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Carlos Manuel Rodríguez Hernández, Carlines: “En los medios de comunicación la caricatura va y viene. Ahora viene”. Por Noé Ramón

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“Mi madre siempre me decía que dejara de pintar machangos y me pusiera a estudiar”


“En el mundo del arte siempre están los patitos feos y unos de ellos son la caricatura y el humor gráfico”


“Un factor importante es la autocensura y más ahora con las redes y la inmediatez de las respuestas”


“Desde 2005 trabajo en una novela gráfica sobre mi abuelo, represaliado de la guerra civil. He tenido que investigar porque no se hablaba de él en casa para evitar problemas”



El caricaturista palmero, Carlos Manuel Rodríguez Hernández, Carlines es el nuevo presidente del colectivo Se Nos Fue el Baifo que desde hace siete años aglutina a los caricaturistas y humoristas gráficos canarios. El colectivo formado por una veintena de dibujantes reivindica su trabajo y da a conocer el rico y muy desconocido legado de estos artistas por medio charlas, exposiciones o lo que se tercie. Carlines nació en el barrio de La Canela en Santa Cruz de La Palma justo al lado de la antigua Escuela de Artes y Oficios, hoy llamada Manolo Blahnik, donde en su momento quiso matricularse e incluso alguna vez entró a hurtadillas, pero no pudo ser. Finalmente, estudió Bellas Artes en La Laguna y desde hace una década ha conseguido vivir exclusivamente de lo que le gusta, la ilustración, la caricatura y humor gráfico, un trabajo que ahora puede defender desde la Asociación al asumir “con honor” la Presidencia. Él mismo explica cuales son los objetivos que se ha marcado.

-Haré lo que está en los estatutos, básicamente la promoción de lo que hacemos y se ha hecho. Somos una asociación sin ánimo de lucro, exponemos nuestros trabajos y por ejemplo el año pasado organizamos el segundo salón del humor gráfico y la caricatura, en el Club Victoria de Las Palmas de Gran Canaria. Montamos una exposición y entregamos nuestro premio El Baifo de Oro a nuestro compañero, Néstor Dámaso del Pino y después estuvimos haciendo mesas redondas, charlas, conferencias, talleres de caricaturas y de viñetas durante un mes. Ahora el 17 de junio nos vamos a la Casa Canaria de Madrid para dar a conocer un poco nuestro trabajo. Los paneles que usamos en el Club Victoria estuvieron en el Salón del Cómic de La Laguna y ahora queremos llevarlos, después del verano, a El Hierro y luego a La Palma para seguir moviendo un poco la historia de la asociación y explicar lo que es.

-¿Con cuántos miembros cuentan ya?

-Cada año va creciendo, ahora mismo se han incorporado dos nuevos miembros y tenemos gente que también quiere entrar y que serán propuestos en la próxima asamblea para votarlos. Así que entre pitos y flautas ya somos 20 bayfos y bayfas que en Canarias nos dedicamos a hacer viñetas y caricaturas, contando los nuevos miembros y los que llamamos padres artísticos que son los que ya no están con nosotros.

-El anterior presidente dijo que era sorprendente el número de mujeres que se están incorporando y dedicando a este mundo.

-Es un reflejo de lo que está ocurriendo en todos los niveles de la sociedad. La mujer ha estado apartada y poco a poco se va incorporando al lugar que le corresponde, y lo mismo ocurre en la asociación. Nuestras compañeras tienen un perfil joven y una de las personas que quieren incorporarse ya cuenta con una carrera consolidada. Pero evidentemente no estamos hablando de un objetivo capital que nos hayamos marcado como tal, contar con mujeres por que sí. No es eso de conseguir un tanto por ciento de forma obligatoria, sino de que estén porque se lo merecen, y si son más, pues mejor.

-Llevas años integrado en el colectivo Se Nos Fue el Baifo.

-Desde que lo fundaron hace siete años cuando el grupo original estaba compuesto por Morgan, Padylla. Nestor Dámaso, Antonio Cerpa y las familias de Rafaely, Cho Juaá y Manrique de Lara. El espíritu era crear una estructura regional y empezamos a buscar y a llamar a caricaturistas hasta llegar a ser veinte en estos momentos. Entré a los dos o tres meses de que lo crearan y desde el principio hemos trabajado en la promoción y difusión de lo que es el arte de la caricatura y el humor gráfico de Canarias. En las Islas tenemos un buen legado que se convirtió en referente en los años sesenta y cincuenta, incluso a nivel mundial con las caricaturas de Paco Martínez y Harry Beuster que fueron dos pilares fundamentales en la proyección internacional de lo que se creaba en las Islas con premios en Canadá o Australia. O sea que estamos hablando de que se hacían cosas muy buenas.

-…Y también desconocidas para los propios canarios.

-Claro, para el público general. A la gente de aquella época sí que les resulta más familiar porque salían en los medios de comunicación pero todos sabemos que cuando pasan los años siempre se cae un poco en el olvido.

-¿La gente no se toma en serio a las caricaturas? Aunque suene un poco extraño preguntarlo así.

-En el mundo del arte siempre hay favoritismo hacia algún tipo de especialidad y después están los patitos feos y uno de ellos es la caricatura y el humor gráfico que muchas veces no son considerados un arte, pasan desapercibidos y se van perdiendo con el tiempo. Por eso una de nuestras funciones desde la asociación es mantener vivo ese recuerdo, difundirlo y hacer, no tanto un homenaje, sino justicia a los dibujantes que ya no están con nosotros y en su momento tuvieron un valor que al fin y al cabo hemos heredado. Creemos que la gente joven que viene detrás debe sentirse orgullosa y valorar a este tipo de disciplina.

-Está claro que la mejor manera de conseguirlo es dando a conocer su trabajo y su obra.

-Claro, la promoción y sobre todo la divulgación resultan algo básico. Muchos de nosotros hacemos talleres de viñetas y de caricaturas que llamamos viñetaterapia y caricaturaterapia, que al fin y al cabo es trabajar con niños, adolescentes e incluso mayores porque estamos hablando de un lenguaje y por eso buscamos que los participantes se expresen a través de las caricaturas y el humor gráfico. Lo importante es tener la habilidad para contar historias, principalmente con el dibujo pero también con los textos. Expresar lo que llevamos dentro y que quizás no saben o no se atreven a través de las palabras y por esta vía pueden sacarlo afuera. Cuando hacemos los talleres la gente hace cosas muy pero que muy interesantes.

-Y ya hablando de ti ¿Cómo definirías tu trabajo?

-Me considero un artista polifacético que trabajo tanto dibujando murales como en todo lo que tenga que ver con el diseño. De hecho, ahora mismo estoy haciendo unos diseños de lencería femenina para una empresa de Barcelona. Hago un poco de todo.

-¿Has conseguido vivir solo de esto?

-Sí, en los últimos años me he hecho autónomo y he conseguido meterme de lleno en todo este mundo, que es lo que he estudiado y lo que me gusta.

-Dibujar no se improvisa ni se aprende en dos días. Supongo que te gustaría desde pequeño.

-Sí, claro de toda la vida. Mi madre me estaba diciendo siempre que dejara de pintar machangos y me pusiera a estudiar pero está claro que no le hice caso. Siempre he dibujado y al final he terminado haciendo lo que me gusta. Al principio pensaba meterme en la escuela de Artes y Oficios de La Palma pero no pude porque todo el mundo quería que fuera al instituto, digamos estándar, y después conseguí entrar en Bellas Artes. En la actualidad ha cambiado un poco ese tipo de estructura mental de los estudios pero en aquellos tiempos tuve que pasar por ahí, aunque acabé en lo que quería.

-Lo curioso es que la Escuela de Artes y Oficios de Santa Cruz de La Palma está justo al lado de tu casa y del Instituto. Sería una situación un poco cruel.

-De hecho, cuando iba a jugar a la pelota con los amigos del barrio a las canchas del instituto siempre estaba mirando de reojo a la Escuela y sobre todo a las aulas de la parte de arriba que era donde se daban clases de forja. Incluso una vez me enteré de que estaban haciendo un curso que me interesaba, me colé y me puse a jugar con el barro.

-¿Te has atrevido a hacer cómics?

