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Justicia poética en el desierto de Arizona. Muerte inmunda. Por Manuel García de Mesa

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1. De muertes carroñeras a romances hasta la muerte.

En un humilde pueblo del desierto de Arizona, de esos anclados casi en el Far West, prácticamente con tan solo una calle principal, un atraco tiene lugar. La cámara está fuera del banco, en plano medio. Casi como ocurría en el atraco del filme El Demonio y las Armas (Gun Crazy, EEUU, 1950), de Joseph H. Lewis, donde en la secuencia del robo bancario la cámara permanece todo el tiempo en la parte trasera del vehículo de la pareja protagonista. De la entidad bancaria sale Earl Rymond Diggs (Kyle MacLachlan) y lo hace con dos bolsas repletas de dinero. Forcejea en la calle con el guardia de seguridad del banco. Le dispara implacablemente. Cuando cae sobre él lo empuja, apartándolo y cae al suelo. Le vuelve a disparar, rematándolo. Es despiadado y cruel. Corre hacia su coche y mientras sale a escape del pueblo escuchamos el sonido de búsqueda de la sintonía de una emisora de radio. Después de anunciar una ola de calor en Arizona y avanzar que se esperan tormentas de arena, se interrumpe la programación ordinaria. El vehículo surca ya el desierto mientras las ondas anuncian que Diggs es un convicto que escapó de la prisión de Yuma horas antes de su ejecución, en el vehículo del propio médico del centro. El locutor de radio pone en antecedentes de que el atracador fue condenado por el asesinato de tres enfermeras en Phoenix. Fingió estar enfermo y cuando llegó el facultativo, lo tomó como rehén, matando a éste y a un guardia de seguridad.

Fotografía de Manuel García de Mesa

En apenas unos minutos, el guionista y realizador Steven E. de Souza realiza el planteamiento de su episodio de la serie de televisión Historias de la Cripta (Tales from the Crypt, EEUU, 1989-1996). La aventura producida por Joel Silver, Robert Zemeckis, Walter Hill, David Giler y Richard Donner, tuvo un total de 102 episodios distribuidos en siete temporadas, algunas antologías de diversos capítulos, una versión infantil animada, un spin off y tres películas para el cine.

Cuando tenía seis o siete años, De Souza leyó el comic en el que se basa su historia. Cuando los productores reunieron a posibles cineastas para ir adaptando las historias, el escritor oriundo de Filadelfia se decantó por el facsímil número 9 de la serie de EC cómics, Shock Suspense stories. El ejemplar incluye, además de un relato de Ray Bradbury, la historia en seis páginas que daría lugar al episodio para la tercera temporada de la serie, Muerte Inmunda (Tales from the crypt: Carrion Death, EEUU, HBO, 1991). El regreso a la infancia del prodigioso guionista, a través de la máquina de escribir, estaba garantizado. El resultado constituye, por derecho propio, en opinión de este cronista, una de las mejores fábulas de toda la serie (probablemente junto a los firmados por Robert Zemeckis, Walter Hill o Richard Donner), todo un prodigio de encapsulado de información y exposición de la misma, así como de agilidad narrativa y rapidez expositiva. 

Una vez Diggs está en plena carretera, en su fuga hacia Méjico, entran rápidamente en escena los otros dos personajes. El agente de la policía motorizada (George del Hoyo) y el buitre. El arco argumental del pájaro es excepcional. Su primera aparición es a la distancia, justo después de producirse el primer enfrentamiento entre el agente y el convicto fugado. Aquél persigue a éste, hasta que, en un momento dado el coche decide girar, e ir uno contra el otro, disparándose, como si de un duelo en torneo medieval entre dos caballeros se tratase. La motocicleta del patrullero se estrella contra el auto y se produce una explosión. A la distancia, el buitre se percata del fuego y de la columna de humo. Decide comparecer. El agente ha caído montaña abajo. El convicto saltó en el último momento. Ambos deberán ir a pie a partir de entonces. El animal no se pierde detalle. El pájaro interactúa en la acción, estando presente prácticamente todo el tiempo. Los dos personajes humanos, por separado, hablan con él, interactúan con él. El agente le deja claro que él vio al delincuente primero. El atracador le pide al animal infructuosamente que devore al agente y lo deje a él en paz. 

Como quiera que los cómics de EC poseen seis páginas, mientras que los guiones de cada episodio de la serie deben de poseer treinta, para así poder alcanzar la duración estándar de unos 25 minutos, era necesario expandir la trama. En el cómic, el enfrentamiento entre el agente y el convicto fugado se precipita inmediatamente después del atraco. De Souza tiene la oportunidad de expandir la trama y lo hace en una doble partida. Por un lado, amplía el diálogo. Decide trabajar el diálogo del personaje central, muchas veces hablando él solo en alta voz. Es una decisión ciertamente arriesgada que podía haber quedado ridícula. La decisión fue vendida a los productores por el guionista, diciendo que la historia en pantalla debería tener un “toque Shakesperiano”, como si fuese un monologo ante el público. “Hamlet le habla a la calavera, como Kyle le habla al policía muerto”, explica el guionista. Cuando Kyle MacLachlan carga al policía lo hace de verdad y cuando lo arrastra, el agente es un maniquí. El diálogo es considerable, pese a que en gran parte del metraje solo hay un personaje vivo. Kyle MacLachlan habla mucho con el agente muerto, y ambos personajes hablan mucho con el buitre.

Una de las constantes de la serie, además de la presencia del guardián de la cripta al comienzo y al final, es esa especie de justicia poética sobrenatural, teñida de cierto fatalismo, que recorre el cuerpo narrativo de los diferentes episodios. Los personajes centrales suelen ser mezquinos y miserables, trazando planes absolutamente dantescos y crueles. Fuerzas sobrenaturales, o no humanas, equilibran finalmente la balanza del mundo y de la justicia de un modo no menos cruel. En Muerte Inmunda, el buitre es testigo de la muerte del agente por parte del implacable convicto, y colabora en esa idea nuclear de hacer justicia, de reestablecer el equilibrio del universo. El buitre rechaza, por tanto, devorar al policía y espera su momento para caer sobre el convicto. De esta manera se erige en una especie de “agente de la ley sobrenatural”. Es como una especie de “compañero” del policía. El policía interactúa con el buitre y lo llama amigo, socio, compañero y el pájaro en todo momento intenta ayudarle. Los encuadres del ave son modélicos. Destaca el último enfrentamiento de Diggs con el agente, que culmina con ambos hombres esposados uno con el otro y el patrullero tragándose la llave de las esposas. Las armas ya no tienen balas, de modo que Diggs no puede romper las esposas y tiene que cargar por el desierto con el agente. En prácticamente todos los planos del forcejeo de los dos hombres, el buitre aparece al fondo del encuadre. En un modo bastante extraño y hasta sádico, los elementos sobrenaturales traen la justicia en mayor medida que las propias autoridades. Cuando se adapta la serie, se decide respetar esa esencia de los tebeos, de modo que ese destino kármico recorre e impregna cada narración.

Al tener cancha blanca para filmar su episodio íntegramente en exteriores (es uno de los dos capítulos de la serie filmados íntegramente en localizaciones reales), De Souza decide obtener el mayor rédito posible del extrarradio de Los Ángeles. Se apostaba claramente por la acción y la aventura, sin perder el necesario toque noir tan afín a este tipo de narrativa, y a los comics de EC y de los años 50 en general (1). 

La filmación del desierto en 35 mm, con ese tono amarillento para resaltar la agreste y calurosa sensación, así como la introducción del paraje en prodigiosos planos grúa, con esas montañas tan reconocibles, situadas al norte de la ciudad de Los Ángeles, o el Josuha Tree National Park, al este de la ciudad referenciada, contribuyen a la concepción de su episodio en términos cinematográficos. La tormenta de arena que puede verse en un momento determinado, les sorprendió en pleno rodaje. No estaba en el texto, de modo que se integró sabiamente en el mismo, permaneciendo definitivamente en el encuadre. De este modo, hay secuencias donde puede verse al actor Kyle MacLachlan lidiando con la tormenta de verdad. Para terminar de integrar el fenómeno meteorológico en la historia, De Souza ordenó traer grandes turbinas. La secuencia culmina con Diggs que ha utilizado el cadáver del policía para protegerse de la tormenta. En consecuencia, ésta es un combinado de la tormenta real con una creada artificialmente para concluir su integración en la narrativa.

