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La Fundación CajaCanarias presenta la programación de su Otoño Cultural 2026

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  • El ciclo, que tendrá lugar entre el 18 de septiembre y el 4 de diciembre, contará con una veintena de propuestas que abarcan música, teatro, literatura, pensamiento, cine documental, humor y programación familiar, con la participación de destacados nombres del panorama nacional e internacional
  • La programación incluye las actuaciones de 091, Santiago Auserón, Paquito D’Rivera Trío, Leo & Leo o Alberto San Juan, además de encuentros con Héctor Abad Faciolince, Luis Landero, Mikel López Iturriaga y Mariola Cubells, producciones teatrales de referencia y el estreno de la ópera Él. De las tinieblas a la luz, coproducida por la Fundación CajaCanarias.
  • Las localidades para asistir a estas funciones, a celebrar en el Espacio Cultural CajaCanarias de Santa Cruz de Tenerife, La Palma, Garachico y en el Teatro Leal (La Laguna), se encuentran ya a la venta en www.cajacanarias.com

La Fundación CajaCanarias presenta la programación de su Otoño Cultural 2026, una propuesta cultural que volverá a convertir sus Espacios Culturales en lugares de encuentro para la música, la literatura, el pensamiento, las artes escénicas y el cine documental a través de una selección de actividades que reunirá a algunas de las voces más relevantes de la creación contemporánea. La programación tendrá lugar entre el 18 de septiembre y el 4 de diciembre y el horario general de comienzo de las actividades será las 20:00 horas, salvo aquellos eventos indicados. Las entradas, con precios especiales para el programa Amigos de la Fundación, se encuentran ya a la venta en www.cajacanarias.com.

La programación de esta edición del Otoño Cultural CajaCanarias vuelve a ofrecer un recorrido por distintas disciplinas que dialogan entre sí y que encuentran en la cultura un espacio para la reflexión, la emoción y el intercambio de ideas. Literatura, música, teatro, humor, documental y propuestas dirigidas al público familiar conforman un calendario que reúne producciones nacionales e internacionales, proyectos de especial relevancia artística y una nueva coproducción propia que pone en valor el patrimonio literario y cultural de Canarias.

Literatura y pensamiento

El apartado dedicado a la literatura y al pensamiento reunirá a algunos de los autores y comunicadores más influyentes del panorama actual, consolidando una de las líneas de programación que mayor interés ha despertado entre el público de la Fundación CajaCanarias en los últimos años.

El calendario de actividades se abrirá el 18 de septiembre (20:00 horas) con el encuentro La risa, la comida, la televisión y las redes sociales, protagonizado por el periodista gastronómico Mikel López Iturriaga, fundador y responsable de El Comidista, y la periodista y analista audiovisual Mariola Cubells. Ambos conversarán sobre la transformación de la gastronomía en fenómeno cultural y mediático, la evolución de la televisión, el impacto de las plataformas digitales y cómo el humor sigue siendo una herramienta clave para interpretar la sociedad actual. El encuentro incluirá además una edición especial en directo de Aló Comidista, el popular consultorio gastronómico de Iturriaga, una de las secciones más seguidas de El País.

El 30 de septiembre (19:00 horas, entrada libre hasta completar aforo), el escritor colombiano Héctor Abad Faciolince, una figura imprescindible de la literatura hispanoamericana contemporánea, protagonizará un encuentro en torno a su más reciente obra, Ahora y en la hora. Autor de títulos tan influyentes como El olvido que seremos, Abad Faciolince conversará con el periodista Nicolás Castellano acerca de la memoria, la violencia, el compromiso ético y el poder de la literatura como herramienta para comprender la realidad. La sesión contará además con un acompañamiento musical a cargo de la violinista ucraniana Diana Tishchenko, cuya sensibilidad interpretativa establecerá un diálogo artístico con los temas abordados durante la conversación.

La programación literaria se despedirá el 12 de noviembre con la participación del escritor Luis Landero (19:00 horas, entrada libre hasta completar aforo), uno de los grandes nombres de la narrativa española contemporánea. A lo largo de una conversación con la profesora e investigadora Isabel Castells, el autor recorrerá una trayectoria iniciada con Juegos de la edad tardía y consolidada a través de una obra que ha convertido la memoria, la imaginación y la condición humana en algunos de sus principales territorios literarios. El encuentro permitirá acercarse igualmente a su última novela, Coloquio de invierno, y a las claves creativas de uno de los escritores más admirados de la literatura nacional.

Música

La programación musical volverá a ocupar un lugar central en el Otoño Cultural CajaCanarias con una propuesta que reúne a artistas de referencia de distintas generaciones y estilos, consolidando una línea de programación que apuesta por la excelencia artística, la diversidad de lenguajes y el diálogo entre tradición y contemporaneidad.

Así, el 1 de octubre llegará al Espacio Cultural CajaCanarias una de las bandas imprescindibles de la historia del rock español. 091 presentará Espejismo nº 9, su nuevo trabajo discográfico, publicado siete años después de La otra vida. Lejos de cualquier ejercicio de nostalgia, la formación granadina continúa demostrando la vigencia de un repertorio que ha convertido a José Ignacio Lapido, José Antonio García, Tacho González y Jacinto Ríos en referentes de varias generaciones de aficionados al rock. Con un sonido reconocible, donde conviven la fuerza de las guitarras, la influencia del rock clásico, el pop y el blues, el grupo presentará un álbum que reafirma su personalidad creativa y confirma la capacidad de 091 para seguir construyendo canciones alejadas de las modas y profundamente ligadas a una manera de entender la música desde la autenticidad.

La programación continuará el 6 de noviembre con Santiago Auserón, uno de los grandes nombres de la música española, que presentará Nerantzi, un proyecto en el que vuelve a demostrar su constante inquietud artística. Fundador de Radio Futura y creador de una de las trayectorias más personales de la música española bajo el nombre de Juan Perro, Auserón explora en esta ocasión el patrimonio musical griego junto al maestro del buzuki Vaggelis Tzeretas y el cantante y guitarrista Theodoros Karellas. El resultado es un diálogo entre culturas mediterráneas que combina composiciones propias con adaptaciones al castellano de clásicos del rebétiko y de la canción griega del siglo XX, estableciendo nuevos puentes entre tradición y creación contemporánea.

La colaboración artística entre Leo Sidran y Leonor Watling protagonizará la cita del 14 de noviembre. Bajo el nombre de Leo & Leo, ambos músicos presentan un proyecto nacido de una amistad de más de quince años, materializado en un disco grabado junto a The Groovy French Band. La propuesta reúne canciones del repertorio de Sidran, nuevas composiciones creadas para la ocasión y colaboraciones de artistas como Jorge Drexler o Kevin Johansen, dando forma a un concierto donde el jazz, la canción de autor, el soul y el pop dialogan desde la complicidad artística y la elegancia interpretativa. La voz de Leonor y la sensibilidad compositiva de Leo confluyen en un recital concebido para disfrutar de la música desde la cercanía y la emoción.

