La Plaza del Cristo de La Laguna acogerá el próximo 20 de septiembre la segunda edición de Siroco, Festival de Música Independiente. La cita, con entrada gratuita y organizado por el Ayuntamiento de Aguere, dará comienzo a las 21:00 horas y contará con la presencia de los barceloneses Love of Lesbian como cabeza de cartel. El festival se completa con los directos de Las Ninyas del Corro, Serial Killerz y la dj Bea Miau.
Love of Lesbian nació a finales del siglo XX y en su primera década publicó cuatro discos, los dos primeros en inglés, que le permitieron forjar una identidad única dentro de la escena indie española. El salto definitivo llegó en 2009 con ‘1999 (o cómo generar incendios de nieve con una lupa enfocando la luna)’, un álbum considerado ya parte de la historia del pop nacional y que catapultó a la banda al gran público, iniciando una etapa de giras multitudinarias, discos de oro y primeras nominaciones a los Latin Grammy.
Con los posteriores ‘La Noche Eterna/Los Días No Vividos’ (2012) y ‘El Poeta Halley’ (2016), el grupo consolidó su estatus como referente indiscutible del pop español, llenando recintos emblemáticos como el Wizink Center en Madrid y el Sant Jordi Club en Barcelona. Estos trabajos también abrieron con fuerza la puerta del mercado latinoamericano, con destacadas actuaciones en el Festival Vive Latino y conciertos en Monterrey, Guadalajara y Ciudad Juárez.
El idilio con Latinoamérica se confirmó en 2018, cuando Love of Lesbian agotó con antelación las entradas del Auditorio Nacional de Ciudad de México ante 10.000 personas, un logro reservado a muy pocas bandas españolas. A partir de entonces, el grupo expandió su éxito en ciudades como Lima, Medellín, Bogotá, Santiago de Chile y Buenos Aires, consolidándose como una de las bandas españolas con mayor proyección internacional.
En 2021 lanzaron ‘V.E.H.N. (Viaje Épico Hacia la Nada)’, que alcanzó el número uno en las listas y fue nominado a tres Latin Grammy. Tras una gira con más de 80 conciertos en España y 11 países, el grupo anunció su décimo álbum, ‘Ejército de Salvación’, que vió la luz en 2024 como homenaje a la amistad y a sus 25 años de trayectoria.
El reconocido festival de cine ha recibido alrededor de 300 largometrajes de 57 países para su próxima edición. Una pequeña selección de ellos competirán por formar parte de su Sección Oficial. También se han recibido medio centenar de cortometrajes para la sección Cruce de Caminos: cineastas de Canarias.
Todas las películas serán revisadas por el comité de selección para proyectarse en la selección final de ambas categorías en lo que será, como todos los años, una programación de la máxima calidad.
La Muestra de Cine de Lanzarote ha concluido el periodo de preinscripción de películas y cortometrajes para su 15ª edición. En este 2025 se han superado los números de años anteriores, por lo que se consolida la proyección internacional de este certamen que conecta el mejor cine con el territorio y la cultura de Lanzarote.
La asociación Tenique Cultural, organizadora del evento cinematográfico, ha recibido más de 300 proyectos cinematográficos, entre los que se encuentran largometrajes para la sección oficial y medio centenar de cortometrajes que aspiran a formar parte de Cruce de Caminos: Cineastas de Canarias.
Tal y como afirma Javier Fuentes Feo, director del proyecto, se trata de una cifra histórica, “que refleja el gran trabajo que se está haciendo en Canarias y, a la vez, la dimensión internacional que ha conseguido la Muestra de Cine, algo que hace unos años era impensable. Este año va a ser una edición muy especial”.
La Muestra de Cine de Lanzarote cuenta con la colaboración del Cabildo de Lanzarote, los Centros de Arte, Cultura y Turismo, la Sociedad de Promoción Exterior de Lanzarote a través de su marca de producto Lanzarote Film Commission y el patrocinio del Gobierno de Canarias – Islas Canarias Latitud de Vida -, el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales de España (ICAA) del Ministerio de Cultura y el Instituto Canario de Desarrollo Cultural (ICDC) y su unidad Canary Islands Film.
“Es ilógico que para optar a subvenciones tengamos que esconder nuestro trabajo creativo como me ha ocurrido”
“La censura es algo habitual en el humor, ahora existe por la necesidad de recibir ayudas públicas”
“La nefasta gestión de los incendios en Galicia ha sido como una especie de Dana-2”
A medio camino entre ser un niño prodigio y un guerrero contra las censuras y demás desgracias del cómic se sitúa el gallego, Kiko Da Silva quien comenzó de forma profesional a trabajar como historietista a los 16 años y luego se ha reinventado en la ilustración, la prensa, la enseñanza y el mundo editorial. La explicación de un inicio tan precipitado se debe a que siendo un quinceañero ganó un premio al que podían presentarse autores de hasta 35 años. A continuación firmó un contrato con La Voz de Galicia, que abandonó cuando se enfrentó por primera vez a las limitaciones editoriales pero no hay resentimientos y hace algunas semanas el periódico lo eligió entre los principales autores gallegos.
Pasó al mundo del fanzine y saca a la calle BD Banda con el que apenas cinco números le otorgan en 2001 el premio del Salón del Cómic de Barcelona donde repite en 2007 con Retranca, como mejor revista. Luego ya ejerciendo de editor vino la publicación de Las Serpientes Ciegas de Felipe Hernández Cava y Barlomé Seguí que en la XV edición de este mismo salón fue reconocido como mejor guión y autor y recibió a continuación en 2009 el Premio Nacional. Comienza sus colaboraciones con la revista Golfiño con una tirada de hasta cien mil ejemplares y cuando cierra lo ficha El Jueves donde primero se encargó de un suplemento infantil y luego pasó a formar parte de la plantilla.