Cuando el convicto está llegando a la frontera de México en lo alto de la montaña, es el momento de deshacerse definitivamente del cuerpo del agente. La fabricación de una especie de hacha con la placa del patrullero y un palo, cómo se golpea en la mano suya en lugar de la del agente y cae rompiéndose el cuello y quedando a merced del buitre es una de las cumbres narrativas de la serie. Hubo un buitre real, perfectamente amaestrado, con su entrenador, que realizó hazañas precisas, como la de posarse sobre el cartel de madera a la primera toma, haciéndolo mejor, incluso, que un actor humano en muchos aspectos. También tuvieron a su disposición una marioneta, para toda la secuencia final donde el animal devora el ojo del personaje de Diggs. Cuando el buitre se coloca en el pecho del actor fetiche de David Lynch, es el animal original. Cuando le arranca el ojo, obviamente es la marioneta. 

En el cómic el personaje del convicto simplemente moría de insolación. Todo lo que ocurre en el segmento final de Muerte Inmunda, en definitiva, es invención de la pluma de Steven E. de Souza, uno de los mejores adaptadores de la industria de Hollywood de los años 80 y 90 del siglo XX (2). 

FotpFotografía de Álex Ro

2. Los Talleres del Tenerife Noir.

En uno de los cuatro talleres celebrados en Santa Cruz de Tenerife, en el seno de la décima edición del Festival Atlántico del género negro Tenerife Noir, el denominado “Talleres CineXpress: Steven E. De Souza analiza su daylight noir Death Carrion, historia corta para la serie de antología Historias de la cripta”, que tuvo lugar el sábado 21 de marzo de 2025, el guionista Steven de Souza y su esposa la también escritora Jeri Barchilon comparecieron, explicando sus experiencias en el proceso creativo de dicha serie. 

Barchillon posee una dilatada experiencia en televisión como guionista y productora y ha realizado labores de producción en los filmes dirigidos por su esposo Streetfighter (EEUU, 1998) y Poseído (Possessed, EEUU, Showtime, 2000). El episodio escrito por ella fue el cuarto de la segunda temporada, Hasta la muerte (Tales from the crypt: ‘Til Death, EEUU, HBO, 1992), dirigido por el habitualmente maquillador Chris Wallas. Constituye un macabro cuento aderezado ambición desmedida y romance extremo y más allá de la vida y la muerte, con ceremonias vudús de fondo y personajes mezquinos, miserables y obsesivos, como es marca de la casa. La escritora y productora dejó claro, partiendo de las necesarias referencias al comic, en su caso, que ella añadió diálogos, toda la situación del vudú, como algo mal utilizado por el protagonista y toda la trama especulativa inmobiliaria, de construcción del hotel, entre otros aspectos, siempre con la idea en mente de alcanzar las consabidas 30 páginas de guion.  

Ambos escritores resaltaron que el proceso creativo fue en todo momento el de plena libertad.

“En mi caso recuerdo que el episodio se filmó prácticamente como lo escribí. La base era por supuesto las historias de los cómics. El proceso con los productores no fue un proceso intrusivo. Nos pasaron algunas notas con algunas sugerencias, pero fue un proceso muy suave. Todo fue bastante bien, y muy rápido en el rodaje”, recuerda Barchilon.

Por su parte, De Souza recuerda lo siguiente al respecto. “Quizá, comparado con otros autores, porque esta serie duró en antena durante 5 o 6 años, hubo muchísimos directores, hubo muchísimos guionistas y por supuesto, muchos episodios. Pero uno de los productores era Joel Silver. Yo lo conocía desde hacía más de una década. Había hecho muchas películas con él. También había colaborado con Walter Hill diez años antes en Límite 48 horas. En el caso de Jeri ella había trabajado en producciones de televisión durante 15 años. De este modo, ambos teníamos mucha experiencia, y, por tanto, ellos, los productores, tenían mucha confianza en nosotros. Confiaban en nuestro instinto a la hora de escribir los guiones”. 

El guionista de Filadelfia explicó en su intervención la persecución que sufrió el cómic en los años cincuenta del siglo XX. Medio de expresión popular, integrado en el imaginario colectivo desde finales del siglo XIX, la novela gráfica fue objeto de mecanismos de censura. Gran parte de la culpa la tuvo el argumentario científico de Frederic Wertham, psiquiatra de origen alemán que había emigrado a EEUU y trabajó durante muchos años con delincuentes juveniles en las escuelas del estado de Nueva York. En las sesiones monográficas sobre el tema (que fueron incluso televisadas en directo), llevadas a cabo ante el Senado del país, Wertham compareció culpando a las novelas gráficas y tebeos de constituir el detonante de la problemática que asola a la juventud del país denunciando un hipotético nexo causal de la profusa comisión de delitos por parte de los jóvenes con el hecho de que éstos devoraban tebeos. Como De Souza explicó, hubo incluso quema de cómics en público, como manera de exorcizar los problemas de la juventud estadounidense. Estas tesis fueron plasmadas por el psiquiatra en su libro “La Seducción de la Inocencia”, publicado el mismo año de las comisiones del Senado, en 1954. El manual se erigió rápidamente en el baluarte de los detractores del cómic y en todo un éxito de ventas. El contexto de “guerra fría” y de la “Caza de Bruzas” propiciada del senador McCarthy, proporcionaban el grado de paranoia necesaria para, a su vez facilitar este tipo de reacciones por todo el país. Los comics más aludidos por el científico fueron precisamente los de EC Cómics creada por William Maxwell Gaines. El resultado de estas comisiones, pese a que no logró demostrarse con el rigor científico necesario esa conexión entre el contenido de los tebeos y la problemática delincuencial infanto-juvenil, derivó en la creación del denominado Comic Code, o código de censura para los cómics, aprobado en el referido año 1954. De este modo se procedió a la restricción del último baluarte de la incorrección política. El eufemismo y la ironía eran considerables. Se afirmaba que era un código deontológico acerca de cómo debían ser los cómics, en términos de estética, buen gusto y moral.

Fotografía de Álex Ro

De Souza destacó el encanto que tenían estas adaptaciones de novelas gráficas en los años 80 y 90 del siglo XX, donde de la necesidad se hacía virtud muchas veces, supliendo las carencias con imaginación. Es este un encanto que se echa demasiado de menos en la actualidad. De Souza denuncia que en los contenidos audiovisuales de hoy todo es demasiado perfecto “…se parte de que el público no va a prestar la debida atención, que estará mirando varias pantallas a la vez. Por eso siempre se da todo por hecho, no puede haber ambigüedad ni lugar para la duda. En aquellos días se apostaba por el ‘menos es más’. La apuesta de hoy es el ‘más es más’”, sentencia el artista.

En esta línea, De Souza manifiesta en relación a la serie de HBO que “al ser episodios para televisión por cable tenían presupuestos cuantiosos. Hoy en día los presupuestos son incluso mayores, lo cual no es necesariamente mejor, sino que, en las adaptaciones de los comics de Marvel, por ejemplo, todo supone un gran despilfarro. Se sustituye el efecto dramático por toneladas de efectos especiales. Si antes teníamos una explosión hoy hay diez”.

Cuando se le pregunta a Steven De Souza si alguna vez tiene, o ha tenido el denominado “bloqueo del escritor”, ese enfrentamiento a la implacable hoja en blanco, él manifiesta que no suele bloquearse. Si alguna vez le ocurre que no le llega la debida inspiración para desarrollar una secuencia concreta, la deja y pasa a escribir otra. “De la misma manera que una película puede rodarse sin seguir una cronología, también eso puede hacerse con la escritura. No paro de escribir en ningún momento”, afirma el apasionado guionista, todo un enamorado de su profesión, que no ha dejado de cultivar desde los años 70 del siglo XX. 

