El autor de ‘Un día en la vida de Abed Salama’, que visita Canarias por primera vez, estará el próximo 11 de marzo en el Salón de Actos del Espacio Cultural CajaCanarias a partir de las 19.00h
Santa Cruz de Tenerife, 23 de febrero de 2026
La programación de Tenerife Noir suma otro encuentro de alta trascendencia periodística y literaria de la mano del Premio Pulitzer (2024), Nathan Thrall, que estará el próximo 11 de marzo en Salón de Actos del Espacio Cultural CajaCanarias a partir de las 19.00 horas, en la que será su primera visita a Canarias. Las entradas se podrán adquirir https://tickets.janto.es/cajacanarias/public/janto/main.php#.; la sesión contará con traducción simultánea.
Bajo el título: ‘Palestina hoy,’ el profesor de Sociología de las Relaciones Internacionales en la Universidad de La Laguna, José Abu-Tarbush Quevedo, conducirá un espacio de reflexión y diálogo en torno a la realidad del pueblo palestino a través del trabajo periodístico de Thrall. La conversación, guiada por el experto Abu-Tarbush, profundizará en la llamada ‘cuestión palestina’: tensiones políticas, historia y, sobre todo, la actualidad que se vive a día de hoy en una tierra convulsa, incorporando la dimensión narrativa y literaria. En este marco, la obra ‘Un día en la vida de Abed Salama:anatomía de una tragedia en Jerusalén’, encaja a la perfección en el género noir ofreciendo una visión histórica y desgarradora que continúa siendo noticia a día de hoy.
Periodista de formación ha publicado artículos y reportajes en medios como The New York Times Magazine, The Guardian o The New York Review of Books, traducidos a más de una docena de lenguas. Thrall, que también ha sido profesor en el Bard College y es autor del ensayo ‘The Only Language They Understand: Forcing Compromise in Israel and Palestine’ (Metropolitan Books, 2017), ha formado parte durante una década del International Crisis Group, una de las organizaciones más influyentes en análisis de conflictos, como analista jefe del Programa para Oriente Medio y el Norte de África. Sus escritos han sido citados también en el Consejo de Seguridad, la Asamblea General y el Consejo de Derechos Humanos de las Naciones Unidas, así como en informes de Amnistía Internacional y Human Rights Watch.
‘Un día en la vida de Abed Salama’ narra la búsqueda desesperada de un padre palestino de su hijo de cinco años, Milad. Una historia que, basada en hechos reales, cuenta una verdad diaria a la que se enfrentan en muchas ocasiones las personas que viven en Palestina: trámites burocráticos interminables o las restricciones impuestas por el ejército israelí, trabas que, en este caso, solo sirven para separar a un padre de su hijo. La participación de Nathan Thrall consolida a Tenerife Noir como un espacio de diálogo internacional donde la literatura y el periodismo se convierten en herramientas para comprender los conflictos contemporáneos. Su presencia amplía el alcance del festival más allá del género, situándose en el centro del debate cultural y político actual.
Tenerife Noir 2026, un festival con sentido transversal
La undécima edición del Tenerife Noir despierta el pensamiento crítico entendiendo el género como un movimiento transversal en sus múltiples facetas capaz de trascender más allá de la literatura para ser fuente de inspiración para diferentes disciplinas.
Este año está marcado por un doble aniversario que refuerza este enfoque, los 40 años de Watchmen, obra revolucionaria de Alan Moore, Dave Gibbons y John Higgins y de Shadow: Blood & Judgment, la miniserie de Howard Chaykin. Creaciones que hacen de este género la herramienta perfecta para cuestionar el poder, la moral y el discurso social.
Tenerife Noir cuenta con el patrocinio del Ministerio de Cultura, el Gobierno de Canarias, el Cabildo de Tenerife, Turismo de Tenerife, el Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife y el Ayuntamiento de San Cristóbal de La Laguna, así como con la colaboración de la Universidad de La Laguna, la Fundación CajaCanarias y la Fundación DISA. Además, la marca DS Automobiles participa como vehículo oficial del festival.
Las bases serán de libre acceso a través de la web oficial del festival: información en www.tenerifenoir.com
En la obra de Óscar Latuag, el desgaste es virtud, es inicio. Cada hendidura, cada fisura y cada curva trabajada en la madera revela un tránsito más que una conclusión. La materia no aparece como algo fijo, sino como un cuerpo en transformación constante, donde el paso del tiempo no erosiona, sino que abre nuevas posibilidades de existencia.
La madera —maleable, orgánica, viva incluso después de haber sido árbol— se convierte en territorio de metamorfosis. Bajo las manos de Latuag, el material se curva, se pliega y se tensa, recordándonos que toda estructura contiene en sí misma la posibilidad del cambio. Sus esculturas parecen capturar ese instante suspendido en el que algo deja de ser lo que era, pero aún no termina de definirse. En ese umbral, la obra respira.
Las formas curvas evocan los movimientos silenciosos de la naturaleza: el crecimiento lento de una rama, la erosión paciente del agua sobre la superficie, la torsión interna que permite a un tronco resistir el viento. No hay imposición violenta sobre la materia, sino una negociación sensible con ella. La delicadeza del gesto convive con la tensión de las fuerzas que atraviesan cada pieza. La madera se dobla, pero no se quiebra; se abre, pero no se fragmenta del todo. En esa contención se manifiesta una poética de equilibrio inestable.
En esta exposición, la pintura y la escultura no se presentan como disciplinas autónomas, sino como territorios permeables. Las formas que emergen en la superficie pictórica parecen desbordar el marco, reclamar espesor, insistir en su voluntad de cuerpo. Las esculturas, por su parte, no se limitan a ocupar el espacio: prolongan gestos pictóricos, insinúan trazos que han abandonado el plano para volverse materia. Se produce así una contaminación de lenguajes donde la imagen se densifica y el volumen se vuelve signo.
