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Filmin estrena “April”, la película de Dea Kulumbegashvili premiada en Venecia y San Sebastián

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El 10 de abril Dea Kulumbegashvili regresa con este retrato brutal y realista sobre el aborto en las zonas más desfavorecidas de Georgia

El 10 de abril se estrena en Filmin “April”, el segundo largometraje de la directora georgiana Dea Kulumbegashvili, autora de «Beginning”, película con la que se llevó la Concha de Oro. Coneste nuevo trabajo, la cineasta ha consolidado su prestigio internacional al alzarse con el Gran Premio del Jurado en Venecia y coronar la Sección Zabaltegi en el Festival de San Sebastián.

Sinopsis
Nina (Ia Sukhitashvili) es una obstetra experta en un hospital materno del este de Georgia. Tras un parto difícil, el bebé muere y el padre, destrozado por el dolor, exige que se investiguen los métodos de Nina. El escrutinio resultante amenaza con sacar a la luz la actividad paralela de Nina, que consiste en conducir por la impresionante belleza del campo hasta las casas de las aldeas donde viven las mujeres y las niñas embarazadas para practicarles abortos ilegales, y con destruir la profesión que es la única fuente de sentido en su vida.

El ciclo continúa

La idea de la película surge durante el rodaje del anterior largometraje de la directora, cuando empezó a entrar en contacto con mujeres que vivían en condiciones de gran precariedad. Muchas de ellas, con seis o siete hijos, apenas habían tenido acceso a la educación –no sabían leer ni escribir– y se habían casado siendo adolescentes. A partir de estas experiencias, Kulumbegashvili identificó un patrón: «Comprendí que se trata de un círculo vicioso: las madres no recibieron ninguna educación, se casaron a los quince años y nadie les preguntó nunca qué querían en la vida, y luego tuvieron hijos. Y, a pesar del amor y los cuidados que les dan, son incapaces de proporcionarles una educación básica. Y el ciclo continúa”. 

Kulumbegashvili quiso poner el foco en estas mujeres y en la importancia de mantener en el centro de la conversación el tema del aborto: “En Georgia es legal hasta las doce semanas, pero cada clínica tiene derecho a decidir si quiere hacerlo, y es imposible encontrar una clínica que lo haga. Pregunté a los médicos: ‘¿Y si se trata de una víctima de violación?’. Y me respondieron: ‘Debería ir a la ciudad y resolverlo con la policía’. Uno de los médicos dijo: ‘¿Por qué tengo que ser yo responsable de sus pecados?’ ”. 


Las personas de las alturas  

Dea Kulumbegashvili quiso hacer a las personas locales partícipes de su proyecto. Dispusieron una zona de manualidades para que los niños pudieran acercarse, participar y preguntar. La directora quería despertar en ellos la curiosidad y permitirles vislumbrar otro futuro. También invitó a las mujeres del pueblo: “Tenían muchas ganas de maquillarse. Aunque en mi película no usamos mucho maquillaje, les dije que sí. Para ellas era una celebración, un día libre de su rutina. Pero antes de volver a casa, se lavaban la cara: no podían dejar que nadie supiera que llevaban maquillaje. Como si no se les permitiera disfrutar de un día feliz. A sus maridos no les importaba que salieran en la película, porque les pagaban. Pero, de alguna manera, no debía ser algo con lo que ellas también disfrutaran”.

Hasta los partos que aparecen son reales. Kulumbegashvili pasó un año observando el trabajo de los médicos en una clínica de maternidad: “Y en algún momento me permitieron hablar con las mujeres embarazadas para preguntarles si me dejarían ver y filmar sus partos. Estuve en contacto con ellas durante casi todo el embarazo, por lo que se sentían muy cómodas conmigo. Se necesitó mucha paciencia por parte de todos y comprender que no éramos los protagonistas y que, en cuanto alguien nos dijera que teníamos que irnos, lo haríamos. Aunque teníamos muy poco control, también estábamos muy preparados”.

Autores en plena ebullición. Por Noé Ramón

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Los dibujantes de cómics echan mano de rutinas, manías, espacios en blanco o distracciones a la hora de hacer frente al reto diario de crear

La profesión de crear da lugar a presiones y estrés que cada autor intenta gestionar como mejor puede, normalmente por medio de rutinas y trucos, aunque de forma invariable la inspiración siempre será insustituible. Existen entre ellos aspectos que son muy coincidentes como la necesidad de compaginar el trabajo puro y duro con tareas más banales al estilo de pasear al perro, ver series, leer, poner la lavadora, por supuesto caminar o ver la televisión. Curiosamente a veces es en estos momentos cuando llega la inspiración. Aquí tenemos la oportunidad de adentrarnos en esos espacios que nos resultan tan misteriosos para el resto de los mortales.

JOSÉ LUIS PADILLA ‘PADYLLA’, “Mi estrés se debe a que cada día estoy obligado a entregar la viñeta a una hora concreta”

El recién elegido Premio Canarias de Comunicación, José Luis Padilla Padylla se encuadra en el grupo de autores que ejercen de viñetistas y que por lo tanto deben hacer frente a su trabajo de forma diaria, con el imaginable estrés que todo ello implica. Por eso su rutina está muy marcada: “Por la mañana, a primerísima hora, a lo mejor miro un poco la portada de los periódicos y ligeramente las noticias del día pero lo cierto es que todavía no están muy perfiladas, a no ser que haya pasado algo muy, muy gordo. Es a partir del mediodía cuando la cosa está ya mucho más afinada, luego empieza la tarde y veo con más detenimiento lo que ya se está convirtiendo en importante. El problema es que a esa hora tengo que ejercer de padre y todo se complica hasta que acuesto a los niños y la casa está más relajada”. El estrés al que se enfrenta, según indica, “viene dado porque debo entregar la viñeta a una hora concreta, pero claro, durante todo ese tiempo he ido trabajando mentalmente algunas cosas y he podido ir definiendo la noticia, el perfil o el enfoque que le voy a dar. En lo que menos suelo tardar es en hacer el dibujo porque mi estilo no es extremadamente complicado, es muy simple y a veces consiste en un solo personaje y poco más. Sé que en el mundo de las viñetas se agradece que transmitas un mensaje por medio de un buen dibujo, pero no es mi caso, los míos son super simples pero intentando que expresen mucho. A veces es cierto que cuando se acerca la hora de entregar la viñeta y tengo dudas digo: Mira vamos a tirar por ésta y que sea lo que Dios quiera”.

EDUARDO GONZÁLEZ: “He desarrollado un pequeño ritual diario”

El que puede ser considerado el autor de cabecera de la Fundación Canaria de Cine + Cómics, dice que ha acabado convirtiendo su día normal de trabajo en “un pequeño ritual. Sé que no puedo empezar a trabajar si antes no me tomo mi café y leo el periódico en mi bar de siempre. Luego doy una pequeña vuelta en la que voy más o menos ordenando ideas y después empiezo a trabajar en mi casa, lo que tiene su parte buena, evidente y otra mala porque básicamente no trabajas donde vives, sino que vives donde trabajas, literalmente vivo en la oficina. Mis horarios son demasiado elásticos y puedo empezar a las nueve de la mañana y ser las dos de la madrugada y seguir trabajando. Para mí los fines de semana y festivos son una entelequia porque también trabajo o me llaman a cualquier hora para pedirme lo que sea. Así que trabajar en la casa tiene un lado bueno y otro malo”.

