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Novedades de Dolmen Editorial en marzo de 2026: clásicos del cómic, ciencia ficción, humor y cultura pop en una selección imprescindible

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Dolmen Editorial presenta sus novedades de marzo de 2026 con un catálogo amplio y variado que reúne grandes iconos del cómic internacional, recuperaciones históricas del tebeo español, novela gráfica de autor, parodia, ensayo sobre videojuegos y propuestas ilustradas de fantasía. Una apuesta que combina patrimonio, géneros populares y nuevas ediciones cuidadas para lectores de todas las sensibilidades.

Entre los lanzamientos destacados se encuentra ROGUE TROOPER: MUERTE DE UN SOLDADO, con guion de Garth Ennis y dibujo de Patrick Goddard, una nueva historia ambientada en la etapa clásica del soldado genético más emblemático de la ciencia ficción británica. La obra explora conspiraciones militares, biochips de combate y secretos enterrados en el frente, con un tono bélico y descarnado. A esta incorporación se suma ABC WARRIORS VOL. 1, primer volumen de la recopilación cronológica de la mítica serie de robots de guerra creada por Pat Mills, con la participación de algunos de los nombres más influyentes del cómic británico y una mezcla de acción, sátira y épica futurista.

La línea de clásicos continúa con EL GUERRERO DEL ANTIFAZ: EDICIÓN 80º ANIVERSARIO VOL. 03, que sigue recuperando en ediciones restauradas las aventuras originales de Manuel Gago, figura esencial de la historieta española. También se incorpora PRÍNCIPE VALIENTE 1983–1984, que recoge una etapa clave de la serie con nuevas entregas cargadas de magia, aventura y conflicto en torno a Camelot. Completa este bloque de recuperación histórica THE PHANTOM 1948–1950, con las tiras de prensa de mediados del siglo XX que consolidaron la leyenda del Hombre Enmascarado.

En el apartado de novela gráfica de autor, la editorial recupera LA ILUSIÓN DE OVERLAIN, de Luis Durán, en una nueva edición restaurada y recoloreada por el propio autor. La obra combina viaje, misterio y espiritismo en un relato reconocido por la crítica y premiado por su guion. El humor fantástico llega con EL BÁRBARO, de Enrique V. Vegas, un homenaje en clave paródica al universo de espada y brujería, mientras que LOS CABEZONES DE LAS GALAXIAS recopila en un solo volumen sus tres parodias galácticas más celebradas.

Fuera de la ficción, el sello lanza CINCO DUROS: LA HISTORIA DEL VIDEOJUEGO EN ESPAÑA PARA TODOS VOL. 3, de Diego Vargas, que cubre el periodo 1990–1993 y continúa el recorrido documentado por la evolución de la industria española del videojuego, con entrevistas, material inédito y análisis de la transición tecnológica del sector. Por último, TAROT ROMANTASY. MANUAL Y CARTAS, con textos de Ana Pérez e ilustraciones de Beatriz Colom, propone un estuche con libro y baraja ilustrada que reinterpreta los Arcanos Mayores desde la estética de la fantasía romántica, orientado tanto a la lectura intuitiva como al coleccionismo.

Con esta batería de títulos, Dolmen Editorial refuerza su compromiso con la diversidad de géneros, la recuperación de obras fundamentales y la edición cuidada, consolidando un mes de marzo especialmente potente para librerías y lectores.

Marika Vila, historietista: “Mi nueva obra se titula ‘Grietas’ porque eso es lo que hemos hecho las pioneras, abrir grietas”. Por Noé Ramón

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“Desde que tuve contacto con la Fundación, las islas se han convertido en mi segunda casa”

“En los cómics el cuerpo de la mujer era un artefacto con forma femenina y voz masculina. Para vivir aventuras teníamos que travestirnos”

“El manga me interesa poco pero permitió que las niñas salieran en un montón de revistas y aparecieran muchísimas lectoras”

“A Mata Hari la dibujo en todo su esplendor y a los hombres que la torturan los ridiculizo”

La dibujante catalana, Marika Vila se define como una autora experimental que por lo tanto maneja un estilo en el que se mezcla el realismo y el expresionismo resultado del estudio de las diferentes corrientes que han existido en el mundo del cómic y el arte. Incluido el manga donde se convirtió en una de las principales “responsables” de su desembarco brutal en España cuando trabajaba en la editorial Planeta Agustini, estilo que no le gusta demasiado pero del que valora su capacidad para crear heroínas y captar lectoras. Vila, como ella misma dice, ha hecho de Canarias su segunda residencia desde que tomó contacto con la Fundación Canaria Cine + Cómics y así se pudo constatar en el último Salón de Santa Cruz donde ocupó el principal espacio del Museo de Bellas Artes. Acaba de entregar un resumen de su carrera titulado Grietas, resultado a su vez del homenaje que le hizo el Salón del Cómic de Barcelona, obra en la que se mezcla su labor como autora y como investigadora, especialmente de las creadoras que la precedieron. 

-Este verano salió una obra sobre su personaje Moderna Secreta (Hija de Morgana) 

-Es una especie de recopilación de historias que se  publicaron en los años ochenta en la revista Rambla/Rampa y que ahora hemos sacado y completado por primera vez en formato álbum y además con capítulos nuevos que he hecho expresamente para esta transformación de la serie.

-¿Y cómo ha sido recibida?

-Pues muy bien Ha tenido muy buenas críticas, hemos hecho un montón de presentaciones y las ventas también han ido muy bien. Ahora estoy preparando un nuevo libro que esta vez sí es más una recopilación de historias cortas. 

-¿En qué consiste?

-Como me habían dado el gran premio del Salón del Cómic de Barcelona en 2024, también me dedicaron la exposición central titulada Me llamo Marika Vila, la transgresión feminista del cómic. Era un repaso a toda mi trayectoria y englobaba las múltiples facetas que he tenido en estos años, mis comienzos haciendo cómic comercial y romántico, las ilustraciones en carbón para las publicaciones europeas, una selección de las historias que he hecho posteriormente y también mi relación con el manga.

-El título de la nueva obra es Grietas. ¿Cuál es el motivo?

-Pues porque veo mi carrera como grietas que hemos abierto en la historia del feminismo, en la que considero haber sido una pionera al hacer valer un discurso en contra del canon patriarcal del cómic. Digamos que he hecho más fácil para todas las nuevas dibujantes estar presentes en este mundo. 

-¿Cuántas páginas tiene?

-Tiene 128 y será una edición muy cuidada, al igual que hicimos como Moderna Secreta, que tenía un poco menos, unas cien, así que este libro va a ser incluso más grande. Lo hace el mismo editor, la maquetación es mía y de Verónica Moretta y la verdad que la hemos cuidado muchísimo. Va a ser una edición muy bonita en la que también mencionaremos a las nuevas autoras. 

-¿Cuándo cree que saldrá?

-Pues precisamente la entregué ayer (por el miércoles) y nuestra intención es que salga publicada coincidiendo con el día de San Jordi pero no sabemos si será posible. Consiste en todo lo que hemos hablado hasta ahora: un resumen de mi trayectoria pero con obras completas.

-Supongo que sería algo parecido a la exposición suya en el Museo de Bellas Artes de Santa Cruz, en la última edición del Salón del Cómic. 

-Sí, allí hubo cuatro o cinco exposiciones como la de Raquel Gú, la de Cristina Durán y luego la mía que ocupaba un espacio más amplio. 

       -Usted que ha sido pionera en el mundo del cómic ¿Cree que se le reconoce este papel?

-Me considero una pionera y además en mi libro de investigación titulado Desocupar el cuerpo, que es mi tesis doctoral, hago un repaso a un montón de autoras desconocidas históricamente a las que he impulsado y sigo impulsando. He comisionado muchas exposiciones, algunas de las cuales han llegado a Canarias que fue como tomé contacto con la Fundación y a partir de ahí no he parado de ir a las islas, Canarias se ha convertido en mi segunda casa. En 2024 el crítico tinerfeño, Manuel Darias eligió me dio un premio por Desocupar el cuerpo.

-¿Y cómo ve la explosión de autoras que han surgido en los últimos años?