El jazz latino tendrá un lugar destacado el 27 de noviembre con la presencia de Paquito D’Rivera Trío, integrado por el legendario clarinetista y saxofonista cubano junto al pianista Pepe Rivero y el vibrafonista Sebastián Laverde. Considerado una de las figuras esenciales del jazz contemporáneo y distinguido con numerosos premios Grammy a lo largo de su trayectoria, D’Rivera ofrecerá un recorrido por un repertorio en el que confluyen la música afrocubana, el jazz, los ritmos brasileños y el bolero. La complicidad entre los tres intérpretes dará forma a un concierto donde la improvisación, la excelencia técnica y la riqueza de las músicas latinoamericanas serán las protagonistas.

El apartado musical concluirá el 4 de diciembre con Santi Royo, que presentará Back to Music. The Show, un espectáculo concebido como un recorrido por diferentes estilos musicales a través del saxofón. Conocido artísticamente como Santi Sax Music, el músico y compositor ha desarrollado una propuesta que combina pop, funk, flamenco, ópera y música electrónica en una puesta en escena dinámica y visual, donde el saxofón se convierte en el hilo conductor de una experiencia que une interpretación, tecnología y espectáculo para acercar este instrumento a nuevos públicos.

Artes escénicas

Las artes escénicas ocuparán otro de los grandes espacios de la programación del Otoño Cultural CajaCanarias, con propuestas que abordan la memoria, la identidad, la violencia, la libertad y la capacidad del arte para transformar la experiencia individual en una reflexión compartida.

El 22 y 23 de septiembre abrirá este apartado La inmortalidad, una producción de la compañía canaria Delirium Teatro ambientada en la España de los años setenta, en los últimos y convulsos años de la dictadura y durante el proceso de transición hacia la democracia. Un grupo de jóvenes universitarios comparte inquietudes, aspiraciones, amores y luchas políticas mientras busca una forma de escapar de la mediocridad y dejar una huella que trascienda su tiempo. La muerte del poeta canario Félix Francisco Casanova, fallecido prematuramente en 1976, se convierte en el detonante de una historia sobre la juventud, la creación y el deseo de alcanzar una forma de inmortalidad a través del arte.

Al día siguiente, 24 de septiembre, la palabra y la música se encontrarán en Amar, una propuesta protagonizada por el actor Alberto San Juan y el guitarrista y compositor Fernando Egozcue. El espectáculo reúne una selección del trabajo que ambos artistas han desarrollado conjuntamente durante los últimos años y plantea un recorrido íntimo por algunas de las grandes cuestiones que atraviesan la existencia. Textos y músicas dialogan sobre el escenario para reivindicar la alegría de vivir frente a las fuerzas que pretenden limitarla, en una propuesta que combina pensamiento, emoción, sensibilidad y humor.

Una de las grandes citas teatrales de la programación llegará el 23 y 24 de octubre con El invencible verano de Liliana, adaptación escénica de la obra de la escritora mexicana Cristina Rivera Garza, ganadora del Premio Pulitzer de Memorias y Autobiografía en 2024. La actriz Cecilia Suárez protagoniza esta propuesta, adaptada por Amaranta Osorio y dirigida por Juan Carlos Fischer, que reconstruye la vida de Liliana Rivera Garza, asesinada por su expareja en 1990. A partir de los diarios, cartas y documentos personales conservados por su hermana, la obra recupera la voz de una mujer cuya historia representa la de miles de víctimas de la violencia machista. La puesta en escena convierte la memoria en un ejercicio de reparación y reivindicación, y plantea una reflexión sobre la necesidad de escuchar y preservar las voces de quienes fueron silenciadas.

El apartado de artes escénicas concluirá el 21 de noviembre, en el Teatro Leal, con el estreno de la ópera Él. De las tinieblas a la luz, una coproducción de la Fundación CajaCanarias, el Festival LittleOpera de Zamora y el Teatro Solís de Montevideo. La obra parte de la novela autobiográfica Él, de la escritora canaria Mercedes Pinto, y de su producción poética y testimonial para construir un relato que transita entre el pasado y el presente y que aborda la violencia contra las mujeres, la opresión social y el exilio.

La música de Laura Vega y el texto de la propia compositora articulan una creación que recupera la experiencia vital y literaria de Mercedes Pinto desde una perspectiva contemporánea. La protagonista se enfrenta a la transformación de una relación inicialmente idealizada en una experiencia de sometimiento y violencia, mientras la palabra y el canto se convierten progresivamente en herramientas de resistencia y liberación. La obra reivindica así la vigencia de una autora fundamental de la cultura canaria, cuya escritura encontró en el arte una vía para transformar el dolor en denuncia y esperanza.

Él. De las tinieblas a la luz es una ópera de cámara en un acto con dirección de escena de Rita Cosentino, dirección musical de Martín Jorge y el acompañamiento del Ensemble Sinfónica de Rivas Alma Mahler. La producción contará con las voces de Cristina Faus y Manuel Gómez Ruiz, así como con la interpretación de los actores Teresa del Olmo y Aarón Martín.

Cine documental

El cine documental tendrá una presencia destacada el 19 de noviembre (19:00 horas, entrada libre hasta completar aforo) con la proyección de Aminetu, una obra centrada en la trayectoria de la activista saharaui Aminetu Haidar, símbolo internacional de la defensa de los derechos humanos y de la lucha pacífica por la autodeterminación del pueblo saharaui. El documental reconstruye el episodio ocurrido en 2009, cuando Haidar fue expulsada del Sáhara Occidental y trasladada a Lanzarote, donde inició una huelga de hambre de 32 días que provocó una importante crisis diplomática entre España y Marruecos. A partir de aquella experiencia, la película aborda la trayectoria personal de una mujer que ha convertido la resistencia pacífica y la defensa de los derechos humanos en el eje de su vida.

Dirigido por Lucía Muñoz y producido por Sergio Rodrigo, Aminetu amplía la mirada desde la historia individual de su protagonista hacia la memoria y la realidad de un pueblo marcado por décadas de conflicto, exilio y resistencia. Tras la proyección se celebrará un diálogo entre la propia Aminetu Haidar, el periodista Nicolás Castellano, el productor del documental y la directora de la película, que permitirá profundizar en las cuestiones planteadas por la obra y en la situación actual del pueblo saharaui.

Humor y programación familiar

El humor estará representado el 26 de noviembre por Antonia San Juan, que presentará La ropa vieja de Cuca, un espectáculo que reúne algunos de los personajes más icónicos de su trayectoria y propone un recorrido por diferentes etapas de una carrera construida entre el teatro, el cine y la televisión. La actriz, directora y guionista, una de las intérpretes más singulares de la escena española, recupera en esta propuesta voces y personajes que forman parte de su imaginario artístico para construir un mosaico en el que conviven la ironía, la emoción y la reflexión. El espectáculo se convierte así en la celebración de una trayectoria marcada por la libertad creativa y por una particular capacidad para observar las contradicciones humanas desde el humor.