MARIKA VILA: “Mi trabajo creativo surge siempre de la lucha contra las repeticiones que te atrapan en la mecánica diaria”

Experta en desmarcarse de la norma, esta autora catalana, al contrario que casi todos los demás entrevistados indica en su vida, “rara vez han existido las rutinas. con la excepción de la práctica del cuidado de mi familia, pero en mi caso el trabajo creativo ha surgido siempre de la lucha contra las repeticiones que te atrapan en la mecánica diaria y dejan la curiosidad para más tarde… Mi forma de encontrar el nuevo hilo del que estirar es crear el caos… Acumular la información sobre el tema motor y rodearme de elementos sugestivos: música, imágenes, datos… A partir de aquí empieza el proceso de desbrozar el bosque y encontrar la trocha que me lleva al resultado final a través del juego experimental. Mi proceso es el mismo en la investigación y la teoría, los dos caminos que he construido largamente en mi tiempo profesional se complementan, dan sus frutos conjuntos y mi día a día se reparte entre clases, conferencias, comisariado de exposiciones y la edición restaurada de mi legado, pero sigo dibujando, atendiendo solicitudes puntuales y preparando nuevos proyectos y personajes… mi trabajo es mi forma de expresión, de vida…»

DIEGO CORVALÁN, MAGIUS, “La idea es mezclar la vida creativa con la práctica”

El autor de Black Metal también tiene una rutina muy marcada, fija y con pocas variaciones que básicamente se resume en: “Trabajar todo el tiempo que pueda, prácticamente el día entero”. El propio historietista se define como “bastante rutinario” y señala que lo habitual es ir al gimnasio, desayunar, poner una lavadora o algo así… La idea es mezclar la vida creativa con la práctica, así que mientras dibujas haces un hueco para ir a la tienda o echar una mano a mis padres”. En cuanto a si sólo es posible trabajar cuando está inspirado indica: “Hay veces que debes cortar y aunque quieras seguir decides regalarte una tarde o una mañana tranquila, porque la inspiración no acaba de llegar. Y si no lo hace entonces, empleas tu tiempo en aspectos más rutinarios como entintar y así estoy más relajado”.

Con el tiempo Magius ha desarrollado una serie de trucos a los que recurrir cuando se enfrenta al síndrome de la hoja en blanco. “Hay veces que las cosas no salen o que debo repetirlas, como me ha ocurrido en el último álbum. Hay páginas que ya he repetido hasta por tercera vez porque veo cosas que no me convencen pero luego te das cuenta de que no todo me tiene que gustar siempre. Eso lo puedes hacer al principio pero cuando llevas cien páginas ya no hay marcha atrás y aunque no te guste mucho lo que has hecho lo tienes que dejar”.

MANEL CRÁNEO: “Construyo una atmósfera favorable que me lleve al mundo que estoy creando”

El autor gallego tiene que ser especialmente organizado puesto que se dedica a diferentes trabajos a la vez. “Resuelvo bastantes asuntos diarios. Rara vez dedico la jornada a una sola cosa. En mi caso me cuesta mucho concentrarme cuando se trata de una tarea como dibujar o guionizar, para las que necesito estar muy relajado a nivel mental. Lo que más me cuesta es el esfuerzo de desconectar del mundo. Desde hace algún tiempo apago el móvil durante esas horas. Dibujo poco porque hago otras tareas y esos momentos al estar milimetrados deben de ser horas de calidad. Pongo música apropiada para el proyecto o algún podcast relacionado con la historia si es para dibujar. Construyo una atmósfera favorable que me lleve a ese mundo en concreto que estoy creando. Veo el proceso como un viaje del mundo real a otra dimensión. Cuando escribo ya es un viaje más interior, silencio absoluto, para mí escribir es picar piedra y dibujar esculpirla”

CARLOS LUIS SÁNCHEZ BECERRA, ‘MAJENYE’, historietista: “Todos los días trabajo hasta que literalmente me agoto”

El dibujante venezolano califica a su jornada laboral como exhaustiva. Intenta dibujar todos los días, “lo más que pueda hasta que literalmente me canso y me agoto. Luego salgo a caminar para despejarme y ya de regreso me dedico a leer novelas y cómics para inspirarme. Esa más o menos es mi rutina diaria”, indica.

JAUME CAPDEILLA, ‘KAP’: “Dibujar me desestresa, estoy peor cuando no tengo nada que hacer. Entonces me pongo más nervioso”

El autor entra en la categoría de dibujantes que deben exprimirse la cabeza cada día para crear viñetas para La Vanguardia, Mundo Deportivo o al mes con El Jueves lo que le obliga a estar siempre alerta y en plena ebullición aunque con el tiempo ha desarrollado trucos para evitar las presiones e incluso anularlas o darles la vuelta. En realidad es un caso extraño en este mundillo porque tal y como dice: “Cuando estás frente a una hoja en blanco al final siempre sale algo que valga la pena. A mí no me estresa realmente, al contrario me desestresa. Peor estoy cuando no tengo que dibujar, entonces me pongo más nervioso”. Según indica el horario también “lo marca el cierre del periódico porque tienes que enviar el chiste a una hora límite determinada, así que intento tenerlo lo antes posible para que no sufran los compañeros de la redacción. Eso la verdad, sí que es un apuro”.

IRENE MÁRQUEZ: “Estoy contenta con que El Jueves haya pasado a ser mensual en vez de semanal”

La polémica autora de la que se puede decir cualquier cosa menos que su trabajo, no resulta impactante, está muy contenta con que la revista para la que trabaja El Jueves haya pasado de ser semanal a mensual, lo que le da mucho más margen para poder trabajar con tranquilidad y sin más presiones de las necesarias. Cuando se le pregunta cómo se inspira indica: “Es una pregunta que me hacen mucho, pero no sé qué contestar. Supongo que siempre te influye lo que te rodea, hablas de lo que conoces en los términos que manejas. Pillas referencias de aquí y de allí. De la familia, los amigos, el cine, los libros y cómics, las historias que te cuentan, las noticias… A veces eres muy consciente de por qué se te ocurren las cosas, porque salen a partir de algo concreto, pero la mayor parte de las veces, vete a saber…

AROHA TRAVÉ: “Los días que me los paso currando enteros, al final te cruje la espalda y te duele la mano pero son los más felices”

Esta autora a la hora de crear diferencia perfectamente entre “días buenos” y “días malos”. En los primeros, se levanta sobre las 10 de la mañana y entonces “me quedo un rato en la cama mirando el móvil, a las 11 me siento en mi maravilloso escritorio lleno de trastos, hago un poco de hueco con el brazo y me pongo a dibujar. Me tiro un ratillo eligiendo música pero como es un día bueno no tardo mucho y estoy trabajando hasta las 2 del mediodía. Almuerzo y me vuelvo a sentar hasta las 8. Por medio me distraigo mil veces con el móvil, yendo al lavabo y a merendar, pero si tengo un audiolibro o algo de fondo, últimamente pongo Los Vigilantes de la Playa, consigo entrar en trance y sacar adelante las páginas. Suelo dejar algún boceto para entintarlo al día siguiente. Si voy muy tarde con una entrega, no queda otra que currar hasta que se termine el dibujo o la página, aunque depende de lo concentrada que esté. Los días que me los paso currando enteros, al final te cruje la espalda y te duele la mano pero son los que más feliz me hacen.

DAVID RUBÍN: “Mis jornadas laborales no son precisamente unas vacaciones”

El autor gallego indica que su vida no se parece en nada a tener vacaciones: “Me levanto a las cinco de la mañana trabajo hasta las ocho, levanto a mi hija y la llevo al cole y luego paseo al perro. Llego al estudio a las 9:30, trabajo hasta las 12:30, preparo la comida, como con mi pareja y si puedo me echo una pequeña siesta a las 15:30 para a las 16:00 retomar el trabajo hasta las 19:00 ó 20:00 horas. “Como ves, no son precisamente unas vacaciones y menos en épocas de mucho volumen de trabajo o fechas de entrega. Entonces es lo mismo pero incluyendo fines de semana”.