-Estoy siempre trabajando con ellas, intentando darles voz a través de mí. De hecho soy fundadora de la Asociación de Autoras de Cómics y también me han hecho presidenta de honor de la Fundación Comiqueras, formada por mujeres. Así que estoy en contacto directo con ellas a través de estas asociaciones y además la de Ilustradores, a finales de 2024 me dieron un premio de honor. O sea que mi relación con las nuevas autoras y mi apoyo es absoluto, principalmente porque creo que es muy interesante lo que algunas están haciendo. El cómic necesitaba contar con la voz de las mujeres, hacía falta y eso es lo que aportan. 

-Su investigación también ha permitido dar a conocer creadoras que habían caído totalmente en el olvido. 

-Sí, hemos hecho una genealogía y estudiado autoras desde 1910 y las reunimos en una exposición que exhibimos desde 2023 a 2025. El problema es que como los originales son muy frágiles y delicados, hemos preferido el formato facsímil para llegar a partir de este año a todos los sitios que sea posible, porque de la otra forma sólo podía verse en determinados museos. Pero ahora la mantendremos tres años más en la red de la Diputación de Barcelona durante los tres o cuatro meses que esté en cada museo, haré una labor de difusión sobre estas autoras. Así, que soy pionera como autora y como investigadora recuperando la visibilidad para las creadoras y eso es algo que sigo haciendo, además de continuar publicando. 

-Pero concretamente, ¿Qué es lo que aportan las mujeres al mundo del cómic que hasta hace poco estaba ocupado casi exclusivamente por hombres?

-Pues todo, diversidad, tanto las pioneras como Nuria Pompeia, Laura Pérez Vernetti o yo, como las que han venido después y también las que estaban antes. Nuestra aportación ha sido abrir un camino porque además era necesario, romper con los patrones tópicos, estereotipos femeninos que encapsulaban y silenciaban a las mujeres. En los cómics el cuerpo de la mujer es un artefacto con forma femenina y voz masculina, así que hemos abierto la puerta a la diversificación, a la variedad y a desmontar las estructuras androcéntricas e incluso eurocéntricas. Hemos dado pasos decisivos hacia la pluralidad, a romper los límites del género, no sólo sexuales, sino también literarios, hablando de ciencia ficción, terror romance o serie negra. También hemos dejado huella en la aparición de la novela gráfica, en los cambios de formato o como editoras. Hablamos de toda una revolución en la que el papel de la mujer es vital y primordial y va configurando un espacio donde las historias y las miradas se amplían porque somos las que más necesitamos romper modelos estrictos y tópicos. Es evidente que en el mundo del cómic siempre fuimos silenciadas y expulsadas y por eso tuvimos que travestirnos para vivir las aventuras en clave masculina. Pero ya no tenemos nada que ver con el estereotipo que existía antes, somos diversas y múltiples.

-¿Y cómo lectoras también ha existido esa revolución?

-Es que no habíamos sido consideradas lectoras. Entonces todas esas aperturas suponen grietas y de ahí el título del libro, de los caminos que vamos abriendo las pioneras a las nuevas autoras. 

-Dentro de ese discurso usted tiene una visión bastante original sobre el papel del manga a la hora de propiciar el papel de las mujeres en el cómic. ¿Cómo recibió esta corriente que cogió por sorpresa a otras personas de su misma generación?

-Cuando trabajaba para Planeta Agustini precisamente fui la realizadora que trajo a Dragon Ball, considerado el primer gran éxito del manga en España y la editorial me encargaban traer, montar, coordinar y realizar esta saga y a partir de ahí surgió toda una nueva línea desde la primera revista Shonen a Doraemon, Luchadoras de Leyenda… Todo eso lo llevé yo durante nueve años, así que conozco muy bien el manga. 

-No pega mucho con su trayectoria que le guste el manga.

-Es que en realidad me interesa poco pero admito que ha sido un fenómeno porque hasta entonces las mujeres no estaban contempladas en los cómics nacionales y de pronto las niñas salen en un montón de revistas y también aparecen muchísimas lectoras, lo que supuso el gran éxito. Así que el manga tiene cosas buenas, porque los japoneses manejan un concepto del mercado que es interesantísimo, del que deberíamos aprender mucho. En fin, el manga es un mundo enorme que no se puede analizar en dos frases. Hay de todo como en botica, cosas muy profundas, muy intensas y otras más superficiales.

-¿Cree que los superhéroes del manga han llegado a eclipsar a los clásicos de Occidente?

-Sin duda, incluso los superan porque tienen a la industria y al capital de su lado, al negocio puro y duro, al mainstream y son los que acaparan los grandes mercados. Luego está el cómic independiente que es al que pertenezco y me interesa más, al que le cuesta más abrir mercados pero con objetivos y estilos diferentes y con autores a los que seguramente nos ha influido el manga en algún sentido.  

-¿Dice que el manga le ha influido en su estilo?

-Supongo que algo me habrá influido, como ocurre con todo, a pesar de que mi motor y mi dedicación es el cómic experimental porque precisamente cada trabajo supone un nuevo experimento, en no repetir. Por mis inicios comerciales he tenido que aprender muchísimas técnicas clásicas, lo que me ha permitido buscar en cada proyecto un diálogo entre las iconografías. Por ejemplo, Moderna Secreta, es una mezcla de diversas iconografías y un juego estilos, desde las clásicas a grabados picassianos, ánforas griegas, Disney o Betty Boop.

-¿Y en el caso de Mata Hari, un personaje muy recurrente en su obra?

-Por un lado está la diva y toda esa imagen que ella misma se construye y por otro el dibujo satírico de las revistas populares de principios del siglo XX, llamadas sicalípticas, con un dibujo muy caricaturesco. A ella la dibujo en todo su esplendor y en cambio a los hombres que la torturan los veo desde un punto de vista satírico para ridiculizarlos. Todo eso se podrá ver en Grietas, ahí están todos los estilos juntos como ocurrió en Moderna Secreta. Mi estilo es experimental y tanto puedo usar realismo como expresionismo o estudiar diferentes grafías.

-Hace un par de años hubo una exposición suya en la Universidad de La Laguna sobre estos personajes. Su presencia en la Isla es muy recurrente. 

-Sí, la organizó la Fundación y ahí se podía ver parte de lo que estoy contando. Como digo, Canarias se ha convertido en mi segunda casa. 

‘La Lucha’ se presenta en El Hierro con su director, Jose Alayón, y su coprotagonista, el luchador herreño Tomasín Padrón

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La colaboración del Cabildo de El Hierro permite la organización de dos pases de la película en la Sala de Congresos y Auditorio de La Peña el domingo 22 de febrero

Las invitaciones se retiran en las oficinas de Deportes del Cabildo Insular

La película La Lucha, de Jose Alayón, se presenta en El Hierro este domingo, 22 de febrero, con la participación de su director y de uno de sus protagonistas, el luchador herreño Tomasín Padrón, el puntal más longevo de la historia del deporte ancestral y quien actualmente compite en el Rosario Club de Lucha de Fuerteventura.

Tras su exitoso recorrido internacional por festivales de cine prestigiosos, en los que ha obtenido distintos reconocimientos y cosechado críticas muy destacables y una vez llegada a las salas de cine comerciales -tanto en Canarias como en distintas ciudades peninsulares-, la película llega a la isla que vio nacer a su coprotagonista, donde se esperaba hace semanas. La película ha sido vista por más de 7.000 espectadores y, gracias al esfuerzo del Cabildo insular, los herreños podrán disfrutarla durante las semanas de estreno en salas de cine al mismo tiempo que en otras islas.

La presentación será en la Sala de Congresos y Auditorio de La Peña, a las 12.00 y a las 18.00 horas, gracias a la colaboración del Cabildo de El Hierro, que, comprometido con el público y las personas aficionadas a la lucha de la isla, ha decidido garantizar la organización de los dos pases, ante la reacción de la población herreña, que agotó las invitaciones previstas rápidamente. Para acudir a las proyecciones, que serán gratuitas para el público, es necesario retirar las invitaciones en las oficinas de Deportes de la corporación insular. Ambas proyecciones cuentan con una presentación por parte de Alayón y Padrón. Además, después de la primera proyección se celebrará un coloquio, lo que ofrece al público la oportunidad de compartir impresiones y dialogar sobre el filme y la experiencia del rodaje.

Aunque rodada íntegramente en Fuerteventura, La Lucha mantiene conexiones simbólicas muy significativas con El Hierro, no solo por el origen de su coprotagonista, sino por situar en un lugar destacado referencias a la identidad cultural de la isla, al crear un espacio para el emblemático Baile del Vivo, interpretado por Valentina, la de Sabinosa, un legado que forma parte del acervo cultural y seña de identidad de todo el archipiélago.

