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«Cuando las llamaron brujas», el nuevo episodio del podcast Dimensión Oculta con Carmen Pérez

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Dimensión Oculta estrena el episodio 9×11: “Cuando las llamaron brujas”

🔥 El siglo XX también tuvo sus propias hogueras… aunque no hubiera fuego.

En su más reciente episodio, Dimensión Oculta invita a los oyentes a adentrarse en una época moderna donde dos mujeres fueron señaladas, juzgadas y convertidas en símbolo del miedo colectivo. Mujeres diferentes. Mujeres incómodas.

Guiados por el escritor e investigador Pablo Tresgallo, el episodio revela los hechos que marcaron sus vidas y explica por qué la palabra “bruja” seguía siendo una condena incluso en pleno siglo XX.

Este capítulo explora temas universales como el poder, el prejuicio, el espiritismo y el temor a lo desconocido, ofreciendo una mirada profunda a la historia que pocos se atreven a recordar.

Escucha Dimensión Oculta 9×11: “Cuando las llamaron brujas” y cruza la puerta hacia un relato fascinante que combina misterio y reflexión histórica.

Puedes escuchar el resto de episodios en la siguiente dirección: https://www.ivoox.com/podcast-dimension-oculta-carmen-perez_sq_f11713972_1.html

Sobre Dimensión Oculta

Un podcast que explora los límites entre lo real y lo imposible 

¿Y si el misterio no fuera una excepción… sino parte de nuestra realidad cotidiana? Con  esa pregunta nació Dimensión Oculta, un podcast creado y conducido por la  comunicadora e investigadora Carmen Pérez, para quienes buscan indagar en los  fenómenos inexplicables desde una mirada honesta, emocional y documentada. 

Dimensión Oculta propone un viaje sonoro donde el misterio cobra vida a través de relatos, testimonios reales, análisis rigurosos y una narrativa cinematográfica que envuelve al oyente desde el primer minuto. Cada episodio se adentra en temas como apariciones, casas encantadas, entidades sin rostro, psicofonías, Ovnis, tragedias marcadas por lo paranormal, vampiros y criaturas imposibles que residen en los límites de nuestra comprensión.

En su séptima temporada, el podcast ha reunido voces de gran prestigio en el ámbito del misterio y la investigación: José Manuel Frías, Mercedes Pullman, David Cuevas, Javier Resines, Las Investigadoras Místicas, José Manuel García Bautista, Raúl Sacrest, Álvaro Collantes, Paz Velasco de la Fuente, entre otros. Junto a ellos, Carmen construye un espacio donde lo enigmático no se ridiculiza, sino que se escucha con respeto y curiosidad.

“Siempre sentí que el misterio no está en lo extraordinario, sino en lo que aún no  comprendemos del día a día”, comenta su autora. “Este podcast nació de una inquietud  personal que se convirtió en necesidad: entender, compartir, acompañar a quienes  también se hacen preguntas sin respuesta”. 

Dimensión Oculta ha logrado conectar con un público cada vez más amplio personas  interesadas en lo paranormal, lo espiritual o simplemente curiosas por lo desconocido gracias a su estilo cuidado, envolvente y profundamente humano. No es un podcast de  sustos, sino de atmósferas. No busca respuestas fáciles, sino despertar nuevas  preguntas. 

Está disponible en Spotify, Ivoox, Apple Podcast, Amazon Music, Google Podcast,  YouTube y otras plataformas, y cada episodio está pensado para vivirse como una  experiencia sensorial.

Los domingos arrasa en los Premios Goya 2026 y marca el 40º aniversario con una noche histórica para el cine español

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La 40ª edición de los Premios Goya celebró anoche en el Auditori Fòrum del Centre de Convencions Internacionals de Barcelona una gala especial que conmemoró cuatro décadas de los galardones más importantes del cine español, organizados por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España.

La gran triunfadora de la noche fue Los domingos, dirigida por Alauda Ruiz de Azúa, que se alzó con el Goya a Mejor Película y sumó un total de cinco estatuillas, consolidándose como el título más destacado del año. La cinta también obtuvo los premios a Mejor Dirección, Mejor Actriz Protagonista para Patricia López Arnaiz, Mejor Actriz de Reparto para Nagore Aranburu y Mejor Guion Original.

En número total de galardones, la producción más premiada fue Sirat, de Óliver Laxe, que obtuvo seis premios en categorías técnicas, reafirmando la solidez artística y técnica del cine español contemporáneo.

La interpretación masculina protagonista fue para José Ramón Soroiz por Maspalomas, mientras que el Goya a Mejor Dirección Novel recayó en Eva Libertad por Sorda, película que también obtuvo los premios a Mejor Actor de Reparto para Álvaro Cervantes y Mejor Actriz Revelación para Miriam Garlo.