KIKO FERIA, “A veces soluciono durante el sueño alguna historia que tenga dándome vueltas en la cabeza”

El autor madrileño, Kiko Feria dice que su jornada laboral comienza sobre las ocho y media y lo primero que hace es sacar a su perrita Telma. “A la vuelta preparo el desayuno y si voy bien de tiempo leo la prensa o veo la tablet. Si estoy más apurado suelo desayunar trabajando, es decir que me sirvo mi té, mi croissant relleno que me preparo yo mismo y me pongo a trabajar en el ordenador. O sea que ni se sabe lo que puedo tardar pero me cunde. Luego sobre doce y media salgo a comprar la comida del día, vuelvo, paseo otra vez a la perra y a la vuelta preparó la comida para mí y para mi pareja. Después estoy bastante cansado, así que me echo una siesta un poquito larga pero he descubierto que si no lo hago luego me duermo en el ordenador y eso es lo peor que te puede pasar. Tras la siestuqui me pongo a trabajar y sigo un buen rato hasta la hora de merendar y sacar otra vez a la perrita que es como un impasse necesario porque luego tengo que seguir, a menos que te estallen los ojos o la cabeza. En ese intervalo me pongo a colorear, dibujar y escribir lo que tenga que hacer, normalmente hasta las diez de la noche aunque depende de lo pesado que sea el trabajo. Preparo la cena, vuelvo a sacar a la perra y me siento un rato a ver alguna serie. Normalmente es así, a no ser que tenga un trabajo especialmente complicado que me coma un poco el coco o afortunadamente tenga alguna historia dándome vueltas por la cabeza, que a veces soluciono durante el sueño. Como trabajo todo el día pero a intervalos tengo que hacerlo durante toda la semana, porque sino no me cunde. Pero bueno, de lunes a lunes siempre hay algún día por la tarde en el que puedo ir a ver una exposición o dos, si coinciden. El trabajo de ilustrador es así, muy pesado”.

Fotografías cedidas por Noé Ramón

Natalia Medina Santana, reconocida por el Festival DanzaTTack con el ‘Premio por Amor a la Danza’ en su XVI edición

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Erick
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El Festival DanzaTTack celebrará en 2026 su XVI edición entre los días 8 y 17 de mayo en el municipio de El Sauzal, consolidándose como una de las citas destacadas con la danza y el cine danza en Canarias. Como es tradición en sus últimas ediciones, el festival hará entrega del ‘Premio por Amor a la Danza’, que en esta ocasión reconoce la trayectoria de Natalia Medina Santana, figura clave en el desarrollo y proyección de la danza contemporánea en el archipiélago.

Para Juan Reyes, director de DanzaTTack, Natalia Medina “es uno de los pilares en el mundo de la danza en Canarias, con una aportación contrastada y una proyección que va mucho más allá de las Islas”.

Nacida en San Bartolomé de Tirajana, Natalia Medina cuenta con una sólida formación académica, siendo licenciada en Educación Física por la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria y Máster en Artes Escénicas por la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid. Su formación como bailarina y docente se ha desarrollado tanto en Canarias como en ciudades de referencia internacional como Madrid, Barcelona, Londres, París y Nueva York.

A lo largo de su carrera, ha centrado su labor en la formación, creación y producción artística, así como en el impulso de proyectos que promueven la danza como herramienta de transformación social y bienestar colectivo. En 1993 fundó su propio espacio de formación, creación y exhibición artística en Las Palmas de Gran Canaria, que en la actualidad continúa activo apoyando el desarrollo de jóvenes talentos, incluyendo programas de becas para estudiantes sin recursos.

Uno de los hitos más relevantes de su trayectoria es la creación en 1996 del Festival Internacional de Danza Contemporánea de Canarias, MASDANZA, plataforma que dirige desde entonces y que en 2026 celebrará su trigésimo primer aniversario. Este festival se ha consolidado como un referente internacional para jóvenes creadores, estableciendo vínculos con certámenes de Europa y Asia y obteniendo desde 2019 el sello de calidad EFFE otorgado por la Asociación Europea de Festivales.

El compromiso de Natalia Medina con la difusión y accesibilidad de la danza se refleja también en iniciativas como el proyecto pedagógico ACROSS HIP-HOP Las Palmas de Gran Canaria, en marcha desde 2010, que utiliza las danzas urbanas como herramienta educativa y de integración social entre jóvenes. Este proyecto se ha expandido posteriormente a Lanzarote, ampliando su impacto en el territorio.

Asimismo, dirige propuestas como “Un Kilo de Danza”, iniciativa solidaria que combina cultura y acción social en colaboración con Cáritas Diocesana de Canarias, así como el Campamento Verano y Danza, orientado a la formación artística de niños y adolescentes. En los últimos años, también ha impulsado proyectos como el festival TRANSITANDO, enfocado en la danza en espacios no convencionales, y el ciclo RETAMA, dedicado a la exhibición de danza contemporánea en el Teatro Guiniguada.

Su trayectoria ha estado marcada por un fuerte compromiso social, colaborando con entidades como la Fundación Yehudi Menuhin en la formación de menores en situación de vulnerabilidad. Entre los reconocimientos recibidos destacan el título de Hija Adoptiva de Las Palmas de Gran Canaria en 2018 y el Premio Charter 100 Gran Canaria en 2022.

Con este reconocimiento, el Festival DanzaTTack pone en valor la contribución de Natalia Medina Santana al crecimiento, internacionalización y dimensión social de la danza, consolidándola como una de las figuras fundamentales del panorama coreográfico en Canarias.

Seleccionados los nuevos guiones de cine y televisión de IsLABentura Canarias 2026

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Siete son para largometrajes, siete para series y dos para cine de animación, en una nueva edición organizada por el Gobierno que dará comienzo el 20 de abril

Se han elegido 16 propuestas entre un total de 356 procedentes de diferentes países del mundo, todas relacionadas con las islas

Entre ellas hay historias sobre el guanche Petrus Gonsalvus, La siervita, una joven Mercedes Pinto, el velatorio de los angelitos o las Fiestas Lustrales

IsLABentura Canarias ha elegido las 16 historias que convertirá en guiones para nuevas películas y series vinculadas a las islas. Una selección que se vuelve cada año más difícil si se tiene en cuenta el número creciente de propuestas que llegan a este laboratorio procedentes de diferentes partes del mundo. Para la edición de 2026 se presentaron nada menos que 356 ideas, una cifra que vuelve a batir récord respecto a ediciones anteriores. De todas ellas, el equipo tutorial ha elegido dos relatos por cada isla, siete para largometrajes y otros siete para series, además de otros dos para cine de animación.

‘IsLABentura Canarias’ es un proyecto internacional organizado la Dirección General de Innovación Cultural e Industrias Creativas del Gobierno autónomo, a través del Instituto de Desarrollo Cultural (ICDC) y de Canary Islands Film, dirigido a guionistas de habla hispana de cualquier parte del mundo y que cuenta con un amplio grupo de colaboradores de ámbito institucional y de carácter privado. Este 2026 alcanza su quinta edición y está considerado ya como un laboratorio de referencia en España para la escritura de guiones audiovisuales.

De la totalidad de profesionales que ocuparán una plaza en el laboratorio, seis proceden de las Islas, y el resto de otros lugares de nuestro país; siete son mujeres y nueve hombres.

Cabe recordar que, del total de 356 solicitudes recibidas este año, 109 fueron de Canarias, dentro de las 297 españolas y otras 59 internacionales. Los pormenores de este procedimiento están disponibles para su consulta en www.islabenturacanarias.com.

En esta última convocatoria pública se han seleccionado las siguientes propuestas para el apartado de largometrajes: ‘Cachalote’, de Emmanuelle Kesh; Gonsalvus, de Pablo Borges; ‘Chirla’, de Sofía Martín Jiménez; ‘La siervita’, de Nerea Guitart Cuevas; ‘El bi-aje de Lucas’, de Raquel Herrera Hernández; ‘¿Aceptas casarte con T.N.?’, de Cristina Naranjo Aranda; y ‘Yesenia’, de Pedro Ayose Reyes Martín.

Para series de televisión: ‘Bony and Yay’, de Isaí Escalada Galiano; ‘Las primas’, de Laura Reviejo; ‘Beat (Pulso)’, de Juanjo Durán Campillejo; ‘La huésped’, de Jorge Laguna; ‘Cleaners’, de Antonio Rojano Mora; ‘Barlovento’, de Juan Pedro Vera Ureña; y ‘El fracaso’, de Marta Ambel Meyer.

Por su parte, los proyectos de animación son: ‘El velorio de los angelitos’, de Rubén Fernández Manzanera; y ‘Mi hija’, de Fran Casanova.

La selección ha estado a cargo de un equipo de guionistas de primera línea en el ámbito estatal, los mismos que participan en la tutoría del laboratorio, que en esta edición lo  integran: Sara Bamba, productora, directora y guionista; Yolanda Barrasa, script doctor y script coach, especialista internacional en análisis, consultoría, escritura y docencia de guion; y Borja Santaolalla, director y guionista de cine y televisión; los tres de estreno este año en el laboratorio; y seis más que repiten experiencia: Curro Royo; Gianmarco Serra e Isabel Herguera, Pablo Bartolomé, Arantxa Cuesta y Alba Lucío.

