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HEROFEST EL HIERRO 2026 adelanta sus primeros cinco artistas para su novena edición

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El festival HEROFEST EL HIERRO 2026 , que se celebrará el próximo 11,12 de septiembre, adelanta cinco nombres para la que será su novena edición. El festival cuya andadura comienza en el año 2017, celebra una nueva edición en el municipio herreño de La Frontera.

Un festival, reciente ganador a la mejor programación en Los Premios Canarios de La Música, sigue apostando por un cartel diverso y fuera de lo convencional, en el que las bandas internacionales, nacionales , insulares se dan de la mano para ofrecer una experiencia única en un entorno como la isla de El Hierro que sin lugar a dudas, convierten a esta cita en algo único.

El HeroFest El Hierro cuenta con el apoyo del Ayuntamiento de La Frontera, Cabildo de El Hierro, Gobierno de Canarias, Fundación Cajacanarias.

PONY BRAVO ha conseguido mantener su discurso creativo directamente intrincado con la remezcla, el humor, la investigación y la cultura crítica. Una banda que se ha convertido en inseparable de la historia de la música en Sevilla y que para muchos, es núcleo generador de propuestas más actuales. El grupo se ha desarrollado en un camino intermedio en el que han sido capaces de encontrar las raíces del rock andaluz de Triana o la psicodelia de Smash para tratar con el humor de Silvio temáticas diversas, pero sin dejar de lado referencias musicales, artísticas y conceptuales de todo tipo. Una propuesta en la que han integrado géneros tan diferentes como el Italo-disco o el dub, siempre al servicio de la iconografía sevillana y de un sonido propio. Su discografía está conformada por collages musicales a los que no se ven las fisuras, que han terminado convirtiéndose en un sonido característico, en el que la música es la protagonista.

En un proceso continuado de dar un paso más allá en su capacidad compositiva, los aires de kraut-rock, se encuentran con las músicas de baile o acompañan al flamenco, dando forma a Pony Bravo. El grupo ha aderezado todo ello con un imaginario propio en el que Curro es rescatado, la giralda es capaz de despegar o la crisis climática inunda Sevilla. Una colección de carteles e imágenes que han tomado vida en distintos videoclips que han marcado, sin duda, una de sus señas de identidad. 

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TRAVO La revelación portuguesa que está conquistando el mundo del psicodelia y el rock progresivo.

Lo que hasta ahora era un secreto bien guardado en la escena independiente de Portugal, ha dejado de serlo. Travo, la banda originaria de Braga, ha irrumpido en la escena internacional con su sesión en vivo para la prestigiosa emisora estadounidense KEXP. Este momento marca un punto de inflexión en su carrera, donde la energía cruda de sus directos y su singular mezcla de psicodelia, stoner y rock progresivo se hace escuchar en los oídos de una audiencia global.Su participación en festivales internacionales como FOCUS Wales y Sonic Whip consolidaron a Travo como una de las bandas más prometedoras del panorama europeo.

La magia ocurrió en Trans Musicales, el icónico festival francés, donde Travo tuvo la oportunidad de grabar su sesión para KEXP. Estas cuatro canciones son suficientes para dejar claro lo que Travo representa en el escenario: una experiencia de sonidos que oscilan entre la intensidad del heavy psych, el misticismo del rock progresivo y la actitud desbordante del garage rock. Cada acorde, cada golpe de batería y cada vocalización de Gonçalo Ferreira llevan a los oyentes hacia una especie de trance colectivo que es difícil de describir sin haberlo vivido en carne propia.

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DEAR JOANNE: La escena guitarrera de Madrid tiene un nuevo eje. Dear Joanne, un dúo de armas tomar con influencias que van del punk al garage, del new wave al power-pop, se ha hecho un sitio gracias a su actitud directa y una estética muy marcada.

Con su sonido, Dear Joanne recuperan la frescura del garage-punk madrileño, pero lo hacen con una mirada actual y sin complejos. El humor surrealista de sus letras (“Benito el aparejador”, “Angie la ladrona”), la energía de sus guitarras y la producción que refuerza ese carácter “en vivo” hacen del EP un arranque sólido para un proyecto que promete.

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PLEITO: Es el proyecto en solitario de Alba Aceytuno, saxofonista de bandas como Aguayro, Arube, Rupatrupa o Zumurrud.

En este viaje, Alba se acompaña únicamente de su saxofón, su voz y diferentes efectos y loops. Con ello crea un universo que mezcla el trance de la respiración circular con letras fruto de la introspección y el puro pleito con todo.El repertorio reinventa también canciones del folklorecanario, abrazando melodías y letras que nos unen con este territorio y su cultura.

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D R Û P E es una banda de Rock Costero Vintage de la Isla de Lanzarote.El grupo en la actualidad deriva de la evolución de Zombie Love, banda conejera que se formó en 2010 .

Destacan por la energía que transmiten al público, con un sonido noventero para bailar sin parar.

En 2023, Gonza tomó la decisión de dejar la banda para centrarse en sus proyectos personales y tras un par de meses, Sly G. se unió para tomar las riendas del bajo eléctrico. Dentro de las actuaciones mas destacadas de la banda, se encuentra el festival Lava Live en el cual D R Û P E abrió el día para la banda mexicana “Maná” y el festival “Mar en Calma” que la banda fue telonera de “Muchachito Bombo Infierno”

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Entrevista a Daniel Corpas, guionista y escritor: “Contarnos el pasado a nosotros mismos no es reabrir heridas, como insisten algunos, sino justo lo contrario: cauterizarlas”. Por Verónica Martín

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El Festival “¡Esto es Histórico!” de literatura y divulgación histórica vuelve a Tenerife (en la Plaza de la Constitución en La Orotava) entre los días 13, 14 y 15 de marzo. Hemos entrevistado a varios de sus próximos invitados, para que nos hablen de su trabajo y de cómo ven el presente y el horizonte de la divulgación.

Daniel Corpas es un guionista y escritor con una larga trayectoria. Ha creado series como Malaka, y ha participado en el guion de otras como El Ministerio del Tiempo, aunque su recorrido profesional es mucho más intenso. Sin embargo, La mano negra es su primera novela. Publicada en 2025, está ambientada en hechos reales acaecidos en el siglo XIX en Jerez, e increíblemente desconocidos para la mayoría de los españoles. Esta novela histórica ha supuesto una labor ingente, pero la historia era tan fantástica que no podía dejarla escapar…

P: He leído un poco sobre tu libro (creo que es tu primera novela), titulado “La mano negra”. La historia está basada en una supuesta organización terrorista, que habría operado a finales del siglo XIX en Jerez. ¿Qué fue lo que más te llamó la atención del suceso real?