La gala también tuvo un marcado carácter internacional con la entrega del Goya Internacional a Susan Sarandon, y un emotivo reconocimiento a la trayectoria del cineasta Gonzalo Suárez, distinguido con el Goya de Honor.

La 40ª edición de los Goya reafirma el excelente momento creativo e industrial del cine español, con una cosecha de películas que combinan riesgo artístico, mirada autoral y conexión con el público.

Palmarés completo – 40ª edición de los Premios Goya (2026)

Mejor Película

  • Los domingos

Mejor Dirección

  • Alauda Ruiz de Azúa (Los domingos)

Mejor Actor Protagonista

  • José Ramón Soroiz (Maspalomas)

Mejor Actriz Protagonista

  • Patricia López Arnaiz (Los domingos)

Mejor Actor de Reparto

  • Álvaro Cervantes (Sorda)

Mejor Actriz de Reparto

  • Nagore Aranburu (Los domingos)

Mejor Actor Revelación

  • Antonio “Toni” Fernández Gabarre (Ciudad sin sueño)

Mejor Actriz Revelación

  • Miriam Garlo (Sorda)

Mejor Dirección Novel

  • Eva Libertad (Sorda)

Mejor Guion Original

  • Alauda Ruiz de Azúa (Los domingos)

Mejor Guion Adaptado

  • Joaquín Oristrell, Manuel Gómez Pereira y Yolanda García Serrano (La cena)

Mejor Música Original

  • Kangding Ray (Sirat)

Mejor Canción Original

  • “Flores para Antonio” – Alba Flores y Sílvia Pérez Cruz (Flores para Antonio)

Mejor Dirección de Fotografía

  • Mauro Herce (Sirat)

Mejor Montaje

  • Cristóbal Fernández (Sirat)

Mejor Sonido

  • Amanda Villavieja, Laia Casanovas y Yasmina Praderas (Sirat)

Mejor Dirección de Arte

  • Laia Ateca Font (Sirat)

Mejor Dirección de Producción

  • Oriol Maymó (Sirat)

Mejor Diseño de Vestuario

  • Helena Sanchis (La cena)

Mejor Maquillaje y Peluquería

  • Ana y Belén López-Puigcerver y Nacho Díaz (El cautivo)

Mejores Efectos Especiales

  • Paula Gallifa y Ana Rubio (Los tigres)

Mejor Película de Animación

  • Decorado (dir. Alberto Vázquez)

Mejor Película Documental

  • Tardes de soledad (dir. Albert Serra)

Mejor Cortometraje de Ficción

  • Ángulo muerto (dir. Cristian Beteta)

Mejor Cortometraje Documental

  • El Santo (dir. Carlo D’Ursi)

Mejor Cortometraje de Animación

  • Gilbert (dirs. Alex Salu, Arturo Lacal y Jordi Jiménez)

Mejor Película Iberoamericana

  • Belén (Argentina, dir. Dolores Fonzi)

Mejor Película Europea

  • Valor sentimental (Noruega, dir. Joachim Trier)

Goya de Honor

  • Gonzalo Suárez

Goya Internacional

  • Susan Sarandon

Dokoupil trae al Cabrera Pinto de La Laguna sus obras de gran formato realizadas con pompas de jabón

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La exposición ‘Dokoupil. Pintura abstracta’, es toda una experiencia sensorial que estará disponible desde el 28 de febrero al 31 de mayo

El 14 de marzo habrá un acto especial abierto al público coincidiendo con la visita del artista a la muestra

La Sala Cabrera Pinto de La Laguna abre la exposición ‘Dokoupil. Pintura abstracta’, integrada por una veintena de piezas de gran formato realizadas por Jiri Dokoupil con pompas de jabón, una técnica pictórica que inventó el propio artista checo y que lleva perfeccionando desde hace más de tres décadas. La muestra es toda “una experiencia sensorial que revela el poder del gesto y del color’ y se podrá visitar hasta el 31 de mayo, si bien antes, el 14 de marzo, habrá un acto especial coincidiendo con la visita de su versátil y original creador a esta sala del Gobierno de Canarias.

La exposición llega a Tenerife tras su paso por el Centro de Arte La Regenta, donde cerca de 4.000 personas pudieron disfrutar de la obra de quien está considerado figura clave del arte contemporáneo europeo, reconocido por su continua experimentación y por haber formado parte del influyente grupo Mülheimer Freiheit en los años ochenta.

Bajo el comisariado Díaz-Bertrana, la exposición reúne obras realizadas en Canarias desde 2020 hasta la actualidad, fruto de una larga investigación centrada en los procesos espontáneos y en la presencia del azar en la creación artística. En ella, el artista convierte un gesto efímero en una exploración sobre la materia, el color y la energía del movimiento. El resultado es un conjunto vibrante que reinterpreta los límites de la abstracción y la libertad creativa.

