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Dadda Wanche lanza su nuevo tema: Enanos de Alma

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Enanos de Alma es el nuevo sencillo de Dadda Wanche. Un tema que además ha sido estrenado -como ya viene siendo costumbre en sus últimos lanzamientos- acompañado de un videoclip de animación. Se trata de una canción en estilo Roots Reggae, en donde el cantante tinerfeño desarrolla una letra que supone una crítica mordaz hacia esas personas que se amparan tras falsas intenciones y pretensiones de liderazgo, cuando en realidad sus acciones están llevadas del único afán de predominio y control sobre los demás.

Con una carrera musical de 24 años sobre los escenarios y cientos de canciones publicadas, además de numerosos trabajos de colaboración con numerosos artistas dentro y fuera del archipiélago, Dadda sigue representando el llamado “sonido de conciencia” en la escena internacional del reggae en castellano. Un título que lejos de pretensiones, guarda relación con su compromiso inquebrantable a través de su activismo musical para con las luchas sociales, las causas justas y con la transmisión de un mensaje de resistencia y positividad en el mundo actual, en donde pareciera que las sombras de la mezquindad y el egoísmo, se elevan sin resistencia para sembrar confusión y sufrimiento alrededor del planeta.

La producción audiovisual es obra del dibujante y realizador Esteban Lima, quien bajo su sello audiovisual “Tamasma Studios”, ha sido el encargado de acompañar con dibujos animados los últimos dos sencillos publicados por Dadda, así como de “Traficantes de Alma”, uno de los temas incluídos en su último álbum (ANKAR, 2024) en colaboración con el artista palmero Abel Cordovez, que fue relanzado con un videoclip a la altura de ese himno “antibelicista”. En esta ocasión, la historia de animación recrea una escena en la que un robot gigante, controlado por un diminuto villano, destruye toda una ciudad, aterrorizando a sus habitantes. La historia se centra en la resistencia que un grupo de personas organizadas, ejercen contra el malvado robot, ideando un plan para vencerle y destruirlo.

La producción musical es obra del productor, cantante, compositor e ingeniero de sonido Abel Cordovez, acostumbrado a trabajar mano a mano con Dadda Wanche en una larga carrera conjunta de colaboraciones, en esta ocasión compuso la base instrumental idónea, con la potencia del Roots Rock Reggae, pensada para que la melodía y líricas de Dadda Wanche se vieran proyectadas a otro nivel musical. La masterización final del tema viene de la mano del afamado ingeniero tinerfeño Eddy “Cosmic Force” Méndez, quien terminó de darle el sonido definitivo a la mezcla original, teniendo como resultado una canción que hará las delicias de los amantes del formato SoundSystem. La profundidad de sus bajos y la pegada de la batería, arrastran inevitablemente al oyente a una atmósfera dinámica y contagiosa, en la cual el mensaje del cantante se ve potenciado.

El videoclip está disponible en el canal de youtube del artista (https://www.youtube.com/watch?v=9Ut5g9anIdE) y la canción se puede escuchar en todas las plataformas de música digitales. Cabe destacar que el título de la canción está inspirado en una carta del prócer canario Secundino Delgado, figura histórica no suficientemente reconocida por el oficialismo. En esta carta dirigida a un amigo, el pensador, activista y literato canario, realiza una observación sobre la sociedad insular de su tiempo (principios del siglo XX), en lo que describe como un clima irrespirable en el que proliferan los enanos de alma, dispuestos a tener la zancadilla a quien ose levantar la voz y oponerse a las injusticias que históricamente sufrió el pueblo canario.

ARTISTA: Dadda Wanche

LANZAMIENTO: Enanos de Alma (Single / Videoclip)

PRODUCCIÓN MUSICAL/AUDIOVISUAL: Abel Cordovez (Benahoare Reggae) / Esteban Lima (Tamasma Studios)

MASTER: Eddy “Cosmic Force” Méndez

GÉNERO: Roots Rock Reggae / Sound System Culture

SELLO: Benahoare Reggae

The Molotovs: «La gente critica a los medios y a la industria por la falta de buenas bandas emergentes, pero luego se apresura a menospreciarlas en cuanto empiezan a despuntar.»  Por June Santana

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Matt Cartlidge e Issey Cartlidge, quédense con estos dos nombres, porque el dúo formado por estos hermanos londinenses viene pisando fuerte. Con sonoridades que evocan la música más cañera del siglo XX, y de la mano del toque disruptor de estos dos jóvenes pero artísticamente experimentados, tendremos el gusto de tener a The Molotovs en Canarias con tres conciertos:

  • 5 de junio de 2026 en la Sala Aguere de La Laguna, Tenerife.
  • 6 de junio de 2026 en el festival Sonidos Líquidos de La Geria, Lanzarote.
  • 7 de junio de 2026 en la Sala Alboroto de Las Palmas de Gran Canaria.
  1. Algunos de sus ídolos son Blondie, de la cual han sido teloneros —al igual que de Iggy Pop—, y Sex Pistols, los cuales han alabado su estilo y su trabajo musical. ¿Qué otros referentes tienen y de qué forma han influido dichos iconos en la música que hacen?

