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Papagayo Tenerife se sitúa entre los 80 mejores clubes del mundo

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Erick
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La prestigiosa publicación británica DJ Mag ha hecho público el esperado ranking de los 100 mejores clubes del mundo, situando a Papagayo Tenerife entre los 80 mejores espacios del panorama internacional, concretamente en el puesto 76. Se trata de un hito sin precedentes para el Archipiélago, que logra por primera vez posicionar un proyecto canario en esta influyente lista global.

Este reconocimiento consolida la trayectoria de Papagayo Tenerife como uno de los enclaves clave de la música electrónica, y refuerza el papel de las Islas Canarias como destino cultural de referencia dentro del circuito internacional. La lista anual de DJ Mag es considerada uno de los principales termómetros de la escena global, tanto por su alcance como por la participación del público a nivel mundial.

Desde su fundación hace más de trece años, Papagayo Tenerife ha experimentado una evolución constante, pasando de ser un punto de encuentro local a convertirse en una institución musical con proyección internacional. Por su cabina han pasado figuras fundamentales del género —desde Jamie Jones hasta Solomun—, integrando sonidos globales con la identidad isleña.

Este posicionamiento en el Top 100 se sustenta en una propuesta sólida que combina innovación artística y compromiso con el entorno. La apuesta por géneros como el house, tech-house y el emergente afro-house ha permitido construir una identidad sonora propia, al tiempo que se fomenta una escucha activa y diversa por parte del público. Asimismo, el club ha desempeñado un papel clave en la dinamización del talento regional, funcionando como plataforma para DJs y artistas locales que comparten espacio con referentes internacionales.

La entrada de Papagayo Tenerife en esta clasificación no solo supone un reconocimiento al trabajo desarrollado durante más de una década, sino que también tiene un impacto directo en la proyección exterior de la isla. Tenerife se consolida así como un destino capaz de atraer a un público internacional interesado en la cultura electrónica, reforzando su posicionamiento más allá del turismo tradicional.

“Papagayo es un ente vivo que entiende el club como un espacio de cultura y vanguardia social”, señalan desde la dirección creativa del club. “Formar parte de esta lista es, sobre todo, el reconocimiento a una comunidad: artistas, equipo y público que han hecho posible que Canarias esté hoy en el mapa global de la música electrónica”.

La inclusión en el ranking de DJ Mag marca un punto de inflexión para el sector en las islas, abriendo nuevas oportunidades de crecimiento, visibilidad y conexión con la escena internacional.

La Librería del Cabildo reabre sus puertas el 30 de abril como espacio de referencia para la cultura canaria

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Lope Afonso anuncia que la Librería del Cabildo reabre sus puertas el 30 de abril como espacio de referencia para la cultura canaria

El espacio, especializado en autores y temáticas del archipiélago, retomará su actividad con nuevas iniciativas culturales

La Librería del Cabildo, que gestiona el área de Cultura y Museos de Tenerife, a través la empresa pública Ideco, volverá a abrir sus puertas el próximo 30 de abril tras permanecer cerrada durante más de  seis años, por lo que se recupera así uno de los espacios culturales más singulares de la isla.

El vicepresidente del Cabildo de Tenerife, Lope Afonso; y el consejero insular de Cultura, Museos y Deportes, José Carlos Acha, han visitado esta mañana el inmueble para supervisar los últimos detalles de la puesta en marcha de la librería, especializada exclusivamente en publicaciones vinculadas a Canarias.

Lope Afonso ha destacado que “la reapertura de la Librería del Cabildo supone recuperar un espacio público al servicio de la ciudadanía y de la cultura canaria, que vuelve a abrir sus puertas reforzando su papel como herramienta de apoyo al sector editorial del archipiélago y como punto de encuentro para quienes quieren acercarse a nuestra identidad a través de los libros”.

Por su parte, José Carlos Acha explica que “estamos muy ilusionados con la vuelta de la librería, un espacio que queremos consolidar como un punto de referencia para la difusión del patrimonio cultural del archipiélago, con un amplio catálogo que abarca desde la historia y la literatura hasta la ciencia, las tradiciones y el pensamiento contemporáneo canario”.

Más allá de su función como punto de venta, la Librería del Cabildo renace con la vocación de acercar el conocimiento local a la ciudadanía, poniendo en valor la producción editorial canaria y facilitando el acceso a obras que contribuyen a comprender la realidad de las islas.

En esta nueva etapa, el espacio refuerza además su papel como lugar de encuentro cultural, incorporando una programación de actividades que complementarán la experiencia del visitante y que se darán a conocer próximamente.

Ubicada junto al Teatro Baudet en Santa Cruz, la Librería del Cabildo abrirá en horario de 10:00 a 14:00 y de 16:00 a 20:00 (de lunes a miércoles); los jueves y viernes cerrará a las 19:00 (para dar paso a la programación de actividades culturales) y el horario de apertura al público los sábados será de 10:00 a 13:00 horas.

El 25FICLPGC proyectará la versión definitiva de Apocalypse Now Final Cut

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  • Junto con la obra maestra de Coppola, interpretada por el desaparecido Robert Duvall, el Festival rinde asimismo homenaje a dos cineastas y otros dos intérpretes más fallecidos en el último año; Frederick Wiseman, Béla Tarr, Brigitte Bardot y Tatsuya Nakadai
  • Entre los títulos seleccionados, dentro del ciclo de Sesiones Especiales «Tributos», se podrán ver también, únicamente en fin de semana y en pase único, Titicut Follies, Sátántangó, El desprecio y Ran

El Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria, en su 25 aniversario,rinde homenaje a cineastas e intérpretes imprescindibles que han fallecido en el último año.  Grandes figuras del cine como Frederick Wiseman, Béla Tarr, Brigitte Bardot, Robert Duvall y Tatsuya Nakadai, cuyo legado se proyectará dentro del ciclo de Sesiones Especiales, en el apartado «Tributos», con algunas de sus obras más emblemáticas, entre las que se encuentran Titicut Follies, Sátántangó, El desprecio, Apocalypse Now Final Cut y Ran. Un recorrido por miradas únicas que han ampliado los límites del lenguaje cinematográfico.

Las sesiones especiales del Festival, que se entremezclan con el resto de títulos, se programan con el propósito de mantener el equilibrio entre el cine que el certamen defiende y la atracción dirigida al público. Dentro de este espacio, «Tributos» se erige como un punto de encuentro entre el presente y la historia del cine invitando al espectador a revisitar obras esenciales con la proyección en la gran pantalla de “películas- monumento para decir adiós”, según recoge el catálogo de la edición, que, más allá del tiempo, continúan dialogando con nuevas generaciones de espectadores.

