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Filmin estrena “Astrid Lindgren, diarios de guerra”, un documental sobre los años que marcaron a la creadora de Pippi Calzaslargas

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Filmin estrena «Astrid Lindgren, diarios de guerra», el documental que revela cómo Pippi Calzaslargas nació en respuesta al nazismo

Los diarios que la creadora de Pippi escribió durante la Segunda Guerra Mundial revelan cómo la guerra, el miedo y una profunda crisis personal dieron forma a uno de los personajes infantiles más populares de la literatura.

Filmin estrena en exclusiva el 25 de septiembre «Astrid Lindgren, diarios de guerra«, el documental que reconstruye los años de juventud de la creadora de Pippi Calzaslargas a través de los diarios que escribió entre 1939 y 1945, durante la Segunda Guerra Mundial. La película, dirigida por el alemán Wilfried Hauke, descubre cómo la experiencia de aquellos años fue determinante tanto para la escritora que llegaría a convertirse en una de las autoras de literatura infantil más importantes del mundo como para la creación de Pippi Calzaslargas.

«Astrid Lindgren, diarios de guerra» se adentra en la vida de la autora a partir de sus propios escritos y con la participación de tres generaciones de su familia: su hija Karin Nyman, su nieta Annika Lindgren y su bisnieto Johan Palmberg. El documental combina sus testimonios con reconstrucciones de la vida de Lindgren, interpretada por Sofia Pekkari, en las que cada palabra pronunciada procede de lo que la escritora escribió o dijo realmente.




Sinopsis
Cuando Alemania invade Polonia en 1939, Astrid Lindgren vive en la neutral Suecia junto a su marido y sus dos hijos. Ante el avance del fascismo, comienza a escribir un diario que se convertirá en su compañero durante los años más oscuros de la guerra. Mientras Europa se desmorona, aquella joven descubre en la escritura una forma de comprender el mundo y de encontrarse a sí misma. De ese proceso surgirá, pocos años después, Pippi Calzaslargas.
 

Hija de la guerra

Astrid Lindgren vivió la Segunda Guerra Mundial desde la neutral Suecia, pero permaneció muy cerca del conflicto. Abiertamente contraria al nazismo, trabajó durante la guerra en el centro de control postal, donde leía cartas privadas y militares que le permitieron conocer de primera mano la persecución y deportación de los judíos antes que nadie. En sus diarios, que acabarían ocupando 17 cuadernos manuscritos, dejó constancia del avance de la guerra, de su preocupación por los refugiados y de su creciente indignación ante los crímenes del régimen nazi: “Al parecer, la intención de Hitler es convertir Polonia en un gran gueto donde los pobres judíos tendrán que perecer de hambre y suciedad”, escribía Lindgren.

El director del documental, Wilfried Hauke, considera que aquellos escritos son el punto de partida de toda su obra posterior: «Pippi es hija de la guerra. Nunca habría existido si no hubieran existido esos tiempos terribles».

Asimismo, sus diarios revelan cómo Lindgren tenía una firme preocupación por educar a los pequeños «para que no se conviertan en psicópatas como Hitler o en autoritarios, dictadores y similares». Pippi, la pelirroja independiente, irreverente y libre, se convierte así en el personaje ideado por Lindgren como antítesis de los valores que defendían los regímenes totalitarios. 


 El espejo de una escritora

Cuando empieza la guerra, Astrid Lindgren es una mujer joven, madre de dos hijos y escritora en ciernes que vive en Estocolmo y que, desde el 1 de septiembre de 1939, empieza a escribir su diario. En él recoge lo que está pasando en Europa, pero también sus propios miedos, preocupaciones y conflictos personales. A medida que avanza la guerra, el diario deja de ser solo un registro de los acontecimientos y se convierte también en un espacio para reflexionar e ir más allá. 

Los diarios coinciden además con algunos de los momentos más difíciles de su vida personal, como la crisis de su matrimonio en 1944. Ese mismo año empieza a escribir las historias de Pippi Calzaslargas para su hija Karin, que estaba enferma. La escritura aparece así ligada a dos necesidades estrechamente conectadas: entender el mundo que la rodea para encontrar respuestas.

El propio Hauke considera los diarios una pieza clave en el camino que llevó a Lindgren a convertirse en la autora que conocemos. Los diarios terminan en 1945, y ese mismo año, Astrid Lindgren publica «Pippi Calzaslargas», lo que da comienzo a otra historia: la de una escritora que acababa de encontrarse a sí misma

Filmoteca Canaria proyecta ‘El crimen de Cuenca’, la histórica cinta de Pilar Miró basada en hechos reales

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Se exhibirá en Gran Canaria el 22 de septiembre y en Tenerife el 24, como parte del ciclo ‘El cuerpo del delito’

El ciclo ‘El cuerpo del delito’ de Filmoteca Canaria prosigue este otoño su programación, en esta ocasión dedicada a explorar la onda expansiva del crimen y su impacto sobre la sociedad española a través de diversas décadas. Tras la proyección de filmes icónicos como ‘La caja 507’ y ‘¿Quién puede matar a un niño?’, le llega el turno a ‘El crimen de Cuenca’, una de las películas más relevantes de la historia del cine español. 