Issey: Tomamos prestadas muchas ideas, conceptos de canciones y estilos del cine. A menudo me atraen las obras con trasfondos y matices políticos. Por eso, aprecio mucho el movimiento ‘Kitchen Sink’ que destacó en Gran Bretaña en los años 50 y 60. También, películas como «Saturday Night, Sunday Morning» (de Karel Reisz) y «A Taste of Honey» (de Tony Richardson); así como la obra de Ken Loach, con «Cathy Come Home» y «Kes», que son devastadoras y brutalmente sinceras en su descripción de la opresión sistemática y la injusticia en la sociedad británica. Por razones similares, «O Lucky Man», de Lindsay Anderson, es una de mis películas favoritas de todos los tiempos: un Goliat que lucha contra múltiples temas como la clase social, el éxito, la codicia, la maldad del hombre y el socialismo; es una película a la que recurro a menudo. 

La estética y la libertad de la Nueva Ola francesa (también conocida como ‘nouvelle vague’, en su original en francés) también están siempre presentes en mi mente. Me encanta el uso intenso de los colores primarios en las películas de Godard, y me influye mucho la moda de sus protagonistas femeninas. La vitalidad y las imágenes muy saturadas aparecen repetidamente en The Molotovs. En un mundo en el que conformarse y mezclarse con la multitud se considera sensato, nosotros preferimos destacar con combinaciones de colores extravagantes inspiradas en el pop art y sentirnos orgullosos de nuestra apariencia y vestirnos de punta en blanco en todo momento. 

The Molotovs Music Venue Trust stage Wembley CREDIT Aoife Hyland
  1. A pesar de su juventud —pues Issey tiene 20 años y Matthew, 18—, ya tienen cierta experiencia, pues se adentraron en el universo musical siendo apenas unos adolescentes de 14 y 12 años, respectivamente. Cuéntenme cómo ha sido el crecimiento de ambos en torno a la música y en concreto, de este estilo suyo que combina rock con mod, punk y new wave. 

Issey: Mi primer amor fueron The Libertines. Quería sentir esa misma camaradería ardiente que se veía entre Peter y Carl, y estaba en pleno apogeo de mi locura cuando surgió The Molotovs; a partir de ahí devoré mucho ‘britpop’: «Coming Up» de Suede, Blur y Elastica eran mis favoritos. Retrocediendo a la primera ola de la ‘Cool Britannia’, Matt y yo conectamos gracias a The Kinks, The Small Faces, los primeros Beatles y The Who, todas ellas bandas que sonaban constantemente en la radio del coche mientras crecíamos. Este tipo de nostalgia también nos predispuso a conectar fácilmente con The Jam y muchos de los pilares de la escena punk del 77: The Pistols, The Members, The Cure y The Clash. Desde entonces, personalmente, voy saltando de una época a otra, me encanta el ‘power pop’ de Nick Lowe, Buzzcocks y The Replacements, y también me remonto a los años 60 con las composiciones de Lee Hazlewood y Nancy Sinatra, la obra de Burt Bacharach, The Ronettes, Sandie Shaw, Twinkle, etc. ¿He mencionado ya a The Housemartins y a Paul Heaton? 

  1. ¿Qué reacciones (sean del público, de otros artistas o de la crítica) se han encontrado y que les haya sorprendido, tanto para bien como para mal? Intuyo que ser dos hermanos jóvenes y hacer una música que evoca épocas pasadas es algo que deja indiferente a muy pocas personas…

Matt: No ha habido nada que me haya sorprendido especialmente; me alegro de que ahora haya mucha más gente joven que antes viniendo a nuestros conciertos y escuchando nuestra música. Lo que sí me sorprende es que la gente espere que ocultemos nuestras influencias, y el cómo se utiliza eso para intentar desacreditarnos. Me gustan los jodidos The Jam, ¿y qué? Me gustan ellos, entre muchas otras cosas, pero la gente se queda con lo más superficial, es increíble. Pero por otro lado, tampoco me termina de sorprender: la gente critica a los medios y a la industria por la falta de buenas bandas emergentes, pero luego se apresura a menospreciarlas en cuanto empiezan a despuntar. 

  1. ¿Qué diferencia a The Molotovs respecto a otras bandas o solistas de estilos cercanos al suyo?

Matt: Que lo hacemos en serio, no somos una imitación ni una nostalgia de los viejos tiempos. Si la gente quiere seguir hablando de lo del «mod», pues vale, hagámoslo. Para mí, «mod» es lo que yo diga que es, y lo aplico a mí mismo cuando me parece oportuno. Ya sea en la ropa o en la música, mi definición de «mod» es personal así que, en ese sentido, es lo que yo diga que es y lo que yo haga de esas dos cosas. Y creo que más gente debería tener esa actitud. 

Live Shot 1 (Credit Jeanie Jean)
  1. También tienen una estética peculiar que recuerda a los rockeros británicos del siglo pasado. ¿Quiénes son, a nivel estilístico, su inspiración? ¿Qué plantean reflejar con la moda que utilizan?

Issey: De los diseñadores de los años 60, me encanta el trabajo de Pierre Cardin, André Courrèges y Rudi Genreich, sus estilos retrofuturistas y su uso de colores que cansan la vista, o el tipo de estilo que imita Fay Fife de The Rezillos, o el tipo de cosas que verías llevar puestas a la modelo Peggy Mofitt. 