Los cinco títulos clásicos seleccionados por la organización del certamen, en recuerdo a estos directores e intérpretes, se proyectarán únicamente en fin de semana y en pase único. El primero en ocupar la pantalla de Cine Yelmo Las Arenas será Titicut Follies (Estados Unidos, 1967, 84 min.) el viernes 24 de abril, a las 20:45 horas. 

Este largometraje es un hito del cine documental con el que el cineasta norteamericano Frederick Wiseman (1930-2026) inauguraba una filmografía de casi medio centenar de títulos que exploran con rigor las instituciones de su país. Este primer trabajo se sumergía en un hospital estatal para criminales dementes en Massachusetts, y el desvelamiento de la brutalidad de la institución sobre los internados iba a provocar el secuestro judicial del film, que no sería levantado hasta 1992 por una sentencia del Tribunal Supremo de los EE.UU. Para entonces, la abundante obra de Wiseman ya era de referencia imprescindible para la historia del cine documental.

Pero si algún film merece el adjetivo de “monumento”, si quiera sea por su desmesura, sostiene el director del Festival Luis Miranda, ese es Sátántangó (Hungría, Suiza, Alemania, 1994, 440 min.), obra cumbre del maestro húngaro Béla Tarr (1955-2026) basada, como tantas otras películas suyas, en una novela de su leal proveedor de argumentos y guiones, Laszlo Krazsnahorkai, recientemente laureado con el Nóbel. Tan larga es la duración de este film, superior a las siete horas, “como inhóspita su belleza plástica (en glorioso blanco y negro) e hipnótica su narración”, asegura Miranda. 

La sesión, programada el sábado 25 de abril, estará dividida en dos tramos, uno matinal desde las 10:15 horas, y otro vespertino a partir de las 17:00 horas. Un único pase que se encuadra en la tradicional serie de conversaciones «Cine y pensamiento» que organizan conjuntamente el certamen y el Aula de filosofía Manuel Alemán. Sátántangó será presentada por la mañana y comentada al final de la jornada por los filósofos Daniel Barreto, Javier Bassas y Diana Padrón.

En la noche de ese mismo sábado día 25, a las 21:30 horas, la proyección en pantalla grande de Apocalypse Now: Final Cut (Estados Unidos, 1979- 2019, 183 min.), la nueva intervención de Francis Ford Coppola en el montaje de su legendaria película, servirá de recuerdo a la figura de Robert Duvall (1931-2026), uno de los grandes actores de carácter del Nuevo Hollywood. Desde su irrupción, breve pero intensa, en Matar a un ruiseñor, la carrera de Duvall se mantuvo con frecuencia en la necesaria retaguardia que representan en el cine los papeles secundarios. Pero sus apariciones en las mejores cintas de Coppola en los 70, aparte de mostrar la dimensión de su talento como actor, le convirtieron en un icono. 

El 3 de mayo, última jornada del certamen, a las 17:15 horas, se podrá ver, en recuerdo a Briggitte Bardot (1934-2025), El desprecio | Le Mépris (Francia, Italia, 1963, 104 min.), película de Jean-Luc Godard con una interpretación conmovedora de la actriz francesa, “como nunca antes ni después”, a juicio del director de la cita cinematográfica capitalina. Personal como cualquier otro film suyo, El desprecio fue el único largometraje del cineasta hecho por encargo, basado en la novela de Alberto Moravia La Odisea, y con el que Brigitte Bardot dejó de ser un símbolo erótico de la época para convertirse en una estrella del cine de autor.

Para cerrar el «Domingo Cinéfilo», a las 19:45 horas, el Festival proyectará Ran (Japón, Francia, 1958, 160 min.), una adaptación de El Rey Lear de Shakespeare al mundo samurái que le valió un Oscar al cineasta Akira Kurosawa. El trasunto de Lear es el señor feudal Hidetora Ichimonji, que ve cómo, en la hora de su retiro, sus hijos se vuelven contra él y se enfrentan entre sí. Del papel de Hidetora, tan trágico y expresionista como un espectro de teatro Noh, se hizo cargo una de últimas estrellas del cine de ese país, y colaborador frecuente de Kurosawa, Tatsuya Nakadai (1932-2025). El cinéfilo lo recordará, aventura Luis Miranda, como antagonista de Mifune en Yojimbo (Mercenario, 1961), y como el señor de la guerra y su doble en Kagemusha (1980), ambas también de Kurosawa; o como el perturbador samurái suicida de Harakiri (1962) de Masaki Kobayashi. Pero muchos espectadores japoneses quizás lo recuerden mejor como galán; por ejemplo, en la obra maestra de Mikio Naruse, Cuando una mujer sube la escalera (1960). 

«La Mirada CIMA»

Entre las actividades paralelas del 25FICLPGC está programada, dentro de las sesiones especiales y encuentros, «La mirada CIMA» con la proyección de cuatro cortometrajes documentales filmados en España entre 1965 y 1967 por la pintora y cineasta Nadia Werba (París, 1926 -Roma, 2025).

Con el propósito de recuperar la memoria de mujeres cineastas que abrieron camino hace décadas y dar visibilidad a sus obras, el lunes 27 de abril, una de las salas de los cines del centro comercial Las Arenas, acogerá el visionado de los cortos restaurados rodados por la directora en dos años durante su etapa España; San Juan del Toro (1965, 11 min.), Maestros del duende (1966, 12 min.), Unos chicos, unas chicas (1966, 13 min.) y Catch (1967, 14 min.). 

La sesión de piezas cortas, gratuita previa retirada de entrada, será presentada por la cineasta y gestora cultural socia de CIMA Alba González de Molina y tras la proyección tendrá lugar una charla con la cineasta, guionista y fotógrafa, nacida en Las Palmas de Gran Canaria, María Miró, que estará moderada por la guionista, directora y productora Susi Alvarado.