En primer lugar, tiene todos los ingredientes que suelen motivarme, esos “grandes temas” a los que uno vuelve siempre, como si trazara círculos a su alrededor. Se trata de un momento histórico muy turbulento, Jerez 1882: el dinero entra a espuertas, gracias a que el vino Sherry es la mercancía española más exportada, pero al mismo tiempo los campesinos viven en condiciones penosas, prácticamente en la Edad Media… Y entonces comienzan a llegar nuevas ideas de Europa, y los terratenientes y los señoritos se asustan, y ese miedo llega al gobierno central en Madrid, que toma cartas en el asunto… Un cóctel explosivo que, como no podía ser de otra manera, terminó estallando.

La historia real es tan potente que, por momentos, cuando topé con ella por primera vez, me daba la sensación de que era una ficción. No daba crédito a que semejante episodio fuese tan desconocido. Pero así es: incluso a día de hoy en la comarca de Jerez, para muchos no es más que un vago recuerdo, teñido de mitología popular… Lo tremendo es que ocurrió realmente, y casi punto por punto como se describe en la novela. Hay dramatización, es lógico, pero sólo la estrictamente necesaria, y queda explicado en una nota final qué es literal y qué inventado. A mí mismo me sorprendió lo mucho de verdad que hay en el libro.

P: Y siguiendo con esa historia del libro… ¿Dirías que estamos ante una «fake news» histórica? ¿Por qué?

¡Sin duda! Hoy, por desgracia, contemplamos perplejos a qué velocidad se propagan por Internet toda clase mentiras y bulos interesados, sin que aparentemente podamos hacer nada al respecto… En aquella época no había redes sociales, pero sí periódicos, y todos contribuyeron al caos informativo y a generar miedo en la sociedad, desde el sensacionalismo, la mala praxis o la ideología. La maquinaria funcionó a todo trapo hasta convertir La Mano Negra en el caso más mediático de la España del momento.

En la primera mitad del año 1883 no se hablaba de otra cosa en el país. Y luego, de repente, el olvido más absoluto… Curioso, ¿no? Y sospechoso, añadiría yo.

P: ¿Por qué te has decantado por escribir una novela histórica?

Desde niño he sido un apasionado de la historia y de la ficción histórica: El Nombre de la rosa, El Lázaro de Púrpura, la saga Cienfuegos o Azteca son libros que han hecho mella en diferentes etapas de mi vida. Por no hablar de los maravillosos cómics de Astérix y Obélix, que fueron una especie de chispazo inicial. Cuando sentí que había llegado el momento de escribir un libro, venía de hacer muchos thrillers seguidos en TV, y me apetecía cambiar de tono y de registro. Además, por su coste, las series históricas tienden a no llegar a la pantalla, la mayoría no se producen porque son demasiado caras, y yo tenía varios proyectos ya escritos, entre ellos el de La Mano Negra. Lo volví a leer, me siguió pareciendo una historia poderosísima y decidí que ahí estaba el germen de mi primera novela. Por suerte mi editor también lo vio así.

P: ¿Cómo ha sido el proceso de documentación y de recabar información?

Al principio, y por mi falta de experiencia, fue una tarea abrumadora: la época, finales del s.XIX, es muy compleja, muchos cambios sociales, políticos, grandes avances técnicos en transporte y comunicaciones… Para poder visualizar lo que vas a escribir necesitas saberlo casi todo de las personas que habitan el contexto específico en que se desarrolla tu historia: cómo visten, qué comen, cómo hablan, pero también la arquitectura, los ciclos agrícolas y todo lo relacionado con las faenas del campo, los usos y costumbres de la ciudad de Jerez, el flamenco, el funcionamiento de la justicia o del telégrafo, cómo eran los uniformes de la Guardia Civil… Es inacabable, y por instantes te da la sensación de que podrías pasar el resto de tu vida sólo documentándote para este libro en concreto… Afortunadamente, aprendes a disfrutarlo y a darte cuenta de cuándo ha llegado el momento de coger el toro por los cuernos y empezar a escribir.

P: La novela habla de «conspiración y caos”, he leído en algún sitio…¿Hay diferencias entre las conspiraciones de hace siglos y las de la actualidad? Conspiraciones siempre ha habido, ¿y conspiranoicos con fines pocos claros, también? 

“A río revuelto, ganancia de pescadores”, dice el refrán… Las formas cambian a lo largo de los siglos, es obvio, pero las dinámicas del poder son siempre las mismas: el poder, sea el que sea, tiende a preservarse, a perpetuarse, y por consecuencia a defenderse de cualquier ataque, real o figurado, con todos los medios a su alcance, que son muchos… En este caso, creo, fue más bien una operación de terrorismo de estado, puro y duro, pues ni siquiera había una conspiración en curso, sólo un grupo de gente organizándose mínimamente con vistas a una vida mejor.

P ¿Crees que ese episodio de nuestra historia puede enseñarnos algo en este presente? 

Me gustaría creer que sí, pero no me queda otra que ser escéptico: en general, el ser humano tiende a tropezar todas las veces que haga falta con la misma piedra; y en particular, España no es un país muy dado a contarse a sí mismo episodios delicados de su pasado. Nos cuesta convertir el pasado en Historia, que es precisamente lo que hace la ficción: fijar un relato común y compartido. Contarnos el pasado a nosotros mismos no es reabrir heridas, como insisten algunos, sino justo lo contrario: cauterizarlas. Pero por ahora no se nos está dando demasiado bien.

P: Antes de novelista has sido guionista y dramaturgo, que son tipos de escritura y de contar historias muy distintos. ¿Cuáles han sido las principales diferencias que has notado en el proceso de creación de la novela, con respecto al guion, por ejemplo? ¿Qué te ha aportado escribir una novela?

Al final todo consiste en juntar palabras una detrás de otra para contar una historia que emocione, pero sí que hay diferencias: durante el propio proceso, por ejemplo, el novelista está más solo, mientras que un guionista suele trabajar en equipo, o al menos con otro guionista que sirva de “frontón”. El novelista, en cambio, es un corredor de fondo que ha de tomar todas las decisiones casi en completa soledad. Formalmente, por otro lado, la escritura de guion es muy concisa y directa, casi descarnada, 100% enfocada hacia su transformación en imágenes y sonidos, es decir, el único sentido del guion es convertirse en película; el relato literario, por el contrario, es un fin en sí mismo, y pone a disposición del escritor una apabullante variedad de técnicas y recursos, el lenguaje en toda su dimensión y riqueza; es como un bufete de desayuno de un hotel de siete estrellas, hay tantos manjares maravillosos entre los que elegir que uno no sabe a qué hincarle el diente y corre el riesgo de aturdirse, aunque luego, superado ese vértigo inicial, la escritura es una auténtica gozada…

Finalmente, está el “después de”. Por lo común, el guionista entrega su trabajo y se desliga, o lo desligan, del proceso; suerte tiene si se acuerdan de él a la hora de poner los créditos, y con toda probabilidad tendrá que pelear por su cuota de autoría, por hacerse visible y que se reconozca su labor. En el mundo editorial es lo opuesto: de hecho, lo más gratificante, que es el contacto directo con el lector, empieza en esta fase, una vez concluida y publicada la obra.