También colaboramos con un par de amigos y creamos conjuntos tanto para el escenario como para la calle. Denholm Bruce, un amigo que conocí en un concierto de The Libertines en Brighton Beach, me cosió un vestido con cuello abierto reciclado a partir de una bandera británica, que cuelga peligrosamente de mi cuello gracias a la cuerda que viene atada a él. Trabajo también con Pure Sex, una marca vinculada a la era punk; con prendas de Seditionaries al estilo de Vivienne Westwood. Además, me encantan los looks de cuero de Siouxie Sioux, la indumentaria de Debbie Harry con influencias del pop art, y el estilo de ropa de segunda mano de The Slits. 

Quiero que seamos atrevidos y demostremos nuestra indiferencia ante la actitud de los demás. Quiero ser memorable. Hay optimismo y orgullo en vestir con estilo y con mucho color. Debemos rechazar la homogeneidad y ser emblemas de la resistencia en nuestro día a día (y cuando digo «nosotros» me refiero también a todos los demás). En este enjambre de marcas de grandes grupos y 250 diseños diferentes de camisetas blancas, es demasiado fácil conformarse con un ideal aburrido. Nosotros encontramos estos estilos mucho más divertidos. 

  1. Este mismo año, en 2026, sacaron su álbum debut ‘Wasted On Youth’  y está siendo todo un éxito. Acumulan en Spotify más de 50.000 oyentes mensuales y superan los 90.000 seguidores en Instagram. ¿Se esperaban un éxito así? ¿De qué forma les ha influido entrar por todo lo alto en la escena musical británica (que traspasa fronteras)?

Issey: No ha cambiado quien soy. Creamos el grupo con una actitud de «o todo o nada»; el hecho de que la gente se esté sumando al proyecto es emocionante y gratificante, cada vez que llega alguien nuevo a nuestros conciertos es una reafirmación. 

Album asset (Credit Nick Benoy)
  1. Pasando un poco al ámbito personal, ¿cuál de sus propias canciones les representa mejor? Si tuvieran que decir: “esta canción es muy nosotros”, ¿cuál sería?

Issey: Creo que «Today’s Gonna Be Our Day» transmite una esperanza triunfal y anima a la gente a ser protagonista de su propia vida, a rechazar la apatía. Esa es una moraleja que me gustaría mantener cada día, y todos deberíamos hacerlo. 

  1. A sus espaldas tienen más de 600 conciertos, y ahora tienen por delante un gran tour que abarca a los EEUU y a muchos países europeos como Italia, Alemania, por supuesto Reino Unido, y varias fechas en España. ¿Qué sensación les causa una gira así de extensa, que dura 5 meses a un ritmo frenético?

Matt: Bueno, en realidad es lo único que conozco, ya que llevamos tanto tiempo dedicándonos a esto. En muchos aspectos, hemos estado de gira durante los últimos seis años o así; quiero decir que nunca hemos dejado de dar conciertos durante un periodo prolongado de tiempo ni nos hemos tomado unas vacaciones, así que estoy bastante contento con ello. 

  1. Y hablando de las fechas en España, en poquísimo tiempo les tendremos en Canarias, con tres conciertos que serán el 5 de junio en la Sala Aguere (La Laguna, TF), el 6 de junio en el Festival Sonidos Líquidos (La Geria, LZ) y el 7 de junio en la Sala Alboroto (Las Palmas de Gran Canaria, GC). Un triplete bastante intenso y en entornos muy diferentes entre sí. ¿Qué expectativas tienen sobre estas veladas en las islas?

Matt: Arena, palmeras, agua en todas sus formas, bebidas servidas en mitades de coco con esas pequeñas sombrillas de palillo que sobresalen por la parte de arriba… Ese tipo de cosas. Y si no es así, me voy a casa. 

Las entradas para los conciertos de The Molotovs en Gran Canaria y Tenerife están disponibles en entradas.com. Las entradas para el festival Sonidos Líquidos de Lanzarote están agotadas.

Las promesas del Conservatorio Superior de Música se ponen a prueba en el Auditorio

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Tres solistas -de trombón, trompeta y piano- y un cuarteto de violas ofrecen un concierto mañana en la Sala de Cámara

El Auditorio de Tenerife recibe mañana (jueves 28) en la Sala de Cámara a las 19:00 horas a las promesas del Conservatorio Superior de Música de Canarias (CSMC). La institución ofrece al público la oportunidad de disfrutar del talento de jóvenes músicos destacados por su calidad artística y su prometedor futuro profesional. La entrada es libre hasta completar el aforo.

Esta cita en el Auditorio constituye además una valiosa experiencia formativa, ya que permite a los alumnos actuar en un escenario profesional y presentar su trabajo al público en un entorno de gran prestigio musical.

El programa articula un itinerario musical de notable diversidad estética, en el que confluyen el virtuosismo instrumental, la intensidad expresiva y la riqueza tímbrica de distintas tradiciones compositivas. Las obras seleccionadas trazan un arco expresivo amplio, que abarca desde la escritura concertante de gran aliento hasta la concentración discursiva de la música para instrumento solo y la sutil elaboración camerística.

El concierto comenzará con el alumno Diego Abreu Socas al trombón, seguido por Jesús Rubén Afonso Morín a la trompeta. El piano de Christian Alexander Contreras Leandro precederá al conjunto que cierra el programa: un cuarteto de violas compuesto por Stephane Schmalen, Blandina Imelda Dimande, Hernán García García y Fátima Arencibia Corbera.

Las dos páginas de Henri Tomasi -el Concierto para trombón y orquesta y el Concierto para trompeta y orquesta- constituyen dos muestras sobresalientes de un lenguaje en el que confluyen el lirismo, el dramatismo y una brillante concepción instrumental. Ambas obras exigen del intérprete no solo solvencia técnica, sino también capacidad para proyectar con claridad el carácter profundamente expresivo de sus líneas melódicas y su densidad armónica.