“Conseguir una pintura brillante’

“Ha sido una larga investigación hasta conseguir una pintura brillante con jabón que sea capaz de llevar/transportar la burbuja… No se dejan agarrar. Influye si el ambiente está húmedo o seco, el movimiento del aire, el tamaño. Realmente a la burbuja no le gusta aterrizar en el lienzo. Es la lucha diaria. A menudo explotan antes de aterrizar… No me dejan dormir. Cuando lo consigo surgen sinfonías de color orquestados por mí con la participación de la casualidad”, cuenta el artista.

Díaz-Bertrana describe a Dokoupil como un artista “versátil y original”: “sus numerosos cambios de técnica y estilo responden a un obsesivo cuestionamiento del mainstream, del pensamiento artístico dominante. Cuando empezó en el mundo del arte manda el conceptual, se afirmaba que la pintura había muerto, ya no tenía sentido. Su reacción de entonces fue ponerse a pintar cuadros figurativos y expresionistas. En los ochenta del siglo XX se van imponiendo las tesis del postmodernismo: no se puede hacer nada nuevo.

Pero Dokoupil estaba totalmente en contra, no quería aceptar eso. “Decidí irme de Alemania y no hacer nada, ir a la playa, pasear, pensar… ¿Cómo salir de esa idea? Tuve que inventar herramientas y técnicas para hacer cuadros con neumáticos, humo de velas, látigos, leche materna, frutas, burbujas, espumas… Demostrar que hacer algo nuevo era posible. No me interesa la historia de las burbujas, ni como las pintan Chardin, Monet o Rembrandt sino el resultado, crear un arte nuevo, una abstracción nueva”.

El artista quería algo “completamente distinto a lo que se ha hecho, pero íntimamente conectado con lo frágil, efímero y volátil de la condición humana, y con la historia del arte: De la autopista Duchamp al impresionismo y el expresionismo abstracto”.

Sobre Jiri Dokoupil

Dokoupil nació en la antigua Checoslovaquia hace 71 años. Tras la invasión del ejército soviético en Praga en 1968, huyó con su familia a Alemania, donde estudió Bellas Artes, luego en Nueva York.  Fue miembro fundador de los grupos artísticos alemanes Mülheimer Freiheit y Junge Wilde (‘jóvenes salvajes’), surgidos a finales de los años setenta. El colectivo colaboró con el reconocido galerista Paul Maenz, quien organizó la primera exposición individual de Dokoupil en Colonia en 1982.

En su estudio compartido, los Junge Wilde buscaron una expresión contemporánea para su arte mediante un estilo neoexpresionista y figurativo, de pintura intensamente colorida y temas tradicionales, con el que superaron el lenguaje formal y reducido del arte minimalista y conceptual.

Dokoupil desarrolló un método de trabajo menos ‘salvaje’ y muy personal, encontrando pronto un camino propio, subjetivo y radical. Con su concepto de ‘pintura de libro’, expuesto en la Documenta 7 de Kassel en 1982, atrajo la atención del mundo artístico. Desde entonces, además de las exposiciones colectivas con Mülheimer Freiheit, su obra ha protagonizado numerosas muestras individuales en galerías y museos de todo el mundo.

La identidad y el derecho a decidir centran el ciclo de marzo de la Filmoteca CajaCanarias

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  • La Fundación CajaCanarias presenta el ciclo Nombres propios, en el que se proyectarán las películas Ellas hablan, Mustang y 20.000 especies de abejas. Las sesiones serán los días 2, 16 y 23 de marzo, a las 19:00 horas, en el Espacio Cultural CajaCanarias de Santa Cruz de Tenerife. La entrada será libre hasta completar aforo. Toda la información se encuentra disponible en www.cajacanarias.com

La Filmoteca de la Fundación CajaCanarias presenta su ciclo de marzo, Nombres propios, con tres películas que exploran la construcción de la identidad y el derecho a decidir quiénes somos: Ellas hablan (2022), Mustang (2015) y 20.000 especies de abejas (2023). La sesiones tendrán lugar los días 2, 16 y 23 de marzo, a las 19:00 horas, en el Espacio Cultural CajaCanarias de Santa Cruz de Tenerife. La entrada será libre hasta completar aforo. Toda la información se encuentra disponible en ww.cajacanarias.com

El ciclo se estrena el próximo lunes, 2 de marzo, con Ellas hablan, película dirigida por Sarah Polley donde un grupo de mujeres se reúne para decidir su futuro tras años de abusos silenciados, transformando la palabra en acto de resistencia. La trama se sitúa en una colonia menonita aislada donde un grupo de mujeres descubre que han sido sistemáticamente drogadas y violadas por hombres de su comunidad durante años. Ante esta revelación, se reúnen en secreto en un granero para debatir su futuro: no hacer nada, quedarse y luchar, o marcharse. A lo largo de dos días, estas mujeres, muchas de ellas analfabetas y sin experiencia del mundo exterior, deliberan sobre el perdón, la justicia, la fe y la posibilidad de imaginar una vida diferente para ellas y sus hijas.