-Desde el año 2005 estoy metido en un proyecto. Sé que es mucho tiempo pero al menos ya tengo el guión hecho y ahora estoy dibujando. Yo lo llamo novela gráfica porque es un híbrido en el que va a haber textos, fotografías y por supuesto principalmente dibujos. Es una historia sobre la vida de mi abuelo, al que no conocí porque falleció antes de que naciera, y lo que ocurrió en La Palma durante la Semana Roja de la Guerra Civil. No supe mucho de él por el miedo que existía a hablar de los represaliados como fue su caso. Él llegó a estar en la prisión de Fyffes y en los barcos flotantes. Desgraciadamente pasó por un montón de sitios porque fue condenado por ser dirigente de Izquierda Republicana a 25 años de cárcel.

-¿Cómo fue el proceso para documentarte? Sería muy complicado, supongo.

-No sabía nada de él pero empecé a escuchar y a ir averiguando cositas hasta que el profesor Alfredo Mederos escribió un libro sobre los represaliados en La Palma y ahí lo descubrí. Luego a base de ir preguntando y buscando encontré unos textos que aparecían en los periódicos de aquellos años y otros más largos que habíamos conservado nosotros. Cuando le conté a Don Alfredo la documentación que tenía me contestó: “Pues ya sabes lo que tienes que hacer”. Esa frase me hizo pensar. Luego el director de cine, David Cánovas me dijo: “¡Tío tienes que dibujar esa historia!” Y me di cuenta de que era verdad. Desde 2005 llevo metido en este proyecto, investigando en los archivos provinciales, en La Cosmológica, en el Archivo de Salamanca, Guadalajara… así que ya voy por la página 23. Ha sido complicado porque mi abuela tiró muchos de los textos que tenía de él por miedo a las represalias. Por suerte mi abuelo escribía un montón en los periódicos de La Palma y he conseguido rescatar algunos textos pero por desgracia otros han desaparecido, por humedades y que en algunos casos eran los ejemplares en los que más salía y que estaban en La Cosmológica. Así que hay material que existió, tengo constancia de ello por el libro de Don Régulo, pero no he conseguido recuperarlo aunque por suerte he encontrado otros.

-¿Y ya tienes pensado el título?

-Sí, sería 1941, fiebre carcelaria. Ya digo que será un híbrido de novela gráfica porque además de dibujos habrá fotos inéditas de los presos que nunca se han publicado. En concreto, son cuatro.

-En el TEA tienen un muy buen archivo de periódicos que se puede consultar con un sistema que se llama Jable.

-Sí, ahí he encontrado alguna cosita. Mi abuelo era muy joven cuando pasó todo aquello. Fue una persona muy emprendedora que trabajó de representante de productos ingleses cuyo proveedor estaba en Gran Canaria, entre otras cosas.

-¿Ya tienes quién te lo publique?

-En principio voy a tirar adelante, no sé cuándo lo acabaré quizás en uno o dos años pero estoy seguro de que lo sacaré y cuando termine ya hablaré con alguna editorial, institución o lo que sea y si no lo publicaré yo mismo porque es tan goloso que va a gustar y a llamar la atención. Habla de la Semana Roja y se verán imágenes de Fyffes que he sacado de las descripciones que hizo Mauro Martín Peña, que fue uno de los presos. He conseguido alguna fotografía, planos, imágenes aéreas de Santa Cruz en las que haciendo un zoom puedes sacar más detalles. La publicaré de alguna u otra forma, como si la costeo yo. Eso no me preocupa.

-¿Cómo definirías tu forma de dibujar?

-No tengo un estilo marcado. La suerte o desgracia es que me adapto a lo que me pida el cliente y si no pide nada entonces lo hago a mi manera pero primero pregunto lo que les gusta y así al segundo o tercer intento acabas captando lo que quiere el cliente. Me adapto, soy camaleónico en ese sentido.

-Y en cuanto al tebeo que vas a hacer, y que por lo tanto será algo totalmente personal ¿Cuál dirías que va a ser el estilo?

-Pues el estilo roza a veces un poco el surrealismo, con gestos más exagerados como caras deformadas… Y después en otros momentos me ciño al realismo puro y duro. A lo mejor en alguna viñeta no pones un fondo y en otras sí, voy jugando con ese lenguaje que es el que quiero transmitir a los lectores. En la novela resalto algún elemento con un color cuando me interesa que se vea claramente pero en general va a predominar el tono sepia, excepto alguna mancha en los ojos si son verdes o al poner la bandera o una gota de sangre. Jugaré un poco con eso.

-¿Qué referentes o influencias tienes?

-Al ser polifacético, no te puedo decir un referente concreto sobre un estilo o una disciplina. De todo lo que veo voy escogiendo, igual ahora es una cosa pero dentro de dos semanas es otra distinta y me gusta el libro de un autor y me sirve de referente. Como caricaturistas me gusta Galarza, Paco Martínez o Harry Beuster aunque mi estilo poco tiene que ver con el suyo, yo uso más con la acuarela y busco algo más personal. En la pintura mural, trabajo a mi manera, pero hay gente como los colegas. Matías de Sabotaje o Fran Feo Flip que se tienen que tener en cuenta, así que te puedo hablar de mucha gente según las disciplinas. Si me dedicara sólo a hacer tebeos podría decir que soy de la escuela belga o de otra, por ejemplo, pero no es el caso.

-¿Crees que la caricatura debe tener algún tipo de límite a la hora de ridiculizar al personaje?

-Tanto en la caricatura como en el humor gráfico hay un factor importante como es la autocensura y más ahora que con las redes y la inmediatez de las respuestas y el grado de fuerza que tienen las imágenes debes ser sensible, cuidadoso y escuchar ciertos mensajes. Así que la censura y los límites te los pones tú mismo dependiendo de lo que quieras. La caricatura puede ser simplemente un retrato amable, con cierta desfiguración o exageración de los gestos personales de cada uno. Pero también puede ser cruel como las que se hacían en la Guerra Mundial, tanto de los alemanes a los ingleses como al revés. Por un lado ponían a Churchill con figura de cerdo y por otro hacían lo mismo con Hitler, porque la intención es hacer daño y había un mensaje detrás. Normalmente la caricatura no deja de ser una disciplina en la que no se trata tanto de ridiculizar a la gente sino de darle un guiño humorístico a la persona a través del dibujo. Todos tenemos algo que no nos gusta de nosotros mismos y por lo que sentimos un poco de vergüenza propia, como unas orejas demasiado grandes, por ejemplo. Entonces si lo sabes pues a lo mejor en vez de dibujar orejas de dos palmos las hace de uno para que no se ofenda. Ahí entra tu propia censura o el estilo con el que quieres trabajar.

-¿Alguna vez se ha enfadado alguien a quien hayas caricaturizado?

-Siempre hay alguno que se ofende porque como digo, esa persona tiene algo de su personalidad que le da vergüenza o no le gusta. A veces te lo dicen abiertamente y otras no porque son correctos y educados. Reírse de uno mismo puede ser un ejercicio muy sano

-¿Has hecho alguna vez una caricatura con rabia?

-Alguna vez, sí. Es como si ahora alguien hiciera una caricatura de Netanyahu, tienes ganas de ridiculizarlo y te pones con un el lápiz entre los dientes porque es tu forma de expresar tu rabia, tu impotencia. Pero en general antes de dibujar con rabia prefiero no hacerlo para no causar daño, porque no es mi estilo. No tengo necesidad de eso y creo que nadie debería hacer una caricatura de alguien por tenerle ganas. En el caso de Netanyahu se puede entender que hay una justificación porque estamos hablando de algo muy evidente. Hay toda una sociedad que está en contra de las matanzas a civiles. Pero hacer una caricatura con este tipo de rabia, por ejemplo, de la presidenta del Cabildo de Tenerife no tiene sentido alguno.

-¿Da la impresión de que en los medios de comunicación ha ido desapareciendo un poco la caricatura?

-Pues ahí la caricatura va y viene, ahora mismo viene. En Crónicas de Canarias publica el compañero Néstor en cada uno de los números de Tenerife y de Gran Canaria. Yo estuve colaborando en el digital Atlántico Hoy hasta hace algunos años y en La Voz de La Palma. También hay otros compañeros y compañeras publicando, así que ya digo es una disciplina que va y viene, depende de la modas y las épocas. Aparece y desaparece.

Llega a Filmin “Bodegón con fantasmas», la ópera prima que renueva el costumbrismo manchego

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La ópera prima de Enrique Buleo se estrena el 6 de junio y retrata con humor negro y ternura cinco historias paranormales, en un pueblo donde los muertos no se han ido del todo. 

El próximo viernes 6 de junio llega a Filmin “Bodegón con fantasmas”, el debut en el largometraje del director Enrique Buleo. La película ha recorrido con éxito festivales como Sitges, Varsovia y Gijón, donde ha sido destacada por su originalidad y sensibilidad. Esta propuesta fresca y profundamente humana combina comedia negra, costumbrismo rural y elementos paranormales en el corazón de Castilla-La Mancha. 

