8 de agosto llega en exclusiva a Filmin «La niña de la cabra», dirigida por Ana Asensio, una emotiva fábula sobre la manera en que una niña percibe las creencias, los rituales y las convenciones sociales en la España de los años 80. La película, distribuida por Avalon y estrenada en cines el pasado 11 de abril, cuenta con un reparto encabezado por la debutante Alessandra González, acompañada de Juncal Fernández, Lorena López, Javier Pereira y Enrique Villén. 

Madrid, 1988. Elena, una niña de ocho años, debe enfrentarse a la reciente pérdida de su querida abuela mientras se prepara para recibir su Primera Comunión. En medio de sus dudas existenciales sobre la muerte, Dios y el más allá, su mundo se transforma cuando conoce a Serezade, una extrovertida niña gitana que no se separa de su cabra y que baila en las plazas del barrio para ganar algunas pesetas. Esta amistad inesperada llevará a Elena a cuestionar si realmente el mundo que la rodea es tal y como los adultos se lo han explicado, iniciando un viaje de autodescubrimiento que marcará su paso de la infancia a una nueva comprensión de la realidad

Una mirada a la infancia

Este es el segundo largometraje de la directora Ana Asensio que, tras “Most Beautiful Island” —ganadora del Gran Premio del Jurado del SXSW de Austin—, explora cómo los niños experimentan la oscuridad y el misterio de la vida a través de los ojos de una niña de ocho años, repleta de interrogantes y con una búsqueda insaciable de respuestas: «Quería contar la película no desde un adulto que mira al niño, sino de un niño que mira el mundo y que intenta descubrir lo que para mí son los misterios de la infancia. Las sensaciones se viven de otra manera, o al menos así las recuerdo yo», explica la directora en una entrevista para Caimán.

Asensio desde el inicio planteó al equipo de casting una búsqueda muy específica: encontrar niñas sin formación actoral previa, alejadas de las escuelas de interpretación y que conservaran esa espontaneidad natural de la infancia. El resultado es la magnífica interpretación de dos jóvenes talentos muy distintas entre sí: Alessandra González, que encarna a Elena con su sensibilidad y capacidad para transmitir emociones con su mirada, y Juncal Fernández, quien da vida a Serezade con una frescura y espontaneidad cautivadoras que conquistaron inmediatamente al equipo en el casting.

La España de los años 80

La ropa tendida en los balcones, los juegos en los patios de los colegios, las dinámicas familiares, el peso de las normas sociales no escritas y la influencia de la religión católica en la educación ofrecen en la película un retrato fascinante de toda una generación de finales de los 80. Una generación que, según la directora en una entrevista para Cineuropa, refleja la transformación de un país que anhelaba expresarse, salir a las calles y manifestarse públicamente de manera libre: “Este contexto está presente en el subtexto de la película, que se entrelaza con la necesidad de los personajes femeninos de una familia —la abuela, la madre y la niña— quienes, de diferentes formas, intentan romper con lo establecido en sus vidas hasta ese momento». 

RESEÑA

«Hermoso cuento de amistad infantil entre clases en la España de los ochenta». —  El País.

«Ana Asensio se acerca, con mirada descarnada y tono de fábula, al alma confundida de una cría». — La Vanguardia.

«Un artefacto de ternura, un vaporoso desfile por la inocencia y una película frágil -en el mejor sentido posible-«. —  Kinótico

Vincent Cassel («El odio») y Diane Kruger («Malditos bastardos») protagonizan esta historia personal del director sobre el duelo y la tecnología, que se estrenó en el Festival de Cannes

El próximo 19 de septiembre, Filmin estrenará en exclusiva “Profanación” («The Shrouds» en su título original), la última obra del aclamado director canadiense David Cronenberg, padre del body horror, reconocido mundialmente por títulos icónicos como “La mosca” (1986) o “Crash” (1996). El cineasta se basa en una historia de duelo personal, la muerte de su mujer, para indagar en la relación entre tecnología y muerte y preguntarse sobre el más allá del fallecimiento. Vincent Cassel («El Odio»), protagonista de la cinta, interpreta a un empresario multimillonario y viudo obsesionado con una tecnología que permita observar en tiempo real la descomposición de su mujer fallecida (Diane Kruger, «Malditos bastardos»). 