El Cabildo de El Hierro ha destacado el valor simbólico de esta producción cinematográfica, por el respaldo a la lucha canaria, por poner en primer plano a un deportista herreño formado desde las categorías inferiores del Club de Lucha Concepción, y que continúa activo en este deporte, y por colocar una pieza tan singular del folclore herreño en un lugar destacado de la película.

La cinta está protagonizada por Tomasín Padrón, en el papel de Miguel, padre de Mariana, que encarna la también luchadora Yazmina Estupiñán. Los acompaña la reconocida luchadora majorera Inés Cano, que interpreta a Inés, como hermana de Miguel. La apuesta de la película es por trabajar con luchadores reales en todo el casting.

Desde su estreno en el Festival de Cine de San Sebastián en la sección Nuevos directores, en septiembre de 2025 —acompañada de una multitudinaria exhibición de lucha canaria en la playa Zurriola—, el recorrido de La Lucha (92’/2025) por otros festivales le ha valido la mención de honor del Jurado en la Mostra Internacional de cine de São Paulo (Brasil); el premio a la Mejor Música en el Festival Cinespaña Toulouse (Francia); el premio a la mejor película y del jurado joven en el Efebo d’Oro Film Festival de Palermo (Italia) y, en el Festival Internacional de Cine Punta del Este (Uruguay), los premios al Mejor director de la Competencia Iberoamericana en Ficción y el de la Asociación de Críticos de Cine del Uruguay (ACCU), que la reconoce como Mejor Película. Igualmente, ha sido seleccionada para su presentación en los festivales de cine de Thessaloniki (Grecia), Vancouver (Canadá), FIFIB Festival Internacional du Film Indépendant de Bordeaux (Francia) y Alice nella Città (Italia).

La Lucha presenta a Miguel y su hija Mariana en su intento por seguir adelante tras la muerte de su esposa y madre, una pérdida que los ha dejado a la deriva. La lucha canaria es su refugio, su forma de hacerse un lugar en el mundo. Pero el cuerpo de Miguel empieza a fallar y la rabia de Mariana la empuja a desafiar las normas. Con la final del campeonato cerca, padre e hija buscan reencontrarse antes de que sea demasiado tarde.

Para su segundo largometraje, Alayón mantiene su interés por emplear el cuerpo de los protagonistas como soportes del relato, como narradores, al ser la superficie en la que se inscriben las emociones, un enfoque que había empleado también en su ópera prima, Slimane. En este caso, además, el cuerpo es el lugar donde se encarnan la identidad colectiva y la fragilidad íntima de los personajes.

Para este punto ha sido fundamental el trabajo junto a Mauro Herce, con quien siempre colabora. Herce es uno de los directores de fotografías más importantes de España, ganador del premio Goya por Lo que arde y recientemente nominado a la mejor fotografía en los Premios Goya y en los Premios del cine europeo por Sirât. La cinta se ha filmado en formato película de 16 mm para retratar la luz y la aridez del paisaje de Fuerteventura.

Después de años dedicado a la producción creativa y la dirección de fotografía desde El Viaje Films, Alayón une en La Lucha dos elementos que lo obsesionan: la exploración de los vínculos familiares y la reflexión sobre la identidad colectiva. La historia está enfocada para “interrogarnos sobre cómo habitamos la pérdida, cómo transmitimos la fuerza de generación en generación, cómo nos sostenemos unos a otros para no caer, en un relato doble: el de un pueblo que se reconoce en un rito ancestral y el de una familia que aprende a vivir con la ausencia”, apunta el director. Se trata de una lucha colectiva y otra íntima que hablan, a la par, de la necesidad de resistir.

Luchadores transformados en actores

Alayón ha explicado que, para contar esta historia, tuvo que escoger entre dos posibilidades: enseñar a luchar a unos actores y actrices o facilitar la actuación de luchadores y luchadoras. Escogió esta segunda posibilidad, porque se acerca más a su filosofía del cine y por el gusto de afrontar este reto.

Ello conllevó a un intenso proceso de casting en busca de luchadores auténticos capaces de encarnar a los personajes. Sus propias historias personales colaboraron en reescribir partes del guion. Fruto de esa selección, participan en la película los ya mencionados Tomasín Padrón, herreño residente en Fuerteventura, quien anunció al inicio de esta temporada su renovación por el Rosario Club de Lucha de esta isla, e Inés Cano, luchadora majorera, quien se retiró de la competición en julio pasado tras 30 años de trayectoria. Ambos forman parte de la historia de la lucha canaria, Padrón, por su persistencia en la brega a pesar de sus 48 años y un recorrido lleno de hazañas, y Cano, por ser una de las puntales de la lucha canaria femenina más destacadas, heredera y transmisora de la tradición.

La siguiente generación de esta familia de Pájara es Sara Cano, que interpreta a Yumara en la película de Alayón. Tras los pasos de su madre, Inés, la joven majorera lucha en el club C.L. Santa Rita, de Gran Canaria. Junto a ellos, figuran en la cinta rostros conocidos por los aficionados a este deporte: los puntales Mahamadou Cámara (Tegueste), Pedro Hernández (Antigua) o Miguel Hernández (Saladar de Jandía), y las jóvenes luchadoras Olivia Ramírez (Santa Rita), Fatou Gueye (Benchomo), Yumara Mel (Saladar de Jandía), Lucía Afonso y Daniela Batista (ambas, del Tenercina), entre otras. Igualmente, es posible reconocer en el film a personalidades relevantes del deporte ancestral, como Raimundo García (mandador del Unión Antigua), el veterano Cuco Doctoral, divulgador de la lucha en Gran Canaria, o Jorge Ávila, actual mandador del Tetir y pionero en el impulso de la lucha canaria femenina. 

El equipo de la cinta de Alayón cuenta con Marina Alberti en la producción ejecutiva y el guion -labor que comparte con Samuel M. Delgado-; el propio Alayón, José M. Viña, Jamie Weiss, Jairo López, en la producción, y Patricia Estévez, en la dirección de producción. Por su parte, la música original es de Camilo Sanabria y Adriana Galán. Se encarga de la dirección de arte Silvia Navarro; Atri Galván, del diseño de vestuario; Emma Tusell, del montaje y Carlos E. García, del diseño de sonido. La Lucha es una coproducción internacional liderada por El Viaje Films, con la financiación de MEDIA (subprograma de Europa Creativa), ICAA (Ministerio de Cultura), Gobierno de Canarias, Promotur, Cabildo de Tenerife y la Televisión Canaria. El proyecto cuenta también con la producción asociada de Macaronesia Films y el apoyo de las federaciones de lucha insulares y regional, los ayuntamientos de Puerto del Rosario, Tuineje, Pájara y Antigua, la Fuerteventura Film Commission, y diferentes clubes y colectivos de lucha canaria.

Tenerife Peñón Fest saca a la venta las entradas por días a precio reducido

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  • Carlos Sadness, Postcode, Melifluo, La La Love You, Pignoise, Biznaga y Maika Makovski son los artistas confirmados hasta la fecha
  • Los tickets en promoción para los días del evento, 23 y 24 de octubre, están disponibles en www.tenerifepenonfest.es y www.tomaticket.es

Tenerife Peñón Fest anuncia una promoción de entradas por día a precio reducido, hasta el 6 de marzo. La novena edición del festival trae a Carlos Sadness, Postcode, Melifluo, La La Love You, Pignoise, Biznaga y Maika Makovski al parking del Palmetum de Santa Cruz de Tenerife para ofrecer una muestra del mejor pop-rock e indie en español. Además, quedan dos artistas aún por anunciar que encabezarán el cartel. Las entradas individuales o bonos para el festival, que será los días 23 y 24 de octubre, ya están disponibles www.tenerifepenonfest.es y www.tomaticket.es.

Este año Tenerife Peñón Fest llega con más fuerza que nunca, manteniendo el modelo que ha conquistado al públikco en sus ediciones anteriores y novedades como un compromiso con la sostenibilidad, apoyo a la economía local, un recinto más amplio, más horas de música y una lista de artistas aún más impresionante. Además, la semana previa, el festival propone actividades culturales en torno a la música, como una exposición de fotografía, un encuentro–coloquio y la proyección del documental ‘Todo cambia’, del cantante Dani Fernández, en el Castillo Negro.