P: ¿Volverás a escribir una novela histórica? ¿Tienes planes o proyectos de otra novela? 

Sí, claro, es mi intención, esto para mí es una carrera de fondo, una maratón, no un sprint. Viajar al pasado es una agradable e instructiva forma de evasión, no sólo para el lector, también para el escritor. Y sí, estoy en una etapa muy preliminar de una segunda novela, sobre un tema y un tiempo muy distintos. El ámbito geográfico, en cambio, sigue siendo Cádiz y la costa atlántica: misma zona, pero unos cuantos siglos antes… Y hasta ahí puedo leer, jaja.

P: Tengo entendido que colaboraste en el guion de la serie El Ministerio del Tiempo. ¿Cómo fue la experiencia? ¿Si la serie se retomara, volverías a colaborar en ella?

Así es. Después de hacer la serie “Malaka” (TVE, 2019), Javier Olivares, creador de EMDT, me llamó para la 4ª temporada y dije que sí, que por supuesto. Creo honestamente que es la serie de TV española más influyente del siglo XXI, y siempre es un lujo trabajar con Javier, por lo que se aprende. Claro que volvería a colaborar en una hipotética quinta temporada. De hecho, me encantaría hacer un episodio sobre el caso de La Mano Negra. Sería como cerrar el círculo…

¡Soñar es gratis!

P: ¿Qué proyectos en general tienes para 2026? Y ¿sobre qué no has escrito aún una sola línea y te encantaría escribir?

2026 ha arrancado fuerte, con varios proyectos audiovisuales muy interesantes, y a priori los próximos meses se presentan aún más movidos. Además, aparte de la documentación y redacción de mi segunda novela, si todo va bien, se estrenarán una serie creada por mí y una película cuyo guion escribí hace… ¡siete años!

En cuanto a qué me gustaría escribir, el que podría calificarse de mi proyecto soñado, diría que es Hernán Cortés y la conquista de México. Una historia monumental.

Quizá algún día…

Texto y entrevista: Verónica Martín.

El talento noir se cita en CineXpress con una convocatoria renovada

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El Espacio Cultura CajaCanarias acogerá el próximo 4 de marzo a las 19.00 horas la presentación de las nuevas bases para esta décima edición 

Santa Cruz de Tenerife, 19 de febrero de 2026

El Espacio Cultural CajaCanarias acogerá el próximo 4 de marzo, a las 19.00 horas, la presentación de las nuevas bases  y requisitos para participar en la décima edición de CineXpress, un certamen consolidado como referente creativo y punto de encuentro del talento cinematográfico tinerfeño. Durante este encuentro la organización dará a conocer el lema elegido como temática para este año, siendo necesaria su integración en la narrativa del corto. La entrada será libre hasta completar aforo. 

La convocatoria de este año cuenta con la dirección de Lluís Fe Pérez, profesional audiovisual vinculado a la producción y coordinación de rodajes. En su dilatada trayectoria ha participado en trabajos como la serie rodada en Tenerife, ‘Balko Tenerife’ (2022);  ‘El maestro que prometió el mar’(2023), premio especial del público  a la mejor película en los Premios Gaudí 2024, o el thriller rodado en Fuerteventura, ‘American Star’ (2024). 

Entre las novedades previstas para este 2026, CineXpress incorpora una reestructuración  del sistema de competición, pasando del modelo único a una clasificación por géneros, estableciendo tres modalidades: Noir Clásico, Noir Comedia o Noir Fantástico. Lo que permitirá al jurado poder realizar una valoración más ajustada y equitativa, según el registro cinematográfico de cada obra, además, de poner en valor la gran variedad que ofrece este género. Esta nueva fórmula solo permitirá inscribirse en una única categoría. 

Además, una de las apuestas de este año es la incorporación de la categoría Sub 25 en cada una de las secciones de la nueva clasificación, dirigida a los directores y directoras menores de 25 años, con el objetivo de favorecer el acceso a los nuevos talentos. Además, tras el éxito obtenido en ediciones anteriores, se mantiene por cuarta vez consecutiva la categoría internacional, cuya convocatoria permanecerá abierta hasta el próximo 7 de marzo. En este caso, las obras se deben subir a la plataforma Festhome.

Otro de los aspectos  a tener en cuenta es que las jornadas de grabación se desarrollarán en 7 días, siendo de obligado cumplimiento que las imágenes hayan sido rodadas en, al menos, alguna localización reconocible de la ciudad de Santa Cruz de Tenerife o de San Cristóbal de La Laguna. Las obras deberán enviarse al correo: cinexpress@tenerifenoir.com  hasta el 11 de marzo a las 12:00h del mediodía (hora canaria)

Esta sesión informativa cobra especial relevancia al convertirse, un año más, en un espacio de networking  para el sector del cortometraje de Tenerife. Un punto de encuentro que permite el intercambio de conocimientos y proyectos generando sinergias necesarias para el desarrollo del potencial creativo y humano de los creadores isleños. 

Los cortometrajes seleccionados serán proyectados el 13 de marzo a partir de las 10.00 en Tenerife Espacios de las Artes, sala de audiovisuales, donde se votará el Premio del Público. Se podrá acceder de forma libre y gratuita hasta completar aforo. 

Los premios, seleccionados por un jurado experto, se harán públicos el 14 de marzo a partir de las 19.00 horas en la  gala que se celebrará en el Salón de Actos de CajaCanarias, presentada por el polifacético Pablo Carbonell. Se disfrutará también con la actuación de la banda invitada The Corto Marltesser. Las entradas se podrán adquirir en https://tickets.janto.es/cajacanarias/public/janto/main.php#

Los premios establecidos para la presente edición según categoría son: 

  • Mejor corto noir clásico: 500€ de remuneración + Diploma y trofeo honorífico. Premio a la mejor obra. 
  • Mejor corto noir comedia 500€ de remuneración + Diploma y trofeo honorífico. Premio a la mejor obra. 
  • Mejor corto noir fantástico:500€ de remuneración + Diploma y trofeo honorífico. Premio a la mejor obra. 
  • Mejor corto noir clásico sub 25: 500€ de remuneración + Diploma y trofeo honorífico. Premio a la mejor obra. 
  • Mejor corto noir comedia sub 25: 500€ de remuneración + Diploma y trofeo honorífico. Premio a la mejor obra. 
  • Mejor corto noir fantástico sub 25:500€ de remuneración + Diploma y trofeo honorífico. Premio a la mejor obra. 
  • Premio del público: 500€ de remuneración + Diploma y trofeo. Premio a la mejor obra votada por el público. 
  • Premio lema Tenerife Noir:  250€ de remuneración + Diploma Honorífico. Premio al cortometraje que mejor representa el lema de la presente edición. 
  • Otras menciones honoríficas según méritos que reconozca el jurado.