Eso sí, hasta que tuvo lugar el cisma por la censura a la portada en la que el rey emérito le pasaba una corona llena de moscas a su hijo y que provocó la estampida de un grupo de dibujantes, entre los que se incluía. Con la experiencia obtenida montó Retranca en la que se apropiaba del espíritu crítico de la publicación catalana, que estuvo viva hasta 2012 con periodicidad bimensual y unas ventas que rondaron los nueve mil ejemplares. Los encontronazos con la censura continuaron y el Opus consiguió que le secuestraran un número sobre el Papa y se prohibieran unos anuncios en las guaguas en los que se referían a “los dioses” así en general. Parece que le persiguen las luchas y ahora toca denunciar la decisión del Ministerio de Cultura de negarle una subvención al considerar que la obra presentada incumplía las bases al no ser inédita por haber hecho públicas en redes algunas imágenes sueltas. Él mismo explica lo ocurrido.
-Lo que nos han hecho no es ni medio normal. A varios autores nos han dejado fuera, sin ni siquiera tener la opción de que se valore nuestro trabajo porque consideran que haber enseñado en las redes nuestro proceso creativo es equivalente a publicarlo. Presenté una queja de ocho folios y nos han contestado con tres líneas, tratándonos como si fuéramos gilipollas, como si no supiéramos leer las bases de la convocatoria. En ningún momento se pone que haber sacado parte de nuestro trabajo en las redes equivale a publicarlo y hasta el editor ha certificado que la obra es inédita pero los del Ministerio alegan que no lo es, de manera que me han excluido a mí y a otros compañeros. Todo simplemente fue por haber sacado algunas imágenes, como se hace siempre y que me parece algo que enriquece a la profesión y demandan los lectores. Y más ahora que ha surgido lo de la Inteligencia Artificial (IA) por lo que de esta manera se puede ver como trabajamos en las obras, aunque sólo sea con unas fotos de nuestras mesas para demostrar que están hechas por humanos. Me parece ilógico que para optar a ayudas públicas de creación profesional, los autores tengamos que esconder nuestro trabajo creativo como me ha ocurrido y más cuando ni siquiera se ha visto una página terminada. En lo que he enseñado no aparecen ni personajes, ni bocadillos… pero ellos dicen que es como si mi obra hubiese sido ya publicada.
-¿Acudirás a los tribunales?
-Hemos presentado un recurso de alzada porque creo que se ha sentado un mal precedente que nos perjudica a todos los autores. No es una cuestión personal mía. Protesto por la profesión porque no me parece justo que un funcionario decida qué es o no publicar una obra cuando eso ya está claro. Si mi editor dice que mi trabajo es inédito y no incumplo el contrato que tengo firmado con ellos, pues ya está. No hay nada más que discutir.
-¿Consideras que supone un paso atrás en los avances que se han dado en el mundo del cómic desde las instituciones en los últimos años?
-Aplaudo que el Ministerio cuente con una Dirección General del Libro, el día del Cómic, el Premio Nacional y todo lo que se ha logrado con las propuestas que hemos hecho durante años. Pero no podemos bajar la cabeza y agachar las orejas cuando ves cosas como éstas que perjudican a nuestra profesión. El 80% de los autores cuentan con redes sociales y lo normal es que si estás haciendo un libro vayas enseñando el proceso como le gusta a los lectores. De hecho, trabajo de una manera un poco extraña porque a los personajes los pongo aparte y al final los coloco de forma digital, así que lo único que se ha visto son fondos con paisajes y poco más. Que digan que eso equivale a publicar una obra me parece que carece de todo sentido, es ridiculisimo y más cuando nos han contestado como lo han hecho a una reclamación que estaba muy bien fundamentada. Me parece una tomadura de pelo.
-¿Pero realmente venía recogido en las bases que sacar parte del trabajo en redes equivalía a publicarlo?
-Supongo que en realidad lo ocurrido se debe a que han copiado las bases de las obras literarias que sí deben ser totalmente inéditas y te prohíben subir alguna parte a internet pero eso no tiene nada que ver con nosotros. Me parece una prueba clarísima del desconocimiento que existe sobre nuestro sector.
-¿Pero el seguimiento que hicieron fue tan puntilloso que llegaron a localizar lo que habías subido a las redes en todos estos años?
-Supongo que con la subvención pensabas publicar tu próximo proyecto, un curioso libro sobre la historia de algunas piedras repartidas por todo el mundo.
-Al no tener la posibilidad de obtener esas ayudas lógicamente va a significar que el proyecto se va a estirar un poquito más porque el adelanto de la editorial no me da para poder estar todos los días trabajando en este libro, así que lo voy haciendo en los ratos libres. Si me hubieran dado los 25.000 euros de la ayuda podría haberlo terminado mucho antes.
-¿El número de obras que reciben subvenciones es limitado o todavía tienes alguna posibilidad?
-No, sólo son cuarenta. Ya lo doy por perdido, al menos por este año. Espero que esto no quede en una anécdota, porque se ha creado un precedente espantoso, y modifiquen las bases o de lo contrario van a perjudicar a más autores.
-Visto lo visto me da hasta miedo preguntarte de qué va exactamente la obra.
-Desde 2010 estoy trabajando en un libro que es el más ambicioso de todos los proyectos que he hecho, llamado Bajo la Sombra de las Piedras Flotantes que gira sobre las rocas más misteriosas del mundo. La idea es hacerlo como una especie de cuaderno de viajes usando el lápiz y las acuarelas. Trata de piedras raras que existen, son reales, están repartidas por todo el mundo y hay un montón de leyendas a su alrededor que he ido recopilando y visitando durante diez años dentro de mis posibilidades. Es un libro que bebe tanto de lo real como de los mitos, que habla sobre lo increíble que es el planeta en el que vivimos.
-Por curiosidad ¿Cuál es la que más te ha llamado la atención?
-Las últimas que visité antes de la pandemia fueron las de un bosque de Alemania llamado Externsteine, que significa piedras llegadas del cielo, porque son meteoritos que cayeron hace miles de años y que ahora parecen derretidas, están llenas de cavernas, incluso tienen escaleras y hasta un altar. La leyenda dice que ahí estaba el árbol de la vida que destruyó Carlo Magno cuando conquistó el bosque. En la Segunda Guerra Mundial los nazis se quisieron apropiar de este lugar y por eso ahora tiene mala fama. La gente me preguntaba por qué quería ir hasta allí por ese vínculo negativo que existe con Hitler y yo les decía que al contrario, deberían reivindicarlo porque es un sitio realmente extraño y digno de ser visitado. Luego soy consciente de que será imposible que vea algunas de las piedras que me interesan como unas que había en Gaza porque lo más seguro es que ya estén destruidas por los bombardeos.