NOTAS A PIE DE PÁGINA

  1. En la presentación previa a los pases, Steven De Souza llamó la atención al vínculo existente entre el filme noir y el comic book de los años 40 y 50, destacando un ensayo que demuestra de manera palpable y contundente esa conexión. El título del ensayo es Contemporary comic books and Hollywood noir: remediating cinematic style and cultural memory in the Fade Out. Escrito por David Scott Diffrient, el artículo se centra en como la serie de doce ejemplares Fade Out reciclaron material del cine estadounidense clásico haciendo una especie de especulación narrativa que navega constantemente entre realizad y ficción, mezclando personajes reales como Humphrey Bogart, Bette Davis o Clark Gable e integrándolos con otros personajes ficticios. De este modo se contribuye a la creación de un relato que recorre el glamur y el estrellato de entonces con tramas al más puro estilo noir. Curiosamente, en la serie de Historias de la Cripta, Robert Zemeckis juega a en esa liga. En Tú, Asesino (Tales from the crypt: You Murderer, EEUU, HBO, 1995), escrito por Alan L. Gatz, Gilbert Adler y Stephen Dodd, el sabueso protagonista cuenta con el rostro de Humphrey Bogart, en una trama negra con voz en off, narración acude constantemente a la cámara subjetiva, etc.
  2. Ver entrevista a Steven E. De Souza en el siguiente enlace: Desgranar al héroe y hacerle un traje a medida: Entrevista al guionista y realizador estadounidense Steven E. De Souza
Desgranar al héroe y hacerle un traje a medida. Entrevista al guionista Steven E. de Souza

‘Pigmalion’, de Lucas Sancho, mejor corto del CineXpress de Tenerife Noir en su IX edición

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Vasni J. Ramos se alza con el premio del Público por ‘Burguer Quing’ en el espacio de creación cinematográfica del Festival Atlántico de Género Negro

El jurado, compuesto por el productor Norbert Schilling, el cineasta italiano Luigi Cozzi, la directora de fotografía Ivana Vladic, la actriz Paloma Albaladejo, y la diseñadora de vestuario Claudia Reyes, concedió 13 premios y una mención especial

El ‘leitmotiv’ que guio los rodajes fue una frase de John Hartigan, personaje de Frank Miller en el cómic ‘Ese bastardo amarillo’, de la saga ‘Sin City’

Pigmalion, de Luchas Sancho, ganó el premio al Mejor Corto de CineXpress de Tenerife Noir en su IX edición, “por el equilibrio y emocionalidad, que lleva al espectador a una situación moral cargada de tensión, con un giro inesperado”, según señaló el jurado compuesto por el productor Norbert Schilling, el cineasta italiano Luigi Cozzi, la directora de fotografía Ivana Vladic, la actriz Paloma Albaladejo y la diseñadora de vestuario y estilista Claudia Reyes.

La sección CineXpress de Tenerife Noir entregó los premios de cine negro de su novena edición este domingo, 30 de marzo, en salón de actos del Espacio Cultural CajaCanarias, en una gala de clausura dirigida por el director de este espacio de creación cinematográfica del festival de género negro, el cineasta palmero Anatael Pérez, presentada por el actor Álex O’Dogherty y que contó con las interpretaciones de la actriz, bailarina y cantante tinerfeña Sonya Durango.

El corto dirigido por Sancho se llevó también el premio a la Mejor Interpretación, que recayó en Joche Rubio, “por su interpretación contenida y sensible, pero de gran intensidad emocional”, dijo el jurado. Adrián Rivero Pérez obtuvo el premio a la Mejor Dirección, “por su recreación del estilo clásico de una película noir de los años 40, con una gran efectividad estética en su conjunto” en el corto Gato negro. Esta cinta recogió también el reconocimiento destinado a la Mejor Banda Sonora Original, que fue para Toti Medina, “por la esencia noir que envuelve el film y transmite la sensación de suspense”.

Por su parte, Burguer Quing, de Vasni J. Ramos, se alzó con el premio del Público en el espacio de creación cinematográfica del Festival Atlántico de Género Negro, escogido por quienes asistieron a la presentación de los 49 cortos realizados a lo largo de la semana, proyectados un día antes de la gala de clausura, el sábado 29 de marzo, en el Espacio Cultural Mutua Tinerfeña de La Laguna. La Mención Especial del jurado recayó en Mafiajobs, de Iratxe Menalbert, “por el trabajo en equipo y su compromiso año tras año con el festival”.

2045, de Gustavo G. Torres, consiguió tres reconocimientos. Torres, guionista y director del corto, recibió los premios al Mejor Guion, “por una escritura concisa, mordaz y salvaje” y al Mejor Lema, “por recrear el lema de una forma muy original”, mientras que Dailos González obtuvo, por esta cinta, el premio al Mejor Maquillaje, “por su creatividad y expresividad que nos llevan a un futuro distópico”.

El jurado decidió otorgar el premio a la Mejor Fotografía a Christian Lage, por su corto Malone, en reconocimiento al “uso de la luz de día y encuadre que recrea la atmósfera del clásico noir”. El Mejor Montaje fue para Franz Walsch Jr, por su trabajo en el corto Kloe, de Hugo Santa Cruz, “por la elaboración y dedicación que dan forma a un montaje muy singular”. La Mejor Dirección de Arte fue para Pily Soy Yo, por su trabajo en el corto de dirección colectiva Guayota, “por crear un ambiente esperpéntico que sintoniza perfectamente con la historia”.

Para concluir la referencia a la sección tinerfeña del premio, el galardón al Mejor Sonido recayó en Marta Betancor Garriga y Joel Rodríguez, por su labor en Zorro rojo, de Pol Camarero Just, “por convertir el sonido en un personaje más que toma al espectador de la mano y lo sumerge en su historia”. Esta misma cinta recogió también el premio al Mejor Vestuario, que fue para Laura S. Vico, “por su utilización de los colores que acompañan la narrativa y ayudan con la atmósfera de la historia”. En la sección internacional, el premio de CineXpress de Tenerife Noir fue para el corto Depredador, de Javier Fesser, “por su dirección, montaje y diverso reparto que te mantiene en tensión”.

Novena edición

Tenerife Noir propuso a los equipos participantes esta frase: «Apunta con cuidado y mira al diablo a los ojos», que pronuncia el personaje John Hartigan en el cómic Ese bastardo amarillo, una publicación de Frank Miller de 1996 que forma parte de la saga de Sin City. El dibujante y guionista estadounidense había recogido el pasado 23 de marzo el sombrero borsalino con el que se simboliza el Premio Negra y Criminal que Tenerife Noir entrega en reconocimiento a la trayectoria de un autor y a su aportación al género negro.

La sección de creación audiovisual del Festival Atlántico de Género Negro batió una vez más récord de participación con 49 cortometrajes presentados después de una semana de grabación y posproducción para la que se habían inscrito 60 equipos de rodaje. “Es un orgullo para el festival que este certamen haya crecido año tras año, no solo en participación, sino en la calidad de los trabajos presentados. Muchos de nuestros cineastas se dejan realmente la piel en cada obra, y no dejan que ni el tiempo o la precariedad de un rodaje merme sus ganas de filmar. La incorporación de San Cristóbal de La Laguna a nuestro mapeado para los rodajes ha dado vida a nuevas historias por explorar. Y en esta edición han tenido mucho protagonismo participantes llegados de otras islas. El futuro de CineXpress es realmente brillante”, asegura el director de esta sección de Tenerife Noir, Anatael Pérez.

El cine de estreno en Filmin para el mes de abril

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Parthenope – 17 de abril

La nueva película de Paolo Sorrentino
(«La gran belleza»)

Sorrentino firma una de las películas visualmente más arrebatadoras de los últimos años. Una carta de amor a Nápoles y a la fascinación por la belleza y la juventud que concursó en el Festival de Cannes y que nos presenta a una actriz deslumbrante: la debutante Celeste Dalla Porta. 