La yuxtaposición de obras genera una experiencia de tránsito continuo. El espectador percibe cómo la materia pictórica parece solidificarse en las esculturas, como si el color y el trazo encontrarán en la madera una segunda instancia de existencia. A la vez, las superficies curvas y tensas proyectan sombras que funcionan como dibujos efímeros sobre los muros, activando
nuevamente el plano. La sombra se convierte en un tercer lenguaje: ni pintura ni escultura, sino un espacio intermedio donde ambas se reformulan.
Este desbordamiento no es un gesto formal, sino una declaración sobre la naturaleza misma de la materia: nada permanece en un solo estado. Todo se transforma, se desplaza, se reconfigura. El desgaste, lejos de señalar un final, evidencia la energía latente del cambio. Las vetas expuestas, las tensiones visibles, las superficies erosionadas hablan de procesos abiertos, de formas que continúan haciéndose incluso ante nuestra mirada.
En El desgaste se vuelve origen, Latuag propone una reflexión sobre la fragilidad como potencia y sobre la transformación como condición esencial. Texto de Beatriz Roca
Sobre el artista:
Óscar Latuag (Tenerife, 1989)
Artista multidisciplinar, arquitecto, escultor, muralista, diseñador. En síntesis: explorador de las formas.
En su obra, Latuag percibe y observa la idea en sí misma, en su naturaleza, como si de un escáner se tratara, clasificando, agrupando, seleccionando y eliminando excesos, hasta llegar a la expresión absoluta, simple y necesaria de lo que quiere contar. Su denominada “perfección pasajera”.
Múltiples artistas son los que admira, como César Manrique, Kandinsky, Alexander Calder, Jean Tinguely, que sumado a sus estudios y años de carrera como arquitecto, hacen que su arte, por sí solo, se vea así.
“A los alumnos les digo que cuando faltan palabras, las imágenes son de gran ayuda para disfrutar y sacar lo que tienes dentro”
“La depresión y la ansiedad me han marcado bastante y dibujar me ayudó a superarlas”
“Veo a la ilustración como algo muy constante, los cómics conllevan más imágenes y movimiento”.
“La figura humana y especialmente la femenina, siempre me ha llamado la atención, creo que da mucho juego a la hora de crear”
Lisa Giambra, es una ilustradora italiana nacida cerca de Venecia, que cuando tenía nueve años vino a vivir a Tenerife, estudió en Gales y ocasionalmente ha viajado a Japón donde reside su hermana. Por ello, no es extraño que además de ser una firme defensora del realismo, su trabajo también se vea influido por la multiculturalidad. En Canarias ofrece unos originales talleres en espacios como la biblioteca de La Granja en Santa Cruz y en otros puntos de la Isla donde enseña, por ejemplo, como elaborar fanzines. También se ha especializado en plasmar en imágenes poemas de poetas canarias, se define como una apasionada de los cuerpos humanos, especialmente femeninos, punto al que llegó partiendo de su devoción juvenil por el manga y el anime. Ha participado en varias ediciones de la serie Ilustradoras & Ilustradas de la Fundación Canaria Cine + Cómics y en los los mercados de los salones de Santa Cruz y La Laguna, ocasiones únicas para dar a conocer su trabajo y sacarle rendimiento económico. Lo que siempre viene bien.
-¿Cómo es que tu familia vino desde Italia hasta Tenerife?
-A mis padres siempre les gustó la Isla pero también fue porque en Italia les resultaba muy complicado conseguir un trabajo.
-¿Y cómo se gestó tu entrada en el mundo de la ilustración?
-La verdad es que siempre me ha gustado dibujar. Desde pequeña estuve muy obsesionada con el manga, el anime… y todo eso fue lo que más me motivó desde un principio a meterme de lleno en la ilustración básicamente, aunque luego a partir de ahí desarrollé un poco más mi estilo que en principio era casi exclusivamente en plan manga.
-Veo que estudiaste en la BA Ilustration de la Universidad de Wales Trinity Saint David en Swansea del Reino Unido y que además te graduaste con matrícula de honor.
-Hice un año de diseño aquí en Tenerife en la Universidad de La Laguna (ULL) pero la verdad es que no me gustó nada. Así que como tenía una amiga que estudiaba en Gales y en ese momento antes del Brexit no era tan rígido y daban subvenciones incluso a gente del resto de Europa, me fui para allí porque había un grado universitario sobre ilustración, así que decidí estudiarlo.
-¿Y cómo se fue gestando tu estilo actual? ¿Existe algún motivo por el que hayas optado por el realismo? A parte de que sea porque te gusta, claro.
-Siempre me ha gustado mucho el manga y el cómic pero prefiero sacar el lado más realista.
–¿Y has hecho alguna vez un cómic?
-De pequeña sí hacía muchos en el instituto pero ahora mismo no hago nada.
-¿Ni te lo planteas?
-Bueno, planteármelo sí me lo planteo, lo que pasa es que lo de dedicarme a la ilustración se ha convertido en algo más constante y además los cómics conllevan muchas imágenes, movimiento… así que es más complicado, pero claro es algo que me gustaría hacer en el futuro.
-Supongo que ya tendrás alguna idea.
-Claro, alguna idea tengo. Cuando iba al instituto hice una especie de cómic sobre unas chicas que tenían superpoderes.
-¿Cuál es tu relación con la Fundación de Cine + Cómics?
-Desde hace ya bastantes años participó en el artist alley del Salón del Cómic de Santa Cruz y ahora he empezado a hacerlo también en el de La Laguna. Además, he colaborado muchas veces en la serie Ilustradoras & Ilustradas aportando una ilustración que luego ponen en la exposición, algunas basadas en un poema y otras no.
-Y luego está tu faceta de impartir talleres sobre fanzines.