-Hablando de los inicios de tu carrera ¿Cómo explicarías el espíritu de Retranca?
–Retranca se convirtió en el medio perfecto con el que hacer humor libremente, no sólo con autores de Galicia sino también con colegas de El Jueves. En 2012 nos declaramos en suspensión de pagos y tuve que hipotecar mi casa para montar la primera escuela profesional de cómic de Galicia que llamé O Garaxe Hermético. Esa fue la decisión más importante de mi vida. Así que como se ve he tocado muchos palos porque también he hecho libros infantiles.
-En tu carrera es una constante haber tenido varios encontronazos con la censura.
-Sí, pero pienso que es algo habitual cuando trabajas en el humor. La censura no es algo de los tiempos grises del franquismo, ahora existe de otra manera que es la del dinero, la necesidad de contar con subvenciones y por eso los medios de comunicación son dependientes de las ayudas públicas. Lo cierto es que no se vende lo suficiente y entonces para mantener a una plantilla tienes que recurrir al apoyo de las instituciones.
-El otro día La Voz de Galicia te eligió como uno de los autores más influyentes de tu tierra. Lo que es llamativo dado que como dices te fuiste de ese periódico a causa de la censura.
-Supongo que han tenido en cuenta otros criterios, más bien periodísticos. Conozco al autor del artículo, es un amiguete y entonces me parece que estar en la lista ha sido más bien una cuestión azarosa, relacionada sobre todo con mi trabajo como editor y promotor de la escuela de cómics.
-¿Dirías que Galicia está ocupando cada vez más espacio en el panorama del cómic nacional que hasta ahora estaba más bien centrado sobre todo en Barcelona y Madrid?
-Creo que desde el año dos mil en adelante ha habido un cambio brutal y hemos pasado de no tener ningún tipo de industria a que se nos tenga en cuenta debido al empuje de un montón de autores y editoriales especializadas que nos hemos empeñado en que se nos oiga. Debemos felicitarnos por haberlo conseguido y más aún cuando todo el mundo nos decía que era imposible.
-¿El idioma ha sido una barrera?
-Pienso que no, que todos los idiomas suman. A mí como ciudadano me hubiera gustado aprender más idiomas y que me enseñaran catalán, euskera, incluso andaluz porque tenemos una riqueza brutal a la que no hemos sabido sacarle provecho. Cuando más idiomas sepa una persona más rica es porque son algo precioso que deberíamos empezar a valorar y fomentar de verdad.
-¿Cómo diferenciarías tu trabajo en los periódicos del que haces como historietista?
-Son cosas distintas. El humor gráfico es efímero, dura un día, tiene una caducidad muy rápida y el principal problema es la temática aunque también le doy mucha importancia al dibujo porque creo que se debe reivindicar esa parte gráfica que a veces se hace de una manera rápida y un poco descuidada. Dependes mucho de la actualidad, de lo que sucede día a día. Mientras que el cómic implica un proceso creativo más lento, relacionado con cuestiones poéticas y un recorrido a largo plazo.
-He visto que en tus últimas viñetas en la prensa has sido muy crítico con lo ocurrido en Galicia este verano con los incendios.
-Lo de los incendios nos tiene hartos a todos, especialmente porque la gestión ha sido totalmente nefasta por parte del gobierno gallego. Han querido escurrir el bulto y al final realmente esto ha sido como una Dana-2, culpando de todo al gobierno central cuando estaban disponibles medios que no se pudieron aprovechar porque no había personas para utilizarlos. La verdad es que todo esto me ha dado mucha pena por la cantidad de naturaleza que hemos perdido, de animales que murieron o se morirán de hambre, ganaderos que lo han perdido todo… Una desgracia tremenda. ¡Y yo que estaba tan feliz porque parecía que este año nos habíamos librado de los incendios y de repente en quince días se fue todo a la mierda!
Phe Festival se ha caracterizado a lo largo de sus diez ediciones como un espacio donde confluyen diferentes generaciones con un nexo común: LA MÚSICA COMO MOTOR DE VIDA. Como medio de difusión cultural, nos complace el entusiasmo de los más jóvenes, como Sara Cruz (13) y Elize Dolores (14), que nos trasladan sus impresiones de la primera jornada del festival:
Nos gustaría hablar de nuestra primera visita al Phe Festival del Puerto de la Cruz. Fuimos con la intención de ver a Nada Surf. Esta banda nos gusta mucho desde hace tiempo. Nos encontramos con un festival con zonas muy agradables y bonitas, junto al mar, para comer y descansar. Llegamos pronto y pudimos ver a Cycle. Aunque nuestro gusto es más rock, nos gustó su electrónica potente y las imágenes que ponían en pantalla. Era todo muy cómodo y se podía ver desde muy cerca del escenario. Luego fuimos a ver el mar y esperamos a Nada Surf.
Nos pareció un concierto estupendo y tocaron las canciones que tanto nos gustan, como: Popular, Always Love y la maravillosa versión de Pixies, Where Is My Mind?. El color verde en esta canción quedó muy bien. No fuimos a las zonas de electrónica, pero nos gustaría volver otro año porque lo pasamos pipa.
La entidad privada con sede en Santa Cruz y centrada en la promoción y potenciación del arte, la cultura y el pensamiento crítico nació en esa ciudad un 7 de septiembre de 1925; el acto conmemorativo de los 100 años se celebrará el próximo jueves, día 11
El Círculo de Bellas Artes de Tenerife (CBATenerife), con sede social en el centro de la ciudad de Santa Cruz de Tenerife, cumple este domingo, día 7 de septiembre, 100 años de existencia, pues el nacimiento de esta institución privada con objetivos principales en la promoción y potenciación del arte, la cultura y el pensamiento crítico se produjo un día 7 del año 1925.
El centenario del CBATenerife, pese a ser este domingo, se celebrará de forma oficial el día 11 de septiembre, jueves, que será cuando se conmemore tan relevante hito junto con los socios, las autoridades de la ciudad, la isla y Canarias, y el resto de invitados, todos convocados por el presidente de esta entidad, José Jiménez Valladares (Pepe Valladares), a partir de las 11.30 horas en las instalaciones de la reseñada organización artístico-cultural.