Limónov – 25 de abril

Basada en el best-seller de Emmanuel Carrère

Ben Whishaw («El perfume. Historia de un asesino») da vida al poeta y político soviético Eduard Limónov en este singular biopic que dirige Kirill Serebrennikov («Leto») y que concursó en el Festival de Cannes.

Cuando cae el otoño – 4 de abril

Una película de François Ozon («Frantz»)

Hélène Vincent estuvo nominada al César a la Mejor Actriz gracias a esta extraña película, un noir rural cargado de humor negro y humanidad, que se cuenta entre las mejores obras de su director. Premio del Jurado al Mejor Guion en el Festival de San Sebastián.

Otros estrenos destacados del mes

Hipnosis – 4 de abril

Asta Kamma August («Ocurrió a orillas del río») y Herbert Nordrum («Match») protagonizan esta comedia sarcástica e incómoda sobre las relaciones de pareja

Las hijas del califato – 11 de abril

Thriller basado en hechos reales que explora los oscuros rincones del extremismo y la lucha por la libertad. Protagonizado por la nominada al César Megan Northam.

El arte del perdón – 11 de abril

Redención personal a través del cine del artista Titus Kaphar, quien se basa en su vida para ofrecer esta historia sobre un hombre que debe reconciliarse con su padre abusivo.

El reino de la mafia – 17 de abril

Una adolescente descubre el mundo violento en el que vive su padre, un mafioso corso, en la ópera prima de Julien Colonna, nominado al César a la Mejor Dirección Novel.

El origen – 30 de abril

Intenso drama que concursó en el Festival de Berlín. Una reflexión sobre terrorismo, maternidad y religión que aborda el impacto del extremismo en una familia tunecina.

El idioma universal – 25 de abril

Matthew Rankin («The 20th Century») firma una comedia extraña, fascinante y muy carismática ambientada en una Winnipeg en la que el farsi es ahora el idioma oficial.

El destino de Maya – 30 de abril

Adaptación de las novelas de Anni Blomqvist. Un drama épico, romántico y feminista, que sigue a una pareja que se instala en una isla aislada a mediados del siglo XIX.

The Human Hibernation – 30 de abril

El debut de Anna Cornudella, rara avis de nuestro cine, imagina un mundo en el que el ser humano hiberna durante el invierno. Premio Feroz Arrebato de No Ficción.

Documentales de estreno del mes

El reino de Satán – 4 de abril

Un documental singular que representa la vida diaria de los satanistas. Una película ritualista que atrae al espectador a un mundo lleno de magia, misterio y misantropía.

La comedia y el caos: El legado de Andy Kaufman – 11 de abril

Documental sobre la figura de Andy Kaufman, el inimitable cómico al que dio vida Jim Carrey en la magistral «Man on the Moon».

Gaucho Gaucho – 11 de abril

Los directores de «The Truffle Hunters» firman este estilizado documental en blanco y negro que retrata la tradición de las comunidades gauchas argentinas.

Carrère, el escritor y el asesino – 17 de abril

Documental sobre el proceso de escritura y el impacto provocado por «El adversario», la novela con la Emmanuel Carrère anticipó las narrativas del género true-crime.

Mel Ömana presenta el videoclip ‘I’m a Queen’, grabado en los estudios de Encaro Factory en Tenerife

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Hoy, 28 de marzo, participa en el Carnaval de Maspalomas, en Gran Canaria

Tras sorprender en una reciente entrega de premios, con la presentación de una innovadora versión tango de la canción I’m a Queen, Mel Ömana ha lanzado el videoclip de este tema que defendió en la última edición de Benidorm Fest. Con una estética que refuerza el mensaje de confianza y poder de la mujer, la pieza audiovisual ha sido grabada en los estudios de Encaro Factory, en Tenerife, empresa canaria que lo ha producido, junto a Clippers Sounds. Hoy, es un día muy especial para la artista, con el lanzamiento de este videoclip y la actuación que realiza, en el Carnaval Internacional de Maspalomas (LOS40 Sessions), en Gran Canaria.

En esta pieza audiovisual, las luces, el decorado minimalista y el vestuario realzan la pasión y energía con la que la artista canaria lanza un poderoso mensaje a favor de la autoestima y la resiliencia, en una propuesta musical, de composición propia, que se ha ganado el corazón del público y crítica, tras la espectacular puesta en escena que realizó en el Benidorm Fest y las actuaciones que ha llevado a cabo desde entonces, en diferentes puntos del país.

El director del videoclip es Enrique Camacho, que ha contado con la dirección de fotografía de Omar Caballero y la producción musical de Lex C. Completan la ficha técnica Aarón Ramírez y Moisés Coello como productores; Eduardo Javier González, como operador de cámara y edición; Jesús Raya y Francisco Díez en decorado y atrezzo; Diego Barroso en el vestuario y Noelia Cardona como maquilladora, además de la colaboración de Leo Martínez, Alba Reyes y David Cruz.

Los espectadores no sólo han podido disfrutar de I’m a Queen, sino de impresionantes colaboraciones, como la actuación realizada con Lucrecia y Ana Guerra en los 17 Premios Dial, en la que interpretaron La vida es un Carnaval, en homenaje a la gran cantante cubana Celia Cruz. Con los también cubanos Orishas, Mel Ömana se subió al escenario del Carnaval de Santa Cruz de Tenerife 2025. Hace unos días, la artista cautivó a la industria cinematográfica española en la fiesta inaugural del Festival de Málaga.

 Próximas actuaciones

Mel Ömana continuará su agenda de actuaciones impulsada por el departamento de Management de Encaro Factory, empresa canaria liderada por el director artístico y productor cultural Enrique Camacho, y Clipper’s Music Group.

En fechas recientes, se ha confirmado su participación en el Maspalomas Pride by Freedom (3 de mayo). Asistirá también a la novena edición de la PrepartyES de Eurovision-Spain que se celebrará en la capital de España, sala La Riviera, del 17 al 19 de abril.

Up&Down amplía su programación en 2025 y llega a Tenerife, Gran Canaria, La Gomera y La Graciosa

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El Festival Up&Down amplía su programación en este 2025 y en esta novena edición lleva su oferta de conciertos hasta las islas de Tenerife, Gran Canaria, La Gomera y La Graciosa. Todas las actuaciones previstas, hasta un total de siete, se llevarán a cabo a lo largo del próximo mes de abril.

Las invitaciones y las entradas para cada una de las citas, gratuitas con opción a donación excepto para el concierto de  Gran Canaria, se pueden conseguir a través de la web www.tickety.es

Como ha sido habitual desde su creación, esta muestra de Jazz y World Music retoma su oferta cultural con la firme intención de hacer llegar al público no sólo una muestra musical diversa, sino un escaparate cultural para sonidos de otras latitudes, como es el caso en esta ocasión de Argentina, Japón y el continente africano. La muestra cuenta con el patrocinio de Promotur, Turismo de Islas Canarias y el apoyo de Cultura de Gobierno de Canarias y Cabildo de Tenerife.

El primer fin de semana de actividad, durante los días 3, 4, 5 y 6 de abril, todos los conciertos se llevarán cabo a partir de las 20:00 horas en las instalaciones del Castillo San Felipe de Puerto de La Cruz, con las actuaciones de Yul Ballesteros Quartet & Lajalada, Jonay Martin & Yexza Lara, Andrés Leoni Trío y Enri Ive, respectivamente.

Una de las principales novedad de esta edición 2025 será la irrupción del festival en la isla de La Graciosa, con dos  conciertos el 12 de abril con las actuaciones de África Yeah! y Manel Ruiz ‘El Especialista’ a partir de las 19:30 horas en la Plaza del Puerto.

El fin de semana de despedida llegará hasta La Gomera, con la actuación de Morimoto Kmetic Dúo en Hotel Bancal & Spa (Día 25, 21:00 horas). Además, la edición de 2025 de Up&Down también ha tenido una fecha especial en Gran Canaria, con la actuación de  Los que no Escarmientan, presentando su nuevo disco, en las instalaciones del Paraninfo de la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria (Día 26 de marzo).