El viernes, 23 de octubre, arrancará el festival con una jornada marcada por el pop-rock energético, rock electrónico, pop-rock alternativo y el synth-pop. Pignoise traerá sus temas nostálgicos de los 2000, como ‘Todo me da igual’ y ‘Quiero’, y los más recientes, manteniéndose fiel a su sonido potente de guitarra eléctrica, batería y melodías pegadizas.

Ese día actuará la cantautora y multiinstrumentista Maika Makovski que destaca por su fusión de rock, pop y jazz, así como por unas letras intensas y poéticas que acompañan con una gran fuerza escénica.

También se suma Melifluo, el dúo formado en 2019 por los hermanos Juan Carlos y Antonio Gómez Parrilla. Tras su etapa en Supersubmarina, ambos han consolidado un proyecto propio a medio camino entre el rock y la electrónica. En 2025 publicaron ‘Voces Externas’, su segundo álbum, y ese mismo año acompañaron como teloneros a la mítica banda Arde Bogotá en su gira.

Además el cuarteto canario Postcode presentará en Tenerife Peñón Fest su álbum debut, ‘Broadcast from nowhere’. Se trata de una propuesta en inglés que ha tenido una notable acogida en el Reino Unido gracias a un sonido que transita entre el pop-rock alternativo y el synth-pop emocional y bailable.

El sábado, 24 de octubre, será el turno de una jornada musical que recorrerá el indie-pop más festivalero, el punk-rock más intenso y el pop independiente más creativo, con artistas que han marcado tendencia tanto en España como en escenarios internacionales.

La banda La La Love You, con su género divertido, irónico y directo, ofrecerá un espectáculo que demostrará al público por qué es uno de los grandes fenómenos musicales de los últimos años en España. La banda madrileña ha pasado por escenarios internacionales, desde México y Chile hasta Japón. En 2024 agotó entradas en el Wizink Center de Madrid en un evento especial para los fans, el LaLaDay, celebrado el 15 de marzo.

Carlos Sadness también se subirá al escenario del Tenerife Peñón Fest, uno de los artistas imprescindibles del pop independiente en español y creador del ‘galactropical’, que combina música indie con sonidos tropicales. Comenzó compartiendo sus canciones en internet en la primera década de los 2000 y, ahora, se consolida con una trayectoria de éxitos tanto en España como en Latinoamérica. Su quinto álbum, ‘Realismo Mágico’ (2025), con canciones como ‘Feliz feliz’ y ‘Big bang’, consiguió llenar las 10.000 plazas del Auditorio Nacional de Ciudad de México.

Por último, el grupo madrileño de punk-rock Biznaga aportará su sello característico con una energía desbordante y letras urbanas que reflejan la sociedad actual, consolidándose como una de las formaciones más potentes de la música alternativa en España.

Tenerife Peñón Fest cuenta con el patrocinio del Gobierno de Canarias a través de la Consejería de Turismo y de Promotur con su marca Islas Canarias Latitud de Vida, el Cabildo de Tenerife a través de Turismo de Tenerife con su marca Tenerife Despierta Emociones y Consejería de Cultura, el Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife a través de la Sociedad de Desarrollo y su marca Santa Cruz, el Corazón de Tenerife, y el Instituto Canario de Desarrollo Cultural (ICDC). Colaboran Naviera Armas Trasmediterránea y Pepsi Cola.

Prime Video desvela el póster y el tráiler oficial de Scarpetta, que se estrenará el 11 de marzo, protagonizada por Nicole Kidman y Jamie Lee Curtis

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La esperada serie de suspense policíaco basada en las novelas de éxito de Patricia Cornwell está producida por Amazon MGM Studios y Blumhouse Television, desarrollada y escrita por Liz Sarnoff, y protagonizada por Nicole Kidman, Jamie Lee Curtis, Bobby Cannavale, Simon Baker, Ariana DeBose, Rosy McEwen, Jake Cannavale, Hunter Parrish y Amanda Righetti

Prime Video ha desvelado el tráiler oficial y el póster de Scarpetta, la nueva serie policíaca forense basada en la exitosa serie de libros de Patricia Cornwell sobre Kay Scarpetta, desarrollada y escrita para televisión por Liz Sarnoff. Con más de 120 millones de copias vendidas en todo el mundo desde el debut del personaje en 1990, esta adaptación supone la culminación de décadas de expectación, ya que la querida patóloga forense llega por fin a la pantalla. Scarpetta se estrenará el 11 de marzo de 2026 en exclusiva en Prime Video en más de 240 países y territorios de todo el mundo. La serie está producida por Amazon MGM Studios y Blumhouse Television, en asociación con Blossom Films, Comet Pictures y P&S Projects.

Scarpetta da vida al emblemático personaje literario de Patricia Cornwell en una apasionante serie protagonizada por Nicole Kidman en el papel de la «Dra. Kay Scarpetta». Con manos expertas y una mirada inquietante, esta intrépida forense está decidida a convertirse en la voz de las víctimas, desenmascarar a un asesino en serie y demostrar que el caso que lanzó su carrera hace 28 años no se ha convertido también en su perdición. Con el trasfondo de la investigación forense moderna, la serie va más allá de la escena del crimen para explorar las complejidades psicológicas tanto de los perpetradores como de los investigadores, creando un thriller con múltiples capas que analiza el precio que se paga por perseguir la justicia a toda costa.

De la escritora, productora ejecutiva y showrunner nominada al Emmy Liz Sarnoff (Barry, Perdidos) llega Scarpetta, un escalofriante thriller policíaco que se desarrolla en dos líneas temporales. Esta doble narrativa explora el viaje de Kay Scarpetta (Nicole Kidman) desde sus inicios como jefa de medicina forense a finales de los años 90 hasta su regreso actual a su ciudad natal, donde retoma sua ntiguo puesto mientras investiga un espantoso asesinato. Mientras Scarpetta busca justicia, debe lidiar con relaciones complicadas, incluida la tensa dinámica con su hermana Dorothy Farinelli (Jamie Lee Curtis), enfrentarse a antigüos rencores profesionales y personales y hacer frente a secretos que amenazan con desmoronar todo lo que ha construido.

El galardonado reparto cuenta con Nicole Kidman (Expatriadas) interpretando a la forense Kay Scarpetta, Jamie Lee Curtis (The Bear) como su hermana Dorothy Farinelli, Bobby Cannavale interpretando al detective Pete Marino, Simon Baker (El Mentalista) es el perfilador del FBI Benton Wesley y Ariana DeBose (Amor sin barreras) como la sobrina de Kay, experta en tecnología, Lucy Farinelli Watson. La doble línea temporal de la serie se completa con Rosy McEwen (Blue Jean), Amanda Righetti (El Mentalista), Jake Cannavale (La Oferta) y Hunter Parrish (Weeds), que interpretan las versiones pasadas de los personajes de Kidman, Curtis, Cannavale y Baker, respectivamente.

Scarpetta cuenta con la producción ejecutiva de Nicole Kidman y Per Saari a través de Blossom Films, Jamie Lee Curtis a través de Comet Pictures, la guionista y showrunner Liz Sarnoff a través de Sarnoff TV, la autora Patricia Cornwell a través de P & S Projects, así como Jason Blum, Jeremy Gold, Chris Dickie y Chris McCumber a través de Blumhouse Televisión. David Gordon Green dirigió cinco episodios y también ejerce de productor ejecutivo junto a Amy Sayres. La serie está producida por Amazon MGM Studios y Blumhouse Television en asociación con Blossom Films, Comet Pictures y P&S Projects.

Sobre Blumhouse Television

Blumhouse Television ha obtenido excelentes críticas y numerosos premios por sus provocativas series de televisión con guión y sin guión y sus documentales, entre los que se incluyen la producción ganadora de un Emmy® y un premio Peabody El Gafe; la ganadora de un Emmy® The Normal Heart; la miniserie nominada a los Globos de Oro® y los Emmy® Heridas abiertas; y el documental ganador de un premio Peabody How to Dance in Ohio, todos ellos para HBO; La serie limitada ganadora del premio Peabody El pájaro carpintero, protagonizada y producida por Ethan Hawke y basada en la galardonada novela de James McBride, y la serie limitada nominada a los premios Globo de Oro®, Critics Choice® y Writers Guild®, The Loudest Voice, ambas para Showtime.