Una docena de artistas se suman a la programación del 35º Festival Internacional Canarias Jazz & Más

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  • Hamilton de Holanda; Eric Alexander Jazz Syndicate; Roberto Fonseca, Tora Daa; Antonio Forcione & Cenk Erdogan; Xavi Torres Trío & Miguel Zenón; Manou Gallo; Moisés P. Sánchez; Cuban Jazz Syndicate; Manon Mullener 5tet, Powafunk y Takeo Takahashi Trío, forman la segunda tanda

La 35ª edición del Festival Internacional Canarias Jazz & Más suma nuevos artistas a su programa. A los ya anunciados –Jacob Collier & Orquesta Filarmónica de Gran Canaria (OFGC) conducted by Suzie Collier; Tigran Hamasyan – Manifeste, José James with Célia Kameni: Marvin Gaye’s I Want You; Yellowjackets, Estelle Perrault 5tet; Marco Mezquida Trío; Ghost Note; y Lucía Rey; se unen Hamilton de Holanda; Eric Alexander Jazz Syndicate; Roberto Fonseca; Tora Daa; Antonio Forcione & Cenk Erdogan; Xavi Torres Trío & Miguel Zenón; Manou Gallo; Moisés P. Sánchez; Cuban Jazz Syndicate; Manon Mullener 5tet; Powafunk y Takeo Takahashi Trío.

Además, casi todos los conciertos de pago tienen a la venta las entradas en las plataformas de los auditorios, teatros y salas que forman parte de la programación del festival. En el caso de Jacob Collier & OFGC bajo la dirección de Suzie Collier, en el Auditorio Alfredo Kraus y en el Auditorio de Tenerife; ya las de Tigran Hamasyan en el Teatro Cuyás y en el Auditorio de Tenerife; las de José James en el Teatro Pérez Galdós y Teatro Leal; las de Ghost-Note en el Auditorio de Tenerife; Estelle Perrault 5tet y Marco Mezquida Trío en el Rincón del Jazz; y Cuban Jazz Syndicate y Takeo Takahashi Trio en el Espacio Cultural CajaCanarias.

Virtuoso. Brillante. Único. Estas son solo algunas de las palabras que se utilizan para describir a Hamilton de Holanda, el artista que reinventó la mandolina y transformó un instrumento tradicional brasileño en una voz musical universal. Su carrera comenzó en 1982, cuando, con solo seis años, ya era un niño prodigio que aparecía en la televisión nacional ante una audiencia de más de 60 millones de espectadores. Hoy en día, Hamilton de Holanda es un compositor e improvisador galardonado con múltiples premios, ganador de varios premios Grammy Latinos, de varios galardones del Prêmio da Música Brasileira y de nominaciones a los Grammy, entre muchas otras distinciones.

Eric Alexander Jazz Syndicate es un proyecto internacional que reúne a algunas de las voces más influyentes y respetadas del jazz contemporáneo. El proyecto está liderado por el legendario saxofonista tenor Eric Alexander —figura imprescindible del hard bop moderno y heredero directo del lenguaje de Dexter Gordon y John Coltrane-, colaborador habitual de Pat Martino, George Coleman o Harold Mabern (entre otros).

Roberto Fonseca apareció por primera vez en el escenario a los 15 años durante el Festival de Jazz de La Habana, un festival que tomó bajo su dirección artística 26 años más tarde (sucediendo al gran músico Chucho Valdés). Roberto fue un gran arquitecto en la apertura de la música cubana al mundo, sin perder fidelidad a su herencia musical, al cursar un máster en composición en el prestigioso Instituto Superior de Arte. Con apenas 48 años, y ya con 9 discos en solitario, más de veinte proyectos colaborativos y una nominación al Grammy, Roberto Fonseca presenta La Gran Diversión, un tributo a la época dorada de la música cubana, a las noches desenfrenadas de La Habana y al Cabane Cubaine, el cabaret parisino más famoso de los años 30.

Tora Daa es una banda noruega de pop/rock nominada al Grammy, liderada por la ‘guitar hero’ Tora Dahle Aagård. Celebrada por su composición pegadiza y su sonido atemporal, el estilo de Tora genera comparaciones con íconos como Prince, Michael Jackson y John Mayer. Reconocidos por sus electrificantes y potentes espectáculos en vivo, Tora y su banda han ganado una sólida posición fuera de Noruega, gracias a sus tres álbumes y una nominación al Spellemann (Grammy noruego) a sus espaldas; su esperado cuarto álbum, Prayer and Pleasure, fue lanzado en septiembre de 2025.

Antonio Forcione y Cenk Erdogan se conocieron hace veinte años en Estambul, en una clase magistral: un maestro y un alumno, ansiosos por iniciar una colaboración y trabajar juntos, pero los giros inesperados de la vida echaron por tierra esa oportunidad. Fue en 2019 cuando Forcione y Erdogan tuvieron una segunda oportunidad para poner en marcha esa colaboración tan anhelada. Forcione toca la guitarra acústica. Es decir, la guitarra en su totalidad, no solo las cuerdas, hasta el punto de que un crítico lo llamó en una ocasión el «Jimi Hendrix de la guitarra acústica». Cenk Erdogan, con su guitarra sin trastes, aporta escalas orientales y sonoridad a su música original, inconfundiblemente jazzística y cautivadoramente fresca. 

El virtuoso pianista español Xavi Torres es una de las voces más personales y brillantes del jazz europeo contemporáneo. A lo largo de su carrera ha sido galardonado con varios premios de renombre, como el Dutch Jazz Competition con su trío, o los Premios Enderrock en 2020 y 2024 a mejor álbum. Es el segundo español en llegar a la final del prestigioso Thelonious Monk Jazz Competition en diciembre de 2018, tras Jorge Rossy en 1992. Después de 9 discos como líder, Torres presenta a su trío colaborando con el saxofonista puertorriqueño Miguel Zenón, considerado uno de los saxofonistas y compositores más innovadores e influyentes de su generación.

Manou Gallo, apodada «La reina africana del bajo» por Bootsy Collins, es una artista marfileña de talento excepcional cuya trayectoria musical refleja una pasión arrolladora y un compromiso artístico sin límites. Dotada de una deslumbrante técnica de slap y un groove implacable, ha impresionado a las figuras más destacadas del mundo de la música, compartiendo escenario con gigantes como Wyclef Jean, Manu Dibango, Marcus Miller y Christian McBride.

Un trío con vocación internacional da forma al nuevo proyecto de Moisés P. Sánchez, el cual llega en un momento de consolidación del artista en el circuito europeo. La formación de trío, la más esencialmente jazzística, y la incuestionable solvencia de sus compañeros de viaje -Chris Jennings al contrabajo y Naíma Acuña a la batería-, permiten a Moisés explorar a fondo nuevas composiciones originales y crear un campo de juego en el que desplegar la soberbia capacidad de comunicación de los tres músicos.