Todos los premiados recibirán diploma y trofeo según su categoría.

Tenerife Noir 2026, un festival con sentido transversal 

La undécima edición del Tenerife Noir despierta el pensamiento crítico entendiendo el género como un movimiento transversal en sus múltiples facetas capaz de trascender más allá de la literatura para ser fuente de inspiración para diferentes disciplinas.

Este año está marcado por un doble aniversario que refuerza este enfoque, los 40 años de Watchmen, obra revolucionaria de Alan Moore, Dave Gibbons y John Higgins y de Shadow: Blood & Judgment, la miniserie de Howard Chaykin. Creaciones que hacen de este género la herramienta perfecta para cuestionar el poder, la moral y el discurso social. 

Tenerife Noir cuenta con el patrocinio del Ministerio de Cultura, el Gobierno de Canarias, el Cabildo de Tenerife, Turismo de Tenerife, el Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife y el Ayuntamiento de San Cristóbal de La Laguna, así como con la colaboración de la Universidad de La Laguna, la Fundación CajaCanarias y la Fundación DISA. Además, la marca DS Automobiles participa como vehículo oficial del festival.

Las bases serán de libre acceso a través de la web oficial del festival: información en www.tenerifenoir.com 

Alfonso García-Ramos, Día de las Letras Canarias en 2026: un periodista en el fondo de la isla

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El Gobierno de Canarias arranca con un programa de actividades dirigidas a divulgar la figura de este prolífico escritor y periodista tinerfeño

El acto institucional será el 26 de febrero en el Espacio La Granja de Santa Cruz de Tenerife con un espectáculo literario en torno a su figura, abierto al público

Se reeditarán algunas de sus obras, se podrá acceder al contenido digitalizado del periódico La Tarde, entre otras iniciativas

Como cada 21 de febrero el archipiélago conmemora el Día de las Letras Canarias, una cita anual dedicada a reconocer a las figuras más relevantes de la literatura del país. La edición de 2026 estará protagonizada por Alfonso García-Ramos (Tenerife, 1930-1980), escritor, periodista y gestor cultural cuya obra y compromiso intelectual resultaron decisivos en la renovación de la narrativa canaria contemporánea y en la defensa de la cultura y la libertad durante décadas clave de nuestra historia reciente.

Esta efeméride se prolongará a lo largo de todo el año con una programación que profundizará en la figura humana y creativa del autor. La primera cita será el Acto Institucional, que se celebrará el 26 de febrero, a las 19:00 horas, en el Espacio La Granja de Santa Cruz de Tenerife, abierto al público hasta completar aforo. La dirección escénica correrá a cargo de Clapso Producciones, que estrenará el espectáculo literario ‘Chantecler, seudónimo improvisado’, con el que iniciará una gira por varias islas a lo largo de 2026.

La elección de Alfonso García-Ramos como autor homenajeado del Día de las Letras Canarias 2026 responde, así, al objetivo de poner en valor una trayectoria que entrelazó literatura, periodismo, pensamiento crítico y un profundo compromiso cultural con Canarias.

El Día de las Letras Canarias se celebra cada 21 de febrero desde 2006, coincidiendo con el aniversario del fallecimiento de José de Viera y Clavijo. Su finalidad es difundir la vida y la obra de aquellas figuras que han contribuido de manera decisiva a la construcción de la cultura literaria del archipiélago. Este año alcanza su vigésima edición, tras haber rendido homenaje en anteriores convocatorias a autores y autoras como Benito Pérez Galdós, Natalia Sosa Ayala o Rafael Arozarena.

Un periodista de izquierdas durante el franquismo

Nacido en Santa Cruz de Tenerife el 24 de febrero de 1930, Alfonso García-Ramos creció y desarrolló la mayor parte de su vida en La Laguna, ciudad cuyo ambiente académico y cultural marcaría de forma decisiva su trayectoria. Tras formarse en el Colegio La Salle y en la academia Tomás de Iriarte, inició estudios de Derecho en la Universidad de La Laguna, que culminaría en la Universidad Central de Madrid, ciudad en la que también obtuvo el título de periodista en la Escuela Oficial de Periodismo.

Su regreso a Canarias en 1958 supuso el inicio de una intensa carrera periodística vinculada al diario La Tarde, del que llegaría a ser director. Desde sus primeras crónicas y artículos de opinión, García-Ramos mostró una mirada crítica, directa y comprometida con la realidad social y política del archipiélago. Esa vocación de servicio público se mantuvo a lo largo de su vida, tanto en la prensa escrita como en la radio, medio por el que siempre sintió una especial atracción y al que soñó volver en su madurez.

Entre marzo de 1974 y febrero de 1980 García-Ramos publicó cerca de mil cuatrocientos artículos en ‘Pico de águilas’El rasgo distintivo de esta columna fuela contundencia y la convicción de sus comentarios, su estilo directo y cercano al pueblo, poco tendente a la utilización de un lenguaje excesivamente técnico que podría alejarle de la mayoría de la población y que trataba de evitar que el eco de sus palabras, o mejor dicho, las necesidades de Tenerife continuaran pasando desapercibidas.

Paralelamente, desarrolló una destacada labor docente en la Universidad de La Laguna, donde desempeñó tareas de enseñanza, gestión académica e investigación, impulsando estudios fundamentales sobre la historia de la prensa en Canarias y defendiendo la integración de los estudios de periodismo en la universidad pública.

Su compromiso cultural se extendió también al ámbito institucional: fue consejero independiente del Cabildo de Tenerife y presidió la Comisión de Educación y Cultura, desde la que sentó las bases de políticas culturales que marcarían el futuro de la isla, especialmente en el ámbito museístico y teatral.

Faceta narrativa

En el terreno literario, Alfonso García-Ramos pertenece a la generación de narradores que, a partir de los años cincuenta, protagonizó una profunda renovación de la narrativa canaria. Autor de una obra marcada por el realismo social, la exploración de la identidad y una cuidada ambición estética, publicó títulos fundamentales como ‘Teneyda’, ‘Guad’, y ‘Tristeza sobre un caballo blanco’, obra de fantasía realista galardonada con el Premio Agustín Espinosa y adaptada posteriormente al teatro.

Su escritura incorporó con naturalidad el lenguaje popular, la memoria colectiva y los conflictos sociales del archipiélago, abordando cuestiones como el mundo rural, la emigración, la explotación de los recursos naturales o la construcción de la identidad canaria en un contexto de cambios históricos profundos. Todo ello sin renunciar a una vocación universal que situó su obra en diálogo con la mejor narrativa española del siglo XX.

‘Guad’: el fondo de Tenerife

Considerada una de las novelas clave de la posguerra en Canarias, ‘Guad’ (1971) introduce al lector en la claustrofóbica vida de los mineros que excavaban galerías de agua en Tenerife en los años posteriores a la Guerra Civil Española.