El lunes 16 será el turno de Mustang, de Deniz Gamze Ergüven, que narra la lucha de cinco hermanas huérfanas contra las imposiciones familiares y sociales que intentan moldear sus cuerpos y destinos. Las protagonistas viven con su abuela y su tío en un pueblo del norte de Turquía. Tras un inocente juego con chicos en la playa, son acusadas de comportamiento indecente. A partir de ese momento, la casa se convierte en una prisión: les prohíben salir, las preparan para el matrimonio y las someten a pruebas de virginidad. Pero las hermanas resistirán como pueden a esta progresiva anulación de su libertad, buscando cualquier resquicio para escapar de un destino impuesto.

La española 20.000 especies de abejas cerrará el ciclo el lunes 23 de marzo. Estibaliz Urresola Solaguren construye un sensible retrato sobre la infancia trans y la búsqueda del nombre que nos habita, recordándonos que la identidad es un derecho inalienable. La trama nos sitúa en el País Vasco donde Cocó, una niña de ocho años, pasa el verano en la casa de su abuela junto a su madre y hermanas. Allí, rodeada de mujeres de diferentes generaciones, Cocó explora su identidad mientras lidia con la incomodidad de un cuerpo y un nombre que no siente como propios.

“Urchin”, la ópera prima del actor Harris Dickinson, galardonada en Cannes, llega a Filmin

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El 6 de marzo se estrena en Filmin el debut en la dirección del actor protagonista de «Babygirl» y «El triángulo de la tristeza». Una historia sobre las adicciones que parte de una experiencia personal. 

El próximo 6 de marzo, Filmin estrenará «Urchin«, primer largometraje dirigido por Harris Dickinson, conocido por sus interpretaciones en “Babygirl” y “El triángulo de la tristeza”, y que próximamente dará vida a John Lennon en el esperado biopic de los Beatles. La película, codistribuida por Karma Films y Filmin, obtuvo cinco nominaciones en los British Independent Film Awards, pasó por el Festival de San Sebastián dentro de la Sección Zabaltegi y ganó el Premio FIPRESCI en el Festival de Cannes

Su protagonista, Frank Dillane, reconocido también con el galardón al mejor actor de Un Certain Regard del Festival de Cannes, da vida a un joven sin hogar y con adicciones en el este de Londres. Dillane es recordado por su papel como Tom Riddle adolescente en “Harry Potter y el misterio del príncipe”, aunque también lo podemos ver en títulos más recientes como “Harvest”.

En las calles de Londres, Mike, un joven sin hogar, lucha por sobrevivir mientras enfrenta su pasado y busca una salida a su situación. Su vida transcurre entre la marginalidad y breves destellos de esperanza. A medida que se adentra en un camino de autodescubrimiento, surgen oportunidades inesperadas que podrían marcar un nuevo comienzo.

Vidas atrapadas en la calle

“Urchin” nace de una inquietud personal del propio Dickinson, que durante años participó activamente en iniciativas para personas sin hogar en Londres, dedicadas a prestar apoyo y acompañamiento a quienes viven en la calle: “Era un tema que me preocupaba profundamente. La adicción, en concreto, siempre estuvo presente en mi vida. Y la falta de vivienda es casi una consecuencia de ello en la película”, reconoce el director. Estar rodeado de estas personas le hizo darse cuenta de que, por muy avanzados que nos consideremos como seres humanos, seguimos atrapados en defectos y ciclos que nos arrastran a los mismos patrones de comportamiento. “Urchin” nace para invitarnos, a pesar de ello, “a cuestionar cómo tratamos a los demás”.

Actuar para poder dirigir  

Lo hemos visto protagonizar a Carl, el modelo inseguro en “El triángulo de la tristeza”; a Samuel, el becario atrapado en un juego de poder y deseo con su jefa en “Babygirl”; y a Jason, el padre ausente que busca reconectar con su hija en “Scrapper”. En “Urchin”, Harris Dickinson se dirige a sí mismo interpretando a Nathan, otro joven consumido por la adicción y la supervivencia en las calles de Londres. Dada su trayectoria como actor, el equipo valora su capacidad para trabajar tan bien con el elenco:  “Su enfoque es increíblemente humilde y comprende a la perfección a los actores. Nunca había visto a nadie comunicarse e interactuar con ellos tan bien”, comenta Scott, el productor de la película. 

Para Frank Dillane, el protagonista principal, Harris “es un director de actores”. Fruto de ello, y del propio actor, la interpretación del protagonista se llevó el galardón al mejor actor en Un Certain Regard del Festival de Cannes. Dillane, según el director, demuestra su brillantez en el personaje, donde lo amas, lo odias, lloras y hasta te llega a frustrar. “Urchin” es eso, la contradicción entre la lucha diaria por mantenerse a flote, mantenerse sobrio, encontrar intimidad y hacer la vida soportable. 