En contraste con esa dimensión concertante, la Improvisación nº 1 para trombón solo de Eduardo Crespo propone un espacio de mayor introspección y libertad formal, en el que el discurso parece desplegarse con naturalidad casi espontánea. La escritura solista adquiere aquí un valor especialmente íntimo, basado en la exploración del color, la resonancia y la flexibilidad retórica del instrumento.

Por su parte, Cíclopes de Jean-Philippe Rameau remite a la vitalidad y el refinamiento del universo barroco francés, mientras que la Balada de Gabriel Fauré aporta una dimensión lírica y contemplativa, marcada por la sutileza armónica y la elegancia de su discurso. A ello se suma el Estudio trascendental nº 8 Wilde Jagd de Franz Liszt, obra paradigmática del romanticismo pianístico, donde la exigencia técnica se integra en una escritura de gran impulso dramático y fuerza evocadora.

Cierra el programa la Fantasía para cuatro violas en mi menor, op. 41 nº 1 de York Bowen, obra que destaca por la calidez de su sonoridad y por la delicadeza de su tratamiento contrapuntístico y armónico. En conjunto, este repertorio ofrece una experiencia de escucha diversa y cohesionada, donde cada obra aporta una perspectiva singular sobre el virtuosismo, la expresividad y el color instrumental.

El innovador techno de Stacey Pullen irrumpe en Papagayo Tenerife

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El próximo 31 de mayo, Papagayo Tenerife volverá a abrir su pista de baile para una nueva edición de Piknik, que esta vez contará como gran protagonista con la actuación del legendario dj y productor estadounidense Stacey Pullen, una de las figuras fundamentales en la evolución del techno de Detroit y referente internacional de la electrónica contemporánea.

Pullen compartirá cabina con los artistas Beto Uña y Claudia Rutten en una noche que promete reunir algunas de las sonoridades más sofisticadas y vanguardistas de la escena electrónica actual en el entorno privilegiado de Papagayo Tenerife, uno de los espacios más emblemáticos para la cultura club en la isla.

Considerado uno de los grandes innovadores de la Segunda Ola del techno de Detroit, Stacey Pullen creció bajo la influencia directa de las tres figuras esenciales del género: Derrick May, Juan Atkins y Kevin Saunderson. Aquella conexión con los pioneros del techno marcaría profundamente el desarrollo artístico de un creador que, décadas después, continúa siendo una referencia mundial gracias a un sonido elegante, atmosférico y en constante evolución.

Su trayectoria musical comenzó desde muy joven. A los nueve años inició estudios de flauta en bandas escolares, desarrollando una relación temprana con la música que más tarde desembocaría en su pasión por la electrónica. Influenciado por el movimiento techno que revolucionó Detroit a mediados de los años ochenta y por figuras como Jeff Mills y los grandes djs de Chicago, Pullen empezó a experimentar con platos y mezclas junto a un grupo de amigos, sentando las bases de una carrera que terminaría llevándolo a las cabinas más importantes del planeta.

Tras debutar profesionalmente como dj en 1992, Stacey Pullen comenzó rápidamente a destacar por una visión musical alejada de fórmulas previsibles. Su primer lanzamiento llegó bajo el alias “Bango” en Fragile Records, el sello de Derrick May, iniciando así una carrera discográfica marcada por la innovación y la búsqueda constante de nuevos lenguajes sonoros.

En 1993 se trasladó a Ámsterdam durante más de un año, una etapa clave que consolidó su dimensión internacional y reforzó su posición como una de las figuras más creativas e influyentes dentro del techno europeo y estadounidense. Posteriormente, en 1998, fundó Blackflag Recordings, sello desde el que impulsó trabajos fundamentales como Sweat, considerado hoy una pieza clásica dentro de la electrónica underground.

Actualmente, Stacey Pullen continúa desarrollando Blackflag Records como una plataforma artística abierta a la libertad creativa, el pensamiento abstracto y la experimentación sonora. Su propuesta musical evita etiquetas rígidas y apuesta por sesiones dinámicas donde el techno dialoga constantemente con el house, la electrónica futurista y grooves profundamente hipnóticos.

La actuación en Papagayo Tenerife supondrá una oportunidad única para disfrutar en directo de uno de los artistas más respetados e influyentes de la cultura electrónica internacional. Reconocido por sets intensos, elegantes y emocionalmente envolventes, Pullen mantiene intacta una filosofía artística basada en romper límites y explorar nuevas posibilidades musicales en cada actuación.

La presencia de Beto Uña y Claudia Rutten completará una programación diseñada para ofrecer una experiencia sonora de primer nivel dentro del ciclo Piknik, consolidado ya como una de las propuestas más relevantes para la música electrónica en Tenerife.

Torrente Presidente llega a Netflix el 26 de junio

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TORRENTE PRESIDENTE, la sexta entrega de la célebre saga creada, dirigida y protagonizada por Santiago Segura, se estrenará en Netflix en España el próximo 26 de junio tras arrasar en la taquilla española. 

TORRENTE PRESIDENTE es el mejor estreno en cines de una película española de los últimos 11 años; el mejor estreno de una comedia +16 (cine español e internacional) de la historia en España; y el cuarto mejor estreno de cine español de la historia.