Crucifijos, mesas camilla con braseros, patios típicos manchegos y fantasmas vestidos con sábanas blancas. En un pequeño pueblo castellano conviven los vivos con los muertos sin demasiados aspavientos. Dividida en cinco historias independientes pero conectadas, la película retrata con humor y delicadeza las vidas (y muertes) de personajes enfrentados a la soledad, la fe o el amor: una mujer harta de su marido, un cura visitado por fantasmas, o vecinos que encuentran consuelo en lo sobrenatural.

La muerte como vecina

“Bodegón con fantasmas” es una obra singular que conjuga con elegancia lo insólito y lo cotidiano en el marco de un pueblo castellano donde la muerte ha dejado de ser un tabú. Enrique Buleo retrata con ironía, cariño y un punto de delirio las rutinas, frustraciones y anhelos de personajes atrapados entre el pasado y la costumbre. El escenario rural no es solo fondo, sino motor emocional: señoras mayores, rituales olvidados y silencios largos conviven con presencias espectrales que parecen más humanas que los vivos. Y la muerte, así, se convierte en una vecina más del pueblo.

Surrealismo al servicio de una comedia negra que emociona

Inspirada en la tradición del esperpento español y en el estilo visual y narrativo de cineastas como Roy Andersson y Aki Kaurismäki, «Bodegón con fantasmas» se vale de ese surrealismo y costumbrismo para abordar temas como la muerte y la soledad. La película funciona como una olla en la que se mezclan los ingredientes más reconocibles del paisaje rural español con una fantasía absurda que no ridiculiza, sino que humaniza. Lo que podría haber sido una comedia grotesca se convierte, gracias al cariño y la sensibilidad del autor, en una obra que deja el corazón muy calentito, haciendo reír mientras lanza un pequeño pellizco en el pecho. 

RESEÑAS

«Una obra que esquiva el concepto de ocurrencia gracias a su sencillez y a sus chispazos de ingenio.» —  El País
«Ácida, divertida y tierna a partes iguales.» — Fotogramas
«Buleo reescribe en caligrafía manchega el ideario de Summers pasando por Cuerda, La Codorniz y Expediente X. Memorable.»—  El Mundo

Paccha Turner Chuji: “Nuestro pueblo lucha por la libre determinación y la reconexión con La Tierra por una vida en armonía”

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Los pueblos indígenas dicen hacen un llamado urgente “a la humanidad a frenar la destrucción de nuestra Madre Tierra y a unir esfuerzos para sanar las heridas históricas del mundo”

La joven indígena de la Comuna Ancestral Sarayaku de Sucumbios, del norte de la Amazonia ecuatoriana recibió el Premio Brote Joven en la XXVII edición de FICMEC

Paccha Turner Chuji es una joven quichua amazónica de 24 años; pertenece a la Comuna Ancestral Sarayaku de Sucumbios, ubicada en la cuenca del río Aguarico, uno de los afluentes del río Napo, y este del Amazonas, en la provincia de Sucumbíos, en el borde fronterizo con Colombia. Ella forma parte del movimiento indígena del Ecuador, uno de los más fuertes en el continente.

“Los pueblos indígenas en Ecuador y en el mundo seguimos la misma lucha”. Se trata de “la lucha por la libre determinación, la autonomía y el respeto de nuestros territorios. Esto es una lucha histórica, que ha llevado cientos de años, conectada con siglos de despojo, de apropiación de nuestros territorios, y conectada con el desarrollo de un sistema global basado en el colonialismo y en la construcción de discursos frente a lo que se entiende como modernidad, en contraste con lo que se entiende como primitivo o antimoderno o no desarrollado. Lo que se llama desarrollo o se entiende como avance de la humanidad es a costa de la explotación de la vida, de la tierra, a costa de la desaparición de los pueblos indígenas”, asegura en Garachico.

Hasta este municipio del norte de Tenerife se desplazó Paccha Turner Chuji desde Cambridge -donde estudia Antropología y Sociología- para participar en la XXVII edición del Festival Internacional de Cine Medioambiental de Canarias (FICMEC) y para recoger su premio Brote Joven de este año. Al recibir el galardón, Paccha señala que este la da “mucha esperanza y fuerza”, al mismo tiempo que destaca que su labor no es individual: “es crucial centrar la colectividad de la lucha; para mí es necesario resaltar el rol de nuestras abuelas, de todos nuestros y nuestras ancestras, que están todos los días protegiendo el territorio y los conocimientos ancestrales en las prácticas del día al día”, dice. 

“Los pueblos indígenas comprendemos alrededor del 6% de la población mundial y aun así protegemos más del 80% de la biodiversidad restante del planeta. Esto no es una coincidencia. Los pueblos indígenas somos muy diversos, hay más de 5.000 en todo el mundo. No se nos puede homogeneizar, sin embargo, nos une nuestra conexión profunda con nuestros territorios, una conexión que nosotros no hemos perdido”, apunta.

Cuando se habla con ella sobre el medioambiente, aclara: “nuestra visión de nuestra existencia se basa en la relacionalidad, en la interdependencia, en entender que lo que la ciencia hegemónica considera como naturaleza nosotros no lo consideramos como algo separado de nuestro ser colectivo. Nosotros somos naturaleza. Somos parte de la biodiversidad, no estamos separados de la Tierra. Somos seres que formamos parte intrínseca de la red de la vida de nuestros territorios. La separación entre ser humano y naturaleza esta al centro de las diferentes crisis que el mundo enfrenta.”

Con este enfoque, para Paccha “el cambio climático es una reacción de la Madre Naturaleza frente a siglos de explotación, de abuso, de expropiación y de desvalorización de la vida, tanto humana como no humana. Entonces, la lucha de los pueblos indígenas es una lucha por una justicia holística, histórica. Esto está ligado con la resistencia a un proceso de colonialismo que no ha involucrado solamente la apropiación de nuestros territorios, sino también ha sido un atentado de colonizarnos espiritualmente, de erradicarnos, erradicar nuestra forma de vivir conectada con nuestros propios mundos, con la tierra”.

La defensa de su existencia, sus territorios, la biodiversidad y la vida del planeta que durante siglos han asumido los pueblos indígenas “conlleva resistir frente a un sistema absolutamente brutal, que no terminó en los procesos de independencia. El colonialismo continúa existiendo el día de hoy, y funciona a travez de varios ejes jerárquicos como el patriarcado, el racismo, el antropocentrismo, la heteronormatividad, entre otros pilares que han pretendido por siglos dominar la vida, incluyendo al ser humano”.

Sin embargo, los pueblos indígenas no se limitan a la resistencia: “al resistir, nosotros proponemos diversas formas de relacionarnos con la vida en la Tierra. Para el pueblo Kichwa nuestra propuesta es el Sumak Kawsay, la vida en armonía. Asimismo, los zapatistas explican el pluriverso como un mundo donde quepan muchos mundos; es una idea que desafía la del universo que alude a que solo pueda haber una forma de vivir, una forma de ver y de relacionarse con el mundo”.

En esas otras formas de entender la vida, el papel de la espiritualidad es esencial y algo mayor de lo que cabe en el sentido ortodoxo de la palabra. “Nuestra espiritualidad se refiere a existir con la verdad de que todo está vivo. Incluso estos seres que la ciencia dominante considera como inertes, la tierra, el agua, el aire, el fuego, las piedras… Entendemos que el planeta y que el cosmos son seres vivos y que nosotros somos parte. Nuestra visión es sanar al mundo, lograr una justicia holística: justicia para las mujeres, justicia para todos los pueblos, y para todos los seres vivos que han sido abusados por demasiado tiempo. Los pueblos indígenas hacemos un llamado urgente a reconectarnos con nuestra Madre Tierra, para sanar y reconstruir la vida en armonía.’

La Escuela Municipal de Música de Santa Cruz celebra el talento joven con una jornada festiva

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Orquestas, coros y agrupaciones juveniles municipales protagonizan, mañana, una tarde musical en los exteriores del centro ubicado en la calle Simón Bolívar.

El Ayuntamiento de Santa Cruz informa de que la Escuela Municipal de Música vuelve a llenar de vida y acordes las calles de la ciudad con una nueva edición del evento “Música en la Calle”. Mañana, lunes, 2 de junio, a las 18:00 horas, los exteriores de la Escuela Municipal de Música, localizada en la calle Simón Bolívar de la capital, se convertirán en un escenario abierto donde sonarán temas tan emblemáticos como Tetris, The Shoop Shoop Song o clásicos de Queen.