La programación del Otoño Cultural CajaCanarias incorporará también una propuesta dirigida al público familiar. El 31 de octubre (12:00 horas), Sé Tortuga invitará a espectadores de todas las edades, a partir de los cuatro años, a descubrir una fábula sobre la importancia de vivir sin prisas y disfrutar del camino. La historia de un gallo que se convierte en profesor de canto de cinco tortugas con grandes aspiraciones, pero escasas cualidades musicales, sirve como punto de partida para abordar con humor y ternura cuestiones como la paciencia, la amistad, la empatía y la necesidad de valorar el proceso tanto como el resultado.

Filmin estrena «Kokuho. El maestro del kabuki», nominada al Óscar y fenómeno en Japón, el 7 de agosto

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La película de acción real japonesa más taquillera de la historia y la elegida por Japón para competir en los Óscar llega a Filmin dentro de la sección Arts del Atlàntida Mallorca Film Fest.

El próximo 7 de agosto, Filmin estrena «Kokuho. El maestro del kabuki», la nueva película de Lee Sang-il que se estrenó en la Quincena de Cineastas del Festival de Cannes. Convertida en un auténtico fenómeno en Japón, con más de 14 millones de espectadores, es la película de acción real japonesa más taquillera de la historia del país. Además, fue elegida para representar a Japón en los últimos Premios Óscar, donde obtuvo además una nominación al mejor maquillaje y peluquería. La película forma parte de la sección Arts del Atlàntida Mallorca Film Fest, donde también podrá verse en su edición presencial.

Basada en la aclamada novela de Shuichi Yoshida, la película sigue durante cinco décadas el ascenso de dos actores de kabuki unidos por la amistad, la rivalidad y una obsesión compartida por alcanzar la excelencia artística. Entre melodrama, saga familiar y relato de iniciación, Lee Sang-il construye una gran epopeya sobre el precio del talento, la identidad y el sacrificio.




Sinopsis


Año 1964, Nagasaki. Kikuo Tachibana, un joven marcado por la violencia al ser hijo de un yakuza, es acogido por una familia de maestros del kabuki tras sufrir una violenta tragedia. Desde ese momento, su vida se transforma en un ejercicio de extrema disciplina y sacrificio para convertirse en el mejor actor de Onagata (intérprete de personajes femeninos) de la historia, compitiendo con el heredero legítimo de la familia. En un viaje a lo largo de 50 años, “Kokuho” explora los traumas bélicos de Japón, la rigidez del sistema de linajes en el arte tradicional y el coste emocional y físico de la obsesión por la perfección.

El arte del Kabuki

Aunque el kabuki, el teatro clásico japonés caracterizado por sus elaboradas escenografías, maquillajes y por la interpretación masculina de todos los personajes, ocupa el centro del relato, «Kokuho» nunca pretende funcionar como una lección sobre esta tradición. Lee Sang-il utiliza este arte milenario para hablar de la ambición, la rivalidad y el sacrificio que exige cualquier disciplina artística llevada al extremo. Como explica el propio director: «Para llegar a lo más alto siempre hay sacrificios. Cuanto más intensa es la luz que recibe un artista, mayor es también la sombra que proyecta.»

Lejos de filmar las representaciones desde la distancia, Lee sitúa al espectador sobre el escenario, compartiendo el esfuerzo físico y emocional de sus intérpretes. «No quería enseñar el kabuki desde fuera, sino desde el punto de vista de quienes lo viven», afirma. Para conseguirlo, los protagonistas entrenaron durante más de un año y medio con maestros de esta disciplina antes del rodaje, interpretando todas las escenas sin dobles ni efectos digitales.




Una epopeya de cincuenta años

A lo largo de tres horas que recorren medio siglo de historia japonesa, «Kokuho» combina el espectáculo teatral con una puesta en escena de extraordinaria riqueza visual. El director de fotografía Sofian El Fani («La vida de Adèle») captura la intensidad del maquillaje, los tejidos y la iluminación del kabuki, mientras el diseñador de producción Yohei Taneda recrea tanto los escenarios teatrales como el Japón de la posguerra con un nivel de detalle deslumbrante.

El resultado es una película que convierte cada representación en un acontecimiento cinematográfico, alternando la intimidad de los ensayos con la grandiosidad del escenario. Una celebración del arte como vocación absoluta que ha conquistado al público japonés y confirma a Lee Sang-il como uno de los grandes cineastas del país.

Loco Dice aterriza este sábado en Papagayo Tenerife

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Erick
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Papagayo Tenerife volverá a convertirse en uno de los grandes puntos de encuentro de la música electrónica este sábado con la actuación de Loco Dice, uno de los djs y productores más influyentes de la escena internacional. El artista encabezará la fiesta Piknik el próximo domingo 2 de agosto, en una sesión que comenzará a las 23:30 horas y se prolongará hasta las 04:00 de la madrugada. La cita reunirá además a los artistas canarios residentes Beto Uña y Luis Groove, encargados de completar una noche en la que el house y el tech house serán los grandes protagonistas.

Con una trayectoria que supera las dos décadas en la primera línea de la música electrónica, Loco Dice llega a Tenerife avalado por una carrera que lo ha convertido en uno de los nombres imprescindibles del circuito internacional. Nacido y criado en Düsseldorf, Alemania, en el seno de una familia de raíces tunecinas, el artista desarrolló desde muy joven una visión musical abierta y multicultural que ha marcado su identidad artística.

Antes de convertirse en una figura de referencia del techno y el house, Loco Dice forjó su carrera dentro de la escena hip hop. Como rapero y dj recorrió escenarios de todo el mundo acompañando a artistas de la talla de Snoop Dogg, Ice Cube o el colectivo Death Row Crew, una etapa que le permitió desarrollar un sentido del ritmo que más tarde trasladaría a sus producciones electrónicas.

Su salto definitivo a la música electrónica llegó a comienzos de los años 2000 con el lanzamiento de «Phat Dope Shit», considerado uno de los temas que impulsaron su proyección internacional. Desde entonces, ha construido una discografía repleta de trabajos de referencia, entre ellos su álbum debut «7 Dunham Place», publicado en 2008 a través de su sello Desolat, seguido de «Underground Sound Suicide», editado por Ultra Music, con colaboraciones de artistas como Giggs y Neneh Cherry.

Más recientemente ha vuelto a situarse en el foco internacional con «Heavy Heart», una colaboración junto a Skrillex y Fireboy DML que demuestra su constante evolución artística y su capacidad para conectar con nuevas generaciones de oyentes.

A lo largo de su carrera también ha publicado numerosos EP en sellos fundamentales de la electrónica como Ovum, Minus o Cocoon, además de firmar remezclas para artistas tan diversos como Black Coffee, Disclosure, Warren G o Basement Jaxx.

Reconocido por la energía y personalidad de sus sesiones, Loco Dice ha actuado en algunos de los festivales más prestigiosos del planeta, entre ellos Tomorrowland, Ultra Music Festival, Coachella y EDC, además de protagonizar históricas residencias en clubes emblemáticos como DC-10 Ibiza, Amnesia, o Space Miami.