David Hayter, la voz original de Solid Snake en la saga “Metal Gear Solid”, participará en España en un encuentro especial por el 40 aniversario de “Watchmen”

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-Será el 8 de marzo en el Espacio Cultural CajaCanarias (Plaza del Patriotismo, 1, Santa Cruz de Tenerife) en un cinefórum que incluye la proyección de “Watchmen – The Ultimate Cut” y coloquio posterior, como parte de las actividades de la undécima edición del festival Tenerife Noir.

-Además de actor de doblaje en diversos videojuegos, Hayter fue uno de los guionistas de la adaptación al cine de la novela gráfica “Watchmen”.

-El festival ha programado también sesiones de firmas con aforo limitado con David Hayter junto a John Higgins, colorista original de “Watchmen”, y el autor y dibujante Howard Chaykin (“American Flagg!”) los días 7 y 8 de marzo en el Espacio Cultural CajaCanarias.

-Entradas ya a la venta en los enlaces habilitados en la web oficial del festival, www.tenerifenoir.com
David Hayter, conocido internacionalmente por ser la voz original en inglés de Solid Snake y Big Boss en la saga de videojuegos “Metal Gear Solid”, participará como invitado en la undécima edición del festival Tenerife Noir dentro de la programación especial dedicada al 40 aniversario de la novela gráfica “Watchmen”. Su cita principal tendrá lugar el domingo 8 de marzo, a las 15:30 horas, en el Espacio Cultural CajaCanarias (Plaza del Patriotismo, 1, Santa Cruz de Tenerife), con la proyección de “Watchmen – The Ultimate Cut” (Zack Snyder, 2009), película en la que Hayter ejerció como guionista.

La proyección irá seguida de un coloquio con traducción consecutiva, en el que participará también John Higgins, colorista original de la novela gráfica “Watchmen”. La cita marcará, además, la primera visita de David Hayter a Canarias y, por el momento, su único encuentro confirmado en España durante 2026. Las entradas para asistir al cinefórum están disponibles a través de los enlaces habilitados en la web oficial del festival, www.tenerifenoir.com.

Además de su trabajo como intérprete de voz en la saga “Metal Gear Solid” y de convertirse en un referente del doblaje de videojuegos, Hayter ha desarrollado una trayectoria como guionista en Hollywood, con créditos en títulos como “X-Men” (2000), “X2” (2003) y la ya citada “Watchmen” (2009).

La visita de Hayter se completará con encuentros con el público en el Espacio Cultural CajaCanarias, donde participará en cuatro sesiones de firmas junto a John Higgins y Howard Chaykin, autor y dibujante estadounidense de referencia en el cómic contemporáneo y creador de obras de culto como “American Flagg!”. Las firmas, de aforo limitado, están programadas el sábado 7 de marzo (12:00 y 19:15) y el domingo 8 de marzo (12:30 y 20:00). La compra de entradas para estas sesiones está vinculada a la adquisición previa de entradas para alguna de las proyecciones y coloquios del festival; los enlaces de venta se encuentran en www.tenerifenoir.com.

David Hayter (biografía)

David Hayter (Canadá/Estados Unidos) es actor de voz, guionista, actor y director. Como guionista, firmó el libreto de “X-Men” (2000) y “X2” (2003), y coescribió la adaptación cinematográfica de “Watchmen” (2009), dirigida por Zack Snyder a partir de la serie limitada de DC Comics.

En el terreno del doblaje, es especialmente reconocido por poner voz a Solid Snake/Old Snake y Big Boss en la franquicia de videojuegos “Metal Gear Solid”. Su trabajo como actor de voz incluye, además, personajes como Capitán América en la serie animada “The Amazing Spider-Man”, Lupin en “El Castillo de Cagliostro” y King Shark en la adaptación televisiva “The Flash”. A lo largo de su carrera, Hayter ha desarrollado una trayectoria vinculada a algunos de los universos más reconocibles de la cultura popular contemporánea.

Su participación en Tenerife Noir convierte la cita en un punto de encuentro destacado para la comunidad gamer en España, ampliando el alcance del festival hacia uno de los medios más influyentes de las últimas décadas.

Tenerife Noir 2026, un festival con sentido transversal

La undécima edición de Tenerife Noir aborda el género negro como un fenómeno transversal y lo traslada a distintas disciplinas, más allá de la literatura, con actividades en torno al cómic, el cine o los videojuegos.

Este año está marcado por un doble aniversario que refuerza este enfoque, los 40 años de “Watchmen”, obra revolucionaria de Alan Moore, Dave Gibbons y John Higgins y de “Shadow: Blood & Judgment”, la miniserie de Howard Chaykin. Creaciones que hacen de este género la herramienta perfecta para cuestionar el poder, la moral y el discurso social.