Dirigida por la cineasta Pilar Miró, el largometraje ofrece un reflejo sin prejuicios de un pasado no muy lejano, lo que ya desde su fecha de estreno hizo que se convirtiera en todo un hito de su tiempo. Basada en hechos reales, ‘El crimen de Cuenca’ también pasó a la historia por ser la última película que se topó con la obstrucción de la censura en España. De hecho, tras ser retenida, se convirtió en todo un rotundo éxito comercial y superó los 2,5 millones de espectadores en las salas de cine.

Su trama se centra en Gregorio Valero y León Sánchez, dos amigos y vecinos del municipio de Osa de La Vega (Cuenca) que son repentinamente detenidos y acusados de asesinar al pastor José María Grimaldos -alias ‘El Cepa’-. Señalados por todo el pueblo, e incluso puestos en duda por sus propias familias, los dos hombres terminan confesando el crimen tras ser sometidos a torturas, lo que al final desencadena en un duro episodio de injusticia. 

Las proyecciones para este clásico del cine de los 80 tendrán lugar el martes 22 de septiembre, a las 19:00, en el Teatro Guiniguada (Gran Canaria); y el jueves 24, también a las 19:00, en el Espacio La Granja (Tenerife). Ambos pases serán de carácter gratuito, con retirada previa de entradas en las webs y taquillas de los dos espacios. 

Icono de su tiempo

‘El crimen de Cuenca’ reúne varios factores para ser una de las películas más memorables de la historia del cine español. Por un lado, relata un caso real que marcó a la sociedad española de principios del siglo XX y que tuvo un gran impacto mediático desde la detención de los protagonistas hasta su desenlace, hasta quince años después de ser juzgados. 

Por otro lado, la cinta también experimentó su propio periplo judicial antes de su estreno, pues el ministerio de Cultura la retuvo al considerar que «podía ser delictiva contra el Cuerpo judicial y la Guardia Civil». No obstante, finalmente el Tribunal Supremo autorizó su exhibición, lo que en parte alimentó aún más el mito.

Por su parte, el filme reúne a varios de los rostros más reconocidos del cine, como Héctor Alterio, Daniel Dicenta y José Manuel Cervino. Asimismo, se trata del segundo largometraje firmado por Pilar Miró, una de las cineastas más influyentes en el entramado del cine español, quien también ostentó puestos de importancia como directora de Radio Televisión Española (RTVE) y de la Dirección General de Cinematografía. 

Su filmografía incluye otros títulos imprescindibles como ‘Gary Cooper, que estás en los cielos’, ‘Beltenebros’ (Oso de Plata en la Berlinale) o ‘El perro del hortelano’, con el que obtuvo hasta siete premios Goya, entre ellos los de Mejor Dirección y Mejor Guion Adaptado. 

Recta final del ciclo ‘El cuerpo del delito’

El ciclo ‘El cuerpo del delito’, impulsado por el Instituto Canario de Desarrollo Cultural (ICDC), llegará a su recta final tras los pases de ‘El crimen de Cuenca’. El gran colofón tendrá lugar los próximos días 6 y 8 de octubre, con la conmemoración del centenario de ‘El ladrón de los guantes blancos’

Estrenada en 1926, se trata del primer largometraje rodado íntegramente en Canarias y su trama gira en torno al robo de un valioso collar durante un baile de disfraces y la posterior persecución del enigmático delincuente. Para la ocasión, Filmoteca Canaria ofrecerá pases en Gran Canaria y Tenerife, en ambos casos acompañados con la música de un piano en directo. 

Jorge Blass vuelve a Canarias, su territorio talismán, para estrenar temporada con ‘La Magia de Jorge Blass’

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  • Cuatro nuevas fechas en el Archipiélago en las que el ilusionista madrileño recorrerá Tías, Las Palmas de Gran Canaria, Arona y La Matanza (donde ya no quedan entradas) 
  • ‘La Magia de Jorge Blass’ propone un espectáculo de ilusionismo contemporáneo que combina grandes efectos, participación del público y las posibilidades de las nuevas tecnologías

Las Palmas de Gran Canaria, 16 de septiembre de 2026.– Hay lugares a los que un artista vuelve porque funcionan y otros a los que regresa porque se siente como en casa. Para Jorge Blass, Canarias reúne las dos condiciones. El ilusionista madrileño mantiene desde hace años una relación especialmente estrecha con el Archipiélago, donde sus espectáculos han encontrado una respuesta entusiasta del público y donde, convertido ya casi en una tradición, vuelve a levantar el telón cada temporada.