El Círculo de Bellas Artes de Tenerife es una entidad cultural privada sin ánimo de lucro, fundada, como se ha indicado, el 7 de septiembre de 1925. Desde su inauguración, viene desarrollando una importante labor en el ámbito de la creación artística y la difusión cultural.
Su primer presidente fue Francisco Bonnín, que recogió la herencia del Salón Frégoli y adoptó el cambio de nombre, como lo recoge el periódico La Prensa en su edición del 8 de septiembre de 1925. Actualmente, la junta directiva de la institución está presidida, tras las elecciones celebradas en la primavera de 2024, por Pepe Valladares.
El CBATenerife es uno de los centros culturales de carácter privado más antiguos de toda España, y se caracteriza por su actitud abierta hacia las más destacadas e innovadoras corrientes artísticas y demás campos creativos.
Con sede social en una de las calles más emblemáticas de Santa Cruz de Tenerife, la del Castillo, número 43, una vía peatonal en pleno centro urbano, se configura como un centro multidisciplinar capaz de llevar a cabo distintas actividades: desde las artes plásticas hasta la literatura, pasando por la ciencia, la filosofía, la música, el teatro, el cine y las artes escénicas.
Su historia y sus múltiples aportaciones culturales lo han hecho merecedor de la Medalla de Oro de la ciudad de Santa Cruz de Tenerife y, hoy en día, se desarrollan los trámites para su declaración como Entidad de Interés Público.
En este momento, después de un largo periodo de inactividad debido principalmente a unas necesarias obras de adecuación de su edificio y al cumplimiento de diferentes normativas relativas a la seguridad de las personas, el Círculo de Bellas Artes se prepara para emprender desde ya una nueva etapa, la englobada en el concepto Nuevo Círculo y que coincide con la celebración del centenario de su nacimiento este 2025.
A partir del 29 de abril de 2024, un nuevo equipo dirige el Círculo de Bellas Artes, tras ser el ganador de las elecciones celebradas al efecto con una candidatura liderada por Pepe Valladares. El programa con el que se concurrió a esas elecciones y con el que se obtuvo la confianza mayoritaria de los socios del CBATenerife se apoya en tres ejes principales: la profesionalización de la gestión; el posicionamiento de la entidad en el ecosistema cultural de su entorno, y la valorización de la esencia original de la institución, con un papel vertebrador fundamental en el impulso de nuevas visiones y opciones del hecho cultural y su impacto en la sociedad.
La junta directiva del Círculo de Bellas Artes de Tenerife está formada por su presidente, Pepe Valladares; el vicepresidente primero, Samuel Cabrera; la vicepresidenta segunda, Ana Isabel Lorca; la secretaria, María José Peraza; la tesorera, Lola Camprubí, y los vocales Blanca Carnicero, Celestino Celso Hernández, Isabel Genovard y Ricardo del Castillo.
La magia de la radio de los 50, 60 y 70 cobra vida en un espectáculo único donde la música, el humor y la nostalgia se dan la mano
La veteranía de la agrupación folclórica se une a la Gran Canaria Big Band, la interpretación de Yanely Hernández y José Carlos Campos, la locución de Kiko Barroso y la voz de Isabel González
Hay espectáculos que no se pueden borrar de la memoria y “Noches de Radio” es uno de ellos. La nostalgia volverá a apoderarse del Auditorio Alfredo Kraus la noche del 3 de octubre cuando Los Gofiones, la veterana agrupación del folclore canario, acompañados por la Gran Canaria Big Band y unos cuantos amigos más recuperen momentos inolvidables de la Radio de los años 50, 60 y 70, inspirados en el programa “La Ronda”, que enamoró durante muchos años a todos los canarios.
La magia de la radio de esas décadas cobra vida en un espectáculo único donde la música, el humor y la nostalgia se mezclan de una manera sublime. Los Gofiones, junto a la Gran Canaria Big Band, la voz de Isabel González, los actores José Carlos Campos (a quien corresponde la dirección escénica) y Yanely Hernández, reviven las noches de transistor con sintonías inolvidables, dedicatorias y canciones que siempre tenían una historia detrás y que forman parte de nuestra memoria.
“El día que yo me case, ha de ser a gusto mío…” entonaba la sintonía del que, sin duda, era el programa favorito de los oyentes en las islas: La Ronda.
Dedicatorias almibaradas, tiernas o cargadas de socarronería, declaraciones de amor y hasta algún enredo novelesco que quedaron anclados a las ondas, servirán como entradillas teatrales para esa música que en la época era seleccionada por la audiencia y que, en esta ocasión, será la base de la nueva propuesta musical de Los Gofiones, un montaje que se estrenó con las restricciones de la pandemia.
El popular grupo, que no ha parado de reinventarse y estrenó en 2024 su vigesimoquinto álbum Querida Venezuela, se adentra una vez más en registros artísticos y escénicos diferentes a los habitualmente mostrados en el ámbito de la música popular hecha en Canarias y, sobre todo, de contar y acercar el sentimiento que hay detrás de las melodías con las que nuestro pueblo se ha identificado de una u otra manera y que ha supuesto un crecimiento artístico, inspirados en aquellas noches de radio en las que se evocaban las predilecciones musicales de una audiencia que, transistor en mano y en horario nocturno, nos sorprenderán con títulos como “Un ramito de violetas”, “Colorines”, o “Eres tú”, entre otras muchas canciones que han vencido al tiempo y que permanecen en el imaginario popular.
Elenco de altura
Kiko Barroso, locutor durante 32 años y una de las voces más representativas y carismáticas en Canarias Radio La Autonómica, es el encargado de locutar esta particular revisión radiofónica en la que Los Gofiones estarán arropados por la calidez en el acompañamientos de la Gran Canaria Big Band y por una de las grandes voces femeninas del panorama musical canario, Isabel González, estando la parte escénica dirigida por el actor y director grancanario José Carlos Campos e interpretada por la actriz Yanely Hernández.
La magia de la radio, las melodías de los vinilos de la época, humor y nostalgia todo entremezclado, confluyen en las voces del mítico grupo isleño, que nos retransmitirán en directo un concierto irrepetible ensamblando un espectáculo que hará las delicias de todos aquellos que se acerquen a revivir el ambiente de aquellos momentos de radio inolvidables.