Como su nombre lo sugiere, Cuban Jazz Syndicate es una vibrante reunión de músicos del Caribe, principalmente de Cuba. La banda está liderada por el reconocido Michael Olivera, quien ha colaborado con Quincy Jones, Richard Bona, Alfredo Rodriguez, Paquito D’ Rivera y Chucho Valdez, por mencionar solo algunos, ahora es Olivera quien reúne a algunos de los más destacados talentos del jazz cubano actual, como Carlos Sarduy (trompeta) y Humberto Ríos (piano). A ellos se suma el genio del bajo Panagiotis Andreu desde New York, bajista y cantante, cuya maestría aporta un sonido inigualable al Syndicate; la banda se completa con los maestros Inoidel Gonzales y Yuvisney Aguilar.

Manon Mullener es una pianista suiza nacida en 1997 en Friburgo. Procedente de una familia de músicos, comenzó sus estudios en Friburgo y luego en la Haute Ecole de Musique de Berna, junto a Colin Vallon y Django Bates. A pesar de su joven edad, Manon ha dado conciertos y realizado giras en numerosos clubes y festivales en Suiza y en el extranjero, entre otros en Francia, Alemania, España, Italia, México, Estados Unidos, Bahrain, Qatar, Emiratos, Colombia y Cuba.

El productor y bajista canario Charlie Moreno presenta Powafunk, un proyecto que ofrece un giro conceptual con respecto a lo que hasta ahora había sido su discografía. Un golpe de timón que llevará al oyente a disfrutar de diferentes “palos” del funk, un estilo que Moreno lleva en la sangre. Derroche de energía y positividad, con la particularidad de que en esta ocasión Charlie Moreno cede el protagonismo de su bajo a las voces de los cantantes Alex Delgado y Brigitte Emaga.

Takeo Takahashi es un músico canario de ascendencia japonesa, intérprete baterista y compositor en los ámbitos del jazz y la música contemporánea. Su carrera se ha desarrollado entre Canarias, Barcelona, el País Vasco y Nueva York, y su formación académica incluye el Título Superior en Jazz, Máster en Investigación Musical, Máster en pedagogía y un Experto Universitario en Body Percussion. En esta ocasión presentará el proyecto ‘Melodías Forjadas – Jazz para la obra de Martín Chirino’, un proyecto multidisciplinar en el que exhibe obras musicales jazzísticas inspiradas en el legado artístico del escultor grancanario. Sergi Sirvent (piano) y David Mengual (contrabajo) completan el trío.

Animayo acoge la premier mundial la exposición de “The Visual World of Alan Bodner”, figura clave de la animación internacional

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El director de arte, ganador de un Emmy y nominado cinco veces a los Annie, presenta en Gran Canaria una exposición inédita con obra original que podrá visitarse del 6 al 9 de mayo.

Una extensión de su carrera: 25 años de trayectoria vinculada a Walt Disney Television Animation, Warner Bros, DreamWorks y Cartoon Network, en proyectos como El gigante de hierro, Enredados: La serie, Kim Possible, Looney Tunes o Phineas y Ferb.

Su obra artística se exhibe en galerías y museos de todo Estados Unidos —incluido el Paley Center for Media en Beverly Hills— y abarca desde grabados de surrealismo pop hasta ensamblajes geométricos de varios niveles.

La 21ª edición Animayo Gran Canaria acogerá la premier mundial de la exposición “The Visual World of Alan Bodner”, invitado estrella, una de las figuras más reconocidas de la dirección artística en animación contemporánea con una trayectoria vinculada a producciones icónicas como El gigante de hierro, Kim Possible, Phineas y Ferb o Looney Tunes.

La muestra, de 46 piezas, reúne una cuidada selección de obra gráfica y piezas de ensamblaje que permiten adentrarse en el universo creativo de Bodner, donde conviven el lenguaje visual propio de la animación con una propuesta artística personal de gran fuerza expresiva. Sus composiciones, que abarcan desde impresiones digitales de alta calidad hasta estructuras tridimensionales, exploran territorios que oscilan entre lo surrealista, lo narrativo y lo geométrico.

El trabajo de Alan Bodner se sitúa en un lenguaje visual de gran solidez, vinculado a la animación contemporánea de autor, donde la dirección artística y la narrativa conviven con una notable madurez formal. Su obra destaca por su capacidad de funcionar simultáneamente como imagen de alto impacto visual y como pieza narrativa, alcanzando un equilibrio poco habitual entre lo conceptual, lo emocional y lo estético.

Uno de sus rasgos más distintivos es su economía visual. Bodner logra transmitir atmósfera y profundidad con una gran contención de elementos, eliminando cualquier artificio innecesario. Esta depuración formal dota a su trabajo de una potencia expresiva especialmente refinada. Con una clara sensibilidad cinematográfica y una fuerte influencia del desarrollo visual para cine y animación, sus composiciones no solo son estéticas, sino también estructurales y narrativas, construyendo universos visuales coherentes, reconocibles y de gran personalidad.

Su exposición recorre tanto su producción artística personal como su trayectoria en la industria de la animación, incluyendo piezas desarrolladas para títulos y estudios de referencia internacional. Entre ellas se encuentran trabajos asociados a The Iron Giant (Warner Bros.), Kim Possible y Rapunzel’s Tangled Adventure (Disney Television Animation), Looney Tunes (Warner Bros.), Mickey Mouse Funhouse (Disney Channel) o Despicable Me: Minion Mayhem (Universal Studios), junto a una serie de obras originales de carácter autoral inspiradas en figuras icónicas de la música y la cultura contemporánea. Una combinación que permite al visitante comprender la evolución de su lenguaje visual: desde la narrativa aplicada a la animación hasta su expresión más libre y personal. [Listado completo de obras de esta exposición disponible bajo solicitud a prensa].

Como comentamos, en sus más de 25 años de trayectoria, Alan Bodner ha desarrollado su carrera como director de arte para estudios y productoras de referencia como The Walt Disney Company, Warner Bros, DreamWorks o Cartoon Network. Y entre sus trabajos, además de los ya mencionados, figuran títulos como Mighty Mouse, The Fat Albert Show, Heckle & Jeckle y Pee Wee’s Playhouse, que conforman sus primeros trabajos, seguidos de los cortometrajes de Looney Tunes con Bugs Bunny, el Pato Lucas, Porky Pig y Sylvester & Tweety, sumado a otros créditos entre los que se incluyen Phineas y Ferb, Los Reemplazadores, Mickey’s Twice Upon A Christmas, Cenicienta II, Vecinos del Infierno, La Vida y los Tiempos de Juniper Lee o el clásico corto de Bugs Bunny Carrotblanca.