Este mes de octubre, Jorge Blass regresa a las islas con un nuevo espectáculo, ‘La Magia de Jorge Blass’, una propuesta con la que vuelve a explorar las posibilidades de una magia pensada para el público del siglo XXI. Tenerife, Gran Canaria y Lanzarote serán las paradas de una minigira que permitirá disfrutar de su nuevo montaje en diferentes escenarios del Archipiélago.

La travesía canaria, apoyada por el ICDC, es la siguiente: 

  • 1/10: Auditorio Municipal de Tías (Lanzarote), a las 19:30
  • 3/10: Auditorio Alfredo Kraus (Gran Canaria), a las 21:00
  • 9/10: Auditorio Infanta Leonor (Tenerife), a las 20:30
  • 10/10: Auditorio de La Matanza (Tenerife), con dos funciones, a las 18:00 y a las 20:30 horas 

‘La Magia de Jorge Blass’ parte de la esencia del ilusionismo —la capacidad de provocar asombro y hacer posible lo aparentemente imposible— para llevarla a un lenguaje contemporáneo. La tecnología, los nuevos recursos escénicos y una cuidada puesta en escena se ponen al servicio de una magia que no renuncia a su componente más humano: la sorpresa compartida entre el artista y quienes están al otro lado del escenario.

Porque una de las grandes señas de identidad de Jorge Blass es precisamente su capacidad para romper la distancia entre escenario y patio de butacas. Su particular forma de comunicarse con el público, su sentido del humor y un carisma construido sobre la cercanía convierten cada función en una experiencia participativa en la que los espectadores dejan de ser simples testigos para formar parte de lo que sucede.

El nuevo espectáculo reúne así magia, tecnología, humor y participación, en una propuesta destinada a públicos de todas las edades y en la que Jorge Blass vuelve a demostrar que la magia puede reinventarse sin perder aquello que la hace universal: la capacidad de despertar la imaginación y provocar ese instante en el que, por unos segundos, dejamos de preguntarnos cómo es posible.

Y si hay un lugar en el que el ilusionista parece especialmente dispuesto a dejarse sorprender, ese es Canarias. El Archipiélago se ha convertido en una de sus citas habituales para comenzar cada nueva temporada, una relación alimentada por la fidelidad de un público que responde a cada regreso y por el propio vínculo que Jorge Blass ha ido construyendo con las islas.

Este octubre, el mago vuelve a Canarias. Y lo hace con un espectáculo nuevo y con la misma intención de siempre: que el público salga del teatro preguntándose si lo que acaba de ver ha sido realmente posible.

Daniel Abreu llega al TEMUDAS con ‘Selva’, una reflexión danzada sobre las relaciones y el entorno

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  • La compañía del creador tinerfeño, Premio Nacional de Danza 2014, ofrecerá dos pases de la pieza los días 19 y 20 de septiembre en la Plaza de Canarias
  • Dácil González, Diego Pazo y el propio Abreu dan vida a ‘Selva’, un trabajo de danza que explora las múltiples maneras de mirarse y de habitar el mundo 

La compañía del creador tinerfeño Daniel Abreu recala este fin de semana en Las Palmas de Gran Canaria para presentar su trabajo Selva, en el marco del TEMUDAS, Festival Internacional de Teatro, Música y Danza de Las Palmas de Gran Canaria. La pieza, interpretada por Dácil González, Diego Pazo y por el propio coreógrafo, se podrá ver hasta en dos ocasiones: el sábado 19 de septiembre, a las 12:00, y el domingo 20, a las 13:30. Las dos citas tendrán lugar en el escenario C, habilitado por la organización del evento, ubicado en la Plaza de Canarias de la capital grancanaria. 

Selva es una obra que se inspira en el juego de las relaciones para construir un paisaje de movimiento eminentemente visual. Por medio de la composición coreográfica, Abreu invita a los espectadores a pensarse como opciones dentro de un enorme ecosistema, a la vez que desvela las muchas maneras de mirar que habitan en el movimiento. 

El trabajo toma como referencia las reflexiones del escritor John Berger acerca de cómo la naturaleza impone su fuerza fuera de los horizontes limitados de la ciudad. Así, Selva traslada al público hacia esa dirección —en palabras del autor— “fértil, politeísta y mortal” de lo salvaje, materializada en tres intérpretes que cruzan sus torsos y extremidades por el placer de bailar y por la obviedad de las diferencias de uno mismo frente a los otros. 

Dos Premios Nacionales de Danza en escena

El elenco de Selva reúne en un mismo escenario a dos de los cuatro artistas canarios que ostentan el Premio Nacional de Danza. Por un lado, Daniel Abreu, galardonado en 2014 en la categoría de Creación; y por otro, la bailarina grancanaria Dácil González, quien obtuvo el mismo galardón en 2019 en la modalidad de Interpretación.