En esta entrevista exclusiva para Culturamanía, Javier Viera, alma y director del Big Bang Vintage Festival, nos adelanta en primicia las novedades de la edición 2025. Con más conciertos, escenarios y una clara apuesta por la sostenibilidad, el festival de rock & roll más emblemático de Canarias da un salto cualitativo sin perder su esencia. Viera repasa la evolución del evento, la selección artística y su compromiso con la cultura local, en un recorrido apasionado por la historia y futuro de este encuentro único que sacude Las Palmas cada octubre.
La nueva edición 2025 trae novedades importantes, como conciertos de pago y más escenarios. ¿Qué ha motivado estos cambios y qué esperas conseguir con ellos?
El Big Bang es un Festival en crecimiento, por esta razón hemos considerado a partir de este año incluir mejoras en la zona de conciertos, de tal manera que todas aquellas personas que nos han seguido durante estos siete años encuentren un espacio seguro, atractivo, sostenible y con una diversidad musical nunca antes programada en el Big Bang Gran Canaria.
El nuevo formato de festival tendrá cambios visibles para los asistentes. La zona gastronómica seguirá contando con una decena de propuestas diferentes entre sí; la zona del market, con casi cincuenta stands llegados de todas las Islas Canarias cambia su ubicación en el parque de San Telmo, teniendo una mayor visibilidad e importancia.
Y la mayor apuesta que proponemos para el crecimiento del evento es la acotación de la zona de conciertos y el cambio a modo de pago de cada día o con un abono muy económico de 4 o 3 días.
Con un día más de conciertos y más de una veintena de artistas, creemos que es la mejor manera de poder programar a artistas con una mayor trayectoria o de más prestigio mundial. Estos cambios nos ayudarán a tener un evento de mayor proyección, sostenible y seguro. El Parque de San Telmo es un punto estratégico en la ciudad y debemos cuidarlo para poder seguir promoviendo cultura de calidad en la ciudad y por tanto en la isla.
NO SOMOS UN FESTIVAL GRANDE
SOMOS UN GRAN FESTIVAL
El único festival de rock & roll de Canarias.
“No somos un festival grande, somos un gran festival” – Javier Viera
El cartel de este año incluye iconos como The 5.6.7.8’s y Los Sirex, junto a bandas canarias emergentes. ¿Cómo ha sido el proceso de selección y qué historia hay detrás de estas combinaciones?
Este año tenemos un día más de festival, 28 conciertos, 4 djs y volvemos a tener a Borja Viera como Maestro de Ceremonias, un lujazo.
Creemos que esta 8ª edición es en la que más estilos musicales diferentes se programan, eso sí, dentro del perfil del festival, la música y la cultura de las décadas del nacimiento de un estilo de vida, el rock & roll. Contaremos con Swing, Pop 60’s, Rockabilly, Garage, Surf, Country, Punk o Rythm & Blues…
Cada día, está dirigido a un público en especial, pero a la vez a todos los amantes de esta suculenta paleta de sonidos.
El jueves es más para los fans de Elvis, The Beatles y donde tocaran la banda catalana Los Sirex. Sin olvidarnos que abrirá el festival Barrios Orquestados donde pediremos al público un apoyo incondicional a este maravilloso proyecto.
Y a continuación, sonarán los ritmos de Cuba con la banda multicultural de Proyecto Son.
El broche de oro del festival el domingo 12 de octubre serán las japonesas The 5,6,7,8`s, archiconocidas por su participación en la película de Tarantino KILL BILL.
Cuando me pongo a pensar que bandas programar, siempre pienso en los días, comienzo a mirar vídeos en directo, agendas, giras, es todo un 10% de suerte y días de mirar las redes sociales y preguntar a los promotores nacionales o extranjeros.
Las bandas canarias, las voy viendo, ya tengo a 2 para el 2026, por ejemplo…
Después de varias ediciones, ¿Cómo ha evolucionado el público del festival? ¿Han cambiado su perfil o expectativas?
Bueno, seguramente ha cambiado, de hacer un pequeño evento en el maravillosos Pueblo Canario, mudarnos al Parque de San Telmo y después de 8 años programando, el público ha crecido y sigue creciendo, de dentro y fuera de nuestras islas.
El perfil también ha cambiado y crecido en gustos, al nosotros añadir la música de los años 70, supongo que a los muy ortodoxos no les gustará, pero es necesario y es nuestro caballo de batalla enseñar, divulgar, dar visibilidad a las tendencias de la música y la cultura de los años 40 al 70 del pasado siglo y, sobre todo, enseñárselo a las nuevas generaciones… Tanto los acordes del Rock around the Clock de Bill Haley el rock and roll como el London calling de The Clash tienen algo en común, cuando salieron provocaron en la juventud un cambio de actitud… y eso es lo que queremos dar a nuestro público, esa energía…
La expansión a otras islas—Tenerife y La Palma—fue un éxito. ¿Qué aprendizajes trajiste de esas experiencias y cómo se integran en la edición de Gran Canaria?
Es nuestra idea seguir creciendo y llevando nuestro festival a otros rincones, este año volvemos el sábado 27 de septiembre al Lone Star de nuestro querido amigo Mariano, en Santa Cruz de Tenerife. Será con 2 bandas y djs, fiestón asegurado.
En junio pasado presentamos el festival en León, en la Fundación CLUB 45 de Alex Cooper. Fue una experiencia maravillosa que vamos a repetir en otros lugares cada año, compartir sinergias con locos de la música como yo, es un lujo y un gran placer. Llevé una sesión en vinilo de bandas canarias y artistas que han pasado por el festival, tocaron The Kickers, banda de León que conocerán en 2026 aquí y dimos una charla con vídeo incluido. Casi la totalidad del público nos prometió venir este año y el que viene… ¡¡¡Super!!!
Eres un gran defensor de la sostenibilidad, la economía circular y visibilizar lo local. ¿Cómo se traducen esos valores en la organización del evento para 2025?
Celebrándose en el medio de la ciudad y en un entorno tan mágico como el Parque de San Telmo de Las Palmas de Gran Canaria, es mi obligación como organizador, pero también como vecino, de cuidar este espacio.