“Desde que Santiago nos presentó el proyecto no dudamos ni un segundo en embarcarnos en Torrente Presidente. No solo por el enorme fenómeno que hay detrás de la saga, sino porque esta historia en particular nos cautivó desde el primer momento y sentimos que era perfecta para el momento que estamos viviendo. La película ha sido un éxito rotundo y estamos muy orgullosos de que ahora llegue a Netflix. Poder trabajar de la mano de Santiago Segura y María Luisa Gutiérrez, en colaboración con Atresmedia, vuelve a poner en valor la capacidad y la flexibilidad de Netflix a la hora de apostar por las mejores historias y hacerlas llegar a nuestra audiencia.” – Diego Ávalos, Vicepresidente de contenido de Netflix en España, Portugal y Turquía.

“No imaginé cuando preparábamos Torrente Presidente que tendría un seguimiento tan brutal del público, casi cuatro millones de personas acudieron a ver la película a los cines, por eso me entusiasma que, ahora, Netflix lleve la película a los salones de sus suscriptores a partir del 26 de Junio. ¡Espero poder brindar en breve con Diego Ávalos y todo el equipo de Netflix por otros cuatro millones de espectadores! Esta película no hubiese podido llegar a vuestras pantallas sin la participación de Netflix” – Santiago Segura

AMIGUETES ENTERTAINMENT presenta TORRENTE PRESIDENTE, una producción de TORRENTE PRESIDENTE AIE, BOWFINGER INTERNATIONAL PICTURES y AMIGUETES ENTERPRISES con la participación de NETFLIX y ATRESMEDIA en asociación con MOGAMBO y con la distribución en cines a cargo de SONY PICTURES ENTERTAINMENT IBERIA.

Acerca de TORRENTE PRESIDENTE

José Luis Torrente, un ex policía, machista, racista y alcohólico, es captado por la formación política NOX.

Torrente persona miserable, cínica, mentirosa y ruin, piensa que la política puede ser una buena oportunidad para medrar, curiosamente no está muy desencaminado y comienza a hacer realidad  sus delirios de grandeza.

Acerca de Bowfinger International Pictures

Bowfinger International Pictures, dedicada a la producción y coproducción nacional e internacional, está dirigida por Mª Luisa Gutiérrez junto a su socio Santiago Segura. En su catálogo se encuentran más de 40 títulos incluyendo grandes éxitos como Torrente Presidente  con más de tres millones de espectadores en cines o  La infiltrada (Goya a mejor película).

Entre el 2025 y 2026 sus producciones recaudaron el 30% de la taquilla en España liderando los primeros puestos de películas más vistas en la cartelera con grandes éxitos como Padre no hay más que uno 4, Padre no hay más que uno 5, La Infiltrada, La Familia Benetón, Un funeral de locos o Tierra de Nadie, todas batiendo récord de espectadores en cines.

Además, entre sus producciones se encuentran thrillers como Lobo Feroz o No dormirás de Gustavo Hernández, Animal del oscarizado Armando Bó, Nieve Negra protagonizada por Ricardo Darín, o dramas como Maspalomas, nominada al Goya a mejor Película este año.

Recientemente ha estrenado La familia Benetón+2, aún en exhibición que, ahora mismo se encuentra como la sexta película española más vista de 2026.

LPA Emer-gente agota sus últimos días de inscripción para coronar el cartel del LPA BMusic Festival 2026

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Con el programa definitivo de su decimotercera edición ya cerrado tras la reciente incorporación de una jornada dedicada a la electrónica, el LPA BMusic Festival encara la recta final para las inscripciones de su certamen LPA Emer-gente. El Parque Litoral El Rincón ya tiene configurado su despliegue estilístico, dejando el camino libre para que el talento emergente de las islas complete las últimas vacantes de un cartel musical sumamente ambicioso.

El plazo para participar en el certamen LPA Emer-gente expira este próximo 1 de junio, consolidando su estatus como el auténtico kilómetro cero para el relevo generacional de la música en las islas. Hasta la fecha, una treintena de bandas procedentes de Gran Canaria, Tenerife, Lanzarote, Fuerteventura y La Palma ya han formalizado su inscripción, en un proceso de descentralización y cohesión territorial que confirma el excelente estado de salud del ecosistema artístico del archipiélago. Desde la organización se constata el rigor del proceso de filtrado, habiendo quedado excluidas aquellas propuestas de ámbito nacional que no se ajustaban a unas bases diseñadas con el propósito irrenunciable de blindar y potenciar el tejido cultural estrictamente canario.

Lejos de responder al corsé de un concurso de maquetas convencional, esta convocatoria opera como la gran percha y trampolín profesional para los creadores insulares. Las veinte formaciones que superen la primera criba, cuya identidad se desvelará en redes sociales la próxima semana, abandonarán el circuito íntimo de los locales de ensayo para mudarse a la terraza del Centro Comercial Las Arenas. Bajo el sello Las Arenas Music, cada sábado entre el 20 de junio y el 22 de agosto, el festival activa un estimulante efecto llamada mediante conciertos de acceso gratuito en un espacio abierto a todos los públicos, garantizando un volumen de audiencia masivo que multiplica la visibilidad de los proyectos frente a los aforos habituales de las salas de conciertos.