Una año más, en base a una variada programación, Up&Down se mantiene como un eslabón importante dentro del circuito de actividades de las Islas Canarias, ofreciendo una alternativa de ocio de calidad, con un formato íntimo y cercano, que permite disfrutar a los asistentes de la calidad musical y buena ejecución de los músicos participantes.

Carmen Pérez De la Cruz el cuento infantil, ‘El ogro feliz’, un recorrido por la autenticidad del ser humano

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La escritora Carmen Pérez De la Cruz (Tenerife, 1978) presenta ‘El Ogro Feliz’, un cuento infantil que nos invita a descubrir el valor de la autenticidad y la importancia de aceptarnos tal como somos. La obra se puede adquirir a través de Amazón.

Carmen Pérez De la Cruz es educadora infantil, comunicadora y una apasionada promotora de la cultura. Desde siempre, ha creído en la importancia de fomentar la imaginación en los más pequeños, utilizando los libros como herramientas mágicas para transmitir valores fundamentales como la bondad y la empatía.

«A través de las historias podemos enseñarles no sólo a aprender, sino a sentir, a ser mejores personas», explica. ‘El Ogro Feliz’ nació durante una época de su vida en la que, al contar cuentos, descubrió la increíble conexión que se puede establecer con los niños a través de relatos llenos de magia.

Este cuento, que surgió en una clase de Educación Infantil, fue apoyado por su profesora, quien la animó a darle forma. La historia cobró forma con el tiempo, mimando su mensaje hasta convertirla en un relato pensado para ser contado en voz alta, y ser disfrutado tanto por pequeños como por adultos.

Sobre el cuento

‘El Ogro Feliz’ nos presenta a ‘Piter’, un ogro diferente en un mundo donde la tristeza y el gruñido parecen ser la norma. ‘Piter’ es un ogro con una peculiaridad única: no puede dejar de reír. A pesar de su bondadoso corazón y su eterna sonrisa, se siente solo y diferente en un mundo que no comprende su felicidad, y aunque su sonrisa nunca se apaga, comienza a preguntarse si hay un lugar en el que pueda encajar.

Así comienza su aventura, un viaje en busca de respuestas que lo llevará a conocer seres mágicos y a descubrir que la felicidad no está en ser como los demás esperan, sino en aceptarse a uno mismo.

‘El Ogro Feliz’, a través de una historia llena de ternura, humor, personajes entrañables, ilustraciones cautivadoras y un lenguaje cercano, promete emocionar tanto a niños como a adultos.

Mario Barrachina: “Como lector y autor busco evadirme, me gustan las historias atemporales y ajenas a la actualidad”. Por Noé Ramón 

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“El Día Más Largo es una obra autobiográfica, intento contar lo que supuso la pérdida de mi abuelo”

“Es incomprensible la necesidad de la sociedad de progresar hasta deshumanizar el día a día”.

Mario Barrachina, con apenas 26 años, se ha lanzado de cabeza al mundo del cómic y la ilustración y de hecho la información sobre él es aún tan escasa que algunos artículos dicen que es de Yecla en Murcia y otros de Valencia, dilema que resuelve asegurando que siempre ha tenido un pie en cada lado. Una vez que estaba clara cuál era su pasión, intentó formarse para convertirla en profesión, y para ello cursó el Grado en Diseño y Tecnologías Creativas en la Universidad Politécnica de Valencia. 

Cuando terminó los estudios en 2021, comenzó su carrera profesional como ilustrador y también gestando su primer cómic titulado El Día Más Largo publicado el pasado mes de enero por Planeta Cómic, álbum recibido con excelentes críticas, en el que relata la pérdida de su abuelo. En 2023 había comenzado a trabajar como ilustrador autónomo, realizando proyectos de cartelería, serigrafía e ilustraciones para revistas como Yorokobu o Riu Magazine, tiendas como La Postalera, y portadas de un periódico mensual imaginario llamado Le Quotidien Magazine que va por su 35 número. A continuación relata cómo ha influido Valencia, una de las principales capitales españolas del cómic, en su obra.

  -Nací en el pueblo de Yecla en Murcia pero lo cierto es que siempre he tenido una mayor influencia valenciana por parte de mis cuatro abuelos y de mis padres. Desde que empecé la universidad he estado viviendo en Valencia, por lo que toda mi trayectoria profesional se ha desarrollado aquí. Además, es una ciudad que creo que está ganando cada vez más importancia en citas relacionadas con la ilustración, el cómic y el arte en general.

-¿Qué diferencias encuentras entre tu labor como ilustrador y cómo dibujante de cómics?

-De momento, enfoco la creación de cómics desde una perspectiva totalmente personal; mi intención es tratar de contar siempre historias propias, ya que son proyectos que requieren mucho tiempo y dedicación y tienen que motivarme. Además, las condiciones económicas del mundo editorial no son muy viables como para concebir la creación de cómics por encargo o al menos así lo veo según mi experiencia. Todo lo contrario a lo que sucede con el trabajo que desarrollo como ilustrador para otro tipo de clientes, que me permite llevar a cabo proyectos a corto plazo y con una remuneración económica más directa.

-¿Cuáles dirías que son tus principales influencias?

-Como ilustradores y autores de cómic serían Jeff Lemire, Javier Aznarez o Paco Roca, entre otros. Se podría decir que estos han sido algunos de mis referentes más recientes, que forman parte de mi vida profesional. Pero también me influyen mucho todos aquellos autores y dibujantes que he tenido presentes desde pequeño y que tanto he interiorizado, como pueden ser Uderzo, Hergé, Ibáñez o Cera.

-Tu primer álbum, El Día Más Largo, tiene una importante carga personal.

–El Día Más Largo es un proyecto muy personal. Es una historia autobiográfica en la que intento contar lo que supuso para mí la pérdida de mi abuelo materno. Relato cómo a lo largo de su velatorio, a raíz de conversaciones y situaciones con familiares, conocidos e incluso desconocidos, voy recordando algunos de los buenos momentos vividos con él, lo que me ayuda a hacer más llevaderos esos momentos tan duros. Es un proyecto que surgió con la intención de realizarle un homenaje a mi abuelo y seguramente mis futuros trabajos no llegarán a ser tan personales, aunque inevitablemente siempre estarán influenciados por mi vida. 

-Con un principio tan rápido lo difícil será ahora mantener una continuidad. 

-Actualmente estoy trabajando en el guión de mi próximo cómic, en el que quiero ahondar en la infancia y la relación entre los hermanos. Por otra parte, sigo trabajando en mi proyecto de Le Quotidien Magazine, una revista ficticia que creé en 2022 para desarrollar una colección de portadas ilustradas que voy publicando cada mes y que presentan situaciones cotidianas con un toque de humor. La de este mes es la número 35 y todas están disponibles para comprar como láminas en mi web.

–¿Y qué contarías en cuanto a Principia Magazine?

-Pues que fue la primera revista con la que colaboré y mi primer cliente como ilustrador. Es una revista de divulgación científica que combina artículos con ilustraciones. Cada número trata sobre una cuestión monográfica: terror, cine, música… pero siempre relacionándolo con la ciencia. He colaborado en varias ocasiones con ellos, tanto para la web como en la revista impresa.

-¿Cuál dirías que es la época que más te atrae desde el punto de vista estético y visual para plasmarla luego en tus obras?

-A nivel gráfico me llama mucho la atención la cartelería de finales del siglo XIX, con el Art Nouveau, seguramente por su tratamiento de color tan parecido en algunas de las obras al de la serigrafía. También me atrae la estética de la segunda mitad del siglo pasado en general: los coches, la ropa, los electrodomésticos, los rótulos de las tiendas pintados a mano, el empaquetado o packaging… Creo que antes muchos de estos elementos presentaban una imagen más cuidada que en la actualidad.

-¿Cuál es tu relación con los festivales? Supongo que habrá cambiado desde que eres autor a cuando ibas como aficionado.