La película tuvo su estreno mundial en la Sección Oficial del Festival de Cannes, donde compitió por la Palma de Oro y dividió a la crítica cinematográfica, y el 2 de agosto se proyectará en el Atlàntida Mallorca Film Fest. Además, la prestigiosa revista Variety la eligió como la segunda mejor película de género del año.

Cuenta la historia de Karsh (Cassel), un importante gurú tecnológico y hombre de negocios de 50 años. A raíz de la muerte de su esposa y del insoportable duelo por el que pasa, inventa GraveTech, una tecnología revolucionaria y controvertida que permite a los vivos vigilar los cadáveres de sus seres queridos en sus mortajas. Una noche, varias tumbas, incluida la de la esposa de Karsh (Krueger), son profanadas. Karsh se propone localizar a los autores.

Una historia personal

El origen tan personal de “Profanación” convierte a esta película en una de las obras más confesionales de Cronenberg. El dolor tras la pérdida de su esposa Carolyn en 2017 fue el principal motor emocional del guion, generando en el director un impulso genuino de explorar los límites entre la tecnología, el cuerpo y el duelo. Cronenberg ha contado cómo el deseo casi irracional de no perder el contacto físico con su ser querido fallecido lo inspiró a idear la tecnología ficticia que aparece en la película, una forma de vigilancia obsesiva que canaliza su propia necesidad de conexión más allá de la muerte. Si bien el filme evoluciona hacia la ficción, mantiene esa carga autobiográfica en su núcleo, incluso en la apariencia física del protagonista, fusionando la visión característica del director sobre el cuerpo y la tecnología con una sinceridad y vulnerabilidad inéditas en su filmografía. 

El director ha decidido añadir más guiños autobiográficos, como una de las frases de las primeras escenas de la película. Alguien pregunta al protagonista cómo está llevando el duelo de su esposa, a lo que Karsh responde “¿Hasta dónde estás dispuesto a llegar en la oscuridad?”. Cronenberg cuenta de dónde sacó esa cita: «Después de que mi esposa muriera, la gente me preguntaba cómo me sentía, y me di cuenta de que me respondía a mí mismo con esa misma pregunta».

El padre del body horror

David Cronenberg es universalmente reconocido como el padre del body horror, un subgénero del terror que explora la vulnerabilidad, transformación y mutación del cuerpo humano. Su apodo de «Baron of Blood» pone de manifiesto esa influencia transgresora con la que ha marcado el cine fantástico mundial. Desde sus primeras películas, como “Rabia” (1977) y “Videodrome” (1983), y obras maestras como “La mosca” (1986) o “Crash” (1996), Cronenberg ha revolucionado cómo se representa el cuerpo en el cine, convirtiendo lo orgánico y lo visceral en metáforas complejas sobre la identidad, la sociedad y el deseo.

“Profanación” recoge y culmina todas estas obsesiones y logros: fusiona la perturbadora imaginería corporal característica del director con reflexiones íntimas sobre la muerte, el duelo y la tecnología. Así explica el director su visión sobre la tecnología que aparece en la película: «Sin duda es perversa, mórbida, grotesca, pero para alguien que está de duelo como él, en realidad no lo es. De hecho, es bastante saludable, una manera de salir de la desesperación, del dolor. Pero, básicamente, todo se reduce al cuerpo, como en muchas de mis películas; «el cuerpo es la realidad», y si aceptas eso, el cuerpo de una persona muerta continúa siendo una especie de realidad, y es ahí donde vive Karsh». En esta película, Cronenberg no solo reafirma su legado como maestro del cine de género, sino que también alcanza una de sus obras más personales, sincopando todo su legado temático y estético en esta historia tan intensa y perfilada.