En este encuentro se darán cita las distintas formaciones de la Escuela Municipal de Música como son la Orquesta Infantil, la Orquesta Juvenil, la Orquesta de Cámara, el Grupo de Chelos, los alumnos de Formación Musical Complementaria (FMC), así como el Coro Municipal de Voces Blancas. Y como parte especial del programa, cabe destacar que la Orquesta Infantil de Santa Cruz realizará una actuación conjunta con la Banda Infantil de la Escuela Municipal de Música de Güímar, en una muestra de colaboración intermunicipal y enriquecimiento cultural.

El alcalde de Santa Cruz, José Manuel Bermúdez, indica que “este tipo de eventos reafirman nuestro compromiso con una ciudad más viva, participativa y donde la cultura sea accesible para todos” y añade que “ver a nuestros jóvenes músicos tomar las calles con su talento es, sin duda, una de las mejores postales que puede ofrecer Santa Cruz”.

Por su parte, el concejal de Cultura, Santiago Díaz Mejías, comenta que “la música no solo forma, sino que también transforma. Y lo que vivimos cada año con este evento es un ejemplo de cómo los espacios públicos se convierten en aulas abiertas, escenarios y puntos de encuentro para las familias y la ciudadanía. Por eso invitamos a todos a disfrutar de esta fiesta musical al aire libre”.

“Música en la Calle” se enmarca dentro de las actividades impulsadas por el Organismo Autónomo de Cultura (OAC) del Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife bajo el lema #SoyCulturaSC, con el objetivo de fomentar el arte, la participación ciudadana y el desarrollo de los jóvenes talentos del municipio.

Regresa el ciclo de cine ‘Diversidad, Igualdad y Cultura’ con cinco nuevas películas de esta temática 

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  • Filmoteca Canaria apuesta por el cine como herramienta crítica y pedagógica y comienza con ‘Brainwashed’ sobre la tendencia de erotizar la imagen de la mujer

Filmoteca Canaria inicia un nuevo ciclo sobre ‘Diversidad, Igualdad y Cultura’ en el Teatro Guiniguada, con la proyección de cinco películas sobre esta temática. La primera será el martes 3 de junio, con ‘Brainwashed: Sex-Camera’, sobre la tendencia de erotizar la imagen de la mujer en el cine y la televisión. Le seguirá ‘Crossing’, el 10 de junio, cinta que relata un viaje íntimo en busca de una joven trans; el 17 de junio será el turno de ‘Tom en la granja’, en torno al deseo reprimido en el ámbito rural. En julio habrá dos funciones: el día 1, ‘Sangre en los labios’, una historia sobre amor y autoimagen; y para cerrar, el 8 de julio, ‘Ex maridos’, que ofrece una mirada mordaz y melancólica sobre la crisis de la masculinidad. Todas las sesiones comienzan a las 19:00 horas.

Brainwashed’, en la primera sesión

La primera película, ‘Brainwashed: Sex-Camera’, es un documental-ensayo que se podría traducir como ‘lavado de cerebro’, realizado por Nina Menkes en 2024. Con más de 80 fragmentos de películas, la directora plantea una crítica urgente al lenguaje audiovisual dominante, en sintonía con las teorías de Laura Mulvey y bell hooks sobre el “male gaze” y la opresión sistémica a través de la imagen. Se podrá ver el martes 3 de junio.

Nina Menkes analiza en esta cinta cómo las convenciones cinematográficas —el encuadre, el ángulo de cámara, la iluminación— han construido una mirada masculina que erotiza, fragmenta y somete los cuerpos femeninos. Una obra esencial para desnaturalizar lo que “parece normal” y abrir paso a una mirada feminista, consciente y transformadora.

Otras películas del ciclo

El ciclo continuará ‘Crossing’, de Levan Akin, que relata un viaje íntimo de redención y transformación en busca de una joven trans. Aquí, el tránsito geográfico y emocional revela, como propone Paul B. Preciado, que “la identidad no es un lugar de llegada, sino un proceso de producción colectiva, ficcional y política”.

En una clave muy diferente, ‘Tom en la granja’, de Xavier Dolan, despliega un thriller psicológico en torno al deseo reprimido y la violencia estructural en el ámbito rural. Dolan articula aquí una metáfora sobre los silencios que impone la heteronormatividad. ‘Sangre en los labios’, de Rose Glass, por otro lado, subvierte la narrativa del romance clásico y la estética del thriller para ofrecernos una historia queer hiperfísica, donde los cuerpos musculosos, el deseo entre mujeres y la violencia se mezclan en una coreografía brutal y electrizante.

Finalmente, ‘Ex maridos’, de Noah Pritzker, ofrece una mirada mordaz y melancólica sobre la crisis de la masculinidad, a través del humor y la fragilidad de un protagonista que ve desmoronarse su mundo familiar y emocional. En una época donde las estructuras patriarcales se tambalean, el cine también puede —y debe— indagar en la vulnerabilidad de quienes han vivido dentro del privilegio sin saberlo.

Dentro del Hoyo, de Juan Dopico Massobrio. Por Álex Ro

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Last Tour Liburuak, 2024

Existe un chascarrillo que se pregunta de qué hablan dos vascos tras comer, y la respuesta es de lo que van a comer después. La relación de Euskadi y la gastronomía es indudable y eso explicaría cómo un filme en donde la comida juega un papel fundamental solo podría haberse rodado en el País Vasco. Estamos hablando de El Hoyo, una película de 2019 dirigida por Galder Gaztelu-Urrutia y que sin pretenderlo se convirtió en un fenómeno a nivel mundial. Y a analizar los entresijos de este filme, sus orígenes, sus problemas, sus logros, sus protagonistas, dedica Juan Dopico este libro que, por cierto, como buen vasco, cada capítulo lo inicia con una receta vinculada a la película, la inmensa mayoría de ellas creadas por el chef bilbaíno David García Pereda (2 Estrellas Michelín). Alta cocina para narrar una película que habla de los más bajos instintos del ser humano.

Aunque el padre de la idea y guionista del filme David Desola no es euskaldún (el otro guionista, Pedro Rivero sí lo es), y que una de las productoras que participó en el proyecto tampoco lo sea, Mr. Miyagi  (Barcelona), lo cierto es que esta película no podría haberse realizado en otro lugar sino en Bilbao, y esto es así por diversos motivos: el empuje personal de Carlos Juárez desde Basque Films, el entramado de sinergias que existen en esta localidad y la presencia de un director novel como es Galder que ya apuntaba formas en cortos producidos por Juárez.

Con un presupuesto que no superaba los 1.2 millones de euros, más que ajustado para un proyecto de estas características, se levantó una película que se fue gestando lentamente, permitiendo que las ideas fraguaran como el hormigón omnipresente en El Hoyo. Como si ya presagiara lo que iba a dar lugar, una ensoñación, todo comenzó en 2008 cuando David Desola se levanta de una siesta tras una opípara comida pensando en una gran mesa abarrotada de comida. Con esta idea, en 2009 escribe una obra de teatro pues él es, ante todo, dramaturgo, obra que nunca se estrenaría. En 2015 Carlos Juárez compra los derechos del texto con la idea de convertirla en una película, comenzando el trabajo de guion que concluyó en 2017. En abril de 2018, tras una exhaustiva preproducción, se comienza la grabación. La película parecía hacer suya la máxima de Carlos Juárez cuando afirmaba que no tenían dinero, pero tiempo sí. A principios de 2019, ya existía una primera versión del filme con más de 120 minutos de duración que, poco a poco se fue puliendo hasta los 89 minutos más créditos que se proyectó en su estreno en el Toronto International Film Festival en septiembre de 2019. A partir de ahí comienza la leyenda: Premio del público a la mejor película en la sección Midnight Madness en Toronto; premio a la mejor película en el Festival de Sitges (primera vez que una película española alcanzaba este premio en solitario), junto al de Mejor Director Revelación, Mejores Efectos Especiales y Premio del Público; selección con pase especial en el Fantastic Fest de Austin (Estados Unidos); Goya a los Efectos Especiales; y, finalmente, la compra de los derechos por la todopoderosa Netflix quien la estrenaría en streaming el 20 de marzo de 2020. Recordemos el contexto histórico de esa fecha: plena primera ola del COVID y todo lo que eso conllevó de restricciones de movimiento y confinamiento; la realidad y la película se conjugan perfectamente. Inmediatamente se convirtió en un fenómeno mundial, ocupando durante 13 días el puesto número 1 de visionados en la plataforma (entre el 22 de marzo al 3 de abril de 2020), entrando entre las 10 películas más vistas en la historia de Netflix, siendo la única no norteamericana (julio de 2020) o convirtiéndose en la película de lengua no inglesa más vista en Norteamérica en diciembre de 2020. Cifras apabullantes para una película española de género y con un presupuesto que no llegaba ni al 10% del dinero que se gastaría Hollywood en una producción similar.