A partir de ahora se inicia la labor en el laboratorio, con tres encuentros presenciales en Canarias y el continuo asesoramiento online. El primero será del 20 al 26 de abril en Tenerife, donde asistirán a encuentros especializados, y también trasladarse a la isla sobre la que se basa su historia, para documentarse. El segundo, del 20 al 26 de julio en La Gomera, centrado en la parte formativa, con talleres que estarán abiertos al público interesado; y el tercero, del 19 al 25 de octubre en Gran Canaria, donde tendrán que exponer sus proyectos de manera verbal a las productoras locales, estatales o internacionales que se desplacen a la isla para las sesiones de pitch, además de hacerlo de manera individual en el caso de que alguna de estas empresas así lo solicite. También será aquí donde se celebra la gala de entrega de premios.

Colaboradores del proyecto

IsLABentura Canarias es una iniciativa del Gobierno de Canarias, a través del Instituto Canario de Desarrollo Cultural en colaboración con Proexca y los siete cabildos insulares. Para los premios y reconocimientos finales cuenta con la colaboración de DAMA Derechos de Autor de Medios Audiovisuales, Movistar+, CIMA Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales, Canary Islands International Film Market, la Fundación Algo Común, Music Library & SFX y Laboratorio Audiovisual. Otros colaboradores esenciales son ALMA Sindicato de guionistas y FIPCA Federación Iberoamericana de Producción Cinematográfica y Audiovisual.  Como media partner se han sumado al proyecto Radio Televisión Canaria (RTVC) y Kinótico, medio de referencia en español sobre la industria audiovisual.

 ANEXO

Historias seleccionadas

Largometrajes de ficción

‘Cachalote’, de Emmanuelle Kesh. La aparición de un cachalote muerto en una playa de La Palma se presenta para Inés, una pescadora, como la gran oportunidad para demostrar cómo la pesca a gran escala está poniendo en riesgo la pesca artesanal de la isla.  A partir de este momento, la autopsia de ese cadáver varado se convierte para ella en un objetivo a conseguir como sea. Es un drama social con una atmósfera inquietante atravesada por el verano y el paisaje de La Palma cuya trama aborda las relaciones familiares y los límites de la ética profesional. Tutoriza: Sara Bamba.

“Gonsalvus”, de Pablo Borges. Es un largometraje de ficción basado en la historia de Petrus Gonsalvus nacido con hipertricosis, más conocido por el sobrenombre del «Salvaje Gentilhombre de Tenerife» o el «Hombre Lobo Canario». El principal interés de este drama histórico es rescatar la memoria, revisar el pasado colonial y trabajar el concepto de identidad basado en el diferente. Inspirado en la mitología Guanche, a través de los tibicenas, perros demoníacos, desarrolla una trama sólida, la del “monstruo” en un marco incomparable, la isla de La Gomera. Una historia identitaria con mucho potencial que despertará el interés de la industria y del público, según indica la tutora  Yolanda Barrasa.

“Chirla”, de Sofía Martín Jiménez para la isla de El Hierro, es la historia de Maria Jesús, una mujer de 70 años que redescubre su sexualidad y el valor del autoplacer gracias en parte a un extraño aparato que ha traído su nieta Chenoa de 18 años, que está de visita en casa de su abuela para pasar el verano. “Chirla”, dice su tutor, Borja Santaolalla, “es un coming of age en la tercera edad, una comedia con unas posibilidades infinitas para la risa que permite reivindicar, además, el placer sin fecha de caducidad.”

Sobre “La siervita”, de Nerea Guitart Cuevas, escribe la tutora, Arantxa Cuesta: “En Tenerife, una mujer que ronda los 60 y es devota de La siervita, tiene que enfrentarse a la enfermedad terminal que le han diagnosticado a su marido. Lo hará a su manera, pensando que la siervita puede obrar el milagro de curarle y, así, recibir de una vez su merecida beatificación. La siervita es una comedia con tintes de tragedia, con una protagonista muy peculiar.”

“El bi-aje de Lucas”, de Raquel Herrera. Lucas, un joven de 20 años, pasa por error el fin de semana en un hotel reservado exclusivamente a hombres queer en Maspalomas, Gran Canaria, lo que al principio parece ser un fastidio, termina en un bonito romance, dándose cuenta que ser bisexual es algo natural. Feel good movie que reflexiona sobre la identidad y el amor desde el respeto y la empatía. Esta dramedia hará las delicias del público porque invita a descubrir(te) con naturalidad y demuestra que ser feliz es fácil si rompes con los estereotipos, según escribe la tutora Yolanda Barrasa.

«¿Aceptas casarte con T.N.?”, de Cristina Naranjo. A sus cuarenta años Laura está organizando su boda a pesar de que no tiene ni idea de con quién va a casarse. Para averiguarlo, decide juntar a todas y todos sus ex en un hotel de Fuerteventura para someterlos a todo tipo de actividades al más puro estilo team building y lograr de nuevo conectar con alguna de estas personas. Este plan descabellado se convertirá en una espiral de desencuentros amorosos para terminar encontrando a la única persona que de verdad conecta con ella que, por supuesto, no es ninguna de sus antiguas parejas. En palabras de su tutora, Sara Bamba, es una comedia dramática que desafía los referentes y no aborda la identidad como un conflicto sino como una capa más del personaje protagonista.

“Yesenia”, de Pedro Ayose Reyes Martín. El verano para Yesenia es un camping en los Papagayos donde está su familia. También es trabajar de sol a sol, como camarera de piso en un hotel destinado a turistas de Lanzarote, donde se está organizando una protesta para reclamar una mejora de condiciones. Pero hasta para ponerse en huelga hay que conciliar, porque Yesenia también es madre, viuda, divorciada, e hija. Para la tutora Arantxa Cuesta es “un proyecto con muchas posibilidades, que mezcla la comedia con el drama y con una protagonista femenina llena de contradicciones.”

Series de ficción

Ubicada en la isla de la Palma, “Bony and Yay”, de Isaí Escalada Galiano, cuenta, en palabras de su tutora, Alba Lucío: “la historia de una pareja de cantantes de orquesta cuyo sueño es tocar en las Fiestas Lustrales. Con un tono entre lo festivo, lo hortera y lo entrañable, el proyecto habla del éxito y el fracaso y tiene los mimbres para convertirse en una gran comedia canaria.”

“Las primas”, de Laura Reviejo, recrea la juventud en la isla de La Gomera de la escritora Mercedes Pinto, autora de la novela “Él”, adaptada por Luis Buñuel. Mercedes Pinto fue una creadora universal y una adelantada a su tiempo. “Tal vez para entender a una mujer tan singular hay que abrir la puerta de esta casa en La Gomera, entrar y ver a Laura en su mundo, rodeada de las mujeres de su familia, especialmente de sus primas, forjando su carácter en un ambiente de sororidad, ternura y algún elemento de realismo mágico”, escribe su tutor, Curro Royo.

“Beat (Pulso)” de Juanjo Durán Campillejo. Con diecisiete años, Fer, “no es más que el hijo gordito de una criadora de cerdos”. Su protagonista, un joven de El Hierro que ve en la música la forma de escapar de un bullyin perpetuo. Todo se complica cuando su madre trae a casa a un joven migrante, convencida de que es la reencarnación del padre desaparecido de Fer. “Beat”, una mirada ácida con ritmo de fondo y un estribillo que repite “La mejor versión de ti, no siempre es la mejor versión para los demás”, según su tutor, Curro Royo.

“La Huésped”, de Jorge Laguna, nos traslada al Tenerife de 1940. Una joven sirvienta se ve envuelta en una trama de espionaje que involucra a canarios, británicos y nazis. Basada en el libro “La huésped de la Casa Amarilla”, este thriller con tintes de aventura y dos protagonistas femeninas interesantes, tiene gran potencial en el mercado. Esto dice de él Alba Lucio, tutora.