El proceso creativo de Alan Bodner es espontáneo, impredecible y a menudo caótico. Las formas y los objetos son abstractos, dispares —incluso conflictivos— pero, en última instancia, coherentes. Su obra artística se exhibe en galerías y museos de todo Estados Unidos —incluido el Paley Center for Media en Beverly Hills— y abarca desde grabados de surrealismo pop hasta ensamblajes geométricos de varios niveles.

Las impresiones Giclée de edición limitada de Bodner combinan un dominio absoluto de la tecnología digital. Sus vibrantes y teatrales composiciones dan vida a una variopinta colección de personajes, personalidades y monstruos originales en escenarios surrealistas y complejos. Con referencias culturales al pasado, al presente y a su visión personal del futuro, Bodner combina, distorsiona y exagera para lograr un efecto emocional, dando como resultado obras siempre amenas y cautivadoras.

Criado en Portland, Oregón, en el seno de una extensa familia de bailarines, músicos, distribuidores de juguetes y diseñadores de moda, la infancia de Bodner estuvo marcada por una sobrecarga de fuerzas creativas que nutrieron una personalidad atemporal: una mezcla esotérica de Correcaminos, Peter Pan y el Sr. Máquina de Ideal. Tras una adolescencia inspirada por Erte, Miró y el arte pop de mediados de siglo, Bodner se mudó a Los Ángeles y desarrolló su talento en el Art Center College of Design.

Residente en Los Ángeles (EE UU), Bodner compagina su labor en la industria audiovisual como director de arte en producciones vinculadas a Disney, con el desarrollo de su obra artística. La presentación en Animayo supone la primera ocasión en que esta colección se muestra al público en formato expositivo completo.

Una exposición que forma parte de la 21ª edición de Animayo Gran Canaria, un evento que se desarrolla en el marco de “Gran Canaria, la isla de mi vida”. Con entrada libre para todo el público en función de aforo, podrá ser visitada desde el día 6 al 9 de mayo, de 10:00 a 13:30 y de 17:30 a 21:00 horas, en la sala “Manolo Millares & Elvireta Escobio” del Centro de Iniciativas de La Fundación La Caja de Canarias, el CICCA (Las Palmas de Gran Canaria, España), sede principal de Animayo. Exposición con carácter educativo. El copyright de las imágenes es de sus respectivos propietarios.

CELEBRANDO 21 AÑOS DE ANIMAYO

Una nueva edición que celebra Animayo como «una plataforma consolidada a nivel internacional capaz de conectar talento, industria y mercado que hace 21 años comenzó como una inciativa regional en ‘La isla de mi vida’», contando en su programa con más de 40 invitados y ponentes estrella, procedentes de Europa, Estados Unidos o Canadá, vinculados a estudios como Pixar, Disney, Warner Bros, DreamWorks, Skydance Animation, Framestore, Blur Studio, Gigglebug Entertainment, Heebo Entertainment o Platige Image.

A cargo de estos invitados estrella, el 21º Animayo Gran Canaria, único festival de animación en España que cualifica para los premios Oscar®, acogerá un programa en el que destacan 13 master classes; 12 ponencias formativas; 6 talleres, 6 Secciones Internacionales a Concurso, además de estrenos y contenidos exclusivos, una veintena de stands de artistas, escuelas y universidades; más de 20 horas de recruitments, revisiones de porfolios y firmas; 3 paneles y charlas.

Y es que, en palabras de su creador, director y productor Damián Perea, «hay festivales donde se proyectan historias, y hay festivales donde empiezan. Y eso es Animayo, un proyecto hecho por y para personas en donde el talento no solo se muestra; se conecta». [NP. La 21ª edición Animayo Gran Canaria conectará el talento con la élite global del sector del 6 al 9 de mayo: https://www.animayo.com/?accion=news3&id=253] 

Animayo Gran Canaria 2026 se hace posible gracias a la colaboración del Cabildo de Gran Canaria- La Isla de Mi Vida; al Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria- ciudad candidata a Capital Europea de la Cultura 2031), al Gobierno de Canarias a través del Instituto Canario de Desarrollo Cultural, Turismo de Islas Canarias y Proexca; a Turismo de Gran Canaria, a la Fundación La Caja de Canarias; así como a productoras, estudios, escuelas, universidades y empresas privadas, por seguir impulsando la cultura, la educación y la industria audiovisual en la isla.

“La red fantasma”, debut en el largometraje de ficción de Jonathan Millet, se estrena en Filmin el 24 de abril

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Nominada a dos premios César, la película se inspira en hechos reales para construir un thriller que recuerda al mejor Jafar Panahi de “Un simple accidente”.

Filmin estrena el 24 de abril “La red fantasma”, película presentada en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes de 2024 y que marca el debut en el largometraje de ficción del cineasta francés Jonathan Millet. Nominada a dos premios César –mejor ópera prima y mejor actor revelación–, la cinta aborda el rastro invisible de la violencia y el exilio a través de un relato que bebe del thriller contemporáneo y del cine de espías.

Antes de dar el salto a la ficción, Jonathan Millet desarrolló su carrera en el ámbito del documental, lo que marcó de forma decisiva su aproximación a “La red fantasma”. Durante años viajó y vivió en distintos países —entre ellos Siria, donde residió durante un año—, una experiencia que le permitió entrar en contacto con realidades como la de los refugiados sirios en Europa.


Sinopsis
Hamid, un profesor sirio en el exilio, forma parte de un grupo secreto que persigue a antiguos dirigentes fugitivos del régimen de Bashar al-Assad refugiados en Europa. Su misión lo lleva a Francia tras la pista de un hombre al que cree reconocer como su antiguo torturador. A medida que avanza la investigación, Hamid se adentra en una red de identidades ocultas, vigilancias y sospechas donde nada es completamente seguro. 


Entre la justicia y la venganza

El origen de “La red fantasma” se remonta a 2015, cuando Jonathan Millet, entonces centrado en el documental, descubrió la existencia de grupos clandestinos que operaban desde países como Alemania para localizar a antiguos responsables del régimen sirio de Bashar al-Assad.