Desde la fundación de la compañía, en el año 2004, González ha estado presente en una amplia parte del repertorio de Abreu, compuesto por más de 70 producciones. Con todas ellas la agrupación ha ido forjando un lenguaje visual y poético único, con un fuerte vocabulario físico, que ha llevado a su fundador a recibir múltiples reconocimientos, como varios Premios MAX, un Premio Réplica y un Premio Godot, entre muchos otros, así como la programación de sus trabajos en escenarios de Asia, América, África y Europa. 

Junto a los dos galardonados se encuentra Diego Pazo, que completa el elenco de Selva y que ha trabajado a las órdenes de Abreu en otros montajes como Dalet (Da) y Es aquí.

Próximas paradas de la compañía

Después de su paso por TEMUDAS, la agenda de la Cía. Daniel Abreu mantendrá un estrecho vínculo con el Archipiélago durante todo el otoño. El público de Canarias tendrá varias oportunidades para presenciar la obra del artista, que el próximo 25 de octubre viajará a Lanzarote para ofrecer el mismo trabajo, Selva, en el Festival Traslación. Las siguientes actuaciones en las islas tendrán lugar el 4 de noviembre en el Convento de Santo Domingo, en La Laguna (Tenerife) y el 28 de noviembre en el Festival Festeje de Vecindario (Gran Canaria). 

En paralelo a estos compromisos por Canarias, la compañía desplegará una intensa gira con paradas en Ibiza, Madrid, Valencia y Murcia, y en destinos internacionales como Panamá o Marruecos. 

EÓLICA conectará Santa Cruz y Los Cristianos con el ITER mediante un servicio gratuito de guaguas

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El transporte funcionará durante las dos jornadas del festival, con distintos horarios de ida y regreso, reserva previa de plaza y diferentes paradas durante el trayecto de vuelta.

EÓLICA celebrará su décima edición los días 16 y 17 de octubre con 68 artistas, cuatro escenarios y una amplia representación de la escena canaria.

 EÓLICA contará con un servicio gratuito de guaguas que conectará el Intercambiador de Santa Cruz y la Estación de Los Cristianos con las instalaciones del ITER, en Granadilla de Abona, durante los dos días del festival.

La iniciativa se ha anunciado hoy durante la presentación de EÓLICA 2026, celebrada en el Salón Noble del Palacio Insular del Cabildo de Tenerife, y tiene como objetivo facilitar el desplazamiento del público y su regreso al finalizar cada jornada.

Las personas que ya hayan adquirido su entrada recibirán un correo electrónico para reservar gratuitamente su plaza. Quienes todavía no hayan comprado su entrada podrán realizar la reserva durante el propio proceso de compra.

Horarios del servicio gratuito de guaguas

Viernes 16 de octubre

Salidas a las 15:00 y 18:00 horas desde el Intercambiador de Santa Cruz y la Estación de Los Cristianos.

Sábado 17 de octubre

Salidas a las 15:00, 17:00 y 19:00 horas desde el Intercambiador de Santa Cruz y la Estación de Los Cristianos.

Regreso viernes y sábado

Salidas desde el recinto a las 00:00 y 02:00 horas.

Los servicios de regreso realizarán diferentes paradas durante el trayecto, facilitando la vuelta del público a distintos puntos de la isla, además de las conexiones con Los Cristianos y Santa Cruz de Tenerife.

“Queremos que llegar al festival y volver a casa sea más cómodo, organizado y accesible. Este servicio también contribuye a reducir el uso del vehículo privado y refuerza el compromiso de EÓLICA con una movilidad más sostenible”, ha explicado Leo Mansito, CEO y director de New Event.

El regreso de EÓLICA

El Festival Internacional de Energías Renovables volverá a Tenerife los días 16 y 17 de octubre para celebrar su décima edición en el ITER, el espacio en el que nació y desarrolló sus anteriores ediciones.

Tras más de una década de ausencia, EÓLICA regresa con 68 artistas y una programación que combina música electrónica y cultura de club con sostenibilidad, innovación, arte y divulgación científica.

La programación reúne figuras internacionales y nacionales con una amplia presencia de artistas y proyectos de la escena canaria, reforzando uno de los rasgos que han acompañado a EÓLICA desde sus primeras ediciones: la convivencia del talento de las islas con propuestas llegadas de diferentes puntos del mundo. Entre las últimas incorporaciones al cartel se encuentra DJ Jonay, que actuará el viernes 16.

El viernes 16 de octubre actuarán Anna Ogay, Ari (M.U.S.E.), Bliss b2b Irtap, Carballeira, Dee Diggs, DJ Jonay, Luuh, Eric Böelle, Funambulista, Horse Meat Disco, Hunee, Jayda G, Jacky, Kurt & Courtney, Lady W. Morales, Mostany, Nave Rota, Paurro, Qela, Rainer Trüby, Sama’ Abdulhadi, Shego, TSHA, Vandàla y Xoel López.