Tenerife Noir cuenta con el patrocinio del Ministerio de Cultura, el Gobierno de Canarias, a través de la dirección general de Innovación Cultural e Industrias Creativas, el Cabildo de TenerifeTurismo de Tenerife, el Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife y el Ayuntamiento de San Cristóbal de La Laguna, así como con la colaboración de la Universidad de La Laguna, la Fundación CajaCanariasVolcanic Xperience y la Fundación DISA. Además, la marca DS Automobiles participa como vehículo oficial del festival.

Entrevista a Marga Sánchez Romero, catedrática de Prehistoria y divulgadora: “Lo que nos hizo humanos fue cuidar, cuidar de toda la población”. Por Verónica Martín

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El Festival “¡Esto es Histórico!” de literatura y divulgación histórica vuelve a Tenerife (en la Plaza de la Constitución en La Orotava) entre los días 13, 14 y 15 de marzo. Hemos entrevistado a varios de sus próximos invitados e invitadas, para que nos hablen de su trabajo y de cómo ven el presente y el horizonte de la divulgación.

Marga Sańchez Romero es catedrática de Prehistoria y Vicerrectora de Extensión Universitaria, Patrimonio y Relaciones Institucionales de la Universidad de Granada. Además, ha escrito varios libros que explican contextos históricos relacionados con la vida de las mujeres y la experiencia vital de nuestros cuerpos (“Prehistoria de mujeres” en 2022, o “Lo que el cuerpo nos cuenta” en 2025).

P: ¿Hasta qué punto ha avanzado la ciencia para poder estudiar la Prehistoria? ¿Nos queda mucho por saber?

Es obvio que la disciplina arqueológica, la arqueología como disciplina científica, en los últimos años ha experimentado un crecimiento en la aplicación de analítica y de técnicas, sobre todo en lo que se refiere a la bioarqueología, muy importante. Siempre hemos tenido un método científico, todos los estudios y toda la información que se ha ido generando respondía a ese conocimiento científico, a ese método científico, pero es verdad que en los últimos años somos capaces de acercarnos mucho más a esas poblaciones. Los estudios genéticos, por ejemplo, de ADN nos hace ser capaces de reconocer relaciones de parentesco entre personas que están en lugares distintos, o incluso enterrados en un mismo lugar. El estudio de los isótopos de nitrógeno, de carbono o de oxígeno, también nos permite conocer la dieta de esas poblaciones, si eran más carnívoras, más herbívoras, si comían o no pescado. Nos habla de movilidad, el estudio de la huella química que la alimentación deja en los huesos nos permite saber si una persona nació en el mismo sitio donde ha sido enterrada o en sitios distintos. Por supuesto, todo lo que tiene que ver con la amelogenina. Esta proteína, que es una proteína que también encontramos en el cuerpo, sobre todo en los dientes, donde la estamos utilizando, nos sirve para sexar muy bien, para saber si un individuo es masculino o femenino. Y, por supuesto, todas las aplicaciones relacionadas con la propia antropología física y la osteología, que nos permiten hablar de enfermedades, de esfuerzo físico, del tipo de esfuerzo físico. Es cierto que en los últimos años esto ha experimentado un crecimiento muy importante. Nos queda mucho por saber, nos queda muchísimo por saber, por supuesto. Esto es lo bonito de la arqueología y de la arqueología prehistórica en particular. Nos quedan muchos desafíos por delante.

“Empezamos a meter el cuidado, la socialización, la crianza, en ese ámbito invisibilizado, como si no fuera importante para las sociedades del presente. Y así seguimos, en buena parte, seguimos negando la presencia de esas actividades”

P: En alguna ocasión ha dicho usted que la ciencia (con respecto a las mujeres) “nos pone en nuestro sitio”, ya que demuestra que siempre hemos tenido un papel activo en el desarrollo de las sociedades. ¿En qué momento de la historia surge esta necesidad de invisibilizar el papel de las mujeres, y por qué?

Cuando la arqueología surge como disciplina científica en el siglo XIX, es una arqueología, una ciencia hecha por hombres de las élites intelectuales y económicas. Y ellos describen el mundo, o les interesa el mundo, su mundo contemporáneo. Y recurren a las poblaciones de la Prehistoria para seguir sustentando un modelo de sociedad, que es la de finales del siglo XIX. Y por eso quieren trasladar a la Prehistoria situaciones de desigualdad que existen en el siglo XIX. 