“Cleaners” es un thriller que cuenta la historia de Claudia, una mujer joven que trabaja como moderadora de contenido en una empresa tecnológica y que, tras sufrir un ataque de pánico, acude a la isla de Gran Canaria para someterse a un “protocolo de desintoxicación”. Sin embargo, la violencia convive con nosotros en el día a día y no es algo de lo que se pueda huir. El proyecto plantea un punto de partida que merece la pena explotar al máximo de sus posibilidades, en opinión de su tutor, Pablo Bartolomé.

El universo de masculinidad y violencia sobre el que Juan Pedro Vera Ureña construye la historia de “Barlovento”; un matrimonio que pierde a su hijo a manos de una pandilla de legionarios y que, tiempo después, busca justicia y reparación, fue lo que más llamó la atención del tutor, Pablo Bartolomé, que, dice: “pone el foco en una realidad muy concreta y más desconocida de la isla de Fuerteventura y, aun así, con potencial para convertirse en un proyecto viable.”

“El fracaso”, de Marta Ambel Meyer para la isla de Lanzarote, es una serie de comedia sobre la ambición desmedida cuando esta se da de golpes con la mediocridad. Es la historia de Silvia, una joven con muchas ganas de convertirse en escritora -más ganas que talento- que ve en la llegada de su ídolo a la isla, la afamada escritora Margarita del Valle, como una oportunidad única para lograr su objetivo. Sin embargo, las decisiones que toma Silvia para conseguirlo puede que no sean las más acertadas. ¿De quién es ese perro que Silvia esconde en el sótano de su casa? ““El Fracaso” es una comedia que tiene un tono único, que explora los límites de nuestros sueños vitales y que habla de perdedores que no se resignan a serlo”, en palabras de su tutor, Borja Sataolalla.

Largometrajes de animación:

“El velorio de los angelitos”, de Rubén Fernández Manzanera, para la isla de La Gomera, es una película de animación de terror en torno a macabros rituales populares para comunicarse con los muertos. El enfoque artístico y el planteamiento estético son claros. Esto y más es lo que han visto en él sus tutores, Gianmarco Serra e Isabel Herguera.

“Mi hija”, de Fran Casanova, para Tenerife, es una película de animación de terror ambientada a finales del siglo XIX, en torno a la tragedia de un padre que pierde a su hija y recurre a rituales paganos para intentar devolverla al mundo de los vivos. El dossier es completo, con referencias de alto nivel y una carta de motivación sólida. Así lo describen sus tutores, Gianmarco Serra e Isabel Herguera.

Sonsoles Ónega, Marta Robles, Errecé y Pepe Maestro protagonizan la llegada del Festival Mi Pueblo Lee a Canarias

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Del 9 al 11 de abril, El Sauzal acogerá una programación que combina actividades escolares, encuentros con autores y propuestas para toda la familia

El municipio tinerfeño de El Sauzal acogerá del 9 al 11 de abril la primera edición del Festival Literario Mi Pueblo Lee en Canarias, una cita que reunirá a destacadas figuras del panorama literario y periodístico nacional en torno a un objetivo claro: acercar la lectura a todos los públicos y reforzar el acceso a la cultura en entornos no urbanos.

Impulsado por la asociación Mi Pueblo Lee —galardonada con el Premio Nacional al Fomento de la Lectura—, este festival forma parte de una red cultural que ya ha llevado la literatura a decenas de municipios rurales en toda España. Con 44 festivales celebrados en 26 pueblos de 12 provincias, el proyecto aterriza por primera vez en Canarias, marcando un paso clave en su expansión y apostando por la descentralización cultural y la igualdad de oportunidades en el acceso a la lectura.

La llegada del festival a Canarias refuerza además el papel de las islas como espacio de creación y difusión cultural, conectando el talento local con figuras del panorama nacional y situando a El Sauzal como punto de encuentro entre autores y lectores.

“Queremos que cualquier persona, viva donde viva, tenga acceso directo a la literatura y a sus protagonistas”, señalan desde la organización de Mi Pueblo Lee.

Durante tres días, El Sauzal se convertirá en epicentro cultural con una programación que combina actividades escolares, encuentros abiertos al público, propuestas escénicas y una feria literaria para toda la familia.

El festival contará con la participación del escritor y referente de la narración oral Pepe Maestro; la reconocida periodista y autora de más de una quincena de títulos Marta Robles; el rapero y experto en métrica Errecé; y la periodista, presentadora y ganadora del Premio Planeta Sonsoles Ónega. Juntos protagonizarán una programación que conecta literatura, educación y cultura contemporánea.

El festival está impulsado por la asociación Mi Pueblo Lee y coorganizado por la Asociación Cultural Debrigode. Cuenta con la financiación del Cabildo de Tenerife y el Gobierno de Canarias, así como con la colaboración del Ayuntamiento de El Sauzal y la Librería El Barco de Papel. La producción corre a cargo de C23 Culture y Modalidad C, con el apoyo del Ministerio de Cultura.

Encuentros escolares y presentación abierta con Marta Robles y Pepe Maestro

La programación arrancará el jueves 9 de abril con actividades dirigidas al alumnado del CEIP Samoga. A las 9:25 horas, el escritor y narrador Pepe Maestro mantendrá un encuentro y charla dramatizada con estudiantes del centro. Más tarde, a las 11:40 horas, la periodista y escritora Marta Robles impartirá un taller de periodismo. La actividad se completará con una parte práctica en la que el alumnado trabajará a partir de noticias llevadas previamente al aula, acercándose así de forma directa a las claves básicas del oficio periodístico.

Ese mismo día, ya en horario de tarde y abierta al público general, Marta Robles presentará su libro Amada Carlota (Espasa, 2025) a las 19:00 horas en la Casa de Cultura de El Sauzal. Novela negra que sigue al detective Tony Roures investigando el pasado de la jueza Carlota Aguado, quien busca a la hija que le arrebataron décadas atrás. La trama, editada por Espasa, aborda el robo de bebés, abusos de poder durante el franquismo y la violencia machista, conectando un diario íntimo del pasado con una investigación actual. El acto incluirá también firma de ejemplares. La entrada será libre hasta completar aforo.

La programación del sábado incluirá también propuestas para toda la familia, con talleres infantiles y mesas de ajedrez desde las 10:00 horas, seguidas de los cuentacuentos de  Silvia Torrents y Óscar Tiraida a las 11:00 horas.

Humor e improvisación en el Teatro de El Sauzal

El viernes 10 de abril, el Teatro de El Sauzal acogerá a las 20:00 horas una nueva cita del festival con “Solo Palique”, un podcast en directo que combina humor, improvisación y actualidad. La propuesta, pensada para el público general, conecta con nuevas audiencias y amplía el alcance del festival hacia lenguajes contemporáneos, reforzando su carácter abierto y diverso.

En este encuentro, en el que también participarán escritores canarios, se generará un espacio de diálogo entre distintos formatos y voces, integrando la creación literaria local dentro de una propuesta escénica dinámica y accesible.

Las entradas para esta actividad pueden adquirirse a través de la web oficial del teatro: https://teatroelsauzal.com/

Feria literaria, encuentros y actividades familiares en la Plaza del Príncipe

El sábado 11 de abril, la Plaza del Príncipe se convertirá en el epicentro del festival con la celebración de la Feria Mi Pueblo Lee, prevista de 11:00 a 20:00 horas, con acceso libre durante toda la jornada. A lo largo del día se desarrollarán actividades culturales, propuestas de ocio familiar y encuentros con autores canarios.

Dentro de esta programación, a las 12:00 horas tendrá lugar un encuentro con Alejandro Rubira, conocido como Errecé, rapero y referente del freestyle nacional, en una propuesta que explorará los vínculos entre la poesía y el rap. Ya por la tarde, a las 17:00 horas, Óscar Liam, Ana González Duque y Arantxa Rufo participarán en una mesa redonda en la que abordarán sus procesos de creación literaria y reflexionarán sobre la literatura concebida desde las islas.

Y a continuación, a las 18:00 horas, la periodista y escritora Sonsoles Ónega, que acaba de publicar la novela Llevará tu nombre (Planeta, 2026), participará en un encuentro abierto con el público. La obra, de carácter emotivo e íntimo, aborda las relaciones familiares, la memoria y la identidad a través de una historia marcada por los vínculos personales y las decisiones que atraviesan generaciones. El acto incluirá también firma de ejemplares.