Es una de las razones primordiales de acotar la zona de conciertos, el no generar basura.
El preorizar la contratación de empresas canarias, la mayoría son amigas también, el dar valor al mercadillo con más de 45 stands de marcas y proyectos de todas las islas, hace que la economía circular, el producto local sea el buque insignia desde el minuto uno del Big Bang Vintage Festival.
En el mundo donde vivimos, y más en la isla que pisamos, tenemos la obligación de trabajar cada uno, como pueda, en reducir el impacto de nuestro paso por aquí. Las 3 R: reducir, reutilizar y reciclar.
“El Big Bang es un festival en crecimiento que apuesta por la sostenibilidad y la diversidad musical” – Javier Viera
Detrás del festival hay una larga trayectoria como músico, DJ y promotor. ¿Cómo han influido esas experiencias en el carácter y la identidad del Big Bang Vintage?
Todo, no podría haber ideado, realizado nada sin mi experiencia desde los años 80 como músico, puesto en el rastro, vendedor de discos vinilos en tiendas, asistente en tienda al por mayor en el Soho de Londres, vendedor en tienda Mortal en Las Palmas de entradas, discos… tener la sala de conciertos La Fábrica, tocar de telonero de Ramones, vender libros, trabajar en el supermercado familiar y ensayar en el sótano, llevar con mi querida Berta Hidalgo 10 años la revista La Brújula y comenzar con pequeños eventos antes del primer Big Bang en 2017…
Pero, sobre todo, lo que más me ha influenciado es, desde que tuve uso de razón, escuchar música, mucha música, pero de verdad, discos enteros… le doy gracias a la vida por trabajar en lo que me gusta… un lujo.
El festival incluye actividades complementarias: mercado vintage, talleres, bodas al estilo Elvis y zonas gastronómicas. ¿Cuál crees que es el valor añadido de estas propuestas para los asistentes?
La diversidad de actividades paralelas que programamos para todas las edades, creo es la marca que distingue el Big Bang Vintage Festival de otras propuestas.
Tenemos este año, Feria del disco Vinilo y Coleccionismo, Exposición de coches mini y vespas, zona skate, barbería solidaria, talleres de reciclaje, de maquillaje, de baile retro, gracias a la Asociación de Humoristas gráficos y dibujantes, tenemos este año talleres de comic e ilustración para pequeños y grandes y no nos olvidemos de la zona infantil que cada vez más tiene mucho éxito.
Es maravilloso ver a familias enteras disfrutar de la mañana a la noche de todo, comer, comprar, bailar… que más se puede pedir…
Mirando hacia el futuro, ¿cuáles son tus objetivos a medio plazo (3–5 años) para el festival, tanto en crecimiento como en impacto cultural en Canarias?
Buena pregunta, este año es la 8ª edición, estamos ilusionados, expectantes y decididos con los nuevos cambios, queremos seguir creciendo en propuestas artísticas y ofrecer una mejor experiencia al público.
En el 2027 se cumplen 10 años, y sí, ya estoy pensando que hacer … Esto es un sin vivir jjejejeje!!!
Pero, eso es otra historia, les invito a ver el cartel y buscar en You Tube cada banda, a descubrirla y a disfrutarla en directo del 9 al 12 de octubre en el Parque de San Telmo de la capital Gran Canaria.
La obra híbrida (mitad ensayo, mitad ficción) del director francés, ganador del César por «Tres recuerdos de juventud», llega el 12 de septiembre a la plataforma.
Filmin estrena el próximo viernes 12 de septiembre“Cinéfilos”, la nueva película de Arnaud Desplechin («Tres recuerdos de mi juventud») que llega directamente desde el Festival de Cannes 2024, donde tuvo su premiere mundial. Protagonizada por Mathieu Amalric y Milo Machado-Graner, la joven estrella de «Anatomía de una caída», esta producción francesa plantea una pregunta universal: ¿Qué significa ir al cine y por qué lo hemos hecho durante más de un siglo? La respuesta se encuentra en esta meditación cinematográfica que combina ensayo y ficción para celebrar la magia de las salas oscuras justo cuando más las necesitamos.
La película sigue a Paul Dédalus, alter ego del director, a través de diferentes etapas de su vida mientras descubre la magia del cine. Desde su primera visita a una sala de la mano de su abuela, fascinado por la luz del proyector, hasta convertirse en un joven cineasta, Paul nos guía por un viaje íntimo que incluye sus encuentros reveladores con obras maestras como «Gritos y susurros» de Bergman y «Los cuatrocientos golpes» de Truffaut.
Una carta de amor al cine
El origen de la película se remonta a una conversación entre Desplechin y el productor Charles Gillibert, admirador del filósofo Stanley Cavell, quien conocía la fascinación del director por este pensador estadounidense. La propuesta inicial era realizar un documental sobre las salas de cine, pero Desplechin tenía claro que su camino era otro: en lugar de un documental puro, prefería contar la historia de un niño que se convierte en espectador, utilizando esta película de crecimiento como vehículo para crear un filme-ensayo.
Paul Dédalus es el personaje autobiográfico que Desplechin ha utilizado en varias de sus películas para contar su propia relación con el cine. En «Cinéfilos», este alter ego del director evoluciona desde la infancia hasta convertirse en cineasta, culminando con Mathieu Amalric e interpretando la versión adulta que ha dedicado su vida al séptimo arte. Para el director, la película también es una declaración optimista: «El cine sobrevivirá, de una manera diferente, pero seguirá existiendo», afirma, presentando «Cinéfilos» como una celebración necesaria de por qué durante más de un siglo hemos sentido la necesidad de compartir la magia del cine en las salas.
5 Curiosidades de la película
Desplechin filmó toda la película sin trípodes, inspirado por cómo su padre disfrutaba el movimiento libre de cámara en «Melancolía» de Lars von Trier.
La película incluye fragmentos con derechos de 55 películas, desde clásicos de Bergman hasta grandes éxitos comerciales, tras un largo proceso de negociaciones.
Por primera vez, la voz narradora no es Desplechin sino Mathieu Amalric, y además en inglés, no en francés.
Muchas de las entrevistas son con personas reales encontradas en salas, no actores.