Recordemos que en el XIX las mujeres ni siquiera pueden votar. Por tanto, ¿qué importancia social, económica o política van a tener en ese momento, en el siglo XIX? Ninguna. Entonces, si nos llevamos esa situación de desigualdad a la Prehistoria, la haremos casi inamovible. Ahí surge el tema del estereotipo, de cancelar a las mujeres en determinadas actividades, incluso de invisibilizarlas en las actividades que se supone que hacían, porque no son relevantes para las sociedades. Y entonces empezamos a meter el cuidado, la socialización, la crianza, en ese ámbito invisibilizado, como si no fuera importante para las sociedades del presente. Y así seguimos, en buena parte, seguimos negando la presencia de esas actividades, de las actividades que tienen que ver con el cuidado, las seguimos negando en la actualidad o las seguimos infravalorando en la actualidad… las actividades que son las únicas imprescindibles, son las únicas fundamentales y estructurales en cualquier sociedad. Pero lo seguimos haciendo. Entonces, invisibilizar a las mujeres nos lleva a creer que nuestra presencia, nuestra importancia a lo largo de la historia no ha sido tal. Y eso ayuda a justificar las desigualdades del presente.

P: Hablando sobre su libro “Lo que el cuerpo nos cuenta”… ¿en qué medida y de qué manera ha influido la biología femenina en esa invisibilización? ¿Nuestra capacidad reproductiva pudo ser excusa para ello?

Bueno, la biología femenina ha sido utilizada como una excusa para sustentar esa desigualdad. Ninguna diferencia biológica entre hombres y mujeres debería sostener desigualdades sociales. Ninguna diferencia entre seres humanos debería sostener ninguna desigualdad social, que es lo que se ha hecho. Lo que se ha hecho es hacer entender que como éramos diferentes deberíamos ser desiguales. Para eso es evidente que también la maternidad se ha usado, pero se ha usado para decir lo que nosotras no deberíamos hacer porque somos madres o no podemos hacer porque somos madres. Y yo creo que está más demostrado en cualquier sociedad que la maternidad no impide en absoluto desarrollar ninguna tarea, desde la más básica a la más compleja. Lo que pasa es que sí que es verdad que se utiliza esa idea del cuidado casi animalesco o casi esencial, o esa idea del instinto maternal para sacar a las mujeres del ámbito de la producción y dejarlas en el ambiente. En el ámbito doméstico, que ha convenido mucho también a las sociedades patriarcales, pero la biología en ningún caso puede ser la excusa para generar desigualdades sociales.

“Todas las mujeres en el mundo no paren igual […], por tanto no es solo un elemento biológico, es un elemento social, económico y político”

P: El cuerpo de las mujeres ha sido una constante obsesión del patriarcado, donde es aceptado solo si sirve a sus fines. ¿En qué momento histórico esa obsesión parece comenzar o hacerse patente?

El uso del cuerpo de las mujeres, el uso del cuerpo de las mujeres empieza a manifestarse claramente una vez que empieza la desigualdad social y, por tanto, la desigualdad entre mujeres y hombres. El cuerpo lo usa todo el mundo. En las sociedades paleolíticas, en las sociedades que son muy igualitarias, el cuerpo se usa. Lo usan hombres y lo usan mujeres para manifestar su identidad. Se tatúan, se pintan, se adornan, se ponen pendientes, se ponen brazaletes para manifestar una identidad que, en este caso, es una identidad muy comunal o para distinguirse por habilidad. Habría gente que cazaría mejor, gente que pintaría mejor y gente que sería capaz de hacer alguna industria artesanal mejor porque es una cuestión de habilidad, no de sexo. Entonces, a lo mejor ahí sí que hay alguna representación. Sobre todo el cuerpo se usa para manifestar una identidad comunal y colectiva. Cuando empieza la desigualdad es cuando empieza también a utilizarse el cuerpo de las mujeres, cuando se empieza con el estereotipo. Una vez que empieza la desigualdad, el cuerpo de las mujeres se utiliza. A partir de ahí se crean modelos de mujer. 

Cada momento histórico tiene un modelo ético, pero sobre todo estético de mujer. O sea, es un modelo estético que se corresponde con un modelo ético de mujer. Y, por tanto, pues bueno, ahí también ha existido esa capacidad de decirnos a las mujeres cómo deberíamos ser en cada momento histórico. No solo en cómo nos vestimos, cuánto pesamos, cómo debemos peinarnos, sino también en cómo debemos comportarnos, ¿no? Así que desde que empieza la desigualdad empieza el uso del cuerpo de las mujeres de manera consciente.

P: En este libro habla de la “arqueología del cuerpo”. ¿Qué es exactamente?

La arqueología del cuerpo es el estudio del cuerpo más allá del objeto. Es decir, como en el cuerpo lo experimentamos todo; experimentamos la enfermedad, experimentamos el esfuerzo físico con el cuerpo representamos, nos vestimos, nos peinamos, nos adornamos de una manera determinada para que el resto del mundo nos reconozca de una manera determinada. El cuerpo sufre, como digo, la enfermedad o el esfuerzo físico o lo que comemos. Como los seres humanos, todo evidentemente lo experimentamos a través del cuerpo, entonces, la arqueología del cuerpo lo que mira es el cuerpo no solo como un objeto, sino también como un sujeto propio, como una forma de entender que esos huesos que hay ahí responden a una experiencia humana determinada. 