El sábado 17 de octubre será el turno de Adrián Escobar, Âme Live, Aoze (Sounding Paradise Show), Beat Creator, Biggi Veira (GusGus DJ Set), Carlos Deniz, Candela & Just Beca, Danilo Plessow (aka MCDE), Discolate Crew (Carlos Sánchez, Dani Miranda y Unai Barrameda), Dyatlov, Emi (M.U.S.E.), Eris Drew, Fernanda Arrau, Frankawara, Gaspar & Elena, Isla Sonido Collective, Javier Carballo, Juana la Cubana, Octo Octa, Paula Tape, Santiago Ritacco, Victor Ruiz, Vive la Fête, W y WhoMadeWho (Hybrid DJ Set).

Durante la rueda de prensa, Bernard Habis, fundador y CEO de Eslôgica y director de EÓLICA, ha presentado el planteamiento de los cuatro escenarios del festival, cada uno con identidad visual y programación propias:

Plastic: electrónica de vanguardia, sets largos y propuestas experimentales.

Crystal: conciertos íntimos, formatos acústicos y atmósferas envolventes.

Carton: ritmos urbanos, fusiones y bandas emergentes.

Organic: músicas del mundo, percusión y experiencias sonoras al aire libre.

Los cuatro espacios permitirán al público diseñar su propio recorrido por el festival y disfrutar de diferentes estilos, ambientes y formatos.

Música, sostenibilidad, ciencia e innovación

La programación de EÓLICA se extenderá más allá de los escenarios con actividades relacionadas con las energías renovables, la divulgación científica, el arte y la educación ambiental.

El festival incorporará talleres, propuestas artísticas realizadas con materiales reutilizados, actividades familiares, divulgación científica y acciones vinculadas al trabajo que desarrolla el ITER.

La presentación ha contado con la participación de Juan José Martínez, consejero insular de Investigación, Innovación y Desarrollo; Serafín Mesa Expósito, consejero delegado de Formación y Juventud del Cabildo de Tenerife; Leo Mansito, CEO y director de New Event; y Bernard Habis, fundador y CEO de Eslôgica y director de EÓLICA. También ha asistido Carlos Suárez, director general del ITER.

EÓLICA nació en Tenerife en 2003 y fue el primer festival español reconocido con el Greener Festival Award. Su regreso recupera una iniciativa pionera y actualiza su propuesta para conectar la música electrónica con la sostenibilidad, la ciencia y la innovación.

Entradas: a la venta en eolicafest.es.

EÓLICA 2026 cuenta con el apoyo de Turismo de Tenerife, a través de la marca Tenerife Despierta Emociones; el Instituto Tecnológico y de Energías Renovables (ITER); el Gobierno de CanariasIslas Canarias Latitud de Vida; el Ayuntamiento de Granadilla de Abona; el Cabildo de TenerifeFred. Olsen ExpressBinterCajasieteArchipiélago RentingI Love The World y la Autoridad Portuaria de Santa Cruz de Tenerife.

TCM celebra el Batman Day con seis películas del Caballero Oscuro

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El canal dedica el sábado 19 de septiembre una programación especial que recorre las diferentes versiones cinematográficas de Batman, desde Tim Burton hasta Christopher Nolan

El tercer sábado de septiembre es una fecha señalada para los aficionados al mundo del cómic: el Batman Day, una jornada internacional dedicada a celebrar la figura del Caballero Oscuro, uno de los personajes más reconocibles de la cultura popular. Este año, TCM se suma a la celebración con una programación especial que permitirá recorrer algunas de las principales interpretaciones cinematográficas del personaje.

Durante el sábado 19 de septiembre, el canal ofrecerá seis películas protagonizadas por Batman, permitiendo descubrir cómo diferentes cineastas han trasladado al cine la historia del héroe de Gotham y han construido distintas versiones de su universo.

La programación arrancará con Batman (1989) y Batman vuelve (1992), las dos películas dirigidas por Tim Burton y protagonizadas por Michael Keaton, que imprimieron al personaje una marcada estética gótica y una personalidad visual que se convirtió en una de las señas de identidad de esta etapa.

A continuación será el turno de Batman Forever (1995), dirigida por Joel Schumacher y protagonizada por Val Kilmer y Nicole Kidman, una nueva aproximación al universo del personaje que apostó por una estética más colorista y espectacular.

La jornada continuará con la trilogía dirigida por Christopher Nolan, una de las aproximaciones más reconocibles al personaje en el cine contemporáneo. Batman Begins (2005), El caballero oscuro (2008) y El caballero oscuro: La leyenda renace (2012), con Christian Bale como protagonista, ofrecieron una renovada perspectiva sobre el héroe y su universo, acercándolo a una nueva generación de espectadores.

Seis películas y tres miradas cinematográficas diferentes que convierten la programación de TCM en un recorrido por algunas de las etapas más destacadas de Batman en la gran pantalla.