Blumhouse Television ha producido la reciente serie original Legítima Defensa, de Michael Seitzman y basada en el éxito de venta de millones de copias de John Grisham, para USA Network; Cazador de demonios, protagonizada por Kevin Bacon y creada por Grainger David y el showrunner Erik Oleson, y Dulce Estafa, protagonizada por Margo Martindale y con Jamie Lee Curtis como productora ejecutiva, ambas para Prime Video; la próxima serie Scarpetta, protagonizada por Nicole Kidman y Jamie Lee Curtis, que también ejercen de productoras ejecutivas, también para Prime Video, y El peor compañero de piso imaginable y El peor ex imaginable para Netflix, que establecieron la primera franquicia de Blumhouse Television.

Blumhouse Television forma parte de Blumhouse, la empresa de cine, televisión y videojuegos fundada por Jason Blum, considerada por muchos como la fuerzai mpulsora del género de terror. Tras su fusión con Atomic Monster, de James Wan, en enero de 2024, las empresas combinadas son responsables de casi 10.000 millones de dólares en taquilla mundial y han representado casi el 50 % del mercado del terror en los últimos diez años, incluyendo La purga. La noche de las bestias, Déjame salir, M3GAN, The black phone, Five Nights at Freddy’s, Halloween y la franquicia de terror más exitosa de la historia, Expediente Warren.

Sobre Blossom Films

Blossom Films fue fundada en 2010 por Nicole Kidman y Per Saari. Han producido proyectos galardonados y populares, como la película Los Secretos Del Corazón (2010), que le valió a Kidman una nominación al Óscar a la mejor actriz, y la serie Big Little Lies, ganadora de un Emmy y un Globo de Oro. Otros créditos de series incluyen The Undoing, Nueve Perfectos Desconocidos, La Pareja Perfecta, Operativo: Lioness, Expatriados, Amor Y Muerte, The Last Anniversary y El Gran Rugido. Entre sus créditos cinematográficos se encuentran Holland y La Familia Fang. Próximamente, Blossom lanzará la serie Scarpetta para Prime Video y Margo’s Got Money Troubles para Apple.

Sobre Comet Pictures

En 2019, Curtis fundó Comet Pictures, una productora de cine, televisión y podcasts que tiene un acuerdo de derechos de primera opción con Blumhouse. Entre los próximos proyectos con Blumhouse se incluyen Scarpetta para Prime Video, basada en la serie de libros superventas de Patricia Cornwell y protagonizada por Nicole Kidman y Curtis, y Darkly, el éxito de ventas nacional n.º 1 de Marisha Pessl, que se convertirá en una serie de televisión. Entre los proyectos realizados con Blumhouse se encuentran The Lost Bus para Apple Original Films, protagonizada por Matthew McConaughey y America Ferrara, dirigida por Paul Greengrass con guion de Brad Ingelsby basado en ellibro de Lizzie Johnson Paradise: One Town’s Struggle to Survive an American Wildfire, y The Sticky, una serie de media hora para Prime Video basada en el gran robo de jarabe de arce canadiense. Más recientemente, Jamie ha sido productora ejecutiva y ha aparecido en el documental Stop the Insanity: Finding Susan Powter. Entre sus próximos proyectos se encuentra Sender, el debut como director del jefe de desarrollo de Comet, Russell Goldman, en el que también aparece Jamie. Entre los podcasts se incluyen las tres temporadas de la exitosa comedia/misterio de Audible Letters From Camp, de Boco Haft, y los 33 episodios del podcast Good Frienden iHeart, presentado por Curtis.

Sobre P & S Projects

Con sede en Boston, Massachusetts, P & S Projects es una productora centrada en proyectos cinematográficos, teatrales, televisivos, musicales y digitales en los que participan la autora de éxito internacional Patricia Cornwell y la neurocientífica y música Staci Gruber. Con varios proyectos de alto nivel actualmente en desarrollo, P&S Projects se dedica a traducir contenidos originales con el fin de atraer y enriquecer las vidas de públicos diversos en todo el mundo.

Sobre Prime Video

Prime Video es la primera opción como destino de entretenimiento que ofrece a los clientes una gran colección de programación premium en una sola aplicación disponible en miles de dispositivos. En Prime Video, los clientes pueden personalizar su experiencia a la hora de ver y encontrar sus películas, series, documentales y entretenimiento en directo favoritos, incluyendo programas en directo como Operación triunfo 2025, o series y películas producidas por Amazon MGM Studios como Culpa nuestra, Fallout, Su Majestad, Los hermanos demolición, Reacher, Reina Roja, Oh. What. Fun, Cómo cazar a un monstruo, El contable 2, The Boys, El señor de los anillos: Los anillos del poder y El verano en que me enamoré; el contenido licenciado favorito de los fans como La que se avecina o Pombo; acceso exclusivo a eventos deportivos en directo para los miembros Prime como la NBA; y aclamados documentales deportivos como Courtois: La vuelta del número 1 o Un equipo llamado España. Prime Video es solo uno de los muchos beneficios que proporcionan ahorros, comodidad y entretenimiento como parte de la suscripción a Prime. Todos los clientes, cuenten o no con una suscripción a Prime, pueden acceder a MGM+, Apple TV, HBO Max, Peacock o Crunchyroll mediante suscripción adicional, así como alquilar o comprar títulos, y disfrutar de aún más contenido gratuito con anuncios. Los clientes de Prime también pueden ir detrás de las cámaras de sus series y películas favoritas con el acceso exclusivo a X-Ray. Para más información, visite www.amazon.es/prime

Víctor Ras Albertos: expresar desde un cuerpo roto

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El autor tinerfeño, con una discapacidad reconocida del 85 por ciento, refleja en su libro ‘Una lección de vida llamada esclerosis’ su mirada íntima acerca de la enfermedad y la superación del sufrimiento

Adrián Haro Arroyo

No hubo un momento fundacional, ni una epifanía clara. Víctor Ras no decidió escribir ‘Una lección de vida llamada Esclerosis’, que presenta el día 18 de febrero en la Biblioteca Insular (18:30 horas), como quien planifica un libro: el libro fue apareciendo mientras él se desmoronaba. Entre hospitales, diagnósticos tardíos y una sensación constante de pérdida, la escritura se convirtió en un refugio improvisado, casi accidental. “Empecé a aislarme y a escribir cómo me sentía según pasaba el tiempo”, recuerda. No era un proyecto literario ni una intención terapéutica consciente, sino una forma de no desaparecer del todo.

El diagnóstico de esclerosis múltiple llegó con diecisiete años de retraso. Cuando por fin lo tuvo delante, Víctor ya no se reconocía en su propio cuerpo. “Mi cuerpo ya no era un cuerpo”, dice, y la imagen es literal: un cerebro “lleno de huecos”, un equilibrio inexistente, un viento leve capaz de derribarlo. Aun así, terminó seis adosados apoyado en dos muletas, más muerto que vivo, sin saber todavía cómo había sido capaz de hacerlo. Después vino lo que él llama “el infierno”: la incomprensión, el aislamiento, la sensación de no tener a nadie con quien hablar desde un lugar real.

Ni siquiera la terapia le ofreció el consuelo esperado. Al psicólogo lo sintió como alguien que analizaba, pero no comprendía. Víctor siempre ha intentado ponerse en el lugar del otro, sentir en su propia piel lo que sienten los demás. Esa misma empatía, cuando no encuentra respuesta, duele tanto como la enfermedad. De ahí nace el libro: de páginas escritas para desahogarse, corregidas una y otra vez, muchas veces rotas por vergüenza o rabia. “Un día me dio un ataque de ira y destrocé mi ordenador. Ahí me di cuenta de que había tocado fondo”, dice.

‘Una lección de vida llamada esclerosis’ no pretende ser una guía médica ni un manual de autoayuda. Para él, la relación es íntima, casi secreta: un diálogo entre el libro y quien lo abre. El texto está lleno de heridas abiertas, pero también de silencios deliberados. “Tuve que maquillar muchas cosas”, admite, consciente de que contar la verdad completa también implica protegerse. “Como todos sufrimos, en algún momento es necesario contar las cosas como se sienten”. Lo que no disimula es la crueldad de la enfermedad ni el abandono social que la acompaña.

En su relato aparece una crítica constante a una sociedad que evita el sufrimiento y anestesia la realidad. Víctor Ras habla de “almas arañadas”, de problemas ficticios frente a dolores reales, de un mundo que no quiere entender ni el cuerpo enfermo ni el dolor invisible. Desde muy joven empezó a despedirse de amigos fallecidos, hablándoles en soledad, aprendiendo demasiado pronto que nadie quiere escuchar cuando el tiempo se acaba.