Al entrar en contacto con ellos, el director comprendió que el lenguaje documental no bastaba para transmitir la dimensión de sus experiencias: “Todo lo que me contaban era profundamente sensorial, cosas que sus cuerpos habían vivido”, explica. “Con la ficción podía hacer que el espectador se identificara y sintiera esas experiencias físicas a través de herramientas como el sonido, los actores o la recreación de ciertas escenas”.

En esta historia real, lo que más le interesaba a Millet eran las zonas grises en las que se mueven estos personajes, también en el plano moral. La película plantea así un dilema radical: cuando uno se encuentra cara a cara con su torturador, ¿debe tomar la justicia por su mano o entregarlo a las autoridades? Una pregunta compleja, de profundas implicaciones éticas e ideológicas, muy similar a la que planteaba Jafar Panahi en “Un simple accidente”.

Un cine de gestos y miradas

Al frente de la película, Adam Bessa construye una interpretación de gran intensidad contenida, apoyada en lo físico y lo gestual más que en el diálogo. Junto a Jonathan Millet, trabajó durante semanas cada detalle del personaje: “Trabajamos su mirada, sus gestos, su forma de caminar como si estuviéramos haciendo una película muda, donde todo lo importante se expresa sin palabras”, señala el director.

El actor llevó su preparación al extremo, durmiendo muy poco antes del rodaje y escuchando durante horas testimonios de prisioneros sirios torturados, con el objetivo de que esa carga emocional impregnara su cuerpo y su rostro. De ese trabajo minucioso surgen detalles reveladores, como el hecho de que su personaje nunca apoye la espalda al sentarse, a causa de las secuelas físicas de la tortura. Su interpretación, precisa y profundamente emocional, se convierte en el eje de la película, guiando al espectador a través de una experiencia marcada por la tensión, el trauma y el silencio

El documental Por qué no escribo nada, seleccionado en la sección Canarias Cinema del Festival Internacional de Cine LPGC

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Un documental que recupera la voz de Carmen Laforet y su novela Nada, que revolucionó la literatura española

La película participa en el Festival de Cine de Las Palmas de Gran Canaria, tras su premiere mundial en el BCN Film Fest

La actriz Mónica López da voz e interpreta a Carmen Laforet

Participan las escritoras Najat El Hachmi, Laura Freixas, Karmele Jaio, Ana Merino, Elsa López, Blanca Ripoll y María Zaragoza

El documental Por qué no escribo nada, dirigido, escrito y producido por Isabel Fernández, se adentra en la figura de Carmen Laforet para ofrecer una nueva mirada sobre una de las voces más singulares de la literatura española. La película es una coproducción de Al Pati Produccions (Barcelona) e Imaco 89  (Gran Canaria), participará en la Sección Canarias Cinema del Festival de Cine Internacional de Las Palmas de Gran Canaria, tras su paso por la sección oficial del BCN Film Festival.

Tomando como punto de partida textos de la propia autora —incluidos algunos inéditos—, así como correspondencia privada, artículos y libros, la película reconstruye de forma libre e íntima el universo de Laforet y su lucha por la libertad. Mónica López (Rapa)presta su voz y encarna a Carmen Laforet, aportando cuerpo y presencia a la figura de la escritora. La actriz, nominada al Goya y a los Premios Feroz, se convierte aquí en el vehículo de una voz que el filme busca devolver al presente.

Con solo 23 años, Carmen Laforet escribe Nada, una novela que la convirtió en un fenómeno literario. Sin embargo, frente a la imagen de escritora frágil y vencida por el éxito, Por qué no escribo nada, propone una lectura distinta: la de una creadora original, rebelde y profundamente comprometida con su independencia, que pagó con el ostracismo su decisión de salirse del guion.

La película subraya además la dimensión contemporánea de Carmen Laforet. Más allá del mito de la autora de una sola obra, el documental la presenta como un alma libre, ajena a las imposiciones del escrutinio mediático, la presión editorial y los modelos impuestos sobre cómo debía comportarse una joven escritora. En ese gesto de restitución, el documental no solo recupera a Laforet: también dialoga con todas aquellas mujeres que han sido juzgadas por apartarse del camino esperado.

Las cartas inéditas de Carmen Laforet a su amiga de Las Palmas de Gran Canaria, la escritora María Dolores de la Fe, y a Ricardo Lezcano, juegan un papel fundamental en la construcción de la película, así como la evocación del paisaje y la atmósfera de la isla en los que se formó Laforet. Es la primera vez que una biografía, sobre esta escritora fundamental del siglo XX, reivindica el peso de su universo canario en su personalidad y su obra.

En esta aproximación coral a su figura participan también las escritoras Najat El Hachmi (ganadora del Premio Nadal 2021 por su novela El lunes nos querrán), Laura Freixas (fundadora en 2009 de la Asociación Clásicas y Modernas para la igualdad de género en la cultura), Karmele Jaio (ganadora del Premio Euskadi de Literatura en Vasco 2020 por su novela Aitaren Etxea), Ana Merino (ganadora del Premio Nadal 2020 con El mapa de los afectos), Elsa López (ha sido presidenta de la Sección de Literatura del Ateneo de Madrid, y directora de la Fundación Antonio Gala), Blanca Ripoll (compiló y editó los artículos de Carmen Laforet publicados en la revista Destino entre 1948 y 1953, bajo el título Puntos de vista de una mujer) y María Zaragoza (ganadora del Premio Azorín 2022 con su novela La biblioteca de fuego, y del Premio Psyco-Tau 2022 por Amores que matan), cuyas voces enriquecen el retrato de una autora esencial y ayudan a situar su legado en el presente.

La película está acompañada por una banda sonora  inmersiva e hipnótica creada por la compositora canaria Belén A. Doreste (Lajalala).

Por qué no escribo nada, de 103 minutos de duración, que cuenta con el apoyo del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA),  Gobierno de Canarias, y el Institut Català de les Empreses Culturals (ICEC), además de la Televisión Pública Canaria, la televisión pública catalana 3CAT, la Filmoteca de Catalunya, la Filmoteca Canaria y el Patrocinio del Cabildo de Gran Canaria.

“El caso de Carmen Laforet es un ejemplo paradigmático de cómo se subestima el talento femenino. ‘Nada’ es una de las novelas españolas más traducidas internacionalmente (34 idiomas en 37 países), pero la mayoría de la gente ni siquiera recuerda el nombre de su autora. ¿Por qué las historias de hombres que forjan su camino siempre se cuentan con un aire épico y heroico, mientras que las historias de mujeres que se desvían del guion siempre se tratan como fracasos, o se habla de ellas con condescendencia? Mi intención es cambiar la narrativa que habitualmente infravalora y desalienta la audacia y la toma de riesgos en las mujeres. Este documental es una exploración que sumerge al espectador en la visión y la experiencia de una mujer comprometida consigo misma, obsesionada con la libertad, la verdad y la búsqueda de un lenguaje único para las mujeres.” comenta la directora.