-He dado alguno en la Biblioteca de La Granja, en Merkarte en La Recova… en bastantes sitios de la Isla.
-¿En qué consisten los talleres?
-Normalmente se centran en cómo hacer un fanzine pero a veces también sobre otros aspectos como la ilustración. En el caso de los fanzines básicamente se trata de partir desde cero, con la idea de que sea siempre algo abierto. Los suelo concentrar sobre todo en las ilustraciones y a partir de ahí abarcamos más conceptos, ideas, palabras o cosas que te gustan y los voy guiando para hacerlos, aunque sean muy cortitos, de un par de páginas.
-¿Haces luego un seguimiento? ¿Sabes si se publican?
-No, no hago un seguimiento pero sí es verdad que ahora estoy dando talleres de forma más regular en la biblioteca infantil y juvenil de La Granja en Santa Cruz, una vez al mes, y lo que sí intentamos más que hacer un seguimiento para que sea una especie de historia continúa.
-¿Qué aceptación han tenido hasta ahora?
-¿Cuánta gente viene y todo eso?
-Bueno, más bien si la gente disfruta.
-Pues yo lo disfruto un montón. Me gusta enseñar en estos talleres, me encanta porque al final ves que la gente viene con ganas de dibujar o simplemente de aprender cosas nuevas. Aunque no sepan dibujar la verdad es que se lo pasan genial, veo como disfrutan y a mí todo eso es algo que me llena un montón porque compruebas que al final vale la pena hacerlo si la otra persona se va a su casa con la misma satisfacción que tú. Comprobar que hemos pasado un buen rato, que todo esto no es algo que se quede en uno mismo. Eso me encanta.
-¿Cuál dirías que ha sido la evolución de los fanzines desde los de la época de los setenta y ochenta que fue cuando explotaron, hasta ahora? Tanto en la forma como en el fondo.
-Eso es algo que depende mucho porque al final te enfrentas a un montón de temas y la gente elige unos u otros. Es muy difícil decirlo porque los fanzines han evolucionado en el sentido de que los puedes hacer como un collage, sólo con imágenes o únicamente con texto… creo que la gente hasta ahora se lo ha tomado de una forma bastante light, en el sentido de que es algo muy libre y me parece que lo guay de los fanzines es que cada persona puede darle su toque y tomar sus propias elecciones.
-¿Tú has hecho alguno?
-Cortitos pero sí he hecho alguno.
-¿Tienes en mente publicarlos?
-Pues la verdad que aún no lo tengo claro, ni lo he pensado y en cuanto a los alumnos eso es algo que depende de ellos aunque por supuesto que los animo.
-¿Y qué es lo que explicas a la hora de hacer un fanzine? ¿Qué consideras que es lo fundamental?
-Obviamente es un mundo tan amplio que me resulta muy difícil plantearlo como algo fijo. Para mí es una propuesta muy libre, un ejemplo de libertad de expresión y de cómo poder hacerlos en el formato que más o menos uno quiera.
-Veo en tu presentación que la mayor parte de la inspiración te viene de experiencias personales, el entorno en el que te mueves y las diferentes culturas en las que has vivido. ¿Qué significa todo eso exactamente?
-Viene de que soy italiana, me mudé a Canarias, he vivido en Reino Unido, mi hermana está en Japón… así que me siento muy cerca de todas estas culturas, que me han influido un montón y eso es algo que se acaba reflejando de una u otra manera en mi trabajo y en como lo hago.
-También haces mención a cuestiones como la depresión, la ansiedad… ¿Todo eso lo has vivido?
-Sí, todo eso es algo que ha influido mucho en las obras que hago, especialmente en las ilustraciones, cuadros y pinturas. La depresión y la ansiedad me han marcado bastante en la vida y precisamente dibujar me ha ayudado a superarlas y aceptar que han pasado y las he podido superar.
-¿Qué consejos das en tus talleres a aquellos que pueden estar viviendo este tipo de episodios?
-Básicamente les digo que si de verdad les gusta pintar, dibujar y hacer ilustraciones, lo vean como una especie de terapia para ellos mismos, que no miren solo hacia afuera sino que encuentren por esta vía una forma de expresarse. Muchas veces cuando no hay palabras las imágenes son de mucha ayuda, así que lo principal es que disfruten, que saquen lo que tienen dentro.
-También se dice de ti que tu estilo se centra mucho en el cuerpo humano. ¿Cuál sería el motivo?
-No lo sé, la verdad. La figura humana en sí y especialmente la femenina, siempre me ha llamado la atención, porque creo que da mucho juego a la hora de crear, me gusta mucho dibujar en vivo y por eso la figura humana es lo que más suelo dibujar.
-¿Qué proyectos tienes a corto o medio plazo? O incluso a largo.
-De momento me estoy centrando en los talleres que doy en diferentes lugares, tanto en la biblioteca como en ferias del libro, artists alleys y mercados durante el año, así que por ahora lo que pienso es seguir dedicándome a todo eso, tanto en forma de ilustración como de talleres.
-¿Pero los talleres los organizas tú o cuentas con el apoyo de alguna institución?
-Por lo general los organizo yo, aunque también les propongo la idea a diferentes instituciones para darlos a través de ellos.
-¿Y cuál suele ser la respuesta de los participantes a las distintas propuestas que haces?
-Por lo general es muy positiva aunque dependiendo del tipo de taller. El del fanzine suele ser el mejor aceptado pero también doy otro sobre ilustraciones de poemas de artistas canarias en el que junto con ellos intento plasmar sus obras en ilustraciones y que suelen gustar bastante. Luego hay uno más de manualidades que hacemos con unas libretas que empezamos a partir de cero, lo que implica que puedes poner tus propias ilustraciones, por ejemplo, con el papel que quieres o la portada que más te guste.
-¿Qué significa exactamente que una libreta parte de cero?