Cada personaje se presenta al público al inicio de su segmento para guiar la narrativa y evitar confusiones, con una estructura inspirada en Wes Anderson.
Reseñas
«Reivindica la posición del espectador, la pasión de mirar y pensar el cine como algo indispensable para la creación». — Caimán
«Una oda alegre y reflexiva a la cinefilia». — Variety
«Una celebración seductora y agridulce de una historia de amor con el cine”. — Screendaily
Samuraï, Ganges y Nave Rota completan las actuaciones en el escenario principal del festival portuense
La música de baile tiene protagonismo destacado en Phe Club con Alinka y Optimo (Espacio), entre otras y otros artistas
La jornada del sábado tiene otras convocatorias como la sexta edición del Yoga Meeting en los jardines de playa Jardíno la visita guiada a Phe Gallery, en el Castillo de San Felipe
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5 de agosto de 2025
La segunda jornada de la décima edición de Phe Festival, que se celebra este fin de semana en el municipio de Puerto de la Cruz, tiene como destacados protagonistas en el escenario principal a los artistas Rinôçérôse, Judeline, Samuraï o Carlangas. El recinto del festival abre sus puertas a las 17.00 horas y comenzará a sonar la música en los tres escenarios en los que vertebra el festival su programación del décimo aniversario; el principal con los Djs Eva Olvido + MCR Selector, Lau! en el escenario Faro y Doppler en el Deichmann.
La música en directo en el escenario principal despega a las 18.00 con los tinerfeños Nave Rota, ganadores del Pasaporte Sonora del concurso de bandas celebrado en la capital grancanaria en mayo pasado. Un trío que forman Daniel Ferreiro, Carlos Arocha y Víctor McClane, músicos y productores de bandas canarias como Mento, McClane, K0manec1 o This Drama entre otros.
Le sigue Ganges, que actúa a las 19.00 horas. Desde Cantabria llega esta propuesta que lidera Teresa Gutiérrez, que llega a Phe Festival de la mano del programa de internacionalización de la música española The Spanish Wave entre 400 propuestas recibidas, y que supone la primera colaboración de Phe Festival con este proyecto.
A las 20.15 horas está programada la actuación de Carlangas. El gallego Carlos Pereiro cambió de rumbo artístico en 2022 tras más de una década y cinco discos al frente de Novedades Carminha. Es uno de los referentes de un sonido que bebe tanto de la new wave neoyorquina como de Madchester, pero también del groove del nuevo pop, sin perder el espíritu punk y la cultura rock como base. Como Carlangas ha publicado los discos Carlangas (2023) y Bailódromo, Vol I (2024).
El fenómeno Judeline
Tras Carlangas, y sobre las 22.00 horas, el escenario principal recibe a Judeline. La cantante gaditana defiende una propuesta musical que trasciende los géneros, donde la herencia andaluza se mezcla y enriquece con elementos del pop y electrónica. Su álbum de debut Bodhiria (Interscope, 2024), editado en octubre de 2024, que incluye piezas como Zarcillos de plata, Heavenly, INRI o Mangata, y producido por sus colaboradores Tuiste y Mayo, junto a miembros de Russia IDK Rusowsky, Drummie y Ralphie Choo, y Rob Bisel (SZA, Tate McRae), le ha reportado una fama planetaria y ha sido aclamado por la prensa internacional en medios como Pitchfork, Rolling Stone, The Fader, Billboard, The New York Times, NPR, Variety o Remezcla.
Más voces de mujer en un sábado de largo recorrido en Phe Festival, en este caso con Samuraï. La madrileña Aroa Lorente, con un estilo que fusiona el pop y el rock alternativo, es una de las voces más prometedoras de la escena nacional. Sus letras, cargadas de emoción y sinceridad, abordan temas como el amor y la autoaceptación.Tres Eps, CrushCrushCrush (2021), Lo Bonito/ Lo Que No Te Cuentan (2022) y Artillería (2023) y su primer álbum El silencio del ruido (2024) han posicionado a Samuraï como una de las voces más representativas de su generación.
El cierre del escenario Principal en la segunda jornada es para el contagioso house con guitarras de Rinôçérôse, el grupo francés que lideran Jean-Philippe Freu (guitarra) y Patrice Patou Carrié (bajo), que viene en formato de banda al completo y con nuevo álbum Psychôanalisis (2024), Un disco en el que los autores de Le Mobilier, Le Guitaristic house organisation, Cubicle o Bitch, vuelven a sus raíces primigenias con un repertorio trufado de progressive house, electro, funk y pop. Psychôanalisis es su primera referencia en siete años y completa una ecléctica discográfica, siempre orientada a la pista de baile, que deja títulos como Retrospective (1997), Installation Sonore (1999) – el trabajo que les reportó fama internacional –, Music Kills Me (2002), Schizophonia (2005), Futurinô (2009) y Angels and Demons (2017).
Las transiciones entre los conciertos en el escenario principal contará con el pulso de los deejays y selectores Eva Olvido + MCR Selector, Bobby Bob y Dj Coco.
El espacio Phe Club estará igualmente en programación continua desde las 17.00 hasta el cierre. El sábado, el escenario Faro contará con las sesiones de Optimo (Espacio), Alinka, Jaisiel, Vicky Morales, John Johnson, Indigo y Lau! Y por el escenario Deichmann (Domo), pasarán en la jornada del sábado Doppler, Irtap, Bobby Bob, Ninf.a Live set, Mascareño B2B Jalea, Sam Am y Woodhands.
De los artistas invitados al escenario Faro hay que poner el foco en Optimo (Espacio) y Alinka. Optimo (Espacio) es el dúo de DJs escoceses formado por JD Twitch (Keith McIvor) y JG Wilkes (Jonnie Wilkes), conocidos por su enfoque ecléctico y trasgresor dentro de la música electrónica y de club. Surgidos en Glasgow, ganaron notoriedad a partir de finales de los 90 gracias a su legendaria residencia dominical en el club Sub Club, donde durante más de una década rompieron las fronteras de género con sesiones que mezclaban post-punk, techno, dub, industrial, disco, afrobeat y sonidos experimentales, convirtiéndose en una referencia mundial del clubbing alternativo.