En ese contexto de efervescencia, Juan Dopico, que trabajaba de community manager del filme, concibe la idea de escribir un libro a partir de entrevistas con todas las personas implicadas en la película, desde actores hasta técnicos, pasando por guionistas, productores o el director. De estas conversaciones surgió la narración que se refleja en el libro, recogiendo mil anécdotas y problemas que podrían haber dado al traste con el proyecto pero que se fueron solventando en cada momento, demostrando el compromiso de cada uno de los que intervenían en esta producción. 

Sin querer ser exhaustivos (compren y lean el libro que está escrito de manera muy dinámica y entretenida), citaremos unas cuantas. A una semana de comenzar el rodaje, uno de los actores principales se retiró del proyecto al no verse capaz de abordar su papel siendo sustituido a toda prisa por Zorion Eguileor quien, aunque retasaba las grabaciones al no tener aprendidos sus diálogos, fue capaz de construir un personaje con tal carisma que se convirtió en una de las estrellas indiscutible de la película, con una gran trascendencia social. Y ya estamos hablando de Zorion, los dummys para alguna escena escabrosa que protagonizaba él no sirvieron pues estaban diseñados para un actor con otra complexión, lo que llevó a cambiar la planificación de esa secuencia que era clave en la película.

Iván Massagé, quien sería el actor principal con casi el 50% de los primeros planos, tuvo que realizar un trabajo actoral increíble pues antes de la película engordó hasta los 90 kg para ir perdiéndolos hasta los 78 a lo largo de las 6 semanas de grabación; obviamente, este sufrimiento se reflejó en su personaje. 

El sonido en directo captaba mucho ruido exterior, sobre todo cuando fueron las fiestas patronales de Elorrieta pues se estaba grabando en una nave industrial no insonorizada; a pesar de ello, casi ni se necesitó trabajo de doblaje de diálogos en estudio, aunque, eso sí, se tuvo que crear toda la ambientación sonora en postproducción.

Los cameos del equipo son continuos en la película y así, Juan Dopico hizo de doble de “acción” de Zorion y los guionistas aparecen fugazmente desnudos dentro de una piscina hinchable, por solo citar unas de las múltiples participaciones desinteresadas.

La plataforma de la comida, tan protagonista de la película como los propios actores hasta el punto de que el proyecto original se llamaba La Plataforma y en inglés la película se titula The Platform, fue un quebradero de cabeza al utilizar una grúa de tijera pues su movimiento no era lo fluido que deseaba el director y tenía un margen de solo varios centímetros para pasar por el agujero central; en alguna ocasión se llevó por delante el set, rápidamente reparado por el equipo de atrezo y decorado.

Cuando Kana Koido vio el proyecto de la película en Cannes, compró los derechos para su distribución en Japón sin haber visto siquiera la película (solo visionó un teaser); decir que Kana Koido es la mujer de Vicenzo Natali director de uno de los referentes más claros de El Hoyo como es The Cube. 

Y así, muchas otras situaciones que rodearon la película como el origen del nombre de los personajes o la razón por la cual aparece un ejemplar de El Quijote en El Hoyo.

Es muy interesante que alguien implicado en el proyecto haya decidido embarcarse en redactar un libro sobre la película sin que pasaran décadas, como suele ser habitual en este tipo de análisis. Esto ha evitado que el áurea de olvido que crea el tiempo magnifique lo sucedido y ensombrezca los hechos reales, lo que ha posibilitado contar con un libro cargado con muy buena información para cualquier cinéfilo que se interese sobre esta película. Porque hay tres tipos de personas: los que han visto la película, los que no han visto la película, y los que han leído este libro (permítaseme un guiño a una de las frases gloriosas de El Hoyo)

Por todo lo dicho, si tuviera que poner una puntuación al texto no sería otro que la de sobresaliente. No siempre son necesarios grandes artilugios para llegar al alma como lo hace El Hoyo, tanto en la película como en el texto de Juan Dopico Massobrio.

Todos los estrenos de MAX para el mes de junio

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Este mes de junio trae estrenos destacados de series como la nueva temporada de La Edad Dorada, la mexicana Chespirito: Sin querer queriendo o la gallego-portuguesa Lume; documentales de producción original locales, como Súper Sara, e internacionales, como Mi Mamá Jayne o La funeraria, y películas exclusivas como Mountainhead, firmada por el creador de Succession, Jesse Armstrong.

1 de junio

TOM DALEY: 1.6 segundos

El documental ofrece una visión íntima de la vida del carismático atleta, nombrado oficial de la Orden del Imperio Británico en 2022, incluyendo imágenes exclusivas, vídeos personales de su familia y entrevistas en profundidad con Daley y sus allegados. El documental, de 90 minutos de duración, toma su título del tiempo crítico que transcurre entre la salida de la plataforma y la entrada en la piscina en los saltos de trampolín de 10 metros. La producción recorre la extraordinaria carrera deportiva de Daley: desde la preparación para sus primeros Juegos Olímpicos en Pekín 2008, con sólo 14 años, pasando por la conquista del oro en Tokio 2020, hasta su última participación olímpica en París 2024. Ahora, en 2025, mientras disfruta de su vida familiar, Tom Daley se plantea qué será lo próximo tras su retirada.    

A lo largo del documental, Daley se sincera sobre los retos personales a los que se ha enfrentado a lo largo de su carrera: en su vida pública, en la piscina y entre bastidores. Reflexiona sobre cómo creció bajo los focos y sometido a una inmensa presión física y mental; sobre la profunda influencia que ejerció sobre él de su difunto padre, Robert; y también sobre su salida pública del armario y cómo se trató en los medios de comunicación británicos y los altibajos emocionales de una carrera que abarca dos décadas.

Esta nueva producción documental incluye entrevistas a Debbie Daley, la madre de Tom; a su marido, Dustin Lance Black; a su mentor, Leon Taylor; a su primer entrenador, Andy Banks; y a Jane Figueiredo, que le entrenó hasta conseguir el oro olímpico. También se incluyen imágenes de la memorable actuación de Daley en Tokio 2020, que le valió la medalla de oro, y un acceso a imágenes inéditas de París 2024, donde fue el abanderado del equipo británico, y se colgó la plata en la prueba de 10 metros sincronizados.

El documental ha sido producido en exclusiva para Warner Bros. Discovery y Olympic Channel por Western Edge Pictures y está dirigido por el galardonado cineasta Vaughan Sivell. Se ha rodado en distintas localizaciones de Londres, Los Ángeles y París.

2 de junio
CHESPIRITO: SIN QUERER QUERIENDO. Nueva serie original

Esta serie retrata la vida de Roberto Gómez Bolaños, el hombre que transformó su deseo de provocar sonrisas en un legado universal de humor y ternura. Creador de personajes entrañables como El Chavo del 8 y El Chapulín Colorado, su talento no solo conquistó a una nación, sino que traspasó fronteras para instalarse en el corazón de millones alrededor del mundo.

A través de un emotivo viaje que abarca desde su infancia hasta sus años de mayor éxito -entre las décadas de los 50 y los 80-, la serie biográfica nos muestra cómo un joven soñador logró abrirse paso en una incipiente industria televisiva, enfrentando desafíos personales y sacrificios profundos en su búsqueda de amor y reconocimiento.

Pablo Cruz interpreta al entrañable Roberto Gómez Bolaños “Chespirito”, dando vida también a sus icónicos personajes Chavo del 8, Chapulín Colorado, Dr. Chapatín. Lo acompaña un elenco de primera: Paulina Dávila como Graciela Fernández, Bárbara López como Margarita Ruíz (Doña Florinda), Arturo Barba como Rubén Aguirre (Profesor Jirafales), Andrea Noli como Angelines Fernández [DM5] (La Bruja del 71), [DM6] [OP7] Miguel Islas como Ramón Valdés (Don Ramón), Juan Lecanda como Marcos Barragán (Quico), Eugenio Bartilotti como Edgar Vivar (Señor Barriga y Ñoño), Paola Montes de Oca como María Antonieta de las Nieves (La Chilindrina), Karina Gidi da vida a Elsa Bolaños, Rolando Breme en el papel de Mariano Casasola, y Jorge Luis Moreno interpreta a Horacio Gómez.