Programación especial Batman Day — sábado 19 de septiembre

  • Batman (Batman, 1989), de Tim Burton. 12:20 Hora Canaria.
  • Batman vuelve (Batman Returns, 1992), de Tim Burton. 14:30 HC.
  • Batman Forever (Batman Forever, 1995), de Joel Schumacher. 16:35 HC.
  • Batman Begins (Batman Begins, 2005), de Christopher Nolan. 18:40 HC
  • El caballero oscuro (The Dark Knight, 2008), de Christopher Nolan. 21:00 HC.
  • El caballero oscuro: La leyenda renace (The Dark Knight Rises, 2012), de Christopher Nolan. 23:30 HC.

Dónde ver TCM

TCM está disponible en las principales plataformas de televisión de pago y operadores de televisión de España. Los espectadores pueden consultar la disponibilidad del canal y las condiciones de cada operador a través de su proveedor de televisión.

TCM celebra así el Batman Day con una jornada dedicada a uno de los grandes iconos del cine y del cómic, reuniendo seis aventuras que muestran la evolución del Caballero Oscuro a través de diferentes épocas, directores, intérpretes y estilos cinematográficos.

‘La importancia de llamarse Candelaria’ explora la memoria y la identidad canaria en el Auditorio de Tenerife

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El Auditorio de Tenerife acogerá el próximo 20 de septiembre (18:00 h), en La Salita, la representación de ‘La importancia de llamarse Candelaria’, una creación escénica de Acerina Amador y Fernando López que aborda las huellas de la memoria colonial, la identidad canaria y las formas de resistencia cultural que han perdurado a lo largo del tiempo. La propuesta combina danza contemporánea, música en vivo y pensamiento crítico para reflexionar sobre la transmisión de la memoria colectiva y los vínculos entre territorio, cultura y experiencia personal.

La obra constituye el segundo capítulo de un tríptico escénico desarrollado por ambos artistas, dedicado a las memorias olvidadas, la resistencia y los procesos de recuperación cultural. Tras ‘Anacaona’, coproducción del Auditorio de Tenerife en 2025, esta nueva pieza desplaza el foco hacia formas de resistencia más anónimas, colectivas y cotidianas, que encuentran en las tradiciones y las prácticas culturales un espacio de continuidad y preservación.

El punto de partida de la creación es el sincretismo construido en torno a la Virgen de la Candelaria, figura central del imaginario canario. Desde esta referencia, la propuesta plantea una mirada contemporánea sobre los procesos históricos de imposición cultural y las estrategias mediante las que las comunidades han mantenido vivas sus raíces.

Celebraciones, peregrinaciones, cantos y rituales se convierten en materiales para la construcción escénica, que encuentra en el folclore canario una expresión viva, abierta a nuevas interpretaciones. La obra recupera estos elementos y los transforma mediante un lenguaje corporal contemporáneo, en el que los gestos, los ritmos y las melodías permiten establecer conexiones entre el pasado y el presente.

La dimensión histórica convive con una vertiente íntima y personal. Candelaria es también el nombre de la madre de Acerina Amador, una circunstancia que establece un vínculo entre la memoria colectiva y la experiencia familiar. De este modo, la creación conecta la historia cultural de las Islas con los recuerdos y las vivencias individuales, planteando una reflexión sobre la manera en que las identidades se construyen y se transmiten de generación en generación.

La música ocupa un lugar central en la dramaturgia de ‘La importancia de llamarse Candelaria’. Junto al movimiento, contribuye a articular un relato en el que el cuerpo se presenta como un archivo vivo, capaz de conservar y transmitir memorias que no siempre encuentran su expresión en la palabra.

La propuesta invita así a reconsiderar el papel de las manifestaciones populares en la construcción de la identidad canaria, no como expresiones inmóviles del pasado, sino como prácticas culturales que continúan transformándose y adquiriendo nuevos significados desde el presente.

‘La importancia de llamarse Candelaria’ cuenta con el apoyo del Auditorio de Tenerife, La Briqueterie Centro Nacional de la Danza de París, el Cabildo de Tenerife y el Instituto Canario de Desarrollo Cultural (ICDC). La pieza dará continuidad al proyecto artístico iniciado con ‘Anacaona’, mientras una tercera creación, actualmente en desarrollo, completará el tríptico dedicado a la memoria, la resistencia y la recuperación cultural.

El museo TEA proyecta esta semana Kid Vereje, la ópera prima en la dirección de Ana Sánchez-Gijón

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La cinta profundiza en la vida del boxeador de Tegueste, Juan Fernando Pérez León, y narra su batalla más íntima fuera del ring

TEA Tenerife Espacio de las Artes proyecta esta semana la ópera prima en la dirección de la cineasta y productora Ana Sánchez-Gijón, Kid Vereje. El filme, que se podrá ver en este museo desde mañana (viernes 18) hasta el domingo (día 20), a las 19:00 horas, narra la vida de Juan Fernando Pérez León, el púgil de Tegueste que fue dos veces campeón de España de boxeo amateur en los años 1989 y 1990. Este filme, que comienza como el retrato de una leyenda del boxeo español, se convierte en una historia mucho más profunda. Cuando Kid Vereje acepta contar su vida frente a la cámara, su familia interviene para cuestionar los recuerdos y las verdades que durante años parecían inamovibles. Entre glorias deportivas, silencios familiares y cuentas pendientes, en este trabajo -que se pasa en versión original en español- emerge el niño detrás del campeón.