Con un marcado posicionamiento político a favor de los trabajadores, el autor construye un retrato coral de hombres que luchan por sobrevivir a las duras condiciones de un oficio del que se beneficia la burguesía. La obra fue incorporada a la Biblioteca Básica Canaria en 1989 y cuenta con prólogo del filólogo Gregorio Salvador. Con motivo de la efeméride, ‘Guad’ será reeditada por el Gobierno de Canarias.

Activismo cultural en el Ateneo de La Laguna

La vida cultural de García-Ramos estuvo estrechamente vinculada al Ateneo de La Laguna, institución que presidió en varias etapas y desde la que impulsó encuentros, homenajes y congresos que convirtieron al Ateneo en un espacio clave para el pensamiento crítico y la creación artística, especialmente durante los años de la transición democrática.

Murió en 1980, con 50 años recién cumplidos. Su legado ha sido reconocido de forma continuada a título póstumo, con distinciones como el nombramiento de Hijo Predilecto de Tenerife, la Encomienda de Número de la Orden del Mérito Civil o la creación del Premio Internacional de Novela Alfonso García-Ramos.

Acciones por el Día de las Letras Canarias

Con motivo de la celebración del Día de las Letras Canarias 2026, dedicado a Alfonso García-Ramos, el Gobierno de Canarias impulsa una amplia programación cultural que se desarrollará a lo largo de todo el año y que tiene como objetivo rescatar, difundir y acercar la obra y la figura del autor a la ciudadanía de todas las islas.

Uno de los ejes fundamentales de esta edición será el desarrollo de iniciativas editoriales destinadas a recuperar y volver a poner en circulación la obra esencial del autor, combinando publicaciones propias con ediciones realizadas en colaboración con las editoriales canarias que ostentan los derechos de sus textos. Entre estas acciones destaca la publicación de una antología que reunirá piezas representativas de su producción literaria, acompañadas de una biografía actualizada y de una selección de fragmentos de sus principales novelas, así como una aproximación a su doble faceta de escritor y periodista.

Asimismo, se llevarán a cabo reediciones revisadas, corregidas y ampliadas de algunas de sus obras más relevantes, entre ellas ‘Teneyda’ y otros relatos, ‘Guad’ y ‘Tristeza sobre un caballo blanco’. Todas estas publicaciones serán presentadas por especialistas en distintos municipios del archipiélago y estarán disponibles tanto en las carpas institucionales de las ferias del libro de Canarias como en la red de bibliotecas públicas del Estado.

Además, el programa conmemorativo contempla diversas acciones culturales y de difusión. Entre ellas, destaca la presentación y publicación de la digitalización del diario La Tarde durante la etapa en la que estuvo dirigido por Alfonso García-Ramos. Este proyecto, liderado por el Gobierno de Canarias, permitirá la consulta pública de este relevante periódico, así como el acceso a la producción periodística del autor.

La programación incluye también la grabación y publicación de varios pódcast dedicados a la figura y la obra de Alfonso García-Ramos, así como la organización de un ciclo de conferencias —en formato presencial y virtual— centrado en su legado literario e intelectual.

Por último, se editarán materiales divulgativos en distintos soportes publicitarios y espacios culturales con el objetivo de difundir y poner en valor la figura del escritor.

Actividades educativas

 La programación incluye también la celebración de jornadas dedicadas a la narrativa en Canarias, dirigidas al público general y, de manera especial, al alumnado de Filología de las dos universidades públicas canarias. A través de conferencias, charlas y mesas redondas se abordará la narrativa canaria de los años setenta y la evolución de las generaciones posteriores de narradores hasta el siglo XXI, contextualizando la aportación de García-Ramos dentro de ese marco histórico y literario.

 Además, con el objetivo de reforzar la presencia del autor en el ámbito educativo, se elaborarán unidades didácticas específicas destinadas al alumnado de Enseñanza Secundaria de Canarias, centradas en distintos aspectos de su obra literaria y periodística.

El 4 de marzo sale a la venta La vida toda, la nueva novela gráfica de Ángel de la Calle, Jordi Sempere y Anna Ruiz

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LA NOVELA GRÁFICA DE LA DICTADURA MILITAR ARGENTINA 

Daniel, psicoanalista argentino de mediana edad, vive exiliado en París desde el golpe de Estado de Videla. De espaldas a su pasado y sin haber regresado nunca a su país natal, su vida transcurre sin sobresaltos, aunque con una cierta apatía… hasta que una llamada inesperada lo cambia todo. El Banco Nacional de Datos Genéticos de Argentina ha registrado un positivo. Pero lo que ha encontrado no es a su hermana «desaparecida»: es a su hija. Sin embargo, Daniel no ha tenido hijos con ninguna de sus compañeras de vida. ¿Se trata, pues, de un error del mejor Departamento Forense del mundo?

Así empieza esta historia sobre el pasado reciente de Argentina, los crímenes de la dictadura y la represión de toda una generación de jóvenes idealistas que quisieron cambiar su país. Daniel deberá enfrentarse con aquello de lo que ha estado  huyendo, ya sea su pasado o su identidad, en un país que todavía conserva tantas heridas abiertas.

— Esto fue un matadero, Daniel, pero pasaráan los años y se olvidará todo…— 

En palabras del escritor Juan Sausturain, que abre las páginas de La vida toda:

Los saberes, las virtudes y los desmanes de la sangre son la sustancia viscosa y transparente que circula y da vida esta historia de vidas, muertes y equívocas resurrecciones imaginada y puesta en secuencia justa y elocuente por De la Calle y Sempere. Un relato con la virtud ejemplar de lo irreparable. 
La ocasional situación de su tenebrosa peripecia en la desventurada Argentina de la Dictadura y sus secuelas, no le quita latido universal ni vigencia estricta ante el desmán impiadoso de la escena contemporánea. Porque también es cierto que ningún tiempo pasado fue peor: al que no le guste el espejo que se mude en tiempo y espacio. No encontrará dónde reposar, donde esquivar el ADN de la perversidad en cada muestra recogida al azar, sin alevosía ni esperanzas redentoras. 

Y sin embargo, esta historia atroz pero sin un mínimo énfasis de morbo, sin epifanías ni el supuesto happy end necesario para el buen dormir, consigue hacerse laboriosamente necesaria con su lógica pausada y morosa revelación: lo que pasó y es pasado y presente en la sangre corriente y verdadera, no es ni siquiera triste. No tiene remedio, dijo uno que solía acertar con tono distraído. 

Por eso, acaso el mayor acierto de este relato esté en la aparente reticencia con que los autores despliegan el grosero, vasto, caudal de sucedidos. Goteo casi clínico de sangrienta información viva y reseca de décadas, efusión contenida y que se detiene donde debe, en el borde del necesario, inevitable desasosiego. 