Su inquietud creativa también lo ha llevado a explorar otros ámbitos culturales. Ha participado en el desarrollo de videojuegos, ha compuesto bandas sonoras para desfiles del diseñador Marcelo Burlon durante la Semana de la Moda de Milán y ha colaborado con firmas como Daily Paper y New Era, además de impulsar su propia marca de ropa, Seran Bendecidos.

Con esta actuación, Papagayo Tenerife vuelve a apostar por artistas de primer nivel internacional dentro de su programación estival, consolidándose como uno de los espacios de referencia para la música electrónica en Canarias. La presencia de Loco Dice, acompañado por Beto Uña y Luis Groove, promete una noche marcada por los sonidos más actuales del house y el tech house en uno de los enclaves más exclusivos del sur de Tenerife.

El Auditorio programa un concierto a cargo de la Banda Insular de la Federación Tinerfeña

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La formación será dirigida el viernes por los maestros José Suñer-Oriola, Carlos Garcés y Vivian Gutiérrez

El Auditorio de Tenerife programa para este viernes (día 31), a las 19:30 horas, un concierto a cargo de la Banda Insular de la Federación Tinerfeña de Bandas de Música, que contará con la dirección de José Suñer-Oriola, Carlos Garcés y Vivian Gutiérrez, maestros que han participado en la formación que se ha venido desarrollando desde el pasado día 17. La entrada al concierto es gratuita hasta cubrir el aforo.

El programa comenzará con la obra Lorencín Mendoza, compuesta en 1939 por Pascual Marquina Narro dedicada al entonces niño, del que se conmemora actualmente el centenario de su nacimiento. La interpretación será con la dirección de Vivian Gutiérrez.

Los otros dos temas de la primera parte han sido creados por el maestro José Suñer-Oriola: Euphonium Concerto e Images. En el primero de ellos será el propio compositor quien se ponga al frente de la banda con Mauro Alonso Fariña como solista. Carlos Garcés será quien conduzca al colectivo en Images.

La segunda parte del concierto incluye dos obras de José Suñer-Oriola. La primera de ellas es Overture 40 y la Banda Insular será dirigida por el compositor. El programa finalizará con El jardín de Hera, que interpretará la formación con Vivian Gutiérrez al frente.

Este concierto pone fin al periodo de formación que ha organizado la Federación Tinerfeña de Bandas de Música con la celebración de la décimo séptima edición del Curso de Dirección de Banda, Orquesta y Coros.Esta iniciativa se incluye en la línea de colaboración entre el Cabildo de Tenerife y la Federación Tinerfeña de Bandas de Música que, además de este curso, también ofrece la celebración de los conciertos del ciclo Primavera Musical, que permite la actuación de las  bandas federadas en la Sala de Cámara entre los meses de marzo y junio, y la celebración de un encuentro insular de bandas juveniles en el mes de diciembre.

114 de los carteles más delirantes del cine rodado en Ghana y Nigeria se reúnen en el libro «Ghanawood V.O.»

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-«Ghanawood V.O.» recopila carteles pintados a mano seleccionados por su espectacularidad y comicidad entre los creados para anunciar películas locales de los años noventa y la primera década del siglo XXI, y no las conocidas reinterpretaciones ghanesas de éxitos de Hollywood.

-Publicado por la web de humor Cinecutre.com —organizadora del festival CutreCon de Madrid—, el volumen reproduce las 114 obras en alta definición, identifica a la mayoría de sus autores y las acompaña con comentarios humorísticos y códigos QR para acceder a algunas de las películas.

-El libro ya está a la venta por 23 euros exclusivamente en la tienda online de Cinecutre.com, a través del siguiente enlace.

Demonios, rituales de brujería, metamorfosis imposibles y escenas de violencia hiperbólica pueblan 114 de los carteles más delirantes y divertidos del cine rodado en Ghana y Nigeria, reunidos ahora en «Ghanawood V.O.», un libro editado por la web de humor Cinecutre.com, responsable del festival internacional CutreCon de Madrid. Pintadas a mano durante los años noventa y la primera década del siglo XXI, las obras se reproducen en alta definición y aparecen acompañadas por un comentario humorístico al pie de cada imagen.

Concebidos como reclamos publicitarios capaces de atraer al público de un solo vistazo, estos carteles condensan argumentos enteros en composiciones que llevan al límite la acción, el terror, la brujería y la fantasía. «Ghanawood V.O.» se adentra en la vertiente menos difundida de este fenómeno, la de las obras creadas para anunciar el propio cine de Ghana y Nigeria, en lugar de las reinterpretaciones de grandes éxitos de Hollywood que popularizaron internacionalmente este tipo de pintura.

Entre los títulos representados figuran la saga ghanesa «Diabolo», las distintas entregas de la nigeriana «Blood Money» o «End of the Wicked» (1999), una producción que trascendió su circuito local y alcanzó la condición de película de culto fuera de Nigeria. La selección ofrece así una muestra de los géneros y obsesiones que marcaron el cine comercial de ambos países durante aquellos años.

El volumen identifica a la mayoría de los pintores responsables de estas obras y dedica un apartado a algunas de sus figuras más destacadas. Entre ellas se encuentran Leonardo, el autor más prolífico de la selección, que comenzó a pintar carteles a finales de los años ochenta y continúa haciéndolo en la actualidad; Mr Brew, nombre artístico de Kwesi Blue, conocido por combinar el terror y lo grotesco con la sátira y la caricatura; o Awall Sunil Shetty, cuyos trabajos para videoclubes ghaneses se caracterizan por los colores intensos, las figuras exageradas y las escenas sobrenaturales llevadas al límite.

«La intención no era realizar un catálogo exhaustivo, sino seleccionar los carteles que llevan más lejos la exageración, la imaginación y el impacto visual», explica Carlos Palencia, director de CutreCon y responsable de la selección. «La comicidad surge muchas veces de la acumulación de amenazas, criaturas, transformaciones y escenas imposibles dentro de una misma imagen, pero detrás de ese exceso también hay artistas con estilos propios y una enorme capacidad para captar la atención».

El recorrido no se detiene en la contemplación de los carteles. Varias páginas incorporan códigos QR que permiten acceder a las películas originales cuando estas se encuentran disponibles en internet, lo que ofrece al lector la posibilidad de comparar las imágenes publicitarias con las producciones que anunciaban y descubrir la relación, no siempre literal, entre unas y otras.

Autoeditado por Cinecutre.com y publicado en julio, «Ghanawood V.O.» cuenta con 121 páginas en formato A4 y a todo color. El libro puede adquirirse por 23 euros exclusivamente en la tienda online de Cinecutre.com, mediante el siguiente enlace.