-Este mismo mes de marzo estuve por primera vez firmando en el Salón del Cómic de Valencia. Fue una experiencia muy agradable, en la que pude conocer a otros autores de Planeta Cómic, y también me hizo especial ilusión poder tener contacto directo con los lectores y escuchar su opinión en persona. Las próximas citas son el 4 y 6 de abril en el Salón del Cómic de Barcelona y para Sant Jordi, el 23 de abril. Luego seguramente en junio estaré en Madrid, para la Feria del Libro.

-Una pregunta recurrente en estos tiempos, es la opinión de los creadores sobre la irrupción de la Inteligencia Artificial. 

-Creo que es una cuestión que está cada vez más presente en nuestras vidas. No me gusta hablar de la IA, ya que no es algo que me interese especialmente y por tanto no tengo mucha información al respecto. Pero sí opino que debe ser regulada cuanto antes porque me parece absurdo que se esté llegando al punto de que puedan peligrar trabajos del sector creativo e incluso de otros campos. Me resulta incomprensible y me sorprende la necesidad que tiene la sociedad de progresar incondicionalmente, hasta el punto de llegar a deshumanizar tanto nuestro día a día.

-¿Cuál es tu visión sobre el momento actual que atraviesa el sector del cómic en España?

-Pienso que cada vez está ganando más importancia y es más respetado. Como todo, tiene su público concreto y la intención no es que le interese a todo el mundo, aunque tengo la impresión de que en estos últimos años ha ido obteniendo cada vez mayor alcance y poco a poco se está consiguiendo darle la imagen y la seriedad que merece.

-En la actualidad parece existir una polarización sobre las historias de los dibujantes que casi siempre son reivindicativas, al estilo de la Memoria Histórica o en defensa de derechos de colectivos sociales concretos. ¿Participas de alguna de estas corrientes?

-Es verdad que hoy en día son muy recurrentes algunas de las historias tratadas en los cómics, seguramente porque funcionan y tienen su público. A mí personalmente como lector y autor me llaman más la atención los relatos atemporales. Lo que busco a la hora de crear cómics o ilustraciones, es evadirme y poder contar cosas ajenas a la actualidad. Mi intención es crear historias a partir de mi imaginación y que, en cierto modo, permitan al lector olvidarse de lo que está ocurriendo en el mundo durante ese rato, en lugar de incidir en las cuestiones que a nivel mediático tenemos tan presentes constantemente.

La Fiesta de los Locos: Entre lo profano y lo sagrado. Por José Gregorio González

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Bajo la mirada de la sociedad moderna puede resultar contradictorio que un templo cristiano muestre en su decoración interior o exterior imágenes de alto contenido sexual, que lejos de lo caricaturesco o de una aparente función preventiva de comportamientos censurables, llegan a ser en ocasiones un explícito “manual de instrucciones” sobre aquello que, en teoría, se pretende demonizar. La sorpresa puede ser aún mayor sí echamos mano de la historia y rastreamos el desarrollo en el interior de los propios templos de ceremonias hilarantes como la Fiesta de los Locos.

Y es que lo profano en ciertas épocas cobró vida propia dentro de catedrales e iglesias a través de la celebración de fiestas y rituales indecorosos, burlescos, impropios del entorno de recogimiento que hoy relacionamos con estos edificios. Son historias de otro tiempo, sin duda, pero historias que han sentado las bases de lo que hoy vivimos como presente. También las tuvimos en Canarias, de lo que dan cuenta procesos inquisitoriales diversos.

En la Edad Media la vida se regía por otros valores y patrones que fuera de contexto fácilmente podríamos juzgar equivocadamente. Dentro de esas celebraciones paganas, que espontáneamente no dudaríamos en vincular con el Carnaval, y por ende, con las Satunarles romanas, aun cuando no siempre lo estén, se encuentra la Fiesta de los Locos o Fête des Fous, cuyo recuerdo dio origen en diversos países europeos al llamado Día de los locos, a primeros de abril. Estamos ante una festividad que se desarrollaba entre el día de Navidad y el de la Epifanía, con su punto álgido el 28 de diciembre, Día de los Inocentes. Por tanto, también está vinculada con los ritos paganos del solsticio de invierno. La ceremonia parodiaba la liturgia católica mediante la celebración de una misa burlesca en el interior de los templos, catedrales incluidas, con el beneplácito, e incluso la participación, obligada o no, del propio clero. Los personajes interpretan grotescamente el papel del Papa, los obispos y sacerdotes, nombrándose también un Príncipe o Rey de los locos, parodiando claramente la jerarquía eclesiástica, de cuyos niveles más bajos se especula que surgió por vez primera esta peculiar celebración. El pseudo obispo solía pronunciar una homilía irreverente, al tiempo que realizaba gestos encaminados a provocar la risa y exaltar a los presentes, muchos de los cuales eran exhibicionistas y destilaban, adicionalmente, un hálito de denuncia sobre los excesos que cometía el clero. A continuación, se iniciaba una hilarante procesión por el exterior de la iglesia en la que los locos, -que portaban bastones, cetros y objetos con forma fálica- se insinuaban a las mujeres, mostrándose irreverentes y ofensivos con algunos personajes, al punto de hacer montar al revés en un burro a los maridos que consideraban sumisos, tal y como señala el experto en literatura francesa Jean-Charles Payen.

El folklorista Leander Petzoldt recoge en su aportación a la obra colectiva La Fiesta, una ilustrativa descripción de la ceremonia profana desarrollada en Alemania en pleno siglo XV. “Los sacerdotes de una iglesia –escribe el cronista medieval- elegía un obispo de los bufones, que acudía a la iglesia con gran pompa y se sentaba allí en el trono episcopal. A partir de ese momento comenzaba la misa cantada en la que participaban todos los clérigos con las caras tiznadas o con máscaras repulsivas o ridículas. Durante la misa, los clérigos disfrazados de bailarines o mujeres danzaban en el coro y cantaban allí canciones indecorosas. Los demás comían salchichas sobre los altares, jugaban a las cartas o a los dados en presencia del sacerdote que decía la misa, lo ahumaban con un incensario donde ardían trapos viejos y le hacían respirar ese humo.

Acabada la misa cantada se producían nuevas extravagancias e impiedades. Los sacerdotes corrían por la iglesia acompañados de los hombres y mujeres de la ciudad y se azuzaban mutuamente a cometer todo tipo de insensateces y excesos. No había pudor, vergüenza ni impedimento que contuviera la desmesura de excentricidades y pasiones. El lugar sagrado que servía de escenario, no infundía ya ningún respeto. En medio del guirigay y del salvaje ruido de blasfemias y canciones indecorosas se veía a unos completamente desnudos y a otros entregados a la lascivia más desvergonzada”.

Algunas fuentes señalan incluso que, durante esas procesiones o romerías exteriores, se portaba en las carretas diversidad de inmundicias que eran arrojadas al público, señalando también la presencia de individuos que fustigaban a quienes no andaban lo suficientemente ágiles como para ponerse a salvo, algo que sin duda recuerda, y mucho, a la manera en la que celebramos en Canarias, por ejemplo, la fiesta de los carneros en El Hierro.

Estamos, en suma, ante una clara inversión de los roles, del papel que desempeña los dominadores y los dominados, que hace que La Fiesta de los Locos hunda sus raíces en las Lupercales y las Saturnales romanas, celebraciones durante las cuales los esclavos adquirían unos derechos y privilegios propios de los señores.

Los “locos” tienen su propio lenguaje, su código de gestos y comportamientos, reivindicando la locura como el estado más cercano a la sabiduría, de tal manera que incluso se crea una corriente hermética que plantea el desarrollo evolutivo a través del Camino del Loco.

El papa Inocencio III prohibió esta loca celebración por decreto en 1207, aunque la nueva y tajante condena del Concilio de Basilea en 1431, deja bien a las claras que quizá desapareció de los grandes centros de culto, pero siguió viva durante muchos siglos en los más dispares rincones.