Por su parte, Alinka, nacida en Kiev y criada en Chicago, es una de esas DJs que mantienen viva la esencia más libre y audaz del house. Con una carrera forjada en la escena rave del Midwest y pulida durante años como residente en el mítico Smartbar, su sonido bebe del legado de Chicago, el pulso de Detroit y la sofisticación europea que ahora cultiva desde su base en Berlín. Cofundadora del sello y colectivo Twirl junto a Shaun J. Wright, ha firmado referencias en labels clave como Rekids, Crosstown Rebels o Permanent Vacation, y ha hecho vibrar las pistas de Panorama Bar o Circoloco.
Yoga Meeting y visita a Phe Gallery
Phe Festival será algo más que música el sábado 6 de septiembre. La mañana del sábado comenzará a las 10.00 con la sexta edición del Yoga Meeting en los jardines de playa Jardín. Ocho modalidades diferentes de yoga llenarán el espacio natural de los jardines de playa Jardín. Se trata de sesiones dinámicas, enriquecedoras e inclusivas de unos 45 o 60 minutos de duración.
También se podrá surfear el asfalto gracias al taller de surfskate en la cancha de baloncesto de San Antonio. Será a las 11.00 horas. A la misma hora, comenzará el Sun Dance Family Session en la entrada del recinto de Phe. Una sesión de baile para todos los miembros de la familia. El equilibrio también jugará un papel fundamental en la mañana del sábado 6 con el taller de slackline en los jardines de playa Jardín.
Para terminar la mañana del sábado 6, el arte tomará el protagonismo con la visita guiada a Phe Gallery en el castillo de San Felipe. Será a las 12.00 horas.
Phe Team asume la producción ejecutiva de Phe Festival, evento promovido desde el área de Cultura del Ayuntamiento de Puerto de la Cruz, que cuenta con el patrocinio del Gobierno de Canarias a través del Instituto Canario de Desarrollo Cultural y la Dirección General de Juventud, Turismo Islas Canarias, Turismo de Tenerife y Cabildo de Tenerife; y otros patrocinadores privados como Fundación CajaCanarias, Heineken, Deichmann, Aqualia, Pepsi, Ron Guajiro y Skoda.
El próximo 17 de octubre, coincidiendo con su paso por la Sección Oficial del Festival de Sitges, llega a los cines de toda España la ópera prima de Ben Leonberg, una película de terror sobrenatural desde el punto de vista de un perro
«Good Boy», el debut como director de Ben Leonberg, llegará a los cines españoles el 17 de octubre de 2025 de la mano de Filmin, tras formar parte de la Sección Oficial del Festival de Sitges 2025 (9-19 de octubre). La película ya había tenido su estreno mundial en el South by Southwest (SXSW) de 2025 el pasado marzo, donde el protagonista canino Indy ganó el primer «Howl of Fame Award» de la historia del festival, un galardón pensado para reconocer una actuación animal memorable. La película se estrena en Estados Unidos el 3 de octubre, distribuida por IFC Films.
Esta innovadora propuesta de terror sobrenatural, de 72 minutos de duración, está coescrita por Leonberg y Alex Cannon, y narra la historia de un perro leal que se muda a una casa rural con su dueño Todd, donde debe enfrentarse a fuerzas sobrenaturales que solo él puede percibir. El film cuenta con la icónica presencia en el reparto del director, productor y actor Larry Fessenden, referente absoluto del terror independiente, al que hemos visto en películas como «Session 9», «Tú eres el siguiente» o «MaXXXine».
El fenómeno viral que cambió la distribución
«Good Boy» se ha consolidado como el auténtico fenómeno del terror de la temporada gracias a una respuesta del público sin precedentes. Cuando se lanzó el primer tráiler el pasado 18 de agosto, la película experimentó un impacto viral inmediato que acumuló más de un millón de visualizaciones en apenas 24 horas. Esta extraordinaria acogida llevó a IFC Films a cambiar radicalmente su estrategia, pasando de un estreno limitado a una distribución amplia en cines. Del mismo modo, y ante la popularidad adquirida por la película entre los amantes del cine de terror, los planes iniciales de distribución de Filmin cambiaron.
El dato más revelador del impacto cultural de la película es el aumento del 2000% en las búsquedas en Google de la frase «¿muere el perro al final?» tras el lanzamiento del tráiler. Este fenómeno refleja la extraordinaria conexión emocional que ha generado Indy, el protagonista canino, entre los espectadores incluso antes del estreno. Como explica Ben Leonberg: «Es casi empíricamente cierto que el público siente más empatía por los animales que por los personajes humanos».
Un triunfo crítico
La aclamación crítica tras el paso de la película por SXSW ha sido igualmente excepcional: «Good Boy» ha obtenido un 95% de aprobación en Rotten Tomatoes, puntuación basada en 20 reseñas, convirtiéndose en una de las películas de terror mejor valoradas del año. Los críticos han elogiado tanto la originalidad del concepto como la extraordinaria interpretación de Indy.
IndieWire la califica como «una de las mejores películas de horror del año hasta ahora», mientras que Dread Central afirma: «Está preparada para ser una de las películas más escalofriantes de 2025». Bloody Disgusting, por su parte, destaca que es «un retrato reflexivo, inquietante y desgarrador de lo absolutamente aterrador que puede ser para un perro cuando todo su mundo se tambalea y no puede entender por qué».
Tres años de rodaje con un método revolucionario
La creación de «Good Boy» representó un desafío sin precedentes que Ben Leonberg y su equipo abordaron con una metodología completamente nueva. Como explica Leonberg: «Filmamos durante más de 400 días en el transcurso de 3 años. Fue una producción no convencional por necesidad y diseño. Indy es nuestra mascota, así que tuvimos que inventar una forma de hacer cine que abrazara esas limitaciones».
El director detalla que «la mayoría de las películas que incluyen perros tienen dobles, triples o cuádruples del perro principal, para poder hacer una jornada de rodaje completa de 12 horas. Nosotros solo trabajamos con Indy». El director añade: «Mi objetivo era que Indy se comportara y actuara de manera realista, o tan realista como fuera posible dados los eventos sobrenaturales de la película. No está dotado de una voz ni dirigido por pensamientos abstractos, sino por instinto, sensación y razonamiento simple»
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