‘La Berma’, el documental canario sobre la primera mujer que lidera una brigada de desminadores, se estrena en el Festival de Cine de Madrid

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La película de Agustín Domínguez competirá el próximo 15 de septiembre en la 35ª edición del certamen con la historia de Yauguiha Mohamed, una refugiada saharaui que cada día arriesga su vida retirando minas junto a la barrera militar operativa más larga del planeta

Cada mañana, Yauguiha Mohamed Embarec camina por un terreno donde un solo paso puede cambiarlo todo. Frente a ella se extiende el desierto; bajo la arena, miles de explosivos esperan ocultos desde hace décadas. Su trabajo consiste en encontrarlos antes de que alguien fatídicamente pueda pisarlos. Con esta imagen arranca la historia que cuenta La Berma, el nuevo documental del realizador canario Agustín Domínguez, que se presenta el próximo martes, 15 de septiembre, en la 35ª edición del Festival de Cine de Madrid, uno de los certámenes dedicados a la cinematografía independiente más consolidados del panorama nacional.

La cinta sigue el día a día de esta refugiada saharaui de 31 años, licenciada en Biología, que hizo historia al convertirse en la primera mujer en liderar una de las brigadas de desminado que trabajan junto a La Berma, la barrera militar de minas antipersonas operativa más larga del planeta, con 2.720 kilómetros de longitud (la segunda con más longitud, solo por detrás de la Muralla China) que divide el Sáhara Occidental, y esconde a lo largo de su recorrido más de siete millones de minas antipersona y antitanque, además de numerosos restos explosivos de guerra, lo que convierte este territorio en una de las zonas más minadas del mundo. 

Cada jornada, esta hija de padres exiliados, comienza con un mismo objetivo: avanzar metro a metro sobre un paisaje donde la amenaza permanece invisible. El equipo rastrea la arena en busca de cualquier indicio que permita localizar un artefacto explosivo. Cuando lo encuentran, llega el momento de neutralizar el peligro mediante detonaciones controladas. Un trabajo que resulta imprescindible para devolver la seguridad a un territorio marcado por décadas de conflicto.

El rodaje empezó a gestarse en el año 2020 y fue realizado por Agustín Domínguez junto a un equipo de la Asociación Cultural Gran Angular, con sede en el municipio de Santa Lucía de Tirajana, en la isla de Gran Canaria, a escasos 100 kilómetros del Sáhara Occidental, que se desplazó hasta los territorios liberados del Sáhara Occidental para documentar desde dentro una realidad de enorme complejidad humana que viene a rescatar la historia de la primera mujer líder de una de las cinco brigadas de hombres y mujeres –civiles y militares-, de desminadores en la zona del Sáhara Occidental, que opera en los territorios liberados durante la guerra librada entre el Frente Polisario y Marruecos. El citado colectivo mantiene un vínculo estrecho con el pueblo saharaui. Según el director de La Berma “actualmente se libra una guerra entre el Frente Polisario –representante del pueblo saharaui- y Marruecos, que no interesa ser mediatizada, porque lo que no se ve, no existe”.  

El estreno de La Berma en el Festival de Cine de Madrid supone un importante impulso para la trayectoria de la película. El certamen, que este año celebra su 35ª edición, se ha consolidado desde 1991 como uno de los principales escaparates del cine emergente español y un espacio de referencia para descubrir nuevas miradas y narrativas cinematográficas. Su inclusión en la programación sitúa al documental de Agustín Domínguez en uno de los encuentros imprescindibles del circuito nacional de festivales.

Durante su primera etapa, antes de la producción y rodaje, La Berma obtuvo el Premio Canary Islands Film al Mejor Proyecto Canario en la V Aceleradora Canaria de Cine, organizada por el Clúster Audiovisual de Canarias (CLAC) y Proexca. Este reconocimiento distingue el potencial cinematográfico y social del proyecto permitiendo su impulso en mercados internacionales. La Berma es una producción española impulsada por Gran Angular Canarias, con producción ejecutiva de Rita Vera, y llegará próximamente a los cines de la mano de Selected Films.

Sobre Agustín Domínguez

Director, productor y fotógrafo, lleva más de dos décadas documentando realidades sociales vinculadas a los derechos humanos. Su relación con los campamentos de refugiados saharauis comenzó hace más de veinte años y desde entonces ha desarrollado numerosos proyectos audiovisuales centrados en el pueblo saharaui y otros territorios en conflicto.

En 2013 dirigió el cortometraje ‘El señor G’, rodado en los campamentos de Tinduf y seleccionado en el Festival Internacional de Cine de Las Palmas. Posteriormente realizó el largometraje Desconocidas, mujeres palestinas bajo la ocupación, y en 2020 estrenó Mudjeris di Areia (Mujeres de Arena), documental rodado en Cabo Verde que obtuvo el Premio al Mejor Largometraje en el Festival Internacional de Cine de Chihuahua (México) y la Mención Especial del Jurado en el Festival de Cine y Televisión Reino de León.

Además, sus cortometrajes ‘RenaceR’ y ‘Storni’ han sido seleccionados en numerosos festivales nacionales e internacionales. Domínguez es también cofundador y presidente de la Asociación Cultural Gran Angular, entidad organizadora de la muestra cinematográfica San Rafael en Corto (SREC), una de las iniciativas de referencia para el cortometraje en Canarias.

El Kanka regresa a Tenerife para presentar La Calma el próximo 19 de diciembre en el Auditorio de Tenerife

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El artista malagueño publica su séptimo trabajo con diez nuevas canciones  que siguen la estela de discos anteriores, donde lo cotidiano se entrelaza con  el humor y, en lo musical, se inspira en el folclore latinoamericano fusionado  con la música de raíz de nuestro país.

 Con los adelantos de las canciones La Calma, La  Apuesta y Pensando en ti ya se atisbaba por dónde iba a transitar el séptimo  trabajo de El Kanka que hoy se publica y que ha bautizado como el primer  avance, La Calma. Se trata de un disco con diez nuevas canciones donde el  malagueño se mantiene fiel a su estilo que destaca por la facilidad que tiene  para fusionar estilos diversos inspirados en sonidos del folclore  latinoamericano, en la música de raíz de nuestro país, e incluso se atreve con  otras referencias musicales. El Kanka presenta una nueva colección de canciones  que, como su repertorio anterior, puede defender tanto en solitario como con banda,  donde destacan todos los matices musicales que tienen sus creaciones musicales.  Pero lo que realmente define al malagueño es su capacidad para escribir letras  donde lo cotidiano se convierte en canción, y donde el humor, la ironía y la  poesía, conviven a la perfección. 

El Kanka desgrana las canciones de este nuevo trabajo una a una, y habla del tema  de La Calma como una reivindicación de que ojalá el mundo buscase más este  estado; de La apuesta como una rumba con aires brasileños donde defiende el  amor costumbrista; Los compadres.

Concierto: 19 de diciembre a las 21:00 horas en el Auditorio de Tenerife de Santa Cruz de Tenerife.

Entradas aquí: https://www.auditoriodetenerife.com/es/evento/el-kanka/

Warner Bros. Discovery adquiere KILL JACKIE, el thriller de venganza de Fremantle y Steel Springs Pictures protagonizado por Catherine Zeta-Jones, para HBO Max

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Warner Bros. Discovery ha adquirido KILL JACKIE para HBO Max en España, Portugal, Suecia, Dinamarca, Noruega, Finlandia, Islandia, Francia y Bélgica. La serie se estrenará en 2026.