6 de junio

LA FUNERARIA. Nueva serie documental

Esta oscura y apasionante serie documental original de HBO narra la historia de una consolidada funeraria familiar que se escondía tras una fachada de decencia y corrección para aprovecharse de los seres queridos en sus momentos más vulnerables. A principios de la década de 1980, David Sconce, descendiente de la familia Lamb, se hizo cargo del negocio familiar y buscó explotar a los difuntos de numerosas formas para aumentar sus ganancias. Impulsada por el afán de lucro, la funeraria Lamb Funeral Home de Pasadena, California, se dedicó durante años a prácticas moralmente cuestionables e inhumanas.

Créditos: HBO Documentary Films presenta THE MORTICIAN, una producción de Number 19 en asociación con Strong Baby. Dirigida y producida por Joshua Rofé; producida por Steven J. Berger, Jonah Hill y Matt Dines; producida por M. Elizabeth Hughes y Alison Goodwin; para HBO: productoras ejecutivas, Nancy Abraham, Lisa Heller y Tina Nguyen.

13 de junio
SÚPER SARA. Nueva serie documental original

SÚPER SARA se estrena el viernes 13 de junio en Max. La nueva serie documental original de Max de tres episodios, creada y dirigida por Valeria Vegas, explora la figura de Maria Antonia Abad Fernández, la mujer detrás del mito de Sara Montiel, una pionera como feminista, como actriz y como mujer. 

SÚPER SARA ofrece un revelador retrato sin precedentes de la vida de una mujer que desafió las expectativas y los convencionalismos de su propia época, que abrió camino para las que vinieron detrás y disfrutó la vida hasta el último minuto. Siempre será recordada por ser la primera española que triunfó en Hollywood, sus sonados romances y sus singulares apariciones televisivas. A través de cintas domésticas de su archivo familiar personal que nunca han visto la luz y elementos personales de la propia Sara, varios de sus familiares, amigos, compañeros y admiradores conforman un retrato poliédrico de la mujer más allá del mito.

A lo largo de los tres episodios descubriremos la historia menos conocida de uno de los iconos más internacionales del cine español, desde sus orígenes humildes en Campo de Criptana hasta su salto a Hollywood, donde se codeó con Marlon Brando, Elizabeth Taylor, Alfred Hitchcock o Marilyn Monroe; desde el éxito sin precedentes con El último cuplé hasta su reinvención en el teatro y la televisión.

Entre los rostros conocidos que prestan testimonio en este retrato están Alaska, Bibiana Fernández, Chelo García-Cortés, Norma Duval, Loles León o Boris Izaguirre, artistas y amigos de Sara; José Bono, expresidente del Congreso y amigo de Sara; las drag Queens Supremme Deluxe, Sharonne y Samantha Ballentines; así como Pedro Villora, biógrafo oficial de Sara; Lidia García, divulgadora e investigadora de copla; las periodistas Beatriz Cortázar y Lorena Vazquez; o Luis Fernando Carrasco, el amigo más íntimo de Sara Montiel desde 1958 que habla por primera vez delante de las cámaras. También se escuchará el testimonio de su hijo, Zeus Tous.

SÚPER SARA es una producción de Lavinia Audiovisual dirigida por Valeria Vegas para Max. Rubén Mayoral y Cristina Vicente son los productores por parte de Lavinia Audiovisual. Zaida Serrano-Piedecasas y María Rubio son las productoras para Max. 

19 junio

LUME

El próximo 19 de junio llega un thriller periodístico que indaga en el origen de los incendios que cada año arrasan la zona fronteriza entre Galicia y Portugal. Coproducida por la gallega Setemedia y la portuguesa Coral Vision Europa, Lume es una serie rodada en gallego y portugués que propone mirar más allá de las llamas para contar las historias que arden en silencio una vez que el fuego se apaga.

La serie sigue los pasos de Lucía, interpretada por la actriz gallega Cristina Castaño, una periodista afincada en Lisboa que regresa a su pueblo natal, Seara, tras un devastador incendio forestal. Ambientada en una aldea de la Raia Seca, la historia explora la problemática de los incendios forestales que cada año asolan Galicia y Portugal. A través de la investigación de una trama especulativa, y con una atmósfera absorbente y enigmática, Lume se atreve a abordar una cuestión tan escabrosa como son las causas reales de los fuegos. Lejos de quedarse en la superficie, retrata con sensibilidad el rural gallego-portugués contemporáneo, desde una perspectiva que huye de los estereotipos y se apega al corazón de los personajes para entender por qué arde el monte. Lume es, igualmente, un viaje a la identidad, que ahonda en las raíces y en las heridas familiares, pero también en la idiosincrasia de dos países especialmente hermanados en la frontera.

Este cautivador eco-thriller de investigación política y ambiental —escrito por el tándem internacional Irene Pin y Sara Rodi y respaldado por una exhaustiva investigación— explora un ámbito impactante que, hasta ahora, nunca se había abordado con una mirada capaz de conectar con una audiencia internacional. El rodaje tuvo lugar en Lisboa y Montalegre, en Portugal, y en las localizaciones gallegas de Cuntis, A Estrada, Dodro y Rois.

Lume está dirigida por Giselle Llanio (Saudade de ti, A Estiba) y Sérgio Graciano. Protagonizada por la actriz gallega Cristina Castaño (Rapa, La que se avecina), Lume cuenta también con el actor portugués Albano Jerónimo (Rabo de Peixe, Vikings), y con un elenco gallego de gran peso: Isabel Naveira (Fariña, Néboa), Alfonso Agra, Xúlio Abonjo, y los nuevos talentos Grial Montes y David Rodríguez. Respaldada por ZDF Studios, que se encargará de su distribución internacional, la serie cuenta además con el apoyo de AGADIC, Eurimages y la Deputación de Ourense.

23 junio

LA EDAD DORADA. Estreno temporada 3

La Edad Dorada estadounidense fue un periodo de grandes cambios económicos y sociales, en el que se construyeron imperios, pero ninguna victoria se consiguió sin sacrificios. Tras la Guerra de la Ópera, la vieja guardia se debilita y los Russell se preparan para ocupar su lugar en la cima de la sociedad. Bertha pone sus ojos en un objetivo que elevaría a la familia a alturas inimaginables, mientras que George lo arriesga todo en una apuesta que podría revolucionar la industria ferroviaria, si no lo arruina primero. Al otro lado de la calle, la casa de los Brook se sumerge en el caos cuando Agnes se niega a aceptar la nueva posición de Ada como señora de la casa. Peggy conoce a un apuesto médico de Newport cuya familia no está muy entusiasmada con su carrera. Mientras toda Nueva York se apresura hacia el futuro, su ambición puede costarles lo que más aprecian.

Reparto: Carrie Coon, Christine Baranski, Cynthia Nixon, Morgan Spector, Louisa Jacobson, Denée Benton, Taissa Farmiga, Harry Richardson, Blake Ritson, Ben Ahlers, Ashlie Atkinson, Dylan Baker, Kate Baldwin, Victoria Clark, John Ellison Conlee, Michael Cumpsty, Kelley Curran, Jordan Donica, Jessica Frances Dukes, Claybourne Elder, Amy Forsyth, Jack Gilpin, LisaGay Hamilton, Ward Horton, Simon Jones, Celia Keenan-Bolger, Ben Lamb, Nathan Lane, Andrea Martin, Audra McDonald, Brian Stokes Mitchell, Debra Monk, Hattie Morahan, Donna Murphy, Kristine Nielsen, Paul Alexander Nolan, Kelli O’Hara, Patrick Page, Rachel Pickup, Taylor Richardson, Douglas Sills, Bobby Steggert, Erin Wilhelmi, John Douglas Thompson, Leslie Uggams, Merritt Wever, con Bill Camp y Phylicia Rashad.

Créditos: Creador/guionista/productor ejecutivo, Julian Fellowes; productor ejecutivo, Gareth Neame; productor ejecutivo, David Crockett; director y productor ejecutivo, Michael Engler; productor ejecutivo, Bob Greenblatt; guionista y productora ejecutiva, Sonja Warfield; directora y productora ejecutiva, Salli Richardson-Whitfield. LA EDAD DORADA es una coproducción de HBO y Universal Television, una división de Universal Studio Group.