La directora Ana Sánchez-Gijón presentará la película mañana (viernes 18). Tras esta proyección tendrá lugar un coloquio que permitirá conocer de primera mano el proceso creativo y los desafíos de una obra que explora la memoria, la identidad y las distintas versiones de una misma historia. Juan Fernando Pérez León, David Artiles Quesada, Aythami Izquierdo Pérez, Yanira Trujillo, Cristo Abebe Castro y Ancor Izquierdo Pérez encabezan el reparto de este filme.

Kid Vereje muestra con orgullo los tesoros de su peculiar museo; trofeos, recortes de prensa, los guantes, las botas, su pantalón y el viejo saco que aún guarda el eco de sus golpes. Como a muchos hombres de su generación, en la escuela le enseñaron a ser un poco machista, bastante franquista y algo católico. Para su esposa Nieves y su hija Jesi hay demasiados silencios y heridas que nadie sabe cómo curar. En medio de la crisis, aparecen Juan Fernando, su niño interior, y Kid Vereje, su versión joven y rebelde. Junto a ellos, el exboxeador reescribe su historia desde un rincón de su alma, donde el niño, el joven y el viejo se encuentran para sanar. En el ring del abandono, ¿ganará el amor? 

Ana Sánchez-Gijón ha producido Esposados, de Juan Carlos Fresnadillo, el primer corto español nominado al Oscar; La raya, de Andrés Koppel; Ruleta, de Roberto Santiago, seleccionado por el festival de Cannes 1999; Seis puntos sobre Emma, de Roberto Pérez Toledo; y La isla interior, de Félix Sabroso y Dunia Ayaso, entre otros títulos. Produjo y codirigió El Club de Archi, programa infantil de Televisión Canaria, y entre 2014 y 2021 dirigió, coescribió y produjo la serie de animación Cleo, galardonada internacionalmente y distribuida en más de sesenta países. Asimismo, fue responsable del plan formativo Canarias animada (2006-2011), que ayudó al despegue de la industria de animación en el Archipiélago.

The Durrutti Column – Renascent. Por Álex Ro

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The Durrutti Column – Renascent

London Records, 2026

Viajar en tren viendo salir el sol por el horizonte necesita de una banda sonora propia, y esta puede ser Renascent, del grupo británico The Durrutti Column, un ejército de un solo hombre, Vini Reilly, que hace la guerra acompañado de algunos amigos.

El sentir libertario de esta banda va más allá de su propio nombre. No hay que olvidar que antes de la apropiación de la extrema derecha y de los capitalistas del término libertario, esta palabra significaba algo que iba en contra de la extrema explotación del ser humano; hablaba de la solidaridad y el apoyo mutuo, y con ese espíritu nació el grupo. Iconoclasta desde sus inicios, con este atentado ortográfico hacia Buenaventura Durruti o el propio disco de debut, The Return of the Durrutti Column (1980), que nace como un ataque a la industria discográfica al hacer su cubierta en papel de lija para que destruyera el resto de disco en las estanterías de los expositores. Así, el viejo ácrata, con su 72 años, vuelve a la carga tras 16 años, aunque ahora con ese sosiego que da el haber sido consecuente con su propia persona. Renascent es más que renacer, es haber superado un confinamiento, es haberse recuperado de varios ictus, es haber hecho frente a sus problemas alimentarios. Es un disco y muchas cosas más al mismo tiempo.

Y aunque el disco se comenzó por el tejado, tocando sus temas durante años para pasar posteriormente a grabarlos en su casa, Vini Reilly demuestra que sigue siendo el prestidigitador de lo efímero, de lo etéreo, del ambiente sonoro que envuelve, salpica y alimenta la imaginación. Música instrumental con gente cantando para derrumbar los muros grises de la ciudad, para iluminar la jungla de cemento; música para enraizar con la vida, para hundirse en los océanos y solo ver con tus oídos; música para viajar en tren mientras el cielo se nubla y comienzan a caer las primeras gotas y soñar con un mundo bañado en el aroma de petricor.

KILL JACKIE se estrena el 2 de octubre en HBO Max

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El nuevo thriller de venganza protagonizado por Catherine Zeta-Jones se presentará el próximo 29 de septiembre en el Palacio Euskalduna de Bilbao con la presencia de la actriz y otros miembros del equipo como Óscar Jaenada, Sidse Babett Knudsen, Hattie Hook, Darci Shaw, Christine Adams y Julian Rhind Tutt.