KILL JACKIE es un thriller de venganza de ocho episodios protagonizado y producido por la actriz Catherine Zeta-Jones (Chicago, Miércoles), ganadora de un Óscar, un BAFTA y un premio Tony, en el papel de Jackie Price.

Basada en la aclamada novela ‘El precio que pagas’ del autor superventas del Sunday Times Nick Harkaway —que escribe bajo el seudónimo de Aidan Truhen— y del equipo creativo responsable de Killing Eve y Gangs of London, KILL JACKIE es un emocionante ejercicio de equilibrio entre la comedia, el drama y la locura más absoluta.

Jackie lleva veinte años viviendo una vida acomodada y lujosa: viajando por el mundo, vendiendo obras de arte aprovechando sofisticadas lagunas fiscales y, sobre todo, intentando mantener el anonimato tras escapar de un pasado peligroso como traficante internacional de drogas. Pero justo cuando la vida empieza a resultarle un poco aburrida, da un giro repentino y letal al descubrir que ‘Los Siete Demonios’, un escuadrón formado por los sicarios más terroríficos del mundo, han sido contratados para matarla. Suponiendo que alguien de su pasado está detrás de todo ello, Jackie da rienda suelta a sus viejos instintos y se embarca en un plan descabellado y peligroso: acabar con «Los Demonios» uno a uno antes de que la maten. Sin embargo, pronto se da cuenta de que sus propios demonios son mucho más aterradores que los despiadados asesinos que la persiguen… y sus secretos ocultos la llevan, en última instancia, mucho más cerca de casa, con consecuencias sorprendentes.

Junto a Zeta-Jones aparecen Daniel Ings (El caballero de los Siete Reinos, The Gentlemen), Sidse Babett Knudsen (Prime Target, Borgen), Óscar Jaenada (Rambo V, Cantinflas), Hattie Hook (Of An Age, Ten Pound Poms), Darci Shaw (A Thousand Blows, This City is Ours), Raff Law (Masters of The Air, Triton), Enzo Cilenti (Black Mirror, The Crown), Christine Adams (Hijack, Malice), Julian Rhind-Tutt (Britannia, Napoleon), Karlis Arnolds Avots (Soviet Jeans, Lovable), Set Sjöstrand (La rueda del tiempo, Valhalla), Tadashi Ito (Society of the Snow, The Platform 2), Sebastián Armesto (Gangs of London, A Small Light), Julian Barratt (The Mighty Boosh, The Great), Gavin Spokes (House of The Dragon, Slow Horses), Jonathan Cake (And Just Like That, Camping), Bamshad Abedi-Amin (A Town Called Malice, The Last Kingdom), Bill Paterson (Fleabag, Criminal Justice) y Ron Perlman (Sons of Anarchy, Hellboy).

Jamie Lynn, vicepresidenta ejecutiva de Coproducción y Distribución para EMEA de Fremantle, ha declarado: «HBO Max cuenta con un historial excepcional a la hora de asociarse con los mejores proyectos, lo que la convierte en el hogar perfecto para Kill Jackie. A medida que la plataforma sigue creciendo en toda Europa, no podríamos estar más encantados de embarcarnos juntos en esta aventura. Con su ritmo trepidante, su acción emocionante y una interpretación protagonista inolvidable, sabemos que Kill Jackie está en las mejores manos.»

KILL JACKIE es una coproducción de Fremantle y Steel Springs Pictures, en colaboración con Deabru Kalea Filmeak. La serie ha sido cocreada por Conor Keane, Tom Butterworth (Gangs of London), Peter Lawson (John Wick) y Damon Thomas (Killing Eve). Tom Butterworth ejerce de guionista y showrunner, Damon Thomas es el director principal, y Conor Keane ha coescrito la adaptación televisiva y ejerce de productor asociado. Los productores ejecutivos son Peter Lawson y José Agustín Valdés, por parte de Steel Springs Pictures; Tom Butterworth, Damon Thomas, Catherine Zeta-Jones, Rebecca Dundon, Dante Di Loreto y Jeffrey Levine, con Nick Harkaway como consultor ejecutivo. Deabru Kalea Filmeak, de José Luis Escolar, supervisó la producción en Bizkaia. El rodaje de la serie ha concluido y su estreno está previsto en HBO Max en España en 2026.

Fremantle se encarga de las ventas en todos los territorios excepto en EE. UU., donde la gestión corre a cargo de De Maio Entertainment y Steel Springs Pictures. El acuerdo sobre los derechos del libro fue gestionado por el equipo de derechos audiovisuales de Curtis Brown en nombre de Patrick Walsh, de PEW Literary. Catherine Zeta-Jones está representada por UTA y Ziffren Brittenham LLP. Tom Butterworth está representado por Curtis Brown (Nick Marston y Katie Battcock). Daniel Ings está representado por United Agents, WME, TFC Management, ColorCreative, Sloane, Offer, Weber & Dern y CLD Communications.

Acerca de HBO MAX

HBO Max es la principal plataforma global de streaming de Warner Bros. Discovery que ofrece las historias más singulares y cautivadoras, desde ficciones de la más alta calidad, películas, documentales y true crime hasta animación para adultos. HBO Max es el destino de marcas de entretenimiento de prestigio como HBO, Warner Bros., Max Originals, DC y Harry Potter, así como de series emblemáticas como Friends, todo en un mismo lugar. 

Acerca de Fremantle

Fremantle es una empresa líder a nivel mundial en la creación, producción y distribución de algunos de los contenidos de mayor éxito del mundo en los ámbitos del entretenimiento, el drama, el cine y los documentales.

Ampliando el alcance de las historias locales a escala global, Fremantle produce y distribuye propiedades intelectuales de alta calidad y de diversos géneros en los 28 territorios en los que está presente. Fremantle es un grupo de creadores de contenidos que se enorgullece de su independencia y que alberga algunos de los formatos de entretenimiento más importantes, dramas internacionales cautivadores, películas galardonadas y documentales de alta calidad.

Desde Got Talent hasta My Brilliant Friend, desde Family Feud hasta Poor Things, desde Mussolini: Son of the Century hasta It’s Never Over, Jeff Buckley, desde Too Hot To Handle hasta Big Mood, Maxton Hall, desde Idols hasta Maria y desde The Zelensky Story, nuestro objetivo es sencillo: Fremantle crea y ofrece entretenimiento irresistible.

Fremantle también es sinónimo de entretenimiento digital y de marca líder a nivel mundial, con más de 550 millones de seguidores y 390 000 millones de visualizaciones de sus contenidos más destacados en todas las plataformas. La unidad Global Channels de Fremantle está formada por más de 20 canales FAST en todo el mundo, entre los que se incluyen BUZZR, Rig TV y Baywatch.

Fremantle forma parte de RTL Group, líder mundial en radiodifusión, streaming, contenidos y medios digitales, que a su vez es una división de la empresa internacional de medios, servicios y educación Bertelsmann.