LA FIESTA DEL ASNO Y LA RISA PASCUAL

Para muchos autores la Fiestas de los Locos y la Fiesta del Asno o Fête de l’âne son la misma cosa, adoptando la segunda denominación cuando se introducía un asno en el interior de la iglesia. El asunto no está claro, aunque hay pistas suficientes para sugerir que se trata de dos festejos rituales que, si bien tienen puntos en común y se ofician en el mismo periodo del año, cuentan con identidad propia separada. El asno es un animal sagrado, una metáfora de la sabiduría en diferentes culturas. En Grecia, por ejemplo, su figura desempeña un destacado papel como parte del cortejo de Dioniso, a cuyos lomos cabalgaba y obtenía victorias, al punto de concederle el habla. En los Misterios de Eleusis, los objetos rituales recorrían la vía sagrada colocados a lomos de un asno. No olvidemos que Lucio Apuleyo lo convierte en el protagonista del camino iniciático que debe recorrer el héroe del Asno de Oro, convertido en ese animal por culpa de su necedad. El cristianismo también sincretizó la simbología del asno y lo hace desempeñar un papel importante en la vida de Jesús: durante su nacimiento, en la huida a Egipto para evitar a Herodes y en la entrada en Jerusalén como el Rey y Mesías esperado, en los tres casos a lomos de un asno.

En la celebración que nos ocupa, la Fiesta del Asno, subidos al equino que viste lujosos ropajes y una corona dorada, entran en la iglesia un hombre y una mujer desnudos. El animal escucha la misa parodiada, y recibe los elogios de los oficiantes, mientras el público responde con rebuznos, para salir posteriormente en animada procesión fuera del templo.

Podríamos extendernos ampliamente sobre este asunto de las fiestas populares con elementos irreverentes que entran en las iglesias, y profundizar en los Carnavales que además de beber de todas ellas, también sacaban a la calle a dioses mitológicos como Baco, a semidioses con cabeza de animal, o a los sugerentes cuerpos desnudos de mujeres que adoptaban el papel de ninfas. Pero no hay espacio. Para otra ocasión dejamos a la llamada Risus Paschalis, o Risa Pascual, una costumbre que acaparó, desde la irreverencia y la obscenidad, la atención de los feligreses con la intervención activa del clero. La fiesta tenía lugar durante la misa de la mañana de Pascua de Resurrección, cuando el sacerdote se las ingeniaba para hacer reír a toda costa a los feligreses con cualquier recurso que tuviera a su alcance. Otro día lo contamos.

José Gregorio González

Santa Cruz revive el legado de Julio Navarro Grau con la interpretación de su Réquiem en Si Menor

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El concierto tendrá lugar el 4 de abril en la Parroquia Matriz de Nuestra Señora de la Concepción y la asistencia será gratuita hasta completar aforo.

Santa Cruz se prepara para homenajear al compositor tinerfeño Julio Navarro Grau el próximo 4 de abril a las 20:00 horas. Día en el que la Parroquia de Nuestra Señora de La Concepción de Santa Cruz de Tenerife se convertirá en el escenario una de las obras más emblemáticas del músico: “Réquiem en Si Menor”. La pieza será interpretada en su primera versión de 1971 para órgano, coro mixto, coro de voces blancas y cuatro solistas (soprano, contralto, tenor y bajo), y es una de las grandes composiciones del autor, que representa uno de los más importantes legados en la música canaria del siglo XX.

El “Réquiem en Si Menor” fue estrenado en 1974, en el Teatro Guimerá, y forma parte de la banda sonora de la película “Réquiem para un absurdo” (1979), dirigida por Pepe Dámaso. La versión que se presentará en esta ocasión destaca por lo inusual de incluir una marcha fúnebre a los 10 movimientos habituales que forman un réquiem, así como de requerir que el órgano disponga de pedales para su correcta ejecución.

El alcalde de Santa Cruz de Tenerife, José Manuel Bermúdez, destaca la relevancia de este evento como un homenaje al compositor y su legado: “Julio Navarro Grau fue una figura fundamental en la música de Tenerife y de Canarias. Es un honor para nuestra ciudad acoger esta interpretación de una obra tan significativa, que, sin duda, contribuirá a redescubrir su riqueza artística y a mantener viva la memoria de nuestros grandes creadores”.

Por su parte, el concejal de Cultura de Santa Cruz de Tenerife, Santiago Díaz Mejías, se muestra entusiasmado por la recuperación de una pieza tan importante: “Este concierto es una oportunidad única para revivir la obra de uno de los grandes compositores tinerfeños. El Réquiem en Si Menor es una pieza de una belleza impresionante, que no solo enriquece nuestra tradición musical, sino que también demuestra la capacidad de nuestros artistas para crear música de gran altura”.

El evento contará con la participación del Coro Novae Vocal Group, dirigido por Roxana Schmunk, y del Coro Municipal de Voces Blancas, dirigido por Manuela Triviño. Los solistas son la soprano Candelaria González, la contralto Montserrat Giró, que ha sido clave en la recuperación del legado de Julio Navarro, el tenor Pancho Corujo y el barítono Fernando Campero. La interpretación del órgano correrá a cargo de Juan Luis Bardón.

La entrada para disfrutar de esta pieza será gratuita hasta completar aforo, lo que permitirá que los asistentes puedan disfrutar de esta obra histórica en un ambiente único, como es la Parroquia de Nuestra Señora de La Concepción.

IsLABentura Canarias 2025 tiene ya sus 16 nuevas historias para cine y televisión

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El equipo tutorial de guionistas ha seleccionado los relatos sobre las islas que pasan a integrar este destacado laboratorio que coordina el Gobierno de Canarias

Siete son para largometrajes, siete para series y dos para cine de animación, cuyas ideas tomarán forma a lo largo de siete meses

El laboratorio IsLABentura Canarias ha seleccionado las dieciséis nuevas historias que convertirá en guiones para cine y televisión, dos más que en años anteriores. En esta cuarta edición habrá de nuevo dos relatos por isla, de los que siete serán para largometrajes y otros tantos para series. Además, como novedad este año, hay dos guiones para cine de animación. La selección se ha realizado a través de un llamamiento internacional por iniciativa del Gobierno de Canarias y ha sido el equipo tutorial de guionistas del laboratorio quienes se han encargado de elegir las que consideran mejor para el proyecto, entre un total de 272 presentadas. De todas, la autoría de siete corresponde a guionistas de las islas.

Las ideas para largometraje de ficción seleccionadas son: ‘Pobres Diablas’, de Diego García de Zúñiga Pedrosa, con una historia localizada en la isla de El Hierro; ‘Kipuka, una isla en un mar de lava’, de Javier Armas Martín,  y ‘Nana de lava y salitre’, de María Helena Martínez Cabrera, ambos inspirados en La Palma; ‘Abril es joven’, de Juan Ignacio Peña Ahedo, en Tenerife; ‘Días de julio’, de Pablo Fajardo Juan, en Gran Canaria; ‘La isla de los lobos’, de Yaiza Berrocal Guevara, para Lanzarote; y ‘Goda’, de Katia Klein Carulla, también en Lanzarote.

Para series de televisión, ‘Malvasía’, de Laura Pérez Gómez, sobre Lanzarote; ‘Siempreviva’, de Maria Gracia Solera Guirau, centrada en Fuerteventura; ‘8 islas para decirte adiós’, de Pablo Santidrián Fernández, para Gran Canaria; y ‘Mucha Mierda’, de Raquel Trujillo Rodríguez, sobre Tenerife. Localizadas en La Gomera se seleccionaron ‘Desde aquí se ve el mar’, de Luis Javier Suárez Jiménez y ‘No me lo creo’, de Elena Santiago Díaz.; mientras que de EL Hierro está ‘Tarajal’, de Estefanía Airoldi Gutierrez Solana.

Por su parte, los dos proyectos de animación que estrenan línea, son los largometrajes ‘Murió entre las olas’, de Pablo Borges Diaz-Llanos, cuya historia transcurre en El Hierro; y ‘López y el factor marino’, de Pablo Dávila Castañeda, en Lanzarote.