No están de moda hoy el pudor y la vergüenza. Malos tiempos de ostentación cínica y permiso estatutario para la crueldad y el desamor social, la escandalosa fiesta de la criminal estupidez que oprime, mata y desespera. Pero no es todo lo que hay.   

Estamos seguros que esta historia tan verdadera, bien contada y persuasiva, encontrará su lugar entre los relatos ejemplares que nos dan la posibilidad de imaginarnos mejores, que nos limpian la sangre de miserias y secretas cobardías. 
Somos padres e hijos de todos.

El ADN es el hilo finísimo –irrefutable e irreparable- que nos predica universalmente nosotros. La sangre sabia habla con el rumor secreto de una identidad a la que no podemos renunciar sin mutilarnos. No deja de ser una vieja, buena y olvidada noticia

— Perdone…pero yo no tengo ninguna hija…debe ser un error… —

Ángel de la Calle (Molinillo de la Sierra, 1958). Comienza su carrera en revistas como Bésame Mucho, Rambla, Rampa, Zona 84, Comix Internacional, El Víbora o la norteamericana Heavy Metal. En 2003 publicó el primer volumen de Modotti, una mujer del siglo xx, y en 2005 el segundo y definitivo volumen. El libro fue nominado como mejor obra y mejor guion en el Salón Internacional del Cómic de Barcelona y fue Premio de la Crítica.  En 2017 publica su segunda novela gráfica, Pinturas de guerra, Premio a la mejor obra española en el Salón del Cómic de Barcelona en 2018, Premio de la Crítica a la mejor obra y el mejor guion en 2019, Selección Oficial de Angoûleme en 2019 y Premio a la mejor obra extranjera en 2022 en Brasil.  En 2025 publica La caja de Pandora. Vivir y morir en los tiempos de la Transición, que recibe una gran acogida por parte del público y de la crítica. 

Jordi Sempere (Barcelona, 1963) es historietista, ilustrador y diseñador gráfico. Desde los años ochenta desarrolla su carrera en cómic humorístico, realista y de aventuras, colaborando con revistas como Guix, Cairo, Más Madera! y, especialmente, TBO y El Jueves, así como con editoriales españolas y francesas, como Norma, Ikusager, Dupuis o Soleil.  Además de su trabajo como autor, ha participado como comisario en diversas exposiciones y en proyectos educativos, formando a nuevas generaciones de creadores de cómic. 
 

Anna Ruiz (Barcelona, 1962) es diseñadora gráfica, escenógrafa, ilustradora y colorista. Como escenógrafa ha trabajado en cine y televisión, pero sobre todo en teatro y en exposiciones. Ha diseñado y coordinado la edición de incontables cómics de editorial Planeta DeAgostini, Dolmen y La Colla de la Pessigolla. Es profesora en ESDAPC, la Escuela Superior de Diseño de Catalunya.

Filmin Arts crece con el estreno de «Un día con Peter Hujar» y otros 9 títulos

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El canal temático de Filmin dedicado al arte suma nuevas películas y documentales sobre Goya, Rothko, Munch o Van Gogh, junto al estreno exclusivo de la última película de Ira Sachs.

Filmin ampliará el próximo viernes 27 de febrero el catálogo de Filmin Arts, su canal dedicado a películas, series y documentales en torno a distintas disciplinas de las Bellas Artes. La selección reúne obras centradas en figuras clave de la historia del arte y la cultura visual, desde la pintura moderna hasta la fotografía, pasando por proyectos singulares vinculados a la arquitectura y el proceso creativo.

Filmin Arts forma parte de la oferta de canales temáticos de la plataforma, junto a espacios como Filmin Books, Filmin Culinary o Filmin Music Fest.

Una conversación histórica

Rebecca Hall y Ben Whishaw en «Un día con Peter Hujar».

El lanzamiento estará encabezado por el estreno exclusivo en Filmin de “Un día con Peter Hujar”, dirigida por Ira Sachs, cineasta estadounidense responsable de títulos como “Passages” (2023), “El amor es extraño” (2014) o “Keep the Lights On” (2012). La película llega avalada por sus cinco nominaciones a los Independent Spirit Awards, los premios más relevantes del cine independiente estadounidense.

“Un día con Peter Hujar” se construye a partir de un episodio muy concreto de la escena cultural neoyorquina: la conversación grabada en diciembre de 1974 entre el fotógrafo Peter Hujar y la escritora Linda Rosenkrantz, en la que Hujar relata, paso a paso, todo lo que le ocurrió el día anterior a su encuentro. La película está protagonizada por Ben Whishaw, premiado por su interpretación en el Festival de Gijón, y Rebecca Hall.

Peter Hujar (1934–1987) fue una figura central de la fotografía estadounidense asociada a la comunidad artística del downtown de Nueva York. Aunque ya era una figura de culto y muy respetada en los círculos del arte y la fotografía (especialmente tras su muerte en 1987 por complicaciones del sida), la elección de una fotografía suya para la portada de la novela «Tan poca vida» (2015), de Hanya Yanagihara, ha popularizado su nombre y obra entre millones de personas que nunca habían oído hablar de él en los últimos años.

El lanzamiento estará encabezado por el estreno exclusivo en Filmin de “Un día con Peter Hujar”, dirigida por Ira Sachs, cineasta estadounidense responsable de títulos como “Passages” (2023), “El amor es extraño” (2014) o “Keep the Lights On” (2012). La película llega avalada por sus cinco nominaciones a los Independent Spirit Awards, los premios más relevantes del cine independiente estadounidense.

“Un día con Peter Hujar” se construye a partir de un episodio muy concreto de la escena cultural neoyorquina: la conversación grabada en diciembre de 1974 entre el fotógrafo Peter Hujar y la escritora Linda Rosenkrantz, en la que Hujar relata, paso a paso, todo lo que le ocurrió el día anterior a su encuentro. La película está protagonizada por Ben Whishaw, premiado por su interpretación en el Festival de Gijón, y Rebecca Hall.

Peter Hujar (1934–1987) fue una figura central de la fotografía estadounidense asociada a la comunidad artística del downtown de Nueva York. Aunque ya era una figura de culto y muy respetada en los círculos del arte y la fotografía (especialmente tras su muerte en 1987 por complicaciones del sida), la elección de una fotografía suya para la portada de la novela «Tan poca vida» (2015), de Hanya Yanagihara, ha popularizado su nombre y obra entre millones de personas que nunca habían oído hablar de él en los últimos años.

Nueve viajes por la creación

Los nuevos estrenos de Filmin Arts se completan con otros nueve títulos que se incorporan al catálogo el mismo 27 de febrero:

“La catedral: El sueño de Justo Gallego”(Denis Dobrovoda, 2022) retrata la historia de Justo Gallego y su proyecto de levantar, durante décadas, una catedral a las afueras de Madrid con medios limitados y materiales reutilizados.