-Construir una libreta, uniendo los folios con hilo y aguja y la carcasa que serían la portada y la contraportada. Y además hacerlo todo partiendo de páginas en blanco, básicamente.
-¿Y en cuanto a los poemas? ¿Cuáles son los autores que has escogido?
-Todas son artistas canarias como Aida González Rossi, Natalia Sosa Ayala, Josefina de la Torre Millares o Mercedes Pinto. Le pedí a una escritora amiga mía que me diera referencias de creadoras y sobre todo que fueran mujeres para poder luego trabajar con sus poemas y proponerlos en los talleres.
-¿Cuál es el proceso?
-El proceso es pasar un texto a imágenes de manera que puedas extraer una palabra clave en la que luego se basará el dibujo partiendo de diferentes bocetos para ver cuál de ellos concuerda y refleja mejor lo que el artista quería expresar. A partir de ahí vas desarrollando la ilustración en base a diversos conceptos hasta llegar al resultado final.
-¿Se centra en una sola imagen o en una asociación de varias?
-Normalmente intento que sea solo una pero es verdad que algunas personas no pueden evitar hacer una asociación partiendo de los bocetos.
El nuevo episodio de Dimensión Oculta (9×10) se adentra en uno de los hallazgos más intrigantes de la arqueología sudamericana: los cráneos alargados de Paracas, descubiertos en el desierto peruano y rodeados de debate científico y teorías alternativas desde hace décadas.
Estas piezas óseas, de morfología inusual, han alimentado interpretaciones que van desde prácticas culturales ancestrales documentadas hasta hipótesis de origen no convencional. El programa analiza qué afirma la investigación académica actual sobre estos restos y revisa el contexto histórico y arqueológico en el que fueron encontrados.
En este episodio, el equipo conversa con el investigador y divulgador Josep Guijarro para examinar en detalle las evidencias disponibles, las controversias sobre los estudios de ADN, la expansión de mitos virales y las distintas interpretaciones que han circulado a nivel internacional.
Además, el capítulo aborda el impacto de las recientes declaraciones públicas de Barack Obama sobre la posibilidad de vida extraterrestre, planteando una pregunta clave: ¿se trata de probabilidad científica o de pruebas verificables? El análisis pone el foco en la diferencia entre evidencia, hipótesis y especulación.
El episodio propone un recorrido que conecta pasado y presente: desde restos humanos antiguos hasta los debates contemporáneos sobre vida fuera de la Tierra, explorando el delicado equilibrio entre rigor científico y misterio.
Un podcast que explora los límites entre lo real y lo imposible
¿Y si el misterio no fuera una excepción… sino parte de nuestra realidad cotidiana? Con esa pregunta nació Dimensión Oculta, un podcast creado y conducido por la comunicadora e investigadora Carmen Pérez, para quienes buscan indagar en los fenómenos inexplicables desde una mirada honesta, emocional y documentada.
Dimensión Oculta propone un viaje sonoro donde el misterio cobra vida a través de relatos, testimonios reales, análisis rigurosos y una narrativa cinematográfica que envuelve al oyente desde el primer minuto. Cada episodio se adentra en temas como apariciones, casas encantadas, entidades sin rostro, psicofonías, Ovnis, tragedias marcadas por lo paranormal, vampiros y criaturas imposibles que residen en los límites de nuestra comprensión.
En su séptima temporada, el podcast ha reunido voces de gran prestigio en el ámbito del misterio y la investigación: José Manuel Frías, Mercedes Pullman, David Cuevas, Javier Resines, Las Investigadoras Místicas, José Manuel García Bautista, Raúl Sacrest, Álvaro Collantes, Paz Velasco de la Fuente, entre otros. Junto a ellos, Carmen construye un espacio donde lo enigmático no se ridiculiza, sino que se escucha con respeto y curiosidad.
“Siempre sentí que el misterio no está en lo extraordinario, sino en lo que aún no comprendemos del día a día”, comenta su autora. “Este podcast nació de una inquietud personal que se convirtió en necesidad: entender, compartir, acompañar a quienes también se hacen preguntas sin respuesta”.
Dimensión Oculta ha logrado conectar con un público cada vez más amplio personas interesadas en lo paranormal, lo espiritual o simplemente curiosas por lo desconocido gracias a su estilo cuidado, envolvente y profundamente humano. No es un podcast de sustos, sino de atmósferas. No busca respuestas fáciles, sino despertar nuevas preguntas.
Está disponible en Spotify, Ivoox, Apple Podcast, Amazon Music, Google Podcast, YouTube y otras plataformas, y cada episodio está pensado para vivirse como una experiencia sensorial.
Se proyecta el 24 de febrero en Gran Canaria; y el jueves 27, en Tenerife, dentro del ciclo dedicado al cineasta estadounidense Abel Ferrara
Las sesiones son de entrada gratuita, hasta completar aforo, y las invitaciones se pueden retirar en las webs y en las taquillas de ambos espacios
Filmoteca Canaria y Tenerife Noir continúan con el ciclo dedicado al cineasta estadounidense Abel Ferrara, una de las figuras más singulares e influyentes del cine contemporáneo, con la programación de ‘Teniente corrupto’ (Bad Lieutenant 1992). El film podrá verse el próximo 24 de febrero en el Teatro Guiniguada (Las Palmas de Gran Canaria) y el 27 en el Espacio Cultural La Granja (Santa Cruz de Tenerife), ambas en versión original con subtítulos en español, a partir de las 19.00 horas.
En ‘Teniente corrupto’ narra la historia de un policía venido a menos en un Nueva York decadente, marcado por la oscuridad y la corrupción. Un ambiente que contamina todas las esferas y termina arrastrando a su protagonista, Harvey Keitel. Consumido por una espiral de autodestrucción, el teniente investiga un crimen que desafía su ya frágil sentido de la justicia. La película se adentra sin concesiones en las profundidades morales de un hombre al borde del abismo, en una historia marcada por el exceso, el pecado y la búsqueda desesperada de redención.