SOBRE ISABEL FERNÁNDEZ

Directora y guionista afincada en Barcelona. Desde que fundó su productora, Al Pati, se ha centrado en el desarrollo y producción de películas comprometidas con temas sociales que exploran los límites entre el documental y la ficción, y fomentan nuevas miradas sobre la cultura, el ser humano y la sociedad. Con El fill de son pare (2010) recibió una mención especial del jurado en el Prix Europa. Su largometraje documental Corredors de fons (2014) fue galardonado con el premio a la mejor dirección en Aljazeera International Doc Film Festival y con el premio al mejor guion en Europe-Orient du Film Documentaire, Asilah. Con el cortometraje La Veïna (2015) ganó el premio a las Libertades Públicas y Derechos Humanos en AJIDFF. Ha sido pionera en la exploración del documental interactivo con animación web, con los webdocs Orgull de Baix (2016) y Orgull d’Horta (2020) producidos con TV3 y A Punt Media. Su último trabajo es el largometraje Los constructores de la Alhambra (2022), con el apoyo de MEDIA Europa Creativa, Agencia Andaluza de Instituciones Culturales, ICEC, RTVE, CANAL SUR, ZDF/ARTE, ORF y Al Jazeera Documentary. Nominado a Mejor Documental en SEMINCI 2022, Sección Oficial en Montreal Festival International du Film Sur L’Art 2023, Sección Oficial Bogocine 2023, London Spanish Film Festival 2023, Bosphorus Film Festival 2023. Estrenado en salas en España en noviembre de 2022 y en Hungría en abril de 2023.

La proyección del documental tendrá lugar el domingo, 26 de abril, en los Cines Yelmo Las Arenas, con la asistencia de Isabel Fernández, directora y guionista y Mónica López, actriz que pone la voz a Carmen Laforet.

La ULL acerca al alumnado la relectura contemporánea de los clásicos con María Folguera

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La Universidad de La Laguna ha celebrado ayer, miércoles 15 de abril, un encuentro con la dramaturga María Folguera y el director de la Agrupación Teatral de Filología, José Antonio Ramos Arteaga, en el Salón de Grados del Aulario General César Manrique, en el Campus de Guajara. La actividad, organizada por el Vicerrectorado de Cultura y Extensión Universitaria, ha servido como antesala de la representación de la obra Marcela, una canción de Cervantes, que tendrá lugar el próximo domingo 19 de abril en el Paraninfo universitario.

El acto se inició con una breve representación a cargo de Beatriz, integrante de la Agrupación Teatral de Filología, quien interpretó un fragmento del episodio de Marcela en Don Quijote de la Mancha. Esta intervención permitió introducir al público en el universo del personaje cervantino y evidenciar la potencia escénica de un texto que, siglos después de su escritura, continúa generando nuevas lecturas. La puesta en escena funcionó como una primera aproximación directa al material dramatúrgico y ayudó a establecer un puente entre el texto original y su reinterpretación contemporánea.

A continuación, José Antonio Ramos Arteaga presentó a la autora y contextualizó su trayectoria, subrayando su trabajo en torno a la revisión de figuras y textos del imaginario cultural desde perspectivas actuales. En su intervención, destacó el interés de Marcela, una canción de Cervantes como propuesta que dialoga con el presente a partir de un personaje clásico que cuestiona estructuras sociales aún vigentes.

Tras esta introducción, se dio paso a un diálogo abierto con María Folguera, en el que se abordaron las claves de la obra, su proceso de creación y la relación entre tradición y contemporaneidad en el ámbito teatral. La dramaturga agradeció a la Universidad de La Laguna y, especialmente, a Isabel Castells Molina, directora de Secretariado de Desarrollo Cultural y Biblioteca (Aulas y Cátedras culturales), la organización del encuentro, destacando la importancia de estos espacios en el entorno universitario. En sus palabras, se trata de contextos donde la lectura “deja de ser pasiva para convertirse en un ejercicio compartido de pensamiento crítico”.

Durante la conversación, Folguera incidió en la necesidad de releer los textos clásicos desde el presente, alejándose de interpretaciones cerradas. En este sentido, subrayó que un texto “jamás se hace de la misma manera: cambia con el tiempo, con quien lo lee y con el contexto en el que se pone en escena” , defendiendo así una relación viva con la tradición. Para la autora, los clásicos no deben entenderse como piezas inmutables, sino como materiales en constante transformación que requieren ser revisados y activados desde el presente para seguir teniendo sentido.

En relación con la figura de Marcela, Folguera destacó su vigencia y su capacidad de interpelar al público actual. La definió como un personaje que encarna una forma de libertad que continúa generando incomodidad, al desafiar normas sociales profundamente arraigadas. Según explicó, su discurso sigue abriendo preguntas en torno a la autonomía individual, la identidad y el papel de las mujeres en la sociedad, lo que convierte a este personaje en un punto de partida especialmente fértil para una relectura contemporánea.

La dramaturga profundizó también en su proceso creativo, que describió como un ejercicio de diálogo constante entre el texto original y el contexto actual. Más que reproducir fielmente la obra de Cervantes, su propuesta busca establecer una conversación que permita descubrir nuevas capas de significado. En este sentido, defendió que el teatro no está orientado a ofrecer respuestas cerradas, sino a generar espacios de reflexión compartida en los que el público pueda cuestionar, interpretar y construir sentido de manera colectiva.

El encuentro incluyó un turno de participación en el que el alumnado asistente intervino con preguntas y reflexiones, generando un intercambio cercano y dinámico. Entre los temas abordados destacaron la adaptación de los textos clásicos, la construcción de personajes femeninos, la relación entre literatura y escena y el papel del teatro como herramienta para pensar el presente. Este diálogo evidenció el interés del estudiantado por los procesos de creación cultural y su capacidad para conectar con problemáticas contemporáneas.

La actividad se enmarca en el proyecto institucional ‘Los días del libro: un año para habitar la palabra’, una iniciativa que convoca a la comunidad universitaria y a la sociedad en general a celebrar la lectura como espacio de encuentro, pensamiento y acción colectiva. A lo largo de 2026, con motivo del centenario de la creación oficial del Día del Libro el 23 de abril, el programa promoverá diversas actividades académicas y culturales orientadas a fortalecer el vínculo con la cultura escrita.