El veredicto de esta fase en vivo recaerá en un sistema de votación mixto a través de la web oficial, donde el público y la organización elegirán a partes iguales a los seis finalistas que obtendrán un puesto de privilegio en las jornadas centrales del LPA BMusic Festival, los días 11 y 12 de septiembre. Estas seis bandas compartirán el centro del escenario y los mismos estándares técnicos que los cabezas de cartel nacionales, sumando además el aliciente de un premio económico de mayor cuantía para la propuesta ganadora, que se asegurará automáticamente su presencia en la edición de 2027. Esta plataforma, que celebra la diversidad de estilos sin dogmatismos, cuenta con el respaldo estratégico de patrocinadores como el Centro Comercial Las Arenas, El Águila y Munchitos, junto al apoyo institucional del Cabildo de Gran Canaria, el Gobierno de Canarias e Islas Canarias.

Esta oportunidad única para las bandas emergentes coincide con el cierre definitivo de un cartel musical sumamente ambicioso que se desarrollará en el Parque Litoral El Rincón. La decimotercera edición arrancará el jueves 10 de septiembre con el estreno de LPA Sound Juernes, una jornada gratuita dedicada a la electrónica de vanguardia que contará con el directo de Ale Acosta presentando su debut «El Porvenir», el misticismo industrial de Cervatana y la energía irreverente del dúo Rata. El viernes 11 de septiembre llegará la embestida eléctrica de la mano del metal técnico de Angelus Apatrida, el trigésimo aniversario del disco «Alzhéimer» de Def con Dos, la contundencia de Bala, la sátira de Loncha Velasco y el descaro de Fuet!.

El pop-rock, el post-punk y la fusión marcarán el paso del sábado 12 de septiembre con la única fecha en Canarias de Alcalá Norte, la elegancia escénica de Maika Makovski, la mordacidad de Parquesvr, los ritmos de Micromambo, la frescura de La Milagrosa y el directo de Aldara, ganadora de la pasada edición del concurso. El cierre del domingo 13 de septiembre, bajo la marca LPA Fun Family, propiciará el esperado regreso de El Vega tras año y medio alejado de los escenarios, acompañado por las propuestas festivas de Madafaka All Star, Nueva Línea, Aseres, Los Salvapantallas y Los Lola, rematando cuatro días de música donde el talento canario compartirá protagonismo con los grandes referentes de la escena nacional actual.

El LPA BMusic Festival cuenta con el apoyo y patrocinio del Cabildo de Gran Canaria, La Isla de mi vida, así como del Gobierno de Canarias e Islas Canarias.

Consulta las bases y asegura tu plaza: Ficha de inscripción disponible

Presentamos en exclusiva el tráiler de “Millennial Mal”, la nueva serie original de Filmin, que se estrenará el 30 de junio

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La comedia universitaria firmada por Lorena Iglesias, codirigida junto a Andrea Jaurrieta, cuenta con Isa Calderón y Vito Sanz en el reparto.

Filmin se complace en presentar el tráiler oficial de “Millennial Mal”, su nueva serie Original, que se estrenará completa (5 episodios de 30 minutos) en la plataforma el 30 de junio. Se trata de una comedia universitaria creada, escrita y protagonizada por la coruñesa Lorena Iglesias (“Balearic”, “Mamántula”), codirigida junto a Andrea Jaurrieta (“Nina”). 

Junto a Iglesias, completan el reparto la humorista Isa Calderón, que debuta en la ficción, Vito Sanz (nominado al Goya por su interpretación en “Volveréis”), y las actrices Victoria Oliver y Paula Gala. 

Producido por Tornasol Media y Ukbar Filmes, el proyecto fue impulsado por las Residencias de la Academia de Cine, por Europa Media Creativa Desarrollo y el Gobierno de Navarra. Posteriormente ha sido seleccionado en el Festival de Málaga, donde tuvo su estreno mundial; el festival Caballo Interplay y las jornadas de Conecta Fiction. 

A medio camino entre la comedia universitaria «Nunca me han besado» y la serie generacional «Girls», «Millennial Mal» sigue a Judith, una bibliotecaria en paro de 42 años que tiene que volver a la universidad para cobrar una beca que le conceden por un error burocrático. Atrapada en los códigos del mundo universitario –fiestas, outfits, miedo al cringe…–, y con el fin de ocultar su edad, se somete a un cambio de imagen ideado por dos veinteañeras, lo que hará que acabe creyéndose su propio personaje.

Desde su aparición en una fiesta, Judith se vuelve un personaje imposible de ignorar: un imán incómodo que despierta risa, identificación y rechazo al mismo tiempo. Entre cruces generacionales, situaciones absurdas y mucha adrenalina, la serie propone una comedia actual, fresca y provocadora, que se ríe de sí misma y que cumple esa fantasía compartida de volver a empezar, incluso cuando ya no es el momento “correcto”.

Llegar tarde a tu propia juventud

Al acercarse a los 40, Lorena Iglesias empezó a detectar que aquello de “sentar cabeza” no estaba en el orden del día de su generación. “Al cumplir 38 años empecé a darme cuenta de que mucha gente de mi edad, cercana a los 40, no daba pasos significativos en su vida en un sentido convencional”, explica. “En mis grupos de amigos, apenas hay propietarios de casas, parejas con hijos o personas con trabajos estables. (…) Siento que los millennials más mayores somos la generación de la doble crisis: adultos cercanos a la mediana edad obligados a vivir como jóvenes en el peor sentido”.