Acerca de Steel Springs Pictures

La productora australiana de Peter Lawson, Steel Springs Pictures, se especializa en el desarrollo y la producción de proyectos cinematográficos y televisivos de diversos géneros, con un profundo compromiso por transmitir historias reales de gran impacto comercial. La empresa se dedica a promover voces frescas e innovadoras y está especialmente interesada en desarrollar historias australianas, utilizando talento local, con el objetivo de llevar perspectivas únicas a las pantallas de todo el mundo.

La primera película de Steel Springs Pictures, Alice, protagonizada por Keke Palmer, se estrenó en la sección de competición del Festival de Cine de Sundance de 2022 y se estrenó en cines en EE. UU. a través de Roadside Attractions, y a nivel internacional a través de Universal Pictures. Próximamente está prevista la serie de televisión de ocho episodios Kill Jackie, protagonizada por Catherine Zeta-Jones para Amazon Prime, cuyo estreno está previsto para finales de 2026; Uprising, basada en la extraordinaria historia real del equipo de fútbol de la Universidad de Howard, de la guionista Taylor Materne (Hustle); The Banksy, del guionista Neil Cross; el thriller de género australiano The Killing Times, con Dylan River, Shaun Grant y Blackfella Films; y una comedia satírica basada en el libro de John Safran Puff Piece. En 2024, la productora Bonnie McBride (Speedway, Demonic), nominada a los premios AACTA, se incorporó a Steel Springs Pictures como directora de producción. La empresa se compromete a promover voces frescas e innovadoras, y está especialmente interesada en desarrollar historias australianas, utilizando talento local, con el objetivo de llevar perspectivas únicas a las pantallas de todo el mundo.

Lawson ha forjado una impresionante carrera a lo largo de las últimas tres décadas como ejecutivo de producción y productor ejecutivo al frente de los departamentos de producción de Miramax Films, Thunder Road, The Weinstein Company y Open Road Films. Peter fue productor ejecutivo y desempeñó un papel fundamental en el éxito creativo y comercial de la película Spotlight, aclamada por la crítica y ganadora de un Óscar, de Tom McCarthy, así como de la saga de acción protagonizada por Keanu Reeves, John Wick

Crédito de la foto en portada: Fotógrafo Unai Mateo. Imagen cortesía de Fremantle y Steel Springs Pictures.

Festival Boreal revela el cartel por días de su 19ª edición y activa la venta de entradas diarias

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Nacido bajo la sombra del esqueleto de un cetáceo que transformó la costa de Los Silos en un alegato medioambiental, el Festival Boreal desvela la distribución por jornadas de su 19ª edición y activa la venta de pases individuales para el 18 y 19 de septiembre. Entre el desembarco de figuras internacionales como Daddy G (Massive Attack), BCUC o Aterciopelados, el pulso canario de propuestas como Xerach o el estreno de Jable (Jela + Cristina Mahelo), y el reconocimiento a Andrea Abreu con el Premio Boreal 2026, el encuentro consolida una propuesta donde la música de raíz y vanguardia convive con el pensamiento crítico, la sostenibilidad y la paridad.

El Festival Boreal define la estructura de su decimonovena edición con el desglose del cartel por días y la apertura de la venta de entradas individuales para el 18 y 19 de septiembre en Los Silos (Tenerife). Tras la salida a la venta de los abonos generales, el público ya puede adquirir los pases por jornada a través de Tickety y de su web oficial: www.festivalboreal.org. Una opción que permite diseñar una experiencia a medida dentro de una programación de veinte propuestas internacionales y locales, caracterizada por la diversidad de estilos y el rigor artístico.

La jornada del viernes 18 de septiembre estará encabezada por la energía física de los sudafricanos BCUC, el roots jamaicano de Hempress Sativa junto a Paolo Baldini Dub Files, la urgencia de The Neighborhood Kids y el hip hop incisivo de El Veneno Crew. El programa de esta primera fecha se completa con el cruce de tradición árabe y electrónica de Aïta Mon Amour, el quebranto en quechua de Renata Flores, la sofisticación pop de la chilena Rubio, la sesión de The Queen of Bass, la frescura de Pleito y el debut del proyecto Jable, integrado por Jela y Cristina Mahelo.

El sábado 19 de septiembre tomará el relevo Daddy G, cofundador de Massive Attack, quien desplegará su magisterio en el dub y el trip hop a través de un DJ set fundamental. La segunda jornada reunirá también el peso histórico del rock colombiano de Aterciopelados, el sonido del desierto de los argelinos Imarhan, el trance afro-lusófono de Throes + The Shine, además de la delicadeza vocal de Fuensanta, el virtuosismo brasileño de Josyara, el fuego tropical de Candeleros, la irreverencia de La Terrorista del Sabor y la perspectiva electrónica de la canaria Xerach.

La propia identidad del encuentro está ligada al paisaje de Los Silos desde sus orígenes. En 2008 se instaló en la costa del municipio el esqueleto de un rorcual boreal, una escultura natural de quince metros recuperada tras hallarse en Gran Canaria para concienciar sobre la protección de los océanos. El festival no solo heredó el nombre de aquel cetáceo, sino también una filosofía clara: entender la cultura en sintonía con el medioambiente. Casi dos décadas después, el Festival Boreal sigue habitando el territorio desde el respeto, la paridad y la convivencia comunitaria.

Junto a la programación musical, el entramado urbano y peatonal de Los Silos acogerá un catálogo de actividades socioculturales que vertebran la esencia del festival: exposiciones, talleres, encuentros profesionales, propuestas para el público familiar, ecomercados y acciones directas de concienciación medioambiental.

Esta decimonovena entrega llega impulsada además por el anuncio de su galardón anual, donde la escritora Andrea Abreu ha sido reconocida con el Premio Boreal 2026 por su compromiso con el territorio, la ruralidad y la defensa de la cultura periférica. Un reconocimiento que sintoniza de lleno con el espíritu de una cita que, un año más, convierte la creación artística en una herramienta de transformación social y ambiental.

Lo hacen posible

El Festival Boreal está organizado por Folelé Producciones. Cuenta con la colaboración del Ayuntamiento de Los Silos y el patrocinio del Gobierno de Canarias a través de Promotur Turismo Islas Canarias. Un proyecto subvencionado por Cultura y su Instituto Canario de Desarrollo Cultural (ICDC), por la Consejería de Transición Ecológica del Gobierno de Canarias, por el Cabildo Insular de Tenerife a través de la Consejería de Cultura, y el Ministerio de Cultura del Gobierno de España a través del INAEM. Cuenta con el apoyo del Instituto Canario de Igualdad ICI del Gobierno de Canarias, así como de Juventud, de Acción Social del Cabildo de Tenerife a través de Sinpromi, y de Turismo de Tenerife. Colaboran también otros organismos, entidades y empresas, como son la Fundación SGAE, Casa África, CoordiCanarias y la Fundación ‘la Caixa’.