Las historias para largometrajes han sido seleccionadas por quienes realizarán su tutoría: David Muñoz, Marta Buchaca, Teresa Bellón y Arantxa Cuesta, quien también participó en la selección de ideas para series junto a Alba Lucío, Pablo Bartolomé y Pepe Coira. Por su parte las de animación fueron elegidas por Isabel Herguera y Gianmarco Serra.

Los pormenores de este procedimiento están disponibles en www.islabenturacanarias.com. A partir de ahora se inicia la labor en el laboratorio, con tres encuentros presenciales en Canarias y el continuo asesoramiento online. Estarán en Fuerteventura en abril, donde se reunirán por primera vez y desde donde se desplazarán a las islas donde se localizan sus relatos. Además, en Gran Canaria estarán en julio, para la fase formativa, y en La Palma en octubre, para las sesiones de pitch, reuniones individuales con productoras de cine y televisión y entrega de premios.

Colaboradores del proyecto

IsLABentura Canarias es una iniciativa del Gobierno de Canarias, a través del Instituto Canario de Desarrollo Cultural (ICDC), que cuenta con la colaboración de Proexca y los siete cabildos insulares. Para los premios y reconocimientos finales cuenta con la colaboración de DAMA Derechos de Autor de Medios Audiovisuales, Movistar+, Canary Islands International Film Market, Fundación Algo en Común (Colombia), CIMA Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales, Music Library & SFX, y Laboratorio Audiovisual. Otros colaboradores esenciales son el Clúster Audiovisual de Canarias, el Clúster Canario de la Música y la Federación Iberoamericana de Productoras de Cine y Audiovisual, entre otros.

Historias seleccionadas

Series de ficción

‘Mucha mierda’ es la historia de una familia española al uso, con sus dramas y sus conflictos, contada con mucha comedia y mala baba. Este guion será tutorizado por Alba Lucío, quien destaca también cómo “todos los personajes pueden ser tan odiados como queribles y el contexto de la historia, una compañía teatral amateur tinerfeña, tiene grandes posibilidades cómicas”.

Lucío también seleccionó para tutorizar ‘8 islas para decirte adiós’, que habla de una pareja en crisis que se despide definitivamente durante un viaje recorriendo las islas Canarias. “En esta serie el entorno juega un papel clave y visualmente puede ser muy atractiva, pero lo más interesante es la sencillez y universalidad de la propuesta, que podría recordar a “Los años nuevos”. Escrita con sensibilidad y mimo podría ser una serie que conecte con el público y toque el corazón”, destaca la guionista.

‘Desde aquí se ve el mar’ será tutorizado por Pepe Coira, que en su selección destaca que se trata de “un proyecto de serie en primera persona, una historia que se construye desde la vivencia de sus creadores. Es un buen lugar desde el que aspirar a una ficción singular con una voz propia y auténtica”.

La otra propuesta seleccionada por Coira, ‘No me lo creo’, “es una comedia de la cabeza a los pies. Busca entretener al espectador hablándole de asuntos incómodos. La dificultad de encontrar tu sitio, la trascendencia o llegar a fin de mes son algunos de los problemas que llevan a Marta a La Gomera. Es un viaje que apetece seguir”.

‘Siempreviva’ es una peculiar roadmovie que cuenta la historia de una familia que se gana el pan haciendo retratos post morten. “Un oficio, ya olvidado, que sirve como “vehículo” -nunca mejor dicho- perfecto para reflexionar sobre la muerte (y la vida) de manera luminosa”, argumenta Pablo Bartolomé, tutor de este proyecto.

También Bartolomé trabajará con ‘El Tarajal’, que trata de la llegada de migrantes a las Islas Canarias, algo que “parece una premisa bastante acertada sobre la que construir una buena historia, que nos refleje el día a día de una preocupante realidad que afecta a todo el archipiélago”. Para Bartolomé, “su autora pone el foco en los centros de acogida en donde personas de distinto género, raza y/o clase social conviven y se relacionan en situación límite.

Arantxa Cuesta selecciona y tutoriza ‘Malvasía’, una historia en torno al mundo del vino “donde se exploran temas tan universales como la ambición o la identidad y otros más particulares y exclusivos de Lanzarote, como las erupciones volcánicas o las cepas de la variedad de uva malvasía. Tiene unos personajes femeninos interesantes y una mezcla curiosa a explorar de drama, misterio y realismo mágico”, expone.

Largometrajes de animación  

‘Murió entre las olas’, que está basado en hechos reales, narra la reconstrucción por parte de un escritor residente en El Hierro de la vida de una mujer, una artista que dedicaba su obra al mar y que desapareció en las aguas de la isla a la edad de 23 años. “La historia relata un viaje hacia los silencios y vacíos de la isla, donde se visitan los lugares que frecuentaba la joven, y se convierten en una nueva mirada hacia el mar, la escritura y la vida misma”, destacan Isabel Herguera y Gianmarco Serra, que seleccionan y tutorizan esta historia

También han seleccionado ‘López y el factor marino’, un proyecto para público familiar sobre un mundo submarino “que no es más que un reflejo del nuestro. Estar estresados, guapos, modernos, tener vidas interesantes y salir vencedores es un imperativo. Parte de esta dinámica existencial consiste en participar en un concurso musical submarino. La máscara que debe llevar el protagonista, el anfibio López, para poder formar parte del elenco artístico genera íntimos sentimientos de insatisfacción e infelicidad”.

Largometrajes de ficción

‘Kipuka, una isla en un mar de lava’ está basado en hechos reales y habla de las personas que lo perdieron todo por culpa de la erupción de la Palma. Lo ha seleccionado David Muñoz, que destaca sobre el argumento cómo “la protagonista se niega a abandonar los terrenos donde estuvo su casa y su hijo, que vuelve para convencerla de que entre en razón y se ve obligado a enfrentarse a sus propias pérdidas.

Muñoz también tutorizará ‘Goda’, una historia que “cuenta muy bien la sensación de indefensión que se apodera de los niños cuando el mundo que han conocido hasta ese momento corre peligro de desmoronarse. También habla de otras cosas interesantes, como qué es realmente y cómo se forma una familia”, matiza.

‘La Isla de los Lobos’ es un thriller-drama de suspense que sigue a un grupo de soldados destinados en la isla de Lobos en 1978, donde la tensión y el miedo los consume en un entorno árido e implacable. Marta Buchaca, su tutora, destaca que esta propuesta “alterna entre los eventos en la isla y el presente, de forma que la narrativa mantiene la tensión constante, explorando cómo el miedo y la culpa transforman los recuerdos con el tiempo.

‘Pobres Diablas’ es una comedia juvenil que combina humor, amistad y cultura local para ofrecer una historia fresca y original, también seleccionada por Buchaca. “Con una premisa divertida y alocada, la película captura la esencia de la adolescencia: la ilusión de lograr lo imposible, la necesidad de pertenecer y los errores que forman el carácter. Su ambientación en El Hierro le da un aire único, alejándose de los escenarios urbanos habituales y ofreciendo una visión poco explorada de la juventud en contextos insulares”.

‘Días de julio’ situada en Las Palmas en los días previos al 19 de julio de 1936, “es una propuesta que narra en clave de drama los acontecimientos que ya conocemos, pero desde el punto de vista de tres personajes ficticios que se convierten en los protagonistas de la historia, dejando a los personajes históricos como secundarios de la misma”, expone la tutora Arantxa Cuesta en su motivación. “Con Las Palmas como epicentro de lo que por desgracia sucedió, pero de lo que pudo no suceder, es una historia con un enorme potencial para convertirse en una muy buena película”.

‘Nana de lava y salitre’ es una historia sobre violencia machista, “aunque con un enfoque diferente”, indica Teresa Bullón. “La película comienza veinte años después; una vez que el asesino sale de la cárcel y sus hijas, las víctimas vicarias que presenciaron el asesinato de su madre a manos de su padre, tienen que asumir que él volverá a la casa familiar”.

Bullón también trabajará con ‘Abril es joven’, una propuesta que sigue la estela “de autores como Woody Allen, Nora Ephron o Noah Baumbach y que trata sobre el existencialismo, sobre la crisis de la mediana edad.

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