Mi Pueblo Lee, una red cultural que sigue creciendo

Mi Pueblo Lee es una asociación cultural sin ánimo de lucro que trabaja para acercar la literatura al medio rural y equilibrar las oportunidades de acceso a la cultura entre pueblos y ciudades. Con apenas cinco años de trayectoria, el proyecto se ha consolidado como una de las principales redes de festivales literarios en el ámbito rural en España.

Desde su creación, ha impulsado una red de festivales literarios que suma ya 44 ediciones en 26 localidades de 12 provincias, consolidando un modelo de éxito en el territorio.

En 2024, el proyecto fue distinguido con el Premio Nacional al Fomento de la Lectura, reconociendo su impacto en la dinamización cultural fuera de los grandes núcleos urbanos.

Con esta primera edición, El Sauzal se suma a una red cultural que sitúa la lectura en el centro de la vida social de los pueblos y refuerza el papel de la cultura como herramienta de cohesión territorial, acercando autores y lectores en un entorno accesible, abierto y compartido. Este festival marca además el inicio de futuras ediciones en Canarias, consolidando el compromiso del proyecto con el territorio insular.

La artista Alicia Lasala exhibe su serie ‘Serenidad en el caos’ en San Mateo

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·        El circuito de arte del Cabildo grancanario ‘Itineraria’ acerca a la sala de exposiciones La Caldereta el día 4 de abril la obra de la creadora que reflexiona sobre la presión estresante de las sociedades modernas

La sala de exposiciones La Caldereta de San Mateo exhibe del 4 al 26 de abril la muestra de la creadora Alicia Lasala, ‘Serenidad en el caos’, que organiza el Centro de Artes Plásticas de la Consejería de Cultura del Cabildo grancanario con la estrecha colaboración del ayuntamiento del municipio de la Vega de San Mateo. La mencionada muestra está programada dentro de circuito ‘Itineraria’ que ha venido trasladando regularmente a diferentes centros y equipamientos culturales de la isla de Gran Canaria la obra de distintos artistas plásticos. La exposición de Lasala puede visitarse de martes a viernes, de 9:00 a 14:00 y de 17:30 a 19:30 horas, así como los sábados, de 9:00 a 14:00 horas.

La obra de Alicia Lasala reflexiona alrededor del alarmante crecimiento de problemas de salud mental ocasionados por el estrés y la ansiedad en las sociedades modernas. El proceso del trabajo artístico valora lo aleatorio y lo inesperado, reflejando cómo el estrés a menudo surge sin aviso. Las formas que emergen en la obra buscan representar visualmente la tensión y la liberación, utilizando el proceso pictórico para explorar dichas emociones y buscando representar la dualidad del estrés y la calma en la salud mental contemporánea.

El día 16 de abril, a las 18:30 horas, Alicia Lasala, cursará una visita guiada a su exposición, en la que explicará a las personas que deseen acudir a la misma, cómo se articula su proceso de trabajo plástico y cuáles son sus intereses creativos.

Según la creadora su proyecto “se fundamenta en la estética, en la filosofía de Aristóteles sobre la catarsis y la purificación emocional a través del arte, así como en las ideas de Alan Watts sobre la aceptación y comprensión de la mente. Estos conceptos se entrelazan con la expresión emocional de artistas como Munch, cuyos trabajos capturan la angustia existencial, y Klimt y Degas, que exploran la complejidad de las emociones humanas”.

El arte como lenguaje poético reflexivo, se convierte en la herramienta que le permite a la artista analizar desde diversos puntos de vista los procesos de la existencia humana y su entorno. Para Lasala “el color delicado, la textura, la forma y el volumen guían el recorrido por la muestra. La sucesión pictórica completa comienza con formas expresionistas que pasan a la abstracción consciente como proceso de descubrimiento interior, para transformarse en escultura”, señala.

La obra se articula como una serie de pinturas que evolucionan hacia esculturas, reflejando el viaje desde la turbulencia emocional hasta la serenidad. “A medida que el espectador avanza en la serie, las formas se vuelven más abstractas y deliberadas, invitando a la reflexión y al descubrimiento interior”, explica la artista, para quien esta serie “sería el resultado simbólico de una deconstrucción y reformulación de códigos culturales, de procesos auto reflexivo, de una búsqueda interna y externa”.

Alicia Lasala estudió en la Escuela Luján Pérez y ha perfeccionado su arte en diversos talleres con artistas canarios, argentinos, chilenos y cubanos de cerámica, serigrafía, grabado, anatomía, escultura en gres, alambre y cemento. El estilo que la define es el expresionismo figurativo y abstracto, donde vuelca las emociones más profundas a través de la figura humana. Se dedica exclusivamente al arte, investigando y probando nuevas técnicas y materiales en las distintas disciplinas. Ha participado en exposiciones colectivas e individuales en la Escuela Luján Pérez, Círculo Mercantil, Museo Municipal de Arucas, Mundo Arti Museum, Casa África y el Colegio de Abogados de Las Palmas, entre otras.

El pianista Martín García regresa para ofrecer un concierto con obras de Chopin y Liszt

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‘Odisea, leyenda y el ascenso hacia lo monumental’ es el título del programa que interpretará este martes el músico asturiano

Auditorio de Tenerife ha programado para el próximo martes (día 7) el recital de piano a cargo del asturiano Martín García García. El pianista interpretará obras de Chopin y Liszt en el concierto Odisea, leyenda y el ascenso hacia lo monumental que comenzará a las 19:30 horas en la Sala de Cámara.

El recital muestra dos maneras de pensar la gran forma romántica: la concentración expresiva de Chopin y la visión expansiva de Liszt. Ambas revelan cómo el piano se convierte en un espacio capaz de contener intimidad, impulso dramático y una profunda imaginación sonora. El público se sumergirá en un viaje desde la balada (el relato) hasta culminar en la forma monumental (la idea total), pasando por la leyenda (el símbolo) un programa que invita a escuchar el piano como voz, danza y orquesta, y a reencontrar, en cada página, la emoción primera que hizo grande al Romanticismo.

La primera parte está dedicada a Chopin. La Balada n.º 2 en Fa mayor, op. 38 se abre como un claro entre árboles: un canto apacible que, de pronto, es atravesado por la tormenta. El Scherzo n.º 4 en Mi mayor, op. 54 despliega un ingenio luminoso y frente a él aparece el Scherzo n.º 3 en Do sostenido menor, op. 39 irrumpe con energía vehemente. Entre ambas, las Mazurkas, op. 63 destilan la nostalgia del hogar. El capítulo dedicado al compositor polaco culmina con la Balada n.º 4 en Fa menor, op. 52.

Tras el intermedio, Liszt acapara la segunda parte, que arranca con Die Zelle in Nonnenwerth, S. 534/3, es un breve santuario de canto suspendido. La Légende n.º 2, S. 175 convierte el teclado en imagen: arpegios que ondulan como mar, fe que avanza sobre lo imposible. Ese horizonte desemboca en la Sonata en Si menor, S. 178, considerada por muchos la obra cúspide del repertorio pianístico.

Martín García García (Gijón, 1996) ha cautivado al público en algunos de los escenarios más prestigiosos de Europa, América y Asia. Su notable trayectoria incluye primeros premios en concursos internacionales de piano, entre ellos, en el Concurso Internacional de Piano de Cleveland 2021 y un distinguido tercer lugar en el Concurso Internacional de Piano Chopin 2021, donde también recibió el premio especial de la Orquesta Filarmónica Nacional de Varsovia al mejor concierto.

La rigurosa formación musical de Martín sentó las bases de su éxito. Se graduó de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, donde estudió durante una década bajo la tutela de la profesora Galina Eguiazarova, obteniendo el título de Alumno Más Sobresaliente de su cátedra, otorgado por Su Majestad la Reina Sofía. Posteriormente, perfeccionó su arte con una maestría en piano en la Mannes School of Music de Nueva York, donde estudió con el renombrado pianista Jerome Rose. Su camino comenzó a la temprana edad de 5 años bajo la guía de los profesores Natalia Mazoun e Ilyà Goldfarb.