La serie, producida por Fremantle y Steel Springs Pictures en colaboración con Deabru Kalea Filmeak, se rodó el año pasado en Bilbao y en diversas localizaciones de Bizkaia, Londres y Swansea.

KILL JACKIE, la serie de suspense protagonizada por la actriz ganadora de un Óscar, un BAFTA y un premio Tony, Catherine Zeta-Jones (Chicago, Miércoles), se estrena el 2 de octubre en HBO Max en España, Portugal, Suecia, Dinamarca, Noruega, Finlandia, Islandia, Francia y Bélgica.

Rodada en Bilbao y en diversas localizaciones de Bizkaia, así como en Londres y Swansea, KILL JACKIE se estrenará en el Palacio Euskalduna de Bilbao el martes 29 de septiembre, con la presencia de su protagonista, Catherine Zeta-Jones, y de los actores Óscar Jaenada, Sidse Babett Knudsen, Hattie Hook, Darci Shaw, Christine Adams y Julian Rhind Tutt.

La serie, de ocho episodios, está basada en la aclamada novela ‘El precio que pagas’ del autor superventas del Sunday Times Nick Harkaway (que escribe bajo el seudónimo de Aidan Truhen). 

Jackie Price (Zeta-Jones) lleva veinte años viviendo una vida de lujo: viajando por todo el mundo, vendiendo obras de arte y, sobre todo, intentando mantener el anonimato tras escapar de un pasado peligroso como traficante internacional de drogas. Pero justo cuando la vida empieza a resultarle un poco aburrida, esta da un giro repentino y letal al descubrir que «Los Siete Demonios», un grupo formado por los sicarios más temibles del mundo, han sido contratados para matarla. Suponiendo que alguien de su pasado está detrás de todo ello, Jackie da rienda suelta a sus viejos instintos y se embarca en un plan descabellado y peligroso: acabar con «Los Siete Demonios» uno a uno antes de que la maten. Sin embargo, pronto se da cuenta de que sus propios demonios son mucho más aterradores que los despiadados asesinos que la persiguen… y sus secretos ocultos la llevan más cerca de casa con consecuencias sorprendentes.

Junto a Zeta-Jones aparecen Daniel Ings (El caballero de los Siete Reinos, The Gentlemen), Sidse Babett Knudsen (Prime Target, Borgen), Óscar Jaenada (Rambo V, Cantinflas), Hattie Hook (Of An Age, Ten Pound Poms), Darci Shaw (A Thousand Blows, This City is Ours), Raff Law (Masters of The Air, Triton), Enzo Cilenti (Black Mirror, The Crown), Christine Adams (Hijack, Malice), Julian Rhind-Tutt (Britannia, Napoleon), Karlis Arnolds Avots (Soviet Jeans, Lovable), Set Sjöstrand (La rueda del tiempo, Valhalla), Tadashi Ito (La sociedad de la nieve, El Hoyo 2), Sebastián Armesto (Gangs of London, A Small Light), Julian Barratt (The Mighty Boosh, The Great), Gavin Spokes (House of The Dragon, Slow Horses), Jonathan Cake (And Just Like That, Camping), Bamshad Abedi-Amin (A Town Called Malice, The Last Kingdom), Bill Paterson (Fleabag, Criminal Justice) y Ron Perlman (Hellboy).

De la mano de los creadores de Killing Eve y Gangs of London, KILL JACKIE está coproducida por Fremantle y Steel Springs Pictures y cocreada por Conor Keane, Tom Butterworth (Gangs of London), Peter Lawson (John Wick) y Damon Thomas (Killing Eve). Los productores ejecutivos son Peter Lawson y José Agustín Valdés, por parte de Steel Springs Pictures, y Tom Butterworth, Damon Thomas, Catherine Zeta-Jones, junto con Rebecca Dundon, Dante Di Loreto y Jeffrey Levine. El director principal es Damon Thomas, junto con el guionista y showrunner Tom Butterworth. Conor Keane ha coescrito la adaptación televisiva y es productor asociado. Nick Harkaway ejerce de consultor ejecutivo de la serie. Deabru Kalea Filmeak, de José Luis Escolar, supervisó la producción de la serie en Bizkaia y Reino Unido. 

Fremantle se encarga de las ventas en todos los territorios excepto en EE. UU., donde las gestiona De Maio Entertainment y Steel Springs Pictures. El acuerdo sobre los derechos del libro fue gestionado por el equipo de derechos audiovisuales de Curtis Brown en nombre de Patrick Walsh, de PEW Literary. Catherine Zeta-Jones está representada por UTA y Ziffren Brittenham LLP. Tom Butterworth está representado por Curtis Brown (Nick Marston y Katie Battcock). Daniel Ings está representado por United Agents, WME, TFC Management, ColorCreative, Sloane, Offer, Weber & Dern y CLD Communications.