Volver a inventarse

Once meses encamado y cinco años reaprendiendo a caminar dejaron una huella profunda. ¿Qué lo sostuvo mentalmente en los momentos más oscuros? Víctor duda. Hay cosas —dice— que están hechas para sentirse, no para explicarse. La medicación lo mantenía en una niebla constante, pero en los breves momentos de lucidez la vida le mostraba historias aún más crueles: personas que lo perdieron todo, otras que resistieron hasta el final. A eso se sumaron los cuidadores, el sufrimiento silencioso de quienes estaban a su lado, y la filosofía estoica, que le enseñó a aceptar y a actuar incluso cuando no sabía si llegaría al año siguiente.

El gimnasio apareció como un acto casi de resistencia. Llegó debilitado, “cadavérico”, enfrentándose de nuevo a las miradas que se apartan. Poco a poco, esas miradas cambiaron. “Tuve que volver a inventarme”. Algunas personas empezaron a verlo como un ejemplo, aunque él nunca buscó serlo. “No eres consciente de lo que estás aportando”, le dijeron. Encontró otra familia entre pesas, cloro y rutinas repetidas, y agradece sin reservas al Complejo Deportivo Santa Cruz Ofra, donde volvió a sentirse parte de algo.

Mientras escribía, Víctor no pensaba sólo en sí mismo. Estaban presentes sus padres, sus perros, los migrantes que mueren en el mar, los activistas asesinados, los filósofos muertos que siguen hablando a través de los libros. “Los muertos me ayudaron a agarrarme a la vida mucho más que los vivos; ¿Irónico, verdad?” También Ousman Umar, figura clave en su motivación, y los niños en riesgo de exclusión social con los que compartió charlas. Uno de ellos le confesó que quería escribir un libro y le preguntó cómo hacerlo. “Te quedas sin palabras”, dice. Ese día entendió que su historia podría servir para algo más que para sobrevivir.

Con una discapacidad reconocida del 85 por ciento, Víctor tomó una de las decisiones más controvertidas de su vida: abandonar el tratamiento médico por voluntad propia. Estaba harto de “los inviernos duros y de los veranos sin tregua”. Eligió calidad frente a cantidad. Más entrenamiento, más disciplina, más control sobre su cuerpo, aun asumiendo el riesgo. “Creo que los seres humanos tenemos demasiado miedo a vivir”. No le teme a la muerte; le teme más a una vida sin dignidad. “Hasta un perro la tiene”, manifiesta. Habla sin rodeos del consumo de opiáceos, de dolor constante, de duchas frías en invierno, de analíticas que ya no se realiza. No quiere envejecer con la enfermedad. Defiende su derecho a decidir y denuncia la falta de apoyo institucional y asociativo que ha sentido por decir lo que piensa.

En el libro habla abiertamente de dos intentos de suicidio. Para él era imprescindible. “Nos venden un sueño estúpido e irreal”, afirma, mientras enumera guerras, genocidios, desigualdades y una sociedad que normaliza el sufrimiento ajeno. Mostrar la crudeza es, bajo su perspectiva, una forma de despertar conciencias. No todos están preparados para leerlo, y él lo sabe. Requiere predisposición, silencio, apagar la televisión y mirar hacia dentro.

El abandono de su pareja fue otro golpe decisivo. “No estoy preparada para encargarme de ti”, le dijo antes de marcharse. Aquella pérdida se transformó en motor. Víctor no romantiza el dolor, pero reconoce que esa ruptura le dio la fuerza necesaria para plantar cara a la enfermedad. Cree en el amor, pero desconfía de cómo se vive hoy: sin amistad, sin compromiso real, sin aceptar luces y sombras. La enfermedad, dice, convierte a muchas personas en solitarias forzosas.

A pesar de todo, saber que su historia ayuda a otros le reporta una felicidad extraña, sin sonrisas. Una sensación de trabajo honesto y de coherencia consigo mismo. No busca diplomas ni reconocimientos, aunque los tenga. Su motor está en el compromiso social: proyectos en Senegal, envío de material escolar, planes de autosuficiencia energética, formación para jóvenes, música como herramienta de financiación y conciencia. “Vive para ti y vivirás en vano, vive para los demás y vivirás de verdad”, cita recordando al cantante, Bob Marley.

El autor no habla de futuro en términos lineales. Borró los calendarios de su cabeza. La vida —cree— es un círculo en el que se muere y se nace constantemente. Tiene nuevos libros en marcha, nuevas luchas, nuevas alianzas. Sabe que puede no conseguirlo todo, pero insiste en que el triunfo está en atreverse a dar el paso. “Hay dos días importantes en la vida: cuando descubres qué quieres hacer y cuando te pones a ello, es por eso que estamos muriendo continuamente para volver a nacer”.

Al final, su historia no es cómoda ni conciliadora. No pretende gustar. Es el testimonio de alguien que escribe desde un cuerpo roto, pero con una lucidez feroz. Un hombre que no pide compasión, sino dignidad. Y que, aun sin proponérselo, ha convertido su dolor en una voz que incomoda, sacude y obliga a mirar donde muchos prefieren no hacerlo.

Entrevista a Ignacio Martín Lerma, profesor de Prehistoria y divulgador científico: “Los neandertales tenían una cultura material compleja cargada de simbolismo, eran humanos en un sentido muy profundo”. Por Verónica Martín

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El Festival “¡Esto es Histórico!” de literatura y divulgación histórica vuelve a Tenerife (en la Plaza de la Constitución en La Orotava) entre los días 13, 14 y 15 de marzo. Hemos entrevistado a varios de sus próximos invitados, para que nos hablen de su trabajo y de cómo ven el presente y el horizonte de la divulgación.

Ignacio Martín Lerma es profesor de Prehistoria de la Universidad de Murcia, especialista en el estudio del Paleolítico y divulgador científico. Desde hace más de 15 años comparte sus conocimientos en redes sociales. Actualmente codirige un proyecto de investigación en la Cueva del Arco (en Cieza). Le incomoda la falsa imagen que tenemos del Paleolítico y de los neandertales, y parte de su labor divulgativa está encaminada a derribar estas ideas erróneas.

P: Hace años hice voluntariado colaborando en una excavación de la cultura argárica, dirigida precisamente por la Universidad de Murcia en una pequeña población cerca de Lorca. Coincidí con estudiantes de diferentes carreras universitarias, y en general salimos bastante fascinados por la experiencia. A veces, cuando veo a alguien divulgando prehistoria, pienso en aquella excavación, y que quizá los oyentes de esas charlas solo con la teoría nunca vayan a entender lo apasionante que es. ¿Qué opina de esto? ¿Es fácil transmitir pasión por la prehistoria desde la divulgación?

Lo que se vive en una excavación es difícil de explicar con palabras. Hasta que no estás allí, agachado al sol, limpiando con cuidado algo que no ha visto la luz en miles de años… no entiendes del todo lo que significa. Es una mezcla de emoción, respeto y responsabilidad. Pero dicho eso, yo sí creo que se puede transmitir pasión. No es lo mismo que estar allí, claro, pero cuando cuentas la prehistoria como una historia humana, y no como una lista de fechas, la gente conecta. Porque hablamos de personas. Personas que se organizaban, que tenían miedo, que querían a sus hijos, que se equivocaban… Yo intento que quien me escucha no vea “restos arqueológicos”, sino vidas. Si consigo que alguien termine una de mis conferencias o de mis talleres pensando “qué increíble debió de ser aquello”, me doy por satisfecho.

P: He leído que su bisabuelo, Juan Cuadrado Ruiz, fue arqueólogo y tuvo mucho que ver en la historia de un símbolo muy conocido llamado “Indalo” que proviene del arte rupestre. ¿Podría contarnos un poco esa historia? ¿Influyó de algún modo en su devenir profesional?

Él formó parte del “Movimiento Indaliano”, un importante grupo artístico e intelectual almeriense de mediados del siglo XX, y tomó esa figura prehistórica como emblema del movimiento. Es decir, hizo algo muy interesante: sacó una imagen del ámbito estrictamente arqueológico y la convirtió en referencia cultural, identitaria y social. Ese gesto me parece muy potente, porque demuestra que el patrimonio no es solo algo que se estudia o se conserva en vitrinas; puede dialogar con el presente, puede convertirse en lenguaje simbólico de una comunidad.