Todas las sesiones del ciclo son de entrada gratuita, hasta completar aforo. Las invitaciones para asistir a las proyecciones pueden retirarse a través de las webs oficiales de ambos espacios, www.elteatroguiniguada.com y www.espaciolagranja.com; así como en ambas taquillas.
Abel Ferrara, un referente en el cine de autor
Considerado un director de culto, Abel Ferrara ha desarrollado una filmografía marcada por una intensidad poco común y una fuerte carga ética. Ambientadas en una Nueva York nocturna y áspera, sus películas retratan personajes al límite y han ejercido una influencia duradera en el cine independiente internacional, siendo objeto de retrospectivas y revisiones constantes en filmotecas y festivales de todo el mundo.
Con esta programación, Filmoteca Canaria y Festival Atlántico del Género Negro Tenerife Noir continúan una línea de trabajo sostenida en el tiempo, basada en el desarrollo de ciclos estables, retrospectivas y programas temáticos que acercan al público canario obras fundamentales de la historia del cine y del cine contemporáneo, consolidando un espacio de encuentro para la reflexión, la formación de públicos y la difusión del patrimonio cinematográfico.
El próximo 13 de marzo ‘Memoria, ciudad y literatura’, una conversación a propósito de ‘La península de las casas vacías’ y ‘La ciudad de las luces muertas’ a partir delas 19.00 horas en el Salón de Actos de la Fundación CajaCanarias
Santa Cruz de Tenerife, 21 de febrero de 2026
El reciente ganador del Premio Nadal de Novela 2026, David Uclés, se cita por primera vez con los lectores canarios el próximo 13 de marzo en el espacio conversacional ‘Memoria, ciudad y literatura’. Con su novela, ‘La ciudad de las luces muertas’, el escritor jienense cautivó al jurado de uno de los premios con mayor historia de la literatura en nuestro país, en activo desde 1944. Uclés será el protagonista de un formato que permitirá reflexionar y profundizar en la obra ‘La península de las casas vacías’ (Siruela), será en el Salón de Actos de la Fundación CajaCanarias a partir de las 19.00 horas. La actividad está coorganizada con el Observatorio Cultural Domingo Pérez Minik, las entradas están disponibles en https://tickets.janto.es/cajacanarias/public/janto/main.php#
Los periodistas Juan Cruz y Raquel Toste, junto a la filósofa Ana Hardisson, serán los encargados de indagar en esa visión tan particular que Uclés plasma sobre la Guerra Civil española y la posguerra a través de la historia de la familia Ardolento. Una narrativa que mezcla la realidad con un mundo imaginario jugando con el simbolismo para generar una construcción muy visual.
Una obra que encaja a la perfección en el género noir presentando la descomposición de una sociedad rota por un conflicto que deja heridas profundas en las personas, en las historias y en las familias. Una alegoría que muestra el desarraigo y la soledad de una península vacía tras el paso devastador de la guerra y la huella eterna que deja la posguerra en las personas y los espacios.
De autor de culto, conocido en círculos de literatura más independiente por obras como ‘Emilio y Octubre’, Uclés con su costumbrismo mágico pasa a convertirse en un fenómeno literario, social y cultural. Un autor que no rehúye al debate poniendo la literatura al servicio de la causa: invitar a reflexionar sobre lo vivido en tiempos pasados con una narrativa que atraviesa al lector con recreaciones que conmueven y emocionan. Tenerife Noir reafirma así su apuesta por un género que no solo entretiene, sino que cuestiona y confronta. En un contexto en el que la memoria histórica vuelve al centro del debate público, la obra de Uclés plantea una reflexión literaria sobre las cicatrices que aún perduran.
Tenerife Noir 2026, un festival con sentido transversal
La undécima edición del Tenerife Noir despierta el pensamiento crítico entendiendo el género como un movimiento transversal en sus múltiples facetas capaz de trascender más allá de la literatura para ser fuente de inspiración para diferentes disciplinas.
Este año está marcado por un doble aniversario que refuerza este enfoque, los 40 años de Watchmen, obra revolucionaria de Alan Moore, Dave Gibbons y John Higgins y de Shadow: Blood & Judgment, la miniserie de Howard Chaykin. Creaciones que hacen de este género la herramienta perfecta para cuestionar el poder, la moral y el discurso social.
Tenerife Noir cuenta con el patrocinio del Ministerio de Cultura, el Gobierno de Canarias, el Cabildo de Tenerife, Turismo de Tenerife, el Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife y el Ayuntamiento de San Cristóbal de La Laguna, así como con la colaboración de la Universidad de La Laguna, la Fundación CajaCanarias y la Fundación DISA. Además, la marca DS Automobiles participa como vehículo oficial del festival.
Esta aclamada miniserie trata el acoso online, la cultura de la cancelación y los roles de género a través de la historia de un misógino.
Tras ganar el premio a la mejor serie y mejor actuación (para Anders Baasmo) en Canneseries y llevarse también el premio a la mejor serie y del público en el Serializados Fest, Filmin estrena el próximo 24 de febrero “A Better Man”. Se trata de una sorprendente miniserie noruega en forma de thriller psicológico donde, tras destaparse la identidad de un troll de Internet con tendencias misóginas, se disfraza de mujer para evitar la persecución. Inesperadamente, esto le abrirá los ojos a los prejuicios sexistas.
Tom es un chico que trabaja en la tienda de ropa de su madre durante el día y que, por las noches, es un troll de Internet. Tras la pantalla, lanza comentarios venenosos bajo seudónimos, con las feministas como blancos predilectos. Cuando la monologuista Live Stensvaag se derrumba en el escenario y expresa su ira en voz alta, unos hackers delatan a Tom: todo el país lo señala y, para escapar de las miradas, encuentra el disfraz más cercano en la tienda de su madre. Así, Tom se convierte en una mujer.