El clásico “Goya, genio y rebeldía”(Konrad Wolf, 1971) aborda la trayectoria de Francisco de Goya, una de las figuras decisivas de la pintura española. Basada en la novela de Lion Feuchtwanger, fue una de las superproducciones más ambiciosas de la DEFA, los estudios estatales de la Alemania del Este, en colaboración con la Unión Soviética. 

“El mundo según Mark Rothko”(Pascale Bouhénic, 2023) recorre el itinerario del pintor estadounidense, referente del expresionismo abstracto, y sitúa su obra en el contexto cultural del siglo XX

“Louise Bourgeois, mi cuerpo, mi escultura” (Marie-Ève de Grave, 2024) explora la trayectoria de la artista franco-estadounidense, la autora de la araña gigante que preside el Museo Guggenheim de Bilbao, a través de archivos personales y materiales inéditos.

“Edvard Munch, el grito de la vida” (Sandra Paugam, 2022) se centra en la figura del pintor noruego, especialmente conocido por «El grito», una de las obras más populares del arte contemporáneo y un símbolo universal de la angustia.

“Van Gogh, la creación de un maestro” (Anne Richard, 2023) propone un acercamiento al legado de Vincent van Gogh desde la perspectiva de Johanna Bonger, su cuñada y heredera de su patrimonio, figura clave en la preservación y difusión de su obra.

“Compàs de silenci: Jean Marie del Moral & Miquel Barceló”(Cesc Mulet, 2024) documenta el vínculo creativo entre el fotógrafo Jean Marie del Moral y el artista Miquel Barceló a lo largo de cuatro décadas.

“Cuando lleguemos al claro”(Márton Tarkövi, 2025) acompaña al pintor húngaro Péter Molnár en su proceso creativo y en una reflexión sobre el paso del tiempo y la práctica artística que cuenta con banda sonora de William Basinski, renovador emocional de la música electrónica «Ambient Drone».

Finalmente, “Poirot, último testigo”(Francesc Relea, 2025) sigue al fotógrafo chileno Luis Poirot mientras abre su archivo —en gran parte inédito— y lo conecta con momentos clave de la historia reciente de Chile y España.

Tenerife Phe Festival: Bodega, Ibibio Sound Machine y Getdown Services sacuden el Puerto de la Cruz con un relato de vanguardia eléctrica

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Tenerife Phe Festival rompe el cristal de la temporada con una embestida internacional que sitúa al Puerto de la Cruz como el punto de fuga de la vanguardia eléctrica. Con el desembarco de BodegaIbibio Sound Machine y Getdown Services, la cita de los próximos 4 y 5 de septiembre articula un relato de búsqueda insólito en el archipiélago, una colisión de post-punkafrofunk y disco-rock que reivindica el pulso de lo imprevisible frente a la inercia de los circuitos comerciales.

Olvidemos por un instante la inercia de las agendas de ocio convencionales y los lugares comunes de la temporada. Lo que acontecerá en el Puerto de la Cruz los próximos 4 y 5 de septiembre responde a una lógica distinta: la de un festival que prefiere el riesgo del descubrimiento al confort de lo radiado. La undécima edición de Tenerife Phe Festival se despliega como un mapa de colisiones sonoras donde el post-punk neoyorquino, el afrofunk londinense y el pop de vanguardia conviven en un ecosistema de orfebrería artística, única en las islas. Es una apuesta por la agitación rítmica y la honestidad, una propuesta que entiende el escenario no como un simple escaparate, sino como un espacio de tensión creativa frente al Atlántico.

El asalto internacional de este año lo encabezan Bodega, el proyecto de Ben Hozie y Nikki Belfiglio que ha logrado facturar un rock and roll conceptual capaz de esquivar cualquier etiqueta reduccionista. Con su reciente «Our Brand Could Be Yr Life» bajo el brazo, el combo se confirma como uno de los nombres más estimulantes de la escena alternativa, trayendo a Tenerife el nervio eléctrico de las calles de Nueva York. El contrapunto británico lo pone Ibibio Sound Machine, el colectivo liderado por la nigeriana Eno Williams que ha perfeccionado el arte de fundir la herencia del funk de África Occidental con el rigor del electro moderno en su último trabajo, «Pull the Rope». Completa esta avanzada desde Bristol el dúo Getdown Services, cuyo debut «Crisps» ha demostrado que el disco-rock puede ser, al mismo tiempo, una invitación al baile y una plataforma para el humor y la crítica social más ácida.

Este despliegue internacional se trenza con una arquitectura sonora de gran calado nacional. La argentina Natalia Doco traerá su personal síntesis de folk y espiritualidad indígena, mientras que Ona Mafalda defenderá una propuesta bilingüe de sensibilidad pop y nervio rockero. En la vertiente estatal, la cita asegura el pulso de Carlos Ares, revelación absoluta con su álbum «Peregrino», y la urgencia de Barry B, que desembarca con su gira «Infancia mal calibrada». La veteranía psicodélica de Rufus T. Firefly, con su nuevo material en «Todas las cosas buenas», y la versatilidad R&B del canario Choclock, cierran una hoja de ruta que promete nuevas sacudidas en las próximas semanas. Con los abonos ya disponibles en www.phefestival.es,el festival se consolida como ese punto de fuga necesario para quienes buscan en la música en vivo una experiencia de alto voltaje, lejos de la inercia de los circuitos convencionales.

Don Virgilio presenta “Mon Amour”, una fusión musical sin fronteras

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El artista Don Virgilio lanza su nueva canción “Mon Amour”, la primera de más de una docena que está preparando para este 2026. “Prepárense para una canción por mes, incluso alguna más” es el mensaje que ha compartido con los seguidores en redes sociales, a los que ha agradecido el apoyo y el ánimo para seguir produciendo música.

“Mon Amou”, su tema del mes de febrero, es una propuesta sonora, fresca y poderosa que rompe esquemas al fusionar afrobeat contemporáneo con ritmos tradicionales Amazigh del norte de África. El tema cuenta con la colaboración de Black Zee y la producción de Dhax, consolidando una obra que destaca por su identidad multicultural y su enfoque innovador.

“Mon Amour” es más que una canción: es un viaje musical que conecta raíces ancestrales con sonidos actuales, creando una atmósfera envolvente, bailable y emocional. La combinación de percusiones africanas, melodías hipnóticas y una producción moderna da como resultado una fusión única, pensada tanto para la pista de baile como para la escucha consciente.

La colaboración entre Don Virgilio y Black Zee aporta una química artística notable, mientras que la producción de Dhax logra equilibrar lo orgánico y lo digital, respetando la esencia de los ritmos Amazigh y llevándolos a un contexto global.

Con este lanzamiento, Don Virgilio reafirma su apuesta por la diversidad cultural y la exploración musical sin límites, posicionándose como una voz innovadora dentro de la escena actual.

Mon Amour” ya está disponible en plataformas digitales y promete convertirse en una referencia dentro de las nuevas fusiones afro-urbanas.