Una sensación que conecta con la idea de que los millennials son la primera generación, desde la Segunda Guerra Mundial, que vive peor que la de sus padres: precariedad laboral, recesión económica, redes sociales, soledad acompañada… y la ligera sospecha de haber llegado tarde a todo. Empujada a vivir como una veinteañera cuando ya roza los 40, la protagonista siente que no aprovechó su juventud cuando tocaba y decide recuperar el tiempo perdido: intenta encajar, exagera, se pasa de rosca, genera empatía… y también vergüenza ajena.

Nuestra protagonista mira al presente, la generación Z, como quien consulta un manual a destiempo. “Siempre he envidiado a los Z. Cada día pienso al menos una vez, ‘ojalá haber sido joven ahora’. Los centennials son autodidactas, empáticos, fluidos, emocionalmente despiertos, etc.” Este es el punto de partida de una comedia que observa, con autoparodia e inteligencia, cómo una generación intenta arreglar su pasado copiando a quienes aún no han tenido tiempo de estropear el suyo.

La memoria indígena protagoniza una nueva sesión del ciclo ‘Miradas audiovisuales. Pensar y comprender América’

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●       La Casa de Colón proyecta el día 28 de mayo los filmes peruanos La memoria de las mariposas y La voz del huito, dos obras premiadas que reflexionan sobre identidad, archivo y memoria

Las Palmas de Gran Canaria, 26 de mayo de 2026.– La Casa de Colón ofrece el día 28 de mayo, a las 19:00 horas, una nueva sesión del ciclo ‘Miradas audiovisuales. Pensar y comprender América’ dedicada al cine documental peruano, una propuesta que reúne el largometraje La memoria de las mariposas (2025), de Tatiana Fuentes Sadowski, y el cortometraje La voz del huito (2022), codirigido por Rita Sánchez, Joaquina Izaguirre y Mara Corrales.

Ambas obras comparten una mirada crítica y sensible hacia las memorias indígenas, las huellas del colonialismo y los procesos de reconstrucción identitaria desde el cine documental contemporáneo. La actividad está organizada por la Casa de Colón, Tinglado Film y la Asociación de Cine Vértigo.

La memoria de las mariposas, ópera prima de la cineasta peruana Tatiana Fuentes Sadowski, toma como punto de partida una fotografía de dos niños indígenas trasladados forzosamente a Europa para iniciar una investigación audiovisual sobre las víctimas indígenas del comercio del caucho en Perú. A de materiales de archivo, imágenes de textura analógica y referencias a la propia historia familiar de la directora, la película construye una reflexión poética sobre la violencia histórica, la memoria y la reparación.

La película inició su recorrido internacional en la Berlinale 2025, donde obtuvo el Premio FIPRESCI a la Mejor Película en la sección Forum, además de una mención especial en competición documental. También fue galardonada en eventos como DocsBarcelona, el Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias o el Festival Cinematográfico Internacional del Uruguay.

La sesión se completa con La voz del huito, un cortometraje documental que recupera el testimonio de Luis Tayori, descendiente del pueblo indígena Harakbut, quien reconstruye los recuerdos de su infancia y de sus ancestros a partir de archivos fotográficos vinculados a las primeras misiones dominicas en la Amazonía peruana. El filme aborda el choque entre cosmovisiones, la memoria intergeneracional y la reafirmación cultural desde una propuesta visual en blanco y negro.

Dirigido por Rita Sánchez, Joaquina Izaguirre y Mara Corrales, La voz del huito ha recibido numerosos reconocimientos internacionales, entre ellos el Premio del Jurado al Mejor Cortometraje del Festival de Cine de Lima, así como galardones en Brasil, Cuba, Francia y Perú.

El ciclo ‘Miradas audiovisuales. Pensar y comprender América’ propone aproximarse a la realidad iberoamericana desde el lenguaje cinematográfico, alejándose de las narrativas más convencionales para abordar cuestiones vinculadas con la memoria, las desigualdades, las identidades culturales y los procesos sociales contemporáneos que atraviesan el continente.

La actividad tendrá lugar en la Casa de Colón con entrada gratuita hasta completar aforo.

Tatiana Fuentes Sadowski, cine entre memoria y archivo

La cineasta peruana Tatiana Fuentes Sadowski desarrolla una trayectoria situada entre el cine experimental y el documental, con un trabajo centrado en las memorias coloniales, los archivos visuales y los procesos de reparación histórica. Formada en Artes Escénicas en Perú y en Cine y Nuevos Medios en Le Fresnoy–Studio National des Arts Contemporains (Francia), sus obras han pasado por festivales internacionales como Doclisboa, Oberhausen o Art of the Real. La memoria de las mariposas, su primer largometraje, profundiza en la violencia del caucho en la Amazonía peruana a través de una mirada poética que dialoga con los materiales de archivo y las narrativas indígenas.

Las creadoras de La voz del huito

Las realizadoras Rita Sánchez, Joaquina Izaguirre y Mara Corrales firman La voz del huito, un cortometraje documental construido desde la memoria oral, el archivo fotográfico y la reivindicación identitaria del pueblo indígena Harakbut. El proyecto nace desde Chamana Films, colectivo peruano dedicado a narrativas documentales vinculadas a territorios, medioambiente y comunidades originarias.

Rita Sánchez, directora, productora y socia fundadora de Chamana Films, ha ampliado su formación en documental de autor en la prestigiosa Escuela Internacional de Cine y TV de Cuba (EICTV).