Entre misoginia y trolls
Dirigida por Thomas Torjussen en colaboración con Gjyljeta Berisha, “A Better Man” es una serie valiente que aborda la misoginia y, más específicamente, la masculinidad tóxica en uno de los países más progresistas del mundo, Noruega: «Escribir algo desde la sociedad noruega y ver cómo lo interpretan los alemanes o los españoles es lo más interesante de escribir para mí», comenta el director.
Abordando tres temas candentes de la sociedad actual: los trolls de internet, la cultura de la cancelación y el machismo, Thomas Seeberg Torjussen tuvo la idea por primera vez hace más de diez años, cuando vio cuánta misoginia flotaba en los rincones más oscuros de Internet: «Veo que mis primeras notas son de 2011», comenta. A la vez que señala un patrón que se ha ido repitiendo a lo largo de los años, «donde se culpa a las feministas de todo lo que está mal en Noruega y en el mundo occidental».
Una brillante actuación
A pesar de la gravedad de sus temas, lo que sorprende y fascina también de la serie es la vena cómica; su capacidad para tejer notas de humor en situaciones trágicas, sin diluir su fuerza crítica. Eso es, en parte, gracias a la estelar actuación de Anders Baasmo («An Immortal Man», «Kon-Tiki»), que fue reconocido en el Canneseries llevándose el galardón a la mejor actuación. Irónicamente, el actor protagonista no tiene redes sociales, por lo que fue un reto especialmente desafiante interpretar a Tom.
● El documental ‘Benito Pérez Buñuel’, de Luis Roca, finaliza el día 21 de febrero su recorrido por diferentes municipios de la isla, combinando historia, ficción y animación para explorar las conexiones entre dos referentes de la cultura española
La magia de la literatura y el cine se dan la mano desde el pasado año en Gran Canaria con la proyección del documental dirigido por Luis Roca en 2022, ‘Benito Pérez Buñuel’. Esta obra, que entrelaza el documental clásico con elementos de falso documental, autoficción y animación, invita al público a descubrir las sorprendentes relaciones entre el escritor Benito Pérez Galdós y el cineasta Luis Buñuel.
El Auditorio de Teror acoge el día 21 de febrero, a las 20:30 horas, el cierre de la itinerancia de este singular documental que rinde homenaje a la catedrática de Literatura Española Yolanda Arencibia, fallecida el pasado año. La proyección contará con la presencia de su director, Luis Roca y su productora, Marta de Santa Ana, así como de Coca Armas. Las personas interesadas en asistir a esta sesión dispondrán de servicio de transporte gratuito, formalizando su inscripción en perezgaldos@grancanaria.com.
Desde el pasado año el documental ha recorrido varios municipios de la isla, acercando la figura de Galdós al gran público, cumpliendo el legado de Arencibia y su compromiso con “predicar Galdós”. Arencibia, reconocida especialista en la figura de Galdós, tiene un papel destacado en el documental, tanto por su voz como por su pensamiento.
Luis Roca, hijo de Arencibia, define su trabajo como “un documental cinematográfico, no televisivo, que combina recursos narrativos y visuales para atraer a públicos diversos, incluidos los más jóvenes, a través de tres secuencias animadas”.
Según señala el cineasta canario su trabajo puede considerarse “un nuevo hito del documental, tras ser el primero de Canarias con distribución nacional en salas comerciales de España, en 17 ciudades en 11 comunidades autónomas; lograr la financiación de tres televisiones, TVE, TVC y Telemadrid; además del recorrido en festivales, con tres premios internacionales en Uruguay, Colombia y Perú, y haber sido elegido en embajadas y centros de España en el extranjero (Institutos Cervantes y AECID) para ciclos y proyecciones en Argentina, EEUU, Filipinas, Ucrania…. Es notable que haya sido también objeto de estudio en unas jornadas en la universidad Rey Juan Carlos de Madrid, y haya sido exhibido en centros de enseñanzas medias, bachillerato y universidades”.
“Todo ese recorrido es completamente inédito para una película producida íntegramente en Gran Canaria. Con el valor añadido de que su productora es una mujer que se ha enfrentado al reto en solitario”, agrega Roca.
En el ciclo itinerante llevado a cabo por los municipios de Gran Canaria se ha invitado para la presentación del filme a amigos de Yolanda Arencibia, entre los que han figurado Lluís Serra, Pedro Betancor, Alejandro Peñafiel (como representante del fallecido Jerónimo Saavedra, amigo de Yolanda y voz de Galdós en la pelicula), Isabel García Bolta, Jaime Morales, Daniel Pérez Estévez (como representante del también fallecido José Miguel Pérez, amigo de Arencibia), Beatriz Morales y Coca de Armas, que cierra el periplo con la presentación que llevará a cabo en Teror el día 21 de febrero en su Auditorio Municipal, a las 20:30 horas.
Asimismo, a las proyecciones han acudido políticos, creadores del sector cultural, alcaldes, concejales de Cultura de los municipios, y, entre el numeroso público, muchos profesores y personas del ámbito de la enseñanza.
El trabajo ‘Benito Pérez Buñuel’ ha sido apoyado para su financiación por el Acción Cultural Española del Gobierno de España, Cabildo de Gran Canaria, Gobierno de Canarias, Ayuntamientos de Madrid y Calanda, Crea SGR, Fundación Mapfre y Diputación de Teruel. Han comprado sus derechos Radio Televisión Española, Telemadrid y Televisión Canaria.
Sobre el director
Luis Roca Arencibia (Las Palmas de Gran Canaria, 1969) es cineasta, escritor cinematográfico y experto en comunicación. Es el director y guionista del documental ‘Benito Pérez Buñuel’, bajo la producción de Marta de Santa Ana sobre las confluencias entre Benito Pérez Galdós y Luis Buñuel. El largometraje obtuvo el premio de la crítica en el 17 Festival Internacional de Cine Documental de Uruguay, Atlantidoc y mención de honor en el 40 Festival de Cine de Bogotá, Bogocine.