En los últimos años, Martín ha consolidado su reputación como uno de los pianistas más destacados de su generación, colaborando con prestigiosas orquestas como la Symphoniker Hamburg, la Filarmónica de Varsovia, la Orquesta Nacional de España, la OBC, la Sinfonia Varsovia, la Orquesta Filarmónica de Tokio, la NHK Symphony Orchestra, la Orquesta Filarmónica de Seúl, la Orquesta de Brasilia o la Orquesta Nacional de Lituania, entre otras. Sus actuaciones han sido dirigidas por maestros de renombre mundial como Mikhail Pletnev, Vasily Petrenko o Andrey Boreyko.

Las entradas, a un precio de 15 euros, 5 para menores de 30 años, se pueden adquirir en la página web www.auditoriodetenerife.com, en la taquilla de 10:00 a 17:00 horas -excepto los festivos- y el sábado de 10:00 a 14:00 horas y de forma telefónica llamando al 902 317 327 en el mismo horario. Hay disponibles descuentos para, entre otros, estudiantes, demandantes de empleo y familias numerosas.

Filmin estrena, en exclusiva, «El extranjero», la adaptación de François Ozon del clásico de Albert Camus

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El 10 de abril llega a la plataforma esta ambiciosa adaptación de la novela homónima, uno de los grandes hitos de la literatura del siglo XX, presentada en el Festival de Venecia y nominada a cuatro Premios César.

El 10 de abril llega en exclusiva a Filmin “El extranjero”, la nueva película de François Ozon («Cuando cae el otoño»), uno de los nombres más reconocidos del cine europeo contemporáneo, que se enfrenta aquí a una de las obras más influyentes de Albert Camus.

Seleccionada en los festivales de Venecia y San Sebastián, y nominada a cuatro Premios César, la película ha sido celebrada por su capacidad para trasladar al cine la complejidad filosófica del original. Una propuesta que combina fidelidad y reinterpretación, y que confirma a Ozon como un cineasta capaz de dialogar con los grandes clásicos desde una mirada contemporánea.

Benjamin Voisin, ganador del Premio César al mejor actor revelación por «Ilusiones perdidas» (2021), asume aquí el papel de Meursault, uno de los personajes más emblemáticos de la literatura del siglo XX. Junto a él, Pierre Lottin («Por todo lo alto») interpreta a Raymond Sintès, papel por el que ha sido reconocido con el César al mejor actor de reparto en la última edición de los premios del cine francés.

Sinopsis
Argel, 1938. Meursault (Benjamin Voisin), un hombre tranquilo y reservado de unos treinta años, asiste al funeral de su madre sin derramar una lágrima. Al día siguiente, inicia una aventura con Marie (Rebecca Marder), una compañera de trabajo, y vuelve a su rutina con aparente normalidad. Pero su vida se ve alterada por su vecino, Raymond Sintès (Pierre Lottin), que lo involucra en sus oscuros asuntos personales. Bajo un sol sofocante, en una playa desierta, un encuentro fortuito desencadena un trágico suceso que cambiará su destino.

La adaptación de un clásico universal

Considerada una de las novelas más influyentes del siglo XX, «El extranjero» de Albert Camus encuentra en François Ozon una nueva lectura cinematográfica, fiel a su esencia pero profundamente conectada con el presente. El director francés llevaba tiempo interesado en retratar a un personaje alienado cuando volvió a la obra de Camus y en ella encontró: «precisamente los temas que quería abordar: esa indiferencia hacia el mundo, esa forma de distanciarse de las cosas», explica. Contra lo que él esperaba, los derechos estaban disponibles, y fue la propia Catherine Camus, hija del autor, quien confió en el director francés.

Consciente del reto que supone enfrentarse a un texto fundacional del existencialismo, Ozon describe el proceso como “más complejo y angustioso” que cualquier otro proyecto previo. El resultado es una película que respeta la frialdad y ambigüedad moral del original, al tiempo que propone una mirada contemporánea sobre el aislamiento, la indiferencia y el absurdo de la condición humana.

Un relato con resonancia actual

Rodada en blanco y negro, la película apuesta por una puesta en escena austera que refuerza la alienación emocional de su protagonista. “Al tratarse de una obra filosófica, el blanco y negro me parecía ideal: elimina lo superfluo y aporta una forma de pureza”, señala Ozon.

Más allá de su dimensión existencial, “El extranjero” adquiere en esta adaptación una lectura política de actualidad. Ozon subraya la vigencia del relato en un contexto contemporáneo marcado por la deshumanización y la invisibilidad de las víctimas: «al releer el libro pensé: es increíble, sigue resonando hoy en día». Así, la película se erige como una reflexión incómoda que conecta el universo Camus con conflictos actuales, capaz de tender un puente entre el pensamiento del siglo XX y las inquietudes del presente

Santa Cruz inaugura la exposición “ERRATA. Modus operandi” en la Sala L de la Recova

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La Sala L de La Recova acoge esta muestra que explora la risografía y el letterpress como lenguajes artísticos donde el azar y la imperfección generan nuevas formas de creación.

El Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife, a través del Organismo Autónomo de Cultura (OAC), inauguró la semana pasada la exposición “ERRATA. Modus operandi”, una propuesta artística que se podrá visitar en la Sala L de La Recova hasta el próximo domingo 10 de mayo y que está impulsada por los colectivos Tipos en su tinta y Reset Risografik, dos iniciativas que trabajan desde Tenerife en la investigación gráfica y la experimentación artística.

La muestra propone una mirada contemporánea al error como punto de partida para la creación. A través de técnicas como la risografía y la impresión tipográfica, procesos materiales, táctiles y a menudo imperfectos, la muestra explora la relación entre intención y accidente, método y juego. Frente a los estándares de perfección y la inmediatez de lo digital, “ERRATA” reivindica el azar, la experimentación y el proceso artesanal como espacios de libertad dentro de la práctica artística.

El alcalde de Santa Cruz, José Manuel Bermúdez, destaca que “Santa Cruz continúa apostando por propuestas culturales innovadoras que invitan a la reflexión y esta exposición propone cambiar la mirada sobre el error y entenderlo como una oportunidad, también en el ámbito creativo”.

Por su parte, el concejal de Cultura, Santiago Díaz Mejías, señala que “esta exposición conecta con corrientes actuales del diseño y del arte contemporáneo que recuperan el valor de lo manual y lo experimental. Además, acerca al público al proceso creativo, mostrando que detrás de cada obra hay ensayo, intuición y descubrimiento”.

Las piezas reunidas parten de la idea de que el error no debe ocultarse ni corregirse, sino asumirse como una oportunidad para abrir nuevos caminos creativos. Desplazamientos de tinta, letras desajustadas y registros imperfectos generan lenguajes visuales inéditos y amplían las posibilidades expresivas del diseño gráfico. En este sentido, la exposición plantea un territorio fértil donde el control se suspende y lo inesperado se convierte en herramienta de creación.

Los artistas

Fundado en 2013 en Santa Cruz de Tenerife por los diseñadores gráficos y artistas visuales Matthias Beck y Lars Petter Amundsen, Tipos en su tinta es un espacio de experimentación abierto también a la ciudadanía a través de talleres, encuentros y cursos. Su trabajo se centra en la búsqueda de nuevos lenguajes visuales mediante la técnica tradicional de impresión tipográfica, explorando las posibilidades del material, la maquinaria y el proceso.

A lo largo de su trayectoria, han desarrollado proyectos que amplían los límites del diseño gráfico, participando además en encuentros y residencias internacionales y recibiendo diversos reconocimientos a nivel nacional e internacional.

Por su parte, Reset Risografik es un taller de risografía creado en 2020 en el Grado en Diseño de la Universidad de La Laguna por el diseñador gráfico y docente Javier Cabrera. Este espacio combina la formación, dirigida a estudiantes de diseño y arte, con la producción gráfica de artistas, ilustradores y diseñadores de Tenerife.

Su metodología se basa en la experimentación mediante el uso del color, la trama, el tono continuo fotográfico y la sobreimpresión aleatoria, buscando resultados inesperados, imperfectos y altamente expresivos. Además, constituye, junto con la serigrafía, uno de los ejes centrales del Tenerife Creative Camp, que se celebra cada mes de junio en la Facultad de Bellas Artes.