Julia Irango lleva Mamarratxa Attack al Teatro Leal

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El próximo martes 25 de febrero a las 19:00, el ciclo Danza en Breve en el Teatro Leal acoge Mamarratxa Attack, una de las piezas más incisivas de la creadora y bailarina Julia Irango, una artista que viene consolidando una trayectoria singular dentro de la escena contemporánea estatal por su forma de habitar el cuerpo desde un lugar amplio que incluye el exceso, el humor y la fisura de las normas identitarias.

Mamarratxa Attack es una obra que se despliega como un acto de resistencia afectiva. A través de una corporalidad exagerada, vulnerable y frontal, Irango invoca la figura de la “mamarracha” como un cuerpo político que se niega a encajar, que se exhibe sin pedir permiso y que transforma lo ridículo en una herramienta de empoderamiento. La pieza propone un espacio escénico donde la risa, lo incómodo y lo tierno conviven, generando una relación directa y cómplice con el público.

La creación de la pieza contó con el apoyo del Laboratorio de Artes Vivas de Canarias y del Espacio La Granja, donde Julia Irango realizó una residencia artística en 2024. Este acompañamiento fue clave para el desarrollo del proyecto, permitiendo a la artista profundizar en la investigación física y conceptual de la pieza, así como en la construcción de una dramaturgia que se articula desde el afecto, la escucha y la exposición consciente del cuerpo en escena. Este contexto de residencia reafirma la importancia de los espacios de apoyo a la creación contemporánea como motores fundamentales para el desarrollo de lenguajes escénicos críticos y experimentales.

Lejos de entender la danza como una disciplina cerrada, Julia Irango trabaja desde un enfoque híbrido que cruza coreografía, performance, teatralidad y prácticas de lo cotidiano. Su investigación gira en torno a la identidad femenina, el deseo, la vergüenza, la autoexposición y los mecanismos sociales que regulan los cuerpos “aceptables”. En este sentido, Mamarratxa Attack no es solo una pieza escénica, sino la cristalización de una línea de trabajo que la artista viene desarrollando desde hace años.

En sus trabajos anteriores, Irango ha explorado el cuerpo como archivo emocional y político, interesándose por aquello que normalmente se oculta: el gesto torpe, la fragilidad, la risa nerviosa, el desborde emocional. Sus piezas se sitúan en un territorio donde la danza se contamina de lo performativo y lo autobiográfico, generando lenguajes propios que rehúyen la espectacularidad convencional para apostar por una presencia honesta, directa y profundamente humana.

Este recorrido ha llevado su trabajo a diversos contextos de exhibición, residencias y festivales, donde su práctica ha sido reconocida por la capacidad de conectar con públicos diversos sin renunciar a una mirada crítica. Mamarratxa Attack surge precisamente de este proceso de maduración artística, como una pieza que recoge y amplifica sus obsesiones: el cuerpo femenino como campo de batalla simbólico, la necesidad de ocupar espacio y la potencia transformadora del humor como estrategia política.

Desde su estreno, Mamarratxa Attack ha circulado por diferentes espacios y festivales, consolidándose como una propuesta singular dentro del panorama de la danza contemporánea. Su fuerza reside en la capacidad de interpelar al espectador desde unlugar cercano y radical a la vez, generando una experiencia compartida que desarma prejuicios y abre preguntas sobre cómo miramos y somos miradas.

La presentación de la pieza en el Teatro Leal dentro del contexto de Danza en Breve se inscribe dentro de un programa que apuesta porformatos cercanos, tiempos concentrados y propuestas que dialogan de manera directa con el público, favoreciendo un encuentro íntimo con la creación contemporánea.

El museo TEA clausura esta semana ‘El vértigo de las imágenes’, exposición central de Fotonoviembre

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La muestra, con obras de más de una treintena de artistas, ha recibido hasta la fecha la visita de más de 29.000 personas

El museo TEA Tenerife Espacio de las Artes clausura esta semana El vértigo de las imágenes, la exposición eje de la decimoctava edición de la Bienal Internacional de Fotografía Fotonoviembre. Desde su inauguración el pasado mes de noviembre, la exposición ha recibido la visita de 29.032 personas, un respaldo que confirma el interés del público por el debate planteado en torno a la complejidad de la imagen contemporánea y su circulación masiva en la era de la inteligencia artificial. La muestra, comisariada por Marta Dahó Masdemont, se puede visitar de manera gratuita hasta este domingo (día 22), de 10:00 a 20:00 horas.

A través del trabajo de más de una treintena de artistas —como Laia Serra Cribillers, Teresa Arozena, Erik Estany Tigerström, Bleda y Rosa, Paul Graham, Man Ray, Joana Moll, Silvia Navarro Martín, Mabel Palacín, Joel Peláez Amador, Pérez y Requena, Aleix Plademunt, Lúcia Prancha o Xavier Ribas—, la exposición invita a cuestionar el tipo de conocimiento que se produce en la actualidad a través de lo visual. La propuesta curatorial de Marta Dahó Masdemont invita a explorar cómo las imágenes configuran lo visible y lo pensable, reconociendo su fuerza para desestabilizar lo que se presenta como natural o inevitable.

Según explica la comisaria en el texto de esta muestra “atender al vértigo de las imágenes, como propone esta exposición, no pasa por trazar una suerte de recorrido temático. Por el contrario, los proyectos que la articulan activan otras maneras de mirar, de imaginar y de estar con las imágenes, para, desde ahí, revisar críticamente la experiencia que conforma nuestra relación con ellas, sin obviar las complejidades que pautan su condición en la actualidad”. En este sentido, añade que “la propuesta curatorial responde al desafío de seguir pensando en la fotografía y lo fotográfico, aunque sin la limitación que supondría circunscribirse a una modalidad específica o centrarse exclusivamente en su dimensión técnica más reciente”.

“Partiendo del carácter vinculante que caracteriza a las imágenes, y al hilo de las argumentaciones desarrolladas por la filósofa Andrea Soto Calderón, la exposición se organiza en torno a un conjunto de trabajos que, desde distintos enfoques y zonas de interés, contribuyen a desplazar la noción de imagen de una dimensión objetual a otra experiencial y performativa. Como apunta Soto Calderón, no vemos las imágenes como vemos los objetos, sino a través de ellas. No obstante, la importancia capital de este desvío no ha sido todavía suficientemente destacada”, agrega.

“En este marco, el vértigo que da título a la exposición no remite únicamente a una sensación subjetiva, sino a una condición estructural: la de una cultura visual sometida a velocidades insostenibles, a una producción de imágenes pensada para máquinas antes que para cuerpos, cuya implantación exponencial y creciente sofisticación está mermando la agencia que pueda ejercerse respecto de su uso. A su vez, afrontar ese vértigo conlleva tomar posición; no solo ante su declive, sino también en su contingencia”, concluye Marta Dahó Masdemont.