En los años 90 Roca dirigió los documentales ‘La Isleta, (1883-1993)’ (1994), ‘Anastomosis. Encuentro de Creación’ (1994) y ‘The Coelacanth’ (1995). Trabajó como asistente de dirección y script en películas como ‘Mararía’ (Antonio José Betancor, 1998), ‘La Raya’ (Andrés M. Koppel, 1997) y ‘La isla del infierno’ (Javier Caldas, 1998). Fue el realizador del videoclip ‘Vuela en guagua’ (Los Coquillos, 1998). Su videocreación ‘A Meager Canary Beach’, dirigida con Mariano de Santa Ana, fue la representación de España, en 1997, en el pabellón de la II Bienal Internacional de Arquitectura de Rotterdam.
El single, que se estrena este viernes, 20 de febrero, resignifica uno de los himnos del reguetón desde su identidad artística
La producción, creada desde cero, apuesta por un sonido propio que mezcla pop electrónico y música urbana
Xerach lanza el próximo viernes, 20 de febrero su nuevo single, Pobre Diabla, una reinterpretación del clásico tema de reguetón que popularizó Don Omar y que marcó a toda una generación. Lejos de la nostalgia, la cantante lleva el clásico a su propio universo sonoro y emocional, transformándolo en una pieza de pop electrónico y música urbana.
Para Xerach, la elección del tema no es casual: “Es una de las canciones favoritas de mi vida. Está muy ligada a mi adolescencia, a una etapa en la que estudiaba percusión y, cuando salía, lo que más me apetecía escuchar era reguetón antiguo. Lo vivía casi como algo secreto, pero se me quedó asociado a la fiesta, a la alegría y a un lugar emocional al que sigo volviendo”. La artista conecta esa memoria personal con el imaginario generacional que atraviesa su proyecto, centrado en la fragilidad de los vínculos y la soledad emocional en la sociedad actual. Más que llevar la canción a un terreno íntimo, Xerach la ha llevado a un terreno propio: “Le canto a esa pobre diabla desde otra pobre diabla, desde un lugar de identificación. Ese desplazamiento forma parte también del enfoque LGTB desde el que construyo mi proyecto”. Su objetivo era claro: resignificar un himno colectivo desde su identidad, su sensibilidad y su lenguaje musical.
Musicalmente, la producción se ha construido íntegramente con sintetizadores, capa a capa, y con un trabajo vocal coral que busca una experiencia compartida. Hay guiños al original, como la guitarra inicial, convertida aquí en una línea de bajo sintetizado, pero la canción crece progresivamente hasta estallar en un dembow final que apela a la euforia y a la liberación. “Mi música parte de transformar emociones difíciles en disfrute y catarsis colectiva. Esa tensión entre una letra dura y el placer que produce la música me interesa mucho”, explica la cantante canaria. El proceso creativo fue especialmente personal. Durante las últimas Navidades, la artista se encerró durante tres semanas en el sótano de sus padres, en Gran Canaria, creando cada sonido desde cero como una forma de diálogo honesto con el original. “No quería usar librerías ni sonidos prefabricados. Necesitaba atravesar la canción de verdad para poder hacerla mía”.
El universo visual mantiene esa misma coherencia. El videoclip, realizado por Parásito Films, está grabado en una azotea, un espacio libre pero también solitario, juega con diferentes velocidades de imagen como metáfora del tiempo: una canción de hace más de quince años conviviendo con el presente. El cuerpo, el baile y el movimiento aparecen como formas de resistencia frente a la soledad emocional de una generación.
La relación de Canarias con el reguetón también atraviesa el proyecto. Xerach recuerda el impacto de Don Omar en su adolescencia y reconoce la influencia rítmica del género en su trabajo: “Vengo de la batería y el reguetón tiene una potencia rítmica que me fascina. Aunque no lo busques, esos sonidos se te quedan y acaban filtrándose en tu manera de componer”. La artista es consciente de que reinterpretar un clásico puede generar debate, especialmente en un contexto en el que su proyecto ya ha recibido críticas y ataques en redes. Sin embargo, lo tiene claro: “El hate no marca mi forma de crear. Este proyecto nace desde el disfrute y desde el amor por el arte. Hice esta versión porque me apetecía, y eso es lo importante”. Más allá de la revisión musical, Xerach también subraya el valor simbólico del tema. Aunque se han producido avances en la representación femenina dentro del reguetón, considera que persiste un juicio misógino hacia las mujeres que protagonizan determinadas historias, por lo que reivindica el papel de la cultura para cuestionar y ampliar los relatos.
Este single ocupa un lugar especial dentro de su trayectoria: es la primera vez que publica una versión de otro artista y, al mismo tiempo, una puerta de entrada a su universo sonoro. “El reguetón antiguo es para mí un refugio emocional. Y creo que esta canción puede ayudar a que mi música llegue a públicos distintos y generar nuevos puntos de encuentro”. Si alguien escucha su versión sin conocer la original, Xerach lo tiene claro: “Me gustaría que sintiera la misma adrenalina que siento yo, y esa sensación de atemporalidad que tienen las cosas que te hacen feliz y sobreviven al paso del tiempo”.
El single estará disponible en plataformas a partir del próximo viernes, 20 de febrero, acompañado de un videoclip dirigido por Camila Cortondo y Macarena Castro (Parásito Films), con coreografía e interpretación de Rocío Barriga y Claudia Bosch.