25 de junio

ENIGMA. Nuevo documental original de HBO

Explorando la identidad transgénero y su legado, y narrando las divergentes trayectorias de pioneras icónicas como April Ashley, Amanda Lear y otras, el aclamado cineasta Zackary Drucker analiza cuestiones de identidad y supervivencia, revelando las historias dispares pero entrelazadas de mujeres cuyas vidas ayudaron a dar forma a la cultura y la historia trans. Sus experiencias, variadas y complejas, ponen de relieve el precio que han pagado por vivir según su verdad y exploran lo que se gana y se pierde al definir su identidad. La película se estrenó mundialmente en el Festival de Cine de Sundance 2025.

Créditos: HBO Documentary Films presenta ENIGMA, una producción de Story Syndicate en asociación con Pacific Films y Five All in the Fifth Entertainment. Dirigida y producida por Zackary Drucker; producida por Madison Passarelli, Noah Levy, Donovan Lovell, Stephen B. Strout, Douglas Banker y Alex Garinger; producida por Dan Cogan, Liz Garbus, Jon Bardin, Kate Barry, Addison Mehr y Edward Sanders; editada por Claire Didier; música de Danny Bensi y Saunder Jurriaans con James Newberry.

28 de junio

MI MAMÁ JAYNE. Nuevo documental original de HBO

Mariska Hargitay tenía tres años cuando su madre, Jayne Mansfield, murió trágicamente en un accidente de coche a los 34 años. La película sigue a Mariska en su búsqueda por conocer, comprender y aceptar a su madre por primera vez. A través de entrevistas íntimas y una colección de fotos y vídeos caseros nunca antes vistos, Mariska se enfrenta al legado público y privado de su madre y descubre las diferentes facetas y la profundidad de la persona que era Jayne, no solo para su público, sino también para quienes la conocían más de cerca.

Dirigida y producida por Mariska Hargitay; productora, Trish Adlesic; productora ejecutiva, Lauran Bromley.

PELÍCULAS

1 de junio

MOUNTAINHEAD

La película original de HBO Mountainhead está escrita, dirigida y producida por el siete veces ganador del Emmy® y nominado al Óscar® Jesse Armstrong (Succession, de HBO). 

Sinopsis: Un grupo de amigos multimillonarios se reúnen en medio de una crisis internacional.

Reparto: Steve Carell como Randall, Jason Schwartzman como Souper (Hugo Van Yalk), Cory Michael Smith como Venis y Ramy Youssef como Jeff. El reparto secundario incluye a Hadley Robinson como Hester, Andy Daly como Casper, Ali Kinkade como Berry, Daniel Oreskes como el Dr. Phipps, David Thompson como Leo, Amie MacKenzie como Janine y Ava Kostia como Paula.

Créditos: La película original de HBO está escrita y dirigida por Jesse Armstrong; producida por Jesse Armstrong, Frank Rich, Lucy Prebble, Jon Brown, Tony Roche, Will Tracy, Mark Mylod y Jill Footlick.


Otras películas

1 junio

Alcarrás

2 junio

Creatura

3 junio

Mortal Kombat Anihiliation

7 junio

Saben aquel

Verano 1993

Los Goonies

10 junio

La Maternal

13 junio

El último cuplé

La violetera

El capitán veneno

14 junio

El favor

15 junio

Un mal día lo tiene cualquiera

El cortometraje canario, ‘Nika, el calderón tropical’, cara oficial del festival de cine de los océanos más importante de Europa

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El festival de los océanos más importante de Europa, el Internacional Ocean Film Tour, abre su Volumen 11 con un hito para la historia de Canarias, ya que el archipiélago será protagonista principal del cartel de esta edición, que recorrerá el país con una veintena de eventos y 230 destinos en toda Europa. 

En su primera cita en Las Palmas de Gran Canaria ya no hay butacas disponibles, con un ‘sold out’ en  este estreno nacional del volumen que encabeza el corto canario ‘Nika, el calderón tropical’ del director José Hernández y co-director y protagonista Felipe Ravina, que son la imagen de este año con la maravillosa historia entre el biólogo y divulgador tinerfeño Felipe Ravina y ‘Nika’, un calderón tropical de la comunidad que viven en las islas. A través de esta singular historia, el corto producido por MINSK y Felipe Ravina con la distribución de Kinema Producciones, llevará a toda Europa la problemática del archipiélago, amenazado por la sobrexplotación turística, la contaminación y el expolio de recursos por un modelo productivo y económico depredadores del territorio.

Esta será una gira española de récord, con una veintena de ciudades por recorrer en el circuito más grande hasta la fecha que dará su pistoletazo de salida en ‘casa’, desde Canarias, con el estreno nacional del International Ocean Film Tour el 1 de junio de 2025 en Las Palmas de Gran Canaria en el Teatro Guiniguada. Desde la capital grancanaria, el festival viajará posteriormente a Málaga, Alicante, Valencia, Barcelona, Girona, Santander, Gijón, Vigo, Madrid, Sevilla, Cádiz, Palma de Mallorca, Menorca, Tenerife, Fuerteventura, Bilbao, Ibiza y Lanzarote, de la mano de Kinema Producciones. 

Este pionero proyecto de la productora canaria está vinculado estrechamente a los ODS y a la sensibilización ciudadana, usando la cultura audiovisual como instrumento fundamental para contribuir directamente a la consecución de diferentes Objetivos de Desarrollo Sostenible. Estos, centran esfuerzos en el reto colectivo de lograr una educación de calidad, ciudades y comunidades sostenibles, producción y consumo responsable, la protección de la vida submarina y la vida terrestre o la creación de alianzas, entre otros.

El International Ocean Film Tour cumple once años comprometido con la idea de proteger a los salvajes y divertidos océanos, que son a la vez hábitat y línea de vida, y que están en peligro de extinción. La protección y defensa de los océanos es el origen de este proyecto, que usa el cine e historias sin actores y en primera persona para acercar diferentes realidades con un fin común: preservar el mar como elemento fundamental de toda la vida en el planeta. Son historias que inspiran y que merecen ser escuchadas, seleccionadas entre cientos de trabajos de todo el mundo para llegar a los corazones de Europa y ayudar a entender y a reflexionar. El volumen 11 cuenta con cinco historias de vida, con mensaje, contadas de tú a tú para emocionar y revolver conciencias.

Este es el caso de ‘Trilogy New Wave’, de producción estadounidense, que reúne a tres de los mejores surfistas del mundo (Ethan Ewing, Griffin Colapinto y Seth Moniz) en una impresionante experiencia, distinta y que mezcla amistad y pasión por el deporte con la rivalidad y la presión de la competición. ‘Row of Life’ sigue a la exatleta paralímpica Angela Madsen que, a pesar de haber logrado y soportado tanto, lo ha arriesgado toda una vez más por su última y mayor aventura: el sueño de su vida. 

La producción británica ‘Kelp!’ acerca en un documental el poderoso potencial del kelpo, un alga marina que podría revolucionar la agricultura, la pesca y los biocombustibles. La joven cineasta Caylon La Mantia se adentra en los mares más recónditos en busca del ‘oro verde de los mares’, que podría cambiarlo todo. ‘7 Beats per Minute’, de producción canadiense, se sumerge con la apneísta mundial Jessea Lu, quien muestra cómo las profundidades pueden llevar a logros personales extraordinarios, con una línea de vida marcada por siete pulsaciones por minuto en la que explora los límites del cuerpo humano.

‘Nika, el calderón tropical’ es junto a Felipe Ravina, la imagen del cartel de esta 11ª edición, un retrato ambiental cercano y único que muestra el vínculo extraordinario entre humanos y animales, que dará una vuelta a nuestra idea de las ‘Islas Afortunadas’ para llevarnos a reflexionar sobre el impacto humano en el ecosistema, en el territorio, con un modelo productivo que vive de espaldas a la naturaleza y que sacude la promesa de un futuro sostenible en el archipiélago.

Este festival, original de Alemania de la productora Moving Adventures GmbH, es promovido y distribuido en España, Andorra y Portugal por Kinema Producciones SL con la colaboración para este evento del Excmo. Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria y su concejalía de Ciudad de Mar, así como el Instituto Canario de Desarrollo Cultural, el Área de Cultura de la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria y su Facultad de Ciencias del Mar, Buceo Norte Gran Canaria y Buceo ConCiencia. Además, Kinema Producciones colabora activamente y de forma periódica con las ONGs de reconocido prestigio como son Sea Sheperd Global, Surfrider Foundation, o la entidad local Latitud Azul entre otras.