¿Influyó en mi trayectoria? Seguramente sí, aunque no de forma consciente o impuesta. Crecer en un entorno donde se hablaba con respeto y curiosidad de nuestro patrimonio hace que lo veas como algo cercano. Y cuando el pasado deja de ser algo lejano y abstracto, es mucho más fácil que termine formando parte de tu vocación.

P: ¿Por qué tiene un especial interés en los neandertales? 

Porque me parecen profundamente injustamente tratados. Durante décadas los pintamos como brutos torpes, casi como el “error” antes de nosotros. Y cada año que pasa la ciencia demuestra que no era así. Cuidaban a sus mayores, enterraban a sus muertos, tenían una cultura material compleja cargada de simbolismo… eran humanos en un sentido muy profundo. Me interesan porque nos obligan a replantearnos qué significa ser humano. Y porque cuando hablamos de ellos, en realidad estamos hablando de nosotros.

P. Lleva usted desde 2010 divulgando ciencia en redes sociales. ¿Cómo ha sido ese proceso? ¿Qué ha cambiado en estos años? ¿Qué es lo mejor y lo menos bueno de divulgar en espacios virtuales sociales?

Cuando empecé en redes era casi un experimento. Éramos pocos y había más conversación tranquila. Ahora todo es más rápido, más inmediato, más competitivo. Lo bueno es que puedes llegar a muchísima gente. Lo malo es que la velocidad a veces no encaja bien con la ciencia, que necesita matices y contexto… Pero sigo creyendo que merece la pena. Si alguien descubre que la prehistoria no es aburrida gracias a un post o un vídeo, el esfuerzo ha compensado.

P. Háblenos del proyecto de la Cueva del Arco, del que creo que es usted codirector.

Ser director, junto a Didac Román, de un yacimiento que se está consolidando como referente en el sureste peninsular es una enorme responsabilidad, pero también un privilegio. No estamos hablando solo de una excavación más, es un proyecto puntero por varias razones: por la calidad del registro arqueológico (más de 50.000 años de ocupaciones), por el enfoque metodológico que estamos aplicando, por el carácter interdisciplinar del equipo y por su capacidad para aportar datos relevantes sobre momentos clave de la prehistoria reciente en esta zona. Además, tiene algo que para mí es fundamental: no es un proyecto aislado en términos académicos, sino que dialoga con la comunidad, con las instituciones y con la sociedad que lo rodea. Creo que esa dimensión es clave hoy en día. La arqueología no puede limitarse a producir conocimiento; también debe generar conciencia patrimonial.

P: Tiene usted varios intereses, aparte de la ciencia y la prehistoria. El cine, por ejemplo… Dígame una trama histórica que no se ha rodado aún y le encantaría rodar o ver en la gran pantalla. 

Una historia que me gustaría ver bien contada en el cine es el encuentro entre neandertales y sapiens. No como una película de acción, sino como un drama humano: dos grupos distintos mirándose, desconfiando, aprendiendo uno del otro. Ahí hay una historia potentísima que todavía no se ha explorado como merece.

P: ¿Cuál es la «fake news» sobre la prehistoria que más rabia le da…?

La idea de que el Paleolítico fue una etapa de gente “poco inteligente”… Eso me molesta especialmente. La prehistoria es el 99% de nuestra historia como especie. Si reducimos todo ese tiempo a una caricatura de gente violenta y poco desarrollada, estamos simplificando nuestra propia historia. Eran complejos, adaptativos y capaces. Y entender eso cambia mucho la forma en que nos entendemos hoy en día.

Texto y entrevista: Verónica Martín

‘Inside the Matrix’ llega al Tenerife Noir de la mano de Juno Reactor 

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El festival reafirma  su apuesta por la música en directo con una doble cita, el viernes 6 de marzo en el Teatro Leal y el sábado 7 de marzo en el Teatro Guiniguada, ambas citas a partir de las 20.00 horas

El universo sonoro de Matrix, uno de los grandes clásicos del cine de finales de los 90, se cuela este año en la programación del festival de la mano de Juno Reactor, vinculado a  algunas de las piezas más icónicas de la saga. Esta doble cita tendrá lugar el  próximo viernes 6 de marzo, en el Teatro Leal (San Cristóbal de La Laguna), y el sábado 7 de marzo, en el Teatro Guiniguada (Las Palmas de Gran Canaria), ambas a partir de las 20.00 horas. Dos exclusivos conciertos de los que solo se podrá disfrutar en Canarias, siendo esta la única visita del artista a España para este 2026.

Las entradas se pondrán a la venta próximamente en las webs oficiales de los teatros y de la Fundación CajaCanarias. 

Con esta nueva propuesta musical Tenerife Noir refuerza su apuesta por los artistas internacionales,  tras el éxito registrado en la edición anterior con la participación de la japonesa Yoko Kanno en los conciertos ‘Cowboy Bebop Live’, pasando de lo ecléctico a lo electrónico. 

Fundado por Ben Watkins, Juno Reactor fusiona la electrónica, la percusión tribal y la épica audiovisual para crear una música intensa, física y envolvente. Un sonido diseñado para crear tensión, atrapando a los oyentes desde la primera nota. Seña de identidad que supo trasladar a la trepidante saga Matrix donde la música fue clave para hacer viajar al espectador hacia un futuro distópico donde la humanidad vive atrapada sin saberlo. 

La vinculación entre Juno Reactor y la saga The Matrix se produce en un momento clave, tanto para el cine como para la música electrónica. Las secuelas ‘The Matrix Reloaded’ (2003) y ‘The Matrix Revolutions’ (2003) necesitaban una identidad sonora que acompañara el relato que daba origen a este universo tecnológico y filosófico. Ben Watkins colaboró estrechamente con el compositor Don Davis, responsable de la banda sonora orquestal, aportando el pulso electrónico que terminaría definiendo algunas de las escenas más memorables de la saga,  con temas como ‘Burly Brawl’ vinculada al épico enfrentamiento entre Neo y Smith o ‘Mona Lisa Overdrive’, asociada a la trepidante persecución por la autopista.

‘The Matrix’ puede entenderse como una reinterpretación moderna de la novela negra: un individuo solitario, una verdad oculta, un sistema omnipresente y una ciudad hostil. Un mundo donde la  música de Juno Reactor encaja de forma natural para proyectar y amplificar el marco narrativo. La aportación de sus ritmos tensos y su estética sonora refuerzan la sensación de vigilancia, control y resistencia que atraviesa toda la saga. En este sentido, su contribución no solo acompaña la acción, sino que subraya el conflicto moral y existencial de los personajes. Logrando que su música no fuera un complemento, sino un elemento estructural del relato cinematográfico.

Su legado musical va más allá del cine: ha influido en artistas, compositores y creadores visuales interesados en la fusión entre música, narrativa y tecnología. Sus directos, concebidos como experiencias inmersivas, mantienen viva esa conexión entre ritual, máquina y relato, situando al público dentro de un universo sonoro que dialoga directamente con los temas de control, identidad y libertad.

Tenerife Noir 2026, un festival con sentido transversal 

La undécima edición del Tenerife Noir despierta el pensamiento crítico entendiendo el género como un movimiento transversal en sus múltiples facetas capaz de trascender más allá de la literatura para ser fuente de inspiración para diferentes disciplinas.

Este año está marcado por un doble aniversario que refuerza este enfoque, los 40 años de Watchmen, obra revolucionaria de Alan Moore, Dave Gibbons y John Higgins y de Shadow: Blood & Judgment, la miniserie de Howard Chaykin. Creaciones que hacen de este género la herramienta perfecta para cuestionar el poder, la moral y el discurso social. 

Tenerife Noir cuenta con el patrocinio del Ministerio de Cultura, el Gobierno de Canarias, el Cabildo de Tenerife, el Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife y el Ayuntamiento de San Cristóbal de La Laguna, así como con la colaboración de la Universidad de La Laguna, Fundación CajaCanarias y la Fundación DISA. Además, la marca DS Automobiles participa como vehículo oficial del festival.