Se inaugura en el Centro de Arte La Regenta una exposición que pone el foco en su etapa más madura
La mayor parte de las obras expuestas son propiedad del Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria
La exposición ‘Manolo Millares. Centenario’ se inaugura en la capital grancanaria, en el marco de los cien años del nacimiento del artista. El Centro de Arte La Regenta acoge esta muestra del 20 de febrero al 14 de marzo, con una veintena de obras que recorren la trayectoria de este creador canario y universal que influyó de manera decisiva en la renovación de los lenguajes plásticos en la posguerra española. Las piezas artísticas seleccionadas forman parte de las colecciones del Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria y del Gobierno autonómico, entre otras.
La muestra ha sido presentada por la consejera de Universidades, Ciencia e Innovación y Cultura del Gobierno de Canarias, Migdalia Machín, y por el viceconsejero de Cultura, Horacio Umpiérrez, junto al concejal de Seguridad, Convivencia y Cultura del Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria, Josué Íñiguez. La inauguración será este viernes 20, a las
Migdalia Machín señaló que, con esta muestra, no solo se pone en valor la figura de Manolo Millares sino también su obra y su legado como referente para las nuevas generaciones. “Desde Canarias se puede crear, se puede investigar y también influir en el arte internacional sin renunciar a lo que somos”, afirmó.
Por su parte, Josué Íñiguez destacó que, en un centenario como el de Millares, “el Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria no podía faltar a la cita, esta vez de la mano del Gobierno de Canarias, como muestra de la relevancia de su obra para entender el arte, no solo de Canarias sino de toda España; como uno de los fundadores del grupo El Paso y uno de los artistas más relevantes del siglo XX”.
Horario Umpiérrez se refirió a la producción más madura del artista, que es la que recoge esta exposición. “Aquí, Millares pone su mirada en el mundo de la identidad anterior a la conquista de Canarias y actualiza un tema que estaba prácticamente olvidado. Diría que viene a representar lo que en aquel momento querían los nuevos creadores, que era estar en la vanguardia de los movimientos artísticos del mundo, pero sin dejar atrás su identidad”.
Referente del arte insular
La actividad de Manolo Millares (Las Palmas de Gran Canaria, 1926 – Madrid, 1972), tanto en Canarias como en los movimientos de vanguardia internacional, le convierte en referente fundamental del arte insular y una de las firmas más destacadas del arte español del siglo XX. Pese a su temprana muerte, desarrolló una obra personal e inconfundible, construida desde criterios estéticos innovadores. Su profundo interés por la materia lo llevó a experimentar con materiales poco convencionales como la arpillera, que convirtió en eje central de su producción desde mediados de los años cincuenta.
Las arpilleras combinan la violencia del gesto con la crudeza de la materia: telas desgarradas, retorcidas, cosidas y perforadas, pintadas en una paleta restringida al blanco, negro y un uso ocasional del rojo, generan superficies llenas de tensión y expresividad. Así, el artista explora conflictos entre elementos opuestos, como vida y muerte o destrucción y creación, y convierte la propia materia que remite a las momias aborígenes canarias en un vínculo entre la tradición y la plástica contemporánea.
‘Manolo Millares. Centenario’ reúne una selección de su producción más madura, desde finales de los años cincuenta hasta sus últimas obras de comienzos de los setenta, incluyendo algunas de sus icónicas arpilleras, así como pinturas sobre papel y dibujos a tinta. Este homenaje celebra cien años de un artista que creó un universo creativo propio, cuya obra sigue teniendo una influencia duradera en el arte contemporáneo.
Junto al Ayuntamiento de su ciudad natal y al Gobierno de Canarias, colaboran en esta exposición como prestadores TEA Tenerife Espacio de las Artes (Cabildo de Tenerife) y el Museo Internacional de Arte Contemporáneo MIAC (Cabildo de Lanzarote).
Artista
Manolo Millares creció en un entorno familiar vinculado a la vida intelectual de Canarias, lo que le acercó desde joven a escritores, poetas y artistas. De forma autodidacta empezó a desarrollar su interés por el arte realizando dibujos del natural. En 1940 estableció contacto con Felo Monzón y Martín Chirino, un hecho clave en su trayectoria artística.
Desde 1945 exhibió de forma individual en espacios culturales de Las Palmas de Gran Canaria, como el Círculo Mercantil, el Gabinete Literario y El Museo Canario, con obras figurativas en acuarela y pinturas con influencias surrealistas. La experiencia de contemplar vestigios prehispánicos en El Museo Canario influyó profundamente en su obra, y su interés por la cultura tradicional condujo su pintura hacia planteamientos más constructivistas y con referencias aborígenes.
En 1949 participó en la revista Planas de Poesía, junto a sus hermanos Agustín y José María, y en 1950 contribuyó a la actividad del grupo LADAC (Los arqueros del arte contemporáneo), organizando exposiciones, conferencias y la colección de monografías Los Arqueros.
En 1951 presentó obra en la I Bienal Hispanoamericana de Arte en Madrid. La serie de Pictografías canarias, inspirada en pintaderas y su interés arqueológico, marcó un hito en su evolución. En 1955 se trasladó a Madrid con Elvireta Escobio y comenzó a incorporar materiales como la arpillera, que se convertiría en su soporte emblemático.
En 1957 fue cofundador del grupo El Paso, pilar de la vanguardia española de los años cincuenta, y desarrolló un lenguaje plástico austero y expresivo, con una paleta reducida y formas de fuerte presencia material. Millares trabajó además el grabado, la pintura sobre papel y otros soportes, explorando series como ‘Homúnculos’, ‘Neanderthalios’ y ‘Antropofaunas’.
Su carrera internacional se consolidó desde finales de los años cincuenta, con participaciones en bienales como la de São Paulo y Venecia, exposiciones individuales en galerías de París y Nueva York y la inclusión de su obra en importantes museos. Manolo Millares murió en Madrid en 1972, a los 46 años, cuando su influencia en la pintura española moderna ya estaba ampliamente reconocida.
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