Telde se convierte en la ciudad de la música en directo con The Kings of Blues y Wolfmother

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·       El Teatro Juan Ramón Jiménez recibe el 20 de julio a cinco leyendas vivas del blues y el funk: Tony Coleman, Waldo Weathers, Russell Jackson, Kenny ‘Blue Boss’ Wayne y Vasti Jackson

·       El concierto de la banda australiana Wolfmother amplía aforo y se traslada al Auditorio del Parque San Juan, el 22 de julio

El municipio grancanario de Telde se convierte en parada obligada para los amantes de la música en directo en la segunda mitad de julio. Dos formaciones internacionales ligadas al blues y al hard rock, como son el proyecto The King of Blues, que reúne a leyendas vivas del género, y la banda australiana Wolfmother, han incluido al municipio grancanario en sus respectivas giras que celebran por distintas ciudades europeas.

Dos eventos organizados por Salan Producciones y Telde Cultura que acercan al municipio grancanario una programación musical de primera línea.

The Kings of Blues (TKOB) es una formación que reúne a cinco leyendas del blues y el funk, cuyo pulso ha estado presente en conciertos, giras y grabaciones de artistas de la talla de James Brown y BB King, entre otras estrellas que forman parte de la historia de la música: el batería Tony Coleman y el bajista Russell Jackson, excepcional base rítmica durante años de la banda del guitarrista y cantante B.B. King; el saxofonista Waldo Weathers, que estuvo con el padrino del funk James Brown durante dos décadas; el guitarra Vasti Jackson (guitarrista), ganador de varios premios Grammy y considerado por la crítica especializada y una referencia absoluta del género; y el pianista Kenny Blues Boss Wayne, un maestro en el género que fue galardonado el pasado 2024 con el Grammy al Mejor Pianista de Blues.

El Teatro Juan Ramón Jiménez será el escenario que reciba a este grupo de históricos del blues el próximo domingo 20 de julio, a las 20.00 horas, en la recta final de una gira por las principales ciudades y festivales europeos programada entre el 20 de junio hasta el 27 de julio próximos.

Las entradas están a la venta en: https://www.tureservaonline.es/es/events/the-kings-of-blues-.

Tras el paso de The Kings of Blues la cartelera de conciertos internacionales programados en Telde cambia de estilo con una clara apuesta por el hard rock y la presencia en el municipio grancanario de la banda australiana Wolfmother. Será el primer concierto de este enérgico power trio que lidera Andrew Stockdale. y que la organización ha decidido cambiar de ubicación al haberse agotado todas las entradas puestas a la venta en el Teatro Juan Ramón Jiménez. Así, el Auditorio del Parque de San Juan en Telde será el nuevo escenario para el encuentro con Wolfmother, el martes 22 de julio, a las 21.00 horas.

Las entradas adquiridas para el Teatro Juan Ramón Jiménez siguen siendo válidas para la nueva ubicación. La organización ha puesto a la venta otro paquete de entradas hasta completar el aforo del Parque de San Juan en Telde, disponibles en el siguiente enlace: https://www.tureservaonline.es/es

Deudores e influenciados por el sonido de los también australianos AC/DC, y de bandas históricas del calibre de Led Zeppelin, The Who o Black Sabbath y contemporáneos como White Stripes o Kyuss, entre otras, Wolfmother llega a Gran Canaria en medio de una gira por distintas ciudades europeas y españolas. La gira comienza el 27 de junio en el Festival Open R 2025, en Alemania, seguido de dos paradas festivaleras en Italia, Francia y España, donde, además de Gran Canaria, los de Sídney actuarán en festivales en Galicia, La Rioja y Barcelona.

El concierto en el Parque de San Juan en Telde será dos días antes de compartir escenario con Guns N’ Roses en el estadio Ernst Happel de Viena, y con Sex Pistols ft. Frank Carter.

Formados en 2004 con Andrew Stockdale al frente, Wolfmother ha tenido distintas formaciones en cada uno de sus discos y giras. Su álbum homónimo de debut, Wolfmother (2005), producido por Dave Sardy (Red Hot Chili Peppers, Marilyn Manson…), cautivó a la crítica especializada y despachó un millón y medio de copias.  Ese mismo año, los australianos debutaron en España como parte del cartel del Azkena Rock Festival en Vitoria junto a nombres como Iggy Pop o Pearl Jam.

Ya en 2009 llegaba su segundo álbum Cosmic Egg (2009), que sitúo a la banda en una posición destacada en la escena hard rock y Stoner. En 2010, Wolfmother compartió escenario con Kiss en la gira Sonic Boom Over Europe Tour. Otras referencias discográficas de este explosivo y enérgico combo australiano son: New Crown (2014), Victorious (2016), Rock’n’roll Baby (2019) y Rock Out (2021).

Autores de clásicos como Woman, ganadora de un Grammy Latino a la Mejor interpretación de hard rock en 2007, Joker & the Thief, Love train, Vagabond o White unicorn, la música de Wolfmother también forma parte de varios videojuegos y series de televisión.

FICMEC estrena en España el documental ‘Doñana’ este domingo 1 de junio

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El largo de ficción ‘Flow’ y el estreno en Canarias de ‘La fabulosa máquina de cosechar oro’ completan la agenda de proyecciones del último día en Garachico.

El festival entrega los premios de su sección oficial en el convento de Santo Francisco.

El Festival Internacional de Cine Medioambiental de Canarias (FICMEC) estrena en España el documental ‘Doñana’ (98′ / 2025 / España) de Carmen Rodríguez este domingo 1 de junio a las 19.30 horas en Garachico. Se exhibe después la gala de entrega de premios de la sección oficial con la presencia de su productor José María Morales.

‘Doñana’ es el retrato de una tierra salvaje, la mayor reserva ecológica de Europa, un lugar donde se cruzan las rutas migratorias de más de 300 especies de aves que van y vienen de Europa a Áfria al compás de las estaciones. Es también la historia de un bosque que crece alrededor de una marisma formada entre el océano Atlántico y las orillas del río Guadalquivir. Allí viven algunas de las especies silvestres más amenazadas del planeta. Este territorio es a un tiempo un lugar donde el agua es sagrada, en el que la abundancia va seguida de largos periodos de escasez.

Carmen Rodríguez se estrena como directora en esta película después de haber desarrollado una amplia trayectoria como guionista y productora. Ha trabajado junto a Joaquín Gutiérrez Acha para Wanda Natura en las producciones de naturaleza más importantes que se han rodado en España.

Además, FICMEC presentará este domingo 1 de junio la película de ficción ‘Flow’ (84′ / 2024 / Letonia, Bélgica, Francia), de Gints Zilbalodis. Será a las 11.00 horas. También se proyectarán los largos documentales ‘La fabulosa máquina de cosechar oro’ (77′ / 2024 / Chile, Países Bajos), de Alfredo Pourailly, a las 17.00 horas.

FICMEC se despide de Garachico hasta el próximo año con la última sesión de proyecciones y la entrega de premios de su sección oficial a concurso para el mejor largometraje de ficción, el mejor largometraje documental y el premio del público Telesforo Bravo. El reconocimiento se materializa con la entrega de la escultura Brote del artista tinerfeño Gonzalo González, que gira en torno a las posibilidades expresivas y simbólicas de los elementos vegetales.

La concesión de estos galardones corre a cargo de un grupo de expertos en cine y medioambiente, que este año está constituido por la periodista Teresa Guerrero, reconocida este año con el premio Brote de Comunicación; el cineasta alemán Hannes Stoehr y la actriz y directora dominicana Laura Gómez.

Las películas del domingo

Gints Zilbalodis dirige y, junto a Matïss Kaža, escribe el guion de ‘Flow’, una película animada que compite en el concurso de mejor largometraje de ficción con una historia que presenta un mundo repleto de vestigios de la presencia humana que parece estar llegando a su fin. Gato es un animal solitario, pero, cuando su hogar es destruido por una inmensa inundación, se refugia en un barco tripulado por diversas especies y tendrá que colaborar con ellas a pesar de sus diferencias.

El documental ‘La fabulosa máquina de cosechar oro’presenta a Toto, uno de los últimos buscadores de oro en Tierra del Fuego. A sus 60 años ya no es el mismo de antes. Después de cuatro décadas de trabajo en la mina, está cansado y se siente cerca de la muerte, pero no puede jubilarse, porque no cuenta con seguridad social. Su hijo Jorge, un joven vaquero, trata de resolver este problema mediante el diseño y fabricación de una máquina cosechadora de oro que debería asegurarles un futuro mejor.

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