Más información en www.tenerifenoir.com 

La Filmoteca CajaCanarias proyecta futuros clásicos del cine en su Espacio Cultural de La Palma

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  • La Fundación CajaCanarias presenta el ciclo Futuros Clásicos, con la proyección de La peor persona del mundo (2021), Vidas pasadas (2023), Tatami (2023) y La zona de interés (2023). Las sesiones serán los días 18 y 25 de febrero y 4 y 11 de marzo, a las 19:00 horas, en el Espacio Cultural CajaCanarias de La Palma. La entrada será libre hasta completar aforo.     Toda la información se encuentra disponible en www.cajacanarias.com

La Filmoteca de la Fundación CajaCanarias en La Palma presenta el ciclo Futuros clásicos, cuatro largometrajes actuales que se perfilan como referentes del cine contemporáneo. El ciclo se compone de cuatro películas: La peor persona del mundo (2021), Vidas pasadas (2023), Tatami (2023) y La zona de interés (2023). Las sesiones serán los días 18 y 25 de febrero y 4 y 11 de marzo, a las 19:00 horas, en el Espacio Cultural CajaCanarias de La Palma. La entrada será libre hasta completar aforo. Toda la información se encuentra disponible en www.cajacanarias.com

El ciclo se inicia el miércoles 18 de febrero con la noruega La peor persona del mundo, comedia dramática de romance y humor negro de 2021 dirigida por dirigida por Joachim Trier. La película concluye su trilogía “Oslo” de su director. La película narra cuatro años en la vida de Julie (Renate Reinsve). A punto de cumplir los treinta años, se siente atrapada entre su deseo de encontrar un propósito y la presión de construir su vida “correctamente”. Abandona la medicina, prueba distintas carreras y atraviesa relaciones que la desafían y la transforman: primero con Aksel, un artista mayor que ella, y luego con Eivind, un joven que le despierta nuevas emociones. La amarás y la odiarás a partes iguales pero, sobre todo, la entenderás. La película se estrenó en el Festival de Cine de Cannes en 2021, donde su protagonista ganó el premio a mejor actriz. Logró nominaciones como mejor película de habla no inglesa y mejor guion original en la 94º edición de los Premios Óscar.​

El miércoles 25 de febrero llegará el turno de Vidas pasadas, uno de los fenómenos cinematográficos de 2023 ydebut en la dirección de Celine Song. Una película que explora un reencuentro que revive los vínculos del pasado y las posibilidades no realizadas. Emocionalmente devastadora pero preciosa. Fue nombrada como una de las diez mejores películas de 2023 por el American Film Institute y recibió nominaciones como mejor película y mejor guion original en los Premios Óscar de 2024. La historia nos presenta a Nora y Hae Sung, amigos de la infancia en Corea que tuvieron que separar sus caminos cuando la familia de ella emigró a Estados Unidos. Décadas después, su reencuentro en Nueva York los obliga a enfrentar el pasado, los sentimientos no resueltos, las vidas que podrían haber tenido y valorar su presente.

El mes de marzo (miércoles 4) se estrenará con Tatami, una crítica feroz al machismo y al régimen iraní dirigida por la actriz exiliada Zar Amir-Ebrahimi y el cineasta israelí Guy Nattiv. La película sigue a Leila, una judoka iraní que viaja con su entrenadora Maryam al Campeonato Mundial de Judo con la esperanza de ganar la primera medalla de oro para Irán. Todo cambia cuando, a mitad de la competición, las autoridades de la República Islámica les ordenan fingir una lesión y retirarse para evitar que Leila se enfrente a una rival israelí, algo prohibido por el régimen iraní debido al boicot político entre ambos países.

Clausura el ciclo La zona de interés, una de las grandes películas estrenadas en 2023, que obtuvo numerosos reconocimientos cinematográficos entre los que se encuentran el Premio del Jurado y el Premio FIPRESCI en el Festival de Cannes, y los galardones de mejor película de habla no inglesa y mejor sonido en los Premios Óscar de 2024. La zona de interés confronta al espectador con los límites de la memoria y la conciencia, cuestionando la indiferencia y los silencios que rodean la violencia histórica. Te hace preguntarte hasta dónde puede llegar la crueldad humana. Este drama histórico y psicológico ofrece una mirada escalofriante al Holocausto desde un enfoque poco convencional. La historia sigue a Rudolf Höss, comandante del campo de concentración de Auschwitz, y a su esposa Hedwig, quienes intentan construir una vida familiar aparentemente normal en una casa con jardín justo al lado del campo. Aunque nunca se muestran las atrocidades directamente, la película contrasta la cotidianeidad de la familia con los sonidos y la presencia perturbadora del genocidio que ocurre al otro lado del muro, subrayando la banalidad del mal y la desconexión moral de quienes participan o conviven con la violencia extrema. Esta película se proyectará el próximo 11 de marzo.

«Más allá del cielo» con Manu Carballal, el nuevo episodio del podcast Dimensión Oculta con Carmen Pérez

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Dimensión Oculta (9×9) presenta “Más allá del cielo”, una conversación con Manu Carballal sobre misterio e investigación

¿Qué sucede cuando el misterio deja de ser espectáculo para convertirse en objeto de investigación rigurosa? El nuevo episodio de Dimensión Oculta (9×9), titulado “Más allá del cielo”, aborda esta pregunta a través de una conversación en profundidad con Manu Carballal, investigador, criminólogo y una de las voces más críticas del panorama del misterio en España.

El episodio recorre su trayectoria profesional, desde sus inicios junto a Javier Sierra hasta sus trabajos de campo sobre OVNIs, UAPs, supuestas abducciones y la detección de fraudes paranormales. Lejos del sensacionalismo, la charla pone el foco en el método, la evidencia y el análisis psicológico de los testimonios.

Durante la conversación se abordan cuestiones clave: la fiabilidad de los relatos de experiencias extraordinarias, la frontera entre creencia y prueba, el impacto de la sugestión colectiva y la necesidad de aplicar herramientas de investigación sólidas para separar hechos de interpretaciones.

“Más allá del cielo” propone una mirada serena, crítica y documentada para quienes se sienten atraídos por los enigmas, pero también por la verdad contrastable. Una invitación a cuestionar, analizar y pensar antes de concluir.

Porque mirar al cielo es fácil. Comprender lo que creemos ver exige algo más.

Puedes escuchar el resto de episodios en la siguiente dirección: https://www.ivoox.com/podcast-dimension-oculta-carmen-perez_sq_f11713972_1.html

Sobre Dimensión Oculta

Un podcast que explora los límites entre lo real y lo imposible 

¿Y si el misterio no fuera una excepción… sino parte de nuestra realidad cotidiana? Con  esa pregunta nació Dimensión Oculta, un podcast creado y conducido por la  comunicadora e investigadora Carmen Pérez, para quienes buscan indagar en los  fenómenos inexplicables desde una mirada honesta, emocional y documentada. 

Dimensión Oculta propone un viaje sonoro donde el misterio cobra vida a través de relatos, testimonios reales, análisis rigurosos y una narrativa cinematográfica que envuelve al oyente desde el primer minuto. Cada episodio se adentra en temas como apariciones, casas encantadas, entidades sin rostro, psicofonías, Ovnis, tragedias marcadas por lo paranormal, vampiros y criaturas imposibles que residen en los límites de nuestra comprensión.

En su séptima temporada, el podcast ha reunido voces de gran prestigio en el ámbito del misterio y la investigación: José Manuel Frías, Mercedes Pullman, David Cuevas, Javier Resines, Las Investigadoras Místicas, José Manuel García Bautista, Raúl Sacrest, Álvaro Collantes, Paz Velasco de la Fuente, entre otros. Junto a ellos, Carmen construye un espacio donde lo enigmático no se ridiculiza, sino que se escucha con respeto y curiosidad.

“Siempre sentí que el misterio no está en lo extraordinario, sino en lo que aún no  comprendemos del día a día”, comenta su autora. “Este podcast nació de una inquietud  personal que se convirtió en necesidad: entender, compartir, acompañar a quienes  también se hacen preguntas sin respuesta”. 

Dimensión Oculta ha logrado conectar con un público cada vez más amplio personas  interesadas en lo paranormal, lo espiritual o simplemente curiosas por lo desconocido gracias a su estilo cuidado, envolvente y profundamente humano. No es un podcast de  sustos, sino de atmósferas. No busca respuestas fáciles, sino despertar nuevas  preguntas. 

Está disponible en Spotify, Ivoox, Apple Podcast, Amazon Music, Google Podcast,  YouTube y otras plataformas, y cada episodio está pensado para vivirse como una  experiencia sensorial.

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