Joaquina Izaguirre, realizadora audiovisual formada en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, ha desarrollado trabajos de corte documental en medios como La República y en proyectos vinculados a derechos sociales y memoria.

Por su parte, Mara Corrales, también integrante fundadora de Chamana Films, combina la creación audiovisual con estudios en Biología, incorporando a sus trabajos una mirada ligada a las cuestiones ambientales y los conocimientos tradicionales.

Koko-Jean & The Tonics abre el 17 de julio el Maspalomas Costa Canaria Soul Festival

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La banda liderada por la mozambiqueña Koko-Jean Davis inaugura las actuaciones de tres días en la Playa de San Agustín de Gran Canaria

Koko-Jean & The Tonics inaugura el 17 de julio la décima edición del Maspalomas Costa Canarias Soul Festival. El grupo liderado por la carismática Koko-Jean Davis, de origen mozambiqueño y asentada en Barcelona, actuará a las 20:30 horas en el escenario de la Playa de San Agustín, abriendo un fin de semana intenso de música.

Con una propuesta vibrante que fusiona soul, rhythm & blues, rock and roll y funk, Koko-Jean & The Tonics se ha consolidado como una de las bandas más potentes del panorama musical actual. Tras salir de Mozambique, Davis vivió en Brasil y Estados Unidos, antes de establecerse en Barcelona. Allí se asentó musicalmente como vocalista del grupo The Excitements, en el que permaneció durante casi una década, hasta que en 2019 fundó su propio grupo en compañía del guitarrista Dani Baraldés y del bluesmen y armonista Víctor Puertas.

La actuación de Koko-Jean & The Tonics marcará el arranque de una edición muy especial del festival. Una trayectoria de más de una década que han convertido esta cita en una de las imprescindibles del género en Europa y el mayor festival gratuito de soul de España.

Organizado por el Ayuntamiento de San Bartolomé de Tirajana y dirigido y producido por DD&Company Producciones, el Maspalomas Costa Canaria Soul Festival regresa del 17 al 19 de julio al escenario privilegiado de la Playa de San Agustín, al sur de Gran Canaria donde los asistentes podrán disfrutar de conciertos al aire libre y gastronomía en un entorno único para toda la familia.

Koko-Jean & The Tonics encarna a la perfección el espíritu del festival: calidad artística, energía escénica y respeto por las raíces de la música afroamericana, como refrendó su segundo disco, Love child, en el que se adentra en el sonido más puro del soul y el ambiente social y musical de los 70. Su presencia en el cartel supone un arranque de lujo para una edición conmemorativa que reunirá a grandes figuras nacionales e internacionales del soul.

Bywater Call alumbra al Teatro Leal con su soul contemporáneo

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Bywater Call llegará el próximo 16 de junio de 2026 al Teatro Leal de La Laguna para ofrecer uno de los conciertos más esperados de la temporada para los amantes del soul, el roots rock y el blues contemporáneo. La formación canadiense, considerada actualmente una de las bandas más vibrantes y en mejor estado de forma del circuito internacional, actuará a las 20:00 horas dentro de su extensa gira europea, que los está llevando por algunos de los escenarios y festivales más relevantes del continente.

Procedentes de Toronto, Bywater Call se han consolidado como un poderoso septeto capaz de trascender géneros y épocas, combinando la tradición del soul sureño y el rhythm and blues clásico con una energía moderna y un sonido profundamente personal. Su directo es uno de sus grandes sellos de identidad: conciertos intensos, emotivos y llenos de complicidad entre los músicos, que convierten cada actuación en una experiencia colectiva cargada de fuerza y autenticidad.

La banda está liderada por la imponente voz de Meghan Parnell, una cantante de enorme presencia escénica y timbre inconfundible, acompañada por Dave Barnes a la guitarra, Bruce McCarthy a la batería, Mike Meusel al bajo, Andrew Moljgun a los teclados, Stephen Dyte a la trompeta y Julian Nalli al saxo tenor.

El grupo vive un momento especialmente dulce de su carrera tras el éxito de su álbum Shepherd, publicado en 2024 y elegido Blues Album of the Month por la prestigiosa revista Classic Rock, que posteriormente lo reconoció como Mejor Álbum de Blues del Año. La crítica especializada ha coincidido en destacar el carácter inventivo, pegadizo y emocional del disco, así como la sensación de estar ante una banda en pleno crecimiento artístico. A este reconocimiento se suma su nominación por segundo año consecutivo a los UK Blues Awards como Artista Internacional del Año, confirmando su proyección más allá de Canadá.

En enero de 2026, Bywater Call ha presentado ‘Only’, su primer single de estudio del año, una elegante pieza de soul de tempo pausado que remite a los grandes himnos sentimentales de los años sesenta y setenta. La canción muestra un registro más contenido y vulnerable de Meghan Parnell, apoyado por un cuidado trabajo coral y una producción que equilibra clasicismo y sensibilidad contemporánea, con referencias que van desde Otis Redding hasta artistas actuales como Adele o Amy Winehouse.

La cita en el Teatro Leal se perfila como una oportunidad única para disfrutar de una banda que no solo interpreta canciones, sino que construye relatos emocionales sobre el escenario. Tras haber ofrecido más de 130 conciertos en 11 países durante el último año y haber participado en eventos de referencia junto a artistas como The Black Keys, Marcus King o Larkin Poe, Bywater Call llega a Tenerife con un directo maduro, intenso y profundamente honesto, dispuesto a dejar huella en el público canario.