ENTRADAS AQUÍ: https://tickety.es/event/festival-boreal-2026-los-silos-tenerife

Arde Bogotá: “Solo somos chavales normales de una ciudad pequeñita en una esquina de la península”. Por Verónica Martín

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Arde Bogotá llega el 1 de agosto por fin a Tenerife. Hace tres años la banda de Murcia tuvo que cancelar su concierto en la isla debido a los incendios que la asolaron. Pero ha llegado el momento y vienen con ganas de encontrarse aquí con sus seguidores. Pepe Esteban, José Ángel Mercader, Dani Sánchez y Antonio García son (y quieren seguir siendo) “los mismos chavales que disfrutaban tocando con amor y ambición”. Tras publicar dos álbumes (La Noche en 2021 y Cowboys de la A3 en 2023) que contienen algunas canciones que se han convertido en himnos, llega en octubre su tercer álbum.“Manufacturas del Club de la Gente Sola” ha sido grabado en Los Ángeles, y ha supuesto para ellos un reto profesional y como grupo. Salieron reforzados de ese desafío. De todo esto nos hablan en esta entrevista.

P: Lo primero que me gustaría preguntar es acerca de este concierto en Tenerife. El anterior, previsto para 2023, se canceló debido a los incendios que asolaron la isla. Muchos fans les esperan el 1 de agosto. ¿Qué esperan de este concierto?

R:Tenemos una espinita clavada por no haber podido dar aquel concierto, donde era un auténtico drama saber por lo que estaba pasando la isla, y ver perfectamente el fuego desde el escenario. Ha pasado demasiado tiempo para saldar esa deuda, pero con ese tiempo también han aumentado las ganas. Vendremos con cosas nuevas que nos hace mucha ilusión presentar allí.

P: Según he leído, de algún modo, el grupo comenzó con una charla en un bar sobre el rock en español… Si un vidente les hubiera dicho en ese momento que acabarían siendo un grupo de música con una legión de seguidores y giras por medio mundo, ¿qué le hubieran contestado al vidente?

R: Que se cambiara las gafas o probara con otra profesión, porque al final nosotros, aunque siempre hemos amado la música y hemos contado con muchísima ambición y luchado por esto desde el principio, solo somos chavales normales de una ciudad pequeñita en una esquina de la península, donde conseguir que algo así funcione es muy, pero que muy difícil.

P: “Los perros” es una canción que se ha convertido casi en un himno, dicen que generacional, pero yo diría que es universal. ¿Cuál fue la inspiración o la idea para escribirla? ¿Les han contado sus seguidores cómo les hace sentir la canción o lo que significa para ellos?

R: Es una canción que habla de deshacerse de las ataduras, de romper con aquello que te lastra, de rebeldía, de superación, de rabia. Creemos que haber envuelto ese concepto en una canción de rock crudo también era una buena idea, y un sitio para salir de nuestra zona de confort del disco anterior. Mucha gente la ha usado como instrumento para motivarse, y de hecho así parece ser que ha pasado con la Selección Española de Fútbol, donde además adquiere otro significado nuevo: el de ser un talismán.

“Estamos muy orgullosos de no haber repetido una fórmula que salió bien en el pasado, para poder presentar otras maneras de entender este género…”

P: “La salvación” también es otra de sus canciones icónicas, que especialmente en los últimos tiempos parece emerger como un segundo himno. Lo cual es curioso porque es muy distinta a “Los perros”, en la letra y el tono melancólico. Y además puede tener varias interpretaciones y reflejar emociones o situaciones distintas, según quien la escuche. ¿Qué opinan de esto?

R: Una cosa que hemos aprendido tras decenas de miles de kilómetros y de encontrarnos con tanta gente es que cada canción es única y cada persona la acoge de una manera particular. Para nosotros era una elegía, una manera de expresar el dolor y su posible solución si se hubieran cambiado las cosas. El dolor es multiforme, desafortunadamente, y nunca sabes cómo vas a encontrar la manera de curarte, pero cada persona nos ha dicho que la ha acompañado en sus duelos de manera distinta.

P: Frecuentemente los críticos definen su música como “indie rock” o “rock alternativo”. ¿Cómo la definen ustedes?

R: Al final creemos ser una banda de rock, porque es la mejor manera que entendemos de crear y de hacer nuestros conciertos, donde más cómodos nos encontramos, y es el tipo de música con el que hemos crecido. Dentro de las infinitas aristas del rock es donde encontramos el mejor vehículo para expresarnos, porque no hay nada escrito.

P: Colaborar con Bunbury fue un sueño hecho realidad para ustedes. ¿Qué otras colaboraciones les harían seguir soñando?

R: Colaborar con Bunbury no estaba ni en la mejor de nuestras tómbolas, un proceso de aprendizaje y humildad de nuestro oficio que nos hizo buscar otras maneras de hacer lo que hacemos. La lista podría ser infinita, desde Lagartija Nick o Yerai Cortés, pasando por Amaral o Rosalía, hasta Metallica o Queens of the Stone Age. Nunca nos pondríamos de acuerdo del todo, pero el requisito sería que nos haga salir de la zona de confort para enriquecer nuestro vocabulario y experiencia.

P: En octubre presentan el nuevo álbum “Manufacturas del Club de la Gente Sola”. Háganme un spoiler del álbum.

R: Es el disco más difícil que hemos hecho. Desde su proceso creativo, pasando por su grabación en Los Ángeles durante dos meses, hasta la intrahistoria y metáforas que habitan en él. Estamos muy orgullosos de no haber repetido una fórmula que salió bien en el pasado, para poder presentar otras maneras de entender este género y la manera de contar cómo funciona este “Manual de Instrucciones”.

“Dentro de las infinitas aristas del rock es donde encontramos el mejor vehículo para expresarnos, porque no hay nada escrito.”

P: ¿Qué ha sido lo más fácil y lo más complicado en este nuevo álbum?

R: Lo más fácil fue abrir la mente a experimentar y buscar salidas alternativas a cómo resolver nuevas líneas melódicas en la voz y de estructura, e introducir ciertos elementos en las canciones que no conociésemos. Una vez estás dentro de la historia, es más fácil buscar maneras de contarla.

Lo más difícil fue pasar tanto tiempo fuera de casa, tan lejos, en una ciudad caníbal como es Los Ángeles, tan distinta de nuestra manera mediterránea de vivir. El proceso de grabación con Joe Chicarelli fue muy exigente, pero eso es precisamente lo que buscábamos, una nueva manera de trabajar la música. No podías irte a tu bar de la esquina a tomarte una caña para desconectar, entonces nos reforzamos mucho como banda, y aprendimos a ser mejores en lo nuestro.

P: Si el vidente de la segunda pregunta volviera a hacer una profecía sobre la banda en otros 10 años. ¿Qué les gustaría que predijese?

R: Que los mismos chavales que disfrutaban tocando con amor y ambición sigan haciendo aquello que aman, pero con más ambición, salud, y retos que nunca hubieran podido imaginar.


Texto y entrevista: Verónica Martín.

Fotografía cedida por el grupo para la entrevista.

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