Desde este enfoque, la lectura se concibe como una práctica expandida que trasciende el texto escrito para abarcar otras formas de interpretación del mundo, como la dramaturgia, la música o el lenguaje audiovisual. Leer implica también observar, escuchar, interpretar y situarse en la realidad con una mirada crítica y consciente.

El encuentro celebrado hoy refuerza así el papel de la Universidad de La Laguna como espacio de intercambio cultural y reflexión, al tiempo que consolida su compromiso con la promoción de la cultura como eje fundamental de la formación integral. Asimismo, actúa como invitación a la comunidad universitaria y a la ciudadanía a asistir a la representación de Marcela, una canción de Cervantes el próximo 19 de abril en el Paraninfo, donde el público podrá acercarse a esta relectura contemporánea de uno de los personajes más singulares del universo cervantino.

«Experiencias cercanas a la muerte», el nuevo episodio del podcast Dimensión Oculta con Carmen Pérez

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“Dimensión Oculta (9×17)” explora el misterio de las experiencias cercanas a la muerte

¿Qué ocurre cuando una persona está al borde de la muerte? Esta es la inquietante pregunta que plantea el nuevo episodio de Dimensión Oculta, dedicado a uno de los fenómenos más desconcertantes y debatidos tanto por la ciencia como por la espiritualidad: las experiencias cercanas a la muerte.

Miles de testimonios en todo el mundo coinciden en describir vivencias difíciles de explicar: la visión de una luz al final de un túnel, una profunda sensación de paz o la certeza de no estar solos. Relatos que, lejos de disiparse con el tiempo, continúan generando interrogantes fundamentales sobre la naturaleza de la conciencia y la vida después de la muerte.

En este episodio, el programa se adentra en estos enigmas a través de historias reales y el análisis de patrones comunes que desafían la lógica convencional. Para ello, cuenta con la participación de Juan Manuel García, creador de La Otra Orilla, colaborador en Cuarto Milenio e investigador en parapsicología, quien aporta su experiencia y conocimiento para arrojar luz sobre este fenómeno.

“Dimensión Oculta (9×17)” invita al espectador a reflexionar sobre cuestiones esenciales: ¿es la muerte el final o el comienzo de algo más? ¿Puede la conciencia sobrevivir al cuerpo? ¿Qué podría existir al otro lado?

Un episodio que conecta misterio, ciencia y espiritualidad, y que promete no dejar indiferente a nadie.

Puedes escuchar el resto de episodios en la siguiente dirección: https://www.ivoox.com/podcast-dimension-oculta-carmen-perez_sq_f11713972_1.html

Sobre Dimensión Oculta

Un podcast que explora los límites entre lo real y lo imposible 

¿Y si el misterio no fuera una excepción… sino parte de nuestra realidad cotidiana? Con  esa pregunta nació Dimensión Oculta, un podcast creado y conducido por la  comunicadora e investigadora Carmen Pérez, para quienes buscan indagar en los  fenómenos inexplicables desde una mirada honesta, emocional y documentada. 

Dimensión Oculta propone un viaje sonoro donde el misterio cobra vida a través de relatos, testimonios reales, análisis rigurosos y una narrativa cinematográfica que envuelve al oyente desde el primer minuto. Cada episodio se adentra en temas como apariciones, casas encantadas, entidades sin rostro, psicofonías, Ovnis, tragedias marcadas por lo paranormal, vampiros y criaturas imposibles que residen en los límites de nuestra comprensión.

En su séptima temporada, el podcast ha reunido voces de gran prestigio en el ámbito del misterio y la investigación: José Manuel Frías, Mercedes Pullman, David Cuevas, Javier Resines, Las Investigadoras Místicas, José Manuel García Bautista, Raúl Sacrest, Álvaro Collantes, Paz Velasco de la Fuente, entre otros. Junto a ellos, Carmen construye un espacio donde lo enigmático no se ridiculiza, sino que se escucha con respeto y curiosidad.

“Siempre sentí que el misterio no está en lo extraordinario, sino en lo que aún no  comprendemos del día a día”, comenta su autora. “Este podcast nació de una inquietud  personal que se convirtió en necesidad: entender, compartir, acompañar a quienes  también se hacen preguntas sin respuesta”. 

Dimensión Oculta ha logrado conectar con un público cada vez más amplio personas  interesadas en lo paranormal, lo espiritual o simplemente curiosas por lo desconocido gracias a su estilo cuidado, envolvente y profundamente humano. No es un podcast de  sustos, sino de atmósferas. No busca respuestas fáciles, sino despertar nuevas  preguntas. 

Está disponible en Spotify, Ivoox, Apple Podcast, Amazon Music, Google Podcast,  YouTube y otras plataformas, y cada episodio está pensado para vivirse como una  experiencia sensorial.

Kim Simmons lanza Time, su nuevo sencillo sobre el valor del tiempo

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Un tema soul-funk producido por Kiko Castro que invita a reflexionar sobre lo verdaderamente importante en la vida.

Kim Simmons lanza este viernes 17 de abril su nuevo sencillo Time, una canción que pone el foco en uno de los bienes más valiosos e irrecuperables que tenemos: el tiempo.

Con una letra íntima y reflexiva, Time invita a detenerse y pensar en cómo invertimos nuestros días, recordándonos que, al final, lo único que realmente nos llevamos son los momentos vividos. La canción conecta desde lo emocional con una idea universal, apelando a la conciencia sobre el presente y las decisiones que marcan nuestra vida.

Musicalmente, Time se mueve en un elegante estilo soul-funk, con una base rítmica sólida y grooves envolventes que aportan calidez y personalidad al tema, reforzando su carácter emocional sin perder frescura.

El tema ha sido producido en Arteria Films Studios por Kiko Castro, contando con la participación de músicos como Guillermo Chávez al bajo, el propio Kiko Castro a la batería y teclados, y Freddy Matos a la guitarra solista. El resultado es una producción cuidada, con una sonoridad envolvente que acompaña el mensaje de la canción sin perder fuerza ni sensibilidad.

El lanzamiento del sencillo en plataformas digitales tendrá lugar este viernes 17 de abril, y vendrá acompañado de un videoclip que se estrenará el próximo 27 de abril, ampliando el universo creativo de Time con una propuesta visual que refuerza su mensaje.

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