La exposición se completa con un recorrido inmersivo que permite al visitante conocer no solo las obras finales, sino también pruebas de impresión, matrices, bocetos y materiales de trabajo, poniendo en valor el proceso creativo y el papel del azar en la práctica artística contemporánea.

Con esta iniciativa, el Ayuntamiento refuerza su apuesta por una programación cultural diversa y contemporánea, fomentando el diálogo entre tradición e innovación y acercando al público nuevas formas de creación.

Samantha Hudson: “La disidencia es un grito colectivo, un canto coral del que participo”

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“Siempre es necesario alzar la voz en defensa de los derechos humanos, más aún cuando nos enfrentamos a una ola reaccionaria que azota el mundo entero”

“El directo de ‘Música Para Muñecas’ es realmente especial, un híbrido de concierto y performance de danza contemporánea que atrapa al espectador en una red de coreografías marcianas, discursos y un diseño de luces estroboscópico”

La cantante, compositora, productora, guionista, actriz e icono de la contracultura contemporánea, Samantha Hudson, regresa a los escenarios de Canarias la próxima semana con la gira de presentación de su tercer trabajo discográfico Música para Muñecas (Subterfuge, 2025) en dos conciertos: el jueves 9, en la jornada inaugural de LALA MUSIC  2026, en Aguere Cultural, en La Laguna; y el sábado 11 de abril, en el Monopol Music Festival, en la trasera del parque Santa Catalina, a partir de las 19.00 horas, junto a otros artistas invitados a esta edición como son  Ninfa, Silde, Alizzz, Lopez House, Compota de Manana y Juan Hansen. En esta entrevista, realizada mediante cuestionario, Samantha Hudson habla de su nuevo disco, de la identidad y la diversidad, y del derecho a hablar sin tapujos y defender el espacio legítimo que ocupa,

La gira de Música para muñecas, su tercer disco, llega a Canarias los próximos 9 y 11 de abril con dos conciertos en La Laguna, en Aguere Cultural, en la jornada inaugural de LALA MUSIC 2026, y en Las Palmas de Gran Canaria, en la trasera del parque Santa Catalina, en el marco de la programación del Monopol Music Festival 2026. ¿Qué puede avanzar de estos conciertos y cómo ha funcionado el nuevo álbum?

El directo de Música Para Muñecas es realmente especial, un híbrido de concierto y performance de danza contemporánea que atrapa al espectador en una red de coreografías marcianas, discursos y un diseño de luces estroboscópico, todo ello acompasado por el repertorio del álbum homónimo y los grandes éxitos de mi carrera. Me gusta pensar que todo el que tiene la suerte de verlo transiciona irremediablemente. Este álbum es mi trabajo más sólido hasta la fecha, una obra ideada con el corazón, confeccionada con el alma y ejecutada con el coño. Por eso, encontrarme con mi público así como es, tan variopinto, diverso, intergeneracional y transversal, me resulta el mayor de los regalos y verdaderamente siento que con cada espectáculo tiene lugar una hermosa comunión.

Música para muñecas celebra la diversidad a golpe de electrónica y lo describe como un diario personal acerca del éxito y el fracaso y lo que cuesta construir y defender la identidad. ¿Considera necesario seguir alzando la voz para defender unos derechos que algunos niegan y que la diversidad sea la nueva normalidad? 

Siempre es necesario alzar la voz en defensa de los derechos humanos, más aún cuando nos enfrentamos a una ola reaccionaria que azota el mundo entero. Pienso que todas tenemos la responsabilidad de combatir el odio y la discriminación, aunque sea cada una desde su pequeña trinchera.

¿Ha encontrado Samantha Hudson el sueño en la gran ciudad, sin pedir permiso, ni perdón?

Lo he encontrado, pero siempre tendré que perseguirlo. Poder vivir de mi arte es mi sueño y tengo la suerte y el privilegio de estar haciéndolo. Ahora bien, la precariedad es un monstruo que siempre acecha y dedicarte a esta profesión no es un camino de algodones. Digamos que no es nada fácil entregarte a tu obra cuando el contexto te atraviesa como una lanza.

La reacción conservadora se articula en gran parte contra los avances en cuestiones de género e identidad. ¿Cree que algunas estrategias del activismo queer pueden haber contribuido, aunque sea indirectamente, a esa reacción?

Creo que si hablamos de un auge reaccionario es absurdo poner el foco en el activismo queer. Tal vez las estrategias a las que te refieres han sido criminalizadas, estigmatizadas, ridiculizadas y demonizadas por el fascismo. Quizás, para una persona que odia y discrimina sea mucho más fácil culpar de su odio a las personas que odia y discrimina en vez de hacer autocrítica. Igual tenemos un problema como sociedad cuando nos resulta más cómodo pensar en qué puede haber hecho mal la víctima en vez de señalar al agresor y a las estructuras de poder que lo respaldan. Puede ser que la culpa del fascismo la tengan los fascistas.

¿Qué opinión le merece el barniz de espiritualidad y las referencias cristianas en el discurso musical reciente, caso de Rosalía con Lux, por citar uno de los ejemplos más mediáticos? ¿Nos tenemos que preocupar?

Algo Muy Raro es la canción que cierra mi último álbum Música Para Muñecas y en ella reflexiona: “¿Qué tiene de malo cantarle al cielo si en él encuentras respuesta a tu miedo?”. Creo que una puede vivir su fe de forma libre y es comprensible que la espiritualidad nos ofrezca la profundidad y el consuelo que no encontramos en nuestro día a día. Ahora bien, eso es una cosa muy distinta a que tu fe sirva para amplificar la propaganda reaccionaria de una institución religiosa y perpetrar las mismas violencias sistémicas de siempre.

En su caso, la exposición pública es parte del proyecto artístico. ¿Dónde decide poner el límite entre lo que es personaje y lo que no? ¿Hasta qué punto se puede hablar de disidencia cuando un personaje queda absorbido por el sistema cultural mainstream y si esto convierte a la disidencia en una postura puramente estética?

Siempre me ha resultado curioso este interés mórbido por “el personaje”, como si esperaran “destapar la realidad”. A veces, una encuentra en la máscara la verdad más íntima de quién es realmente y creo que sería injusto tildar de farsa, pantomima o teatro cualquier aspecto de mi vida. Yo soy auténtica desde que me levanto hasta que me acuesto pues el ser humano es poliédrico. Respecto a la segunda pregunta, creo que la disidencia va más allá de ese sistema cultural mainstream del que hablas. Puede que yo esté en una situación mucho menos vulnerable que otras personas del colectivo pero se trata de tener una identidad que subvierte las normas sexo-genéricas, una identidad que la ultraderecha y las élites globales señalan como un objetivo a combatir. Se trata también de que mis derechos peligren cada vez que hay elecciones, de que todo el rato se cuestione mi existencia como si ésta pudiera ser sujeto de debate. Se trata de que, aunque viva de mis giras o salga en programas de televisión, unos neonazis me hagan un escrache, me acosen diariamente en redes o me amenacen de muerte en la estación de tren entre varios ejemplos. Y cuando, a pesar de todo ese acoso y derribo, una decide hablar sin tapujos y defender el espacio legítimo que ocupa, entonces no creo que podamos hablar de una postura puramente estética. La disidencia es un grito colectivo, un canto coral del que participo yo junto a todas mis compañeras.

Cantante, performer, activista, entre otros roles, y personaje referencial para la comunidad LGBTIQ+. ¿La condición de icono de la que disfruta le supone una responsabilidad extra acerca del mensaje que transmite y a quién lo dirige?

Me gusta aprovechar la plataforma que tengo para hablar de lo que creo importante, así que acepto con gusto la responsabilidad de ofrecer siempre una mirada lo más crítica posible.

¿Hacia dónde camina la carrera profesional de Samantha Hudson? ¿Qué retos y objetivos por cumplir tiene por delante?

De momento me quedan unos cuantos conciertos de Música Para Muñecas por delante. Por lo que pienso exprimir al máximo esta gira y concentrar toda mi energía en darle al público la mejor experiencia de sus vidas.

Entrevista realizada a la artista Samantha Hudson en el marco de LALA MUSIC 2026, que tendrá lugar el próximo 9, 10 y 11 de abril en La Laguna. 

Fotografías cedidas para la entrevista.

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