“Las sociedades sobre todo han sido solidarias entre ellas. Si no, no hubiéramos podido sobrevivir”

P: Parece ser que se está estudiando recientemente la menopausia en periodos como la Prehistoria. ¿Podrían estos estudios revelar datos desconocidos hasta ahora? 

El problema aquí es que todo lo que nos pasa a las mujeres es natural, de manera que la menarquía, la menstruación, la menopausia, la perimenopausia, el embarazo, el parto… todo lo que nos pasa a nosotras es natural, y por tanto parece que no hay que estudiarlo y no hay que darle características sociales o políticas. Y eso es un error muy grave, porque todo lo que nos pasa tiene consecuencias. Imagínate lo que es la primera menstruación para una niña, el cambio social que se produce o en muchas sociedades efectivamente perder la capacidad reproductiva con la menopausia, pues también significa un cambio en el estatus de las mujeres. 

Yo siempre pongo el ejemplo de que si todo fuera natural, todas las mujeres en el mundo parirían igual y eso no es verdad. Todas las mujeres en el mundo no paren igual. No paren con la misma gente, en los mismos lugares, en las mismas condiciones higiénico-sanitarias, por tanto no es solo un elemento biológico, es un elemento social, económico y político. 

Entonces, es verdad que ahora estamos intentando, se está intentando por parte de gente de la Universidad de Burgos, en reconocer cómo la menopausia afecta al cuerpo de las mujeres, sobre todo en el tema del hueso, para poder hacer, una vez que hayamos reconocido en huesos que sepamos edad y que sepamos el sexo, seamos capaces de reconocer cuándo empiezan esos procesos de la menopausia, llevárnoslo a la sociedad de la prehistoria, y poder ver si hay cambios sociales que se reflejen, por ejemplo, en el ajuar funerario, en cómo se entierran, una vez que empiezan esos procesos. Entonces, yo creo que ahí, ahora mismo no tenemos conocimiento suficiente, pero lo lograremos; para ver si este ciclo vital fue distinto en épocas pasadas, pero estamos en ello, están en ello, en la investigación.

P: Vista desde fuera, la historia del mundo parece una sucesión de hechos violentos. Pero curiosamente los cuidados, cuidar a los miembros de una familia, o tribu… también resulta revelarse como aspecto importante para el desarrollo de las sociedades. ¿Es realmente así?

Claro, porque la hemos estudiado así. Es que esa es la imagen que tenemos, porque así es como nos lo han enseñado. Hasta hace poco un mundo como el mundo medieval o renacentista se estudiaba siempre en base a guerra, tratado, tratado, guerra, guerra, tratado, tratado, guerra… Así es que está en la historia. Se ha entendido el mundo en un contexto que, como digo, es muy androcéntrico. Se ha basado toda nuestra historia en hechos masculinos que tenían que ver con la conquista del poder, con las guerras, con el conflicto, con la jerarquización, con la aristocracia, con el poder y las formas violentas de conseguir ese poder. Y, por tanto, es normal que hayamos estudiado todo a base de guerras, como digo, y tratados y conflictos. Esta es la forma que entendemos del mundo. Pero, sin embargo, las sociedades sobre todo han sido solidarias entre ellas. Si no, no hubiéramos podido sobrevivir. Si solo se hubieran resuelto los conflictos de forma violenta, esta humanidad se hubiera extinguido hace mucho tiempo. Hay, sobre todo, otros espacios que tienen que ver con el cuidado, con la solidaridad. Ahora todo el mundo, cuando hablamos de evolución humana, todo el mundo lo que te dice es que lo que nos hizo humanos fue cuidar, cuidar de toda la población. Si solo hubieran sobrevivido los más fuertes, la mitad de la población no estaríamos aquí. Y, por tanto, hay que poner el acento en lo que es súper importante, lo fundamental… el cuidado, es lo que nos ha hecho que lleguemos hasta aquí.

P: Dígame una mujer o varias de la Historia que sean referentes para usted.

Yo estudio Prehistoria, y en Prehistoria no tenemos esa conciencia de personas concretas. A mí me gusta más hablar de conocimiento colectivo, es decir, de todas esas mujeres que han sido invisibilizadas, que han sostenido el mundo durante mucho tiempo, muchas de ellas mujeres mayores, mujeres con mucho más conocimiento, más sabias, con más experiencia, pero realmente es un conocimiento muy colectivo el de las mujeres. 

Yo no pondría ninguna mujer como referente. Algunas veces me da un poco de miedo, también te digo. Por ejemplo, siempre que llega el día 11 de febrero, el Día de la Mujer, la Niña y la Ciencia, durante mucho tiempo de la que se hablaba era de Marie Curie. Y claro, poner de referencia a una niña que quiera ser investigadora a Marie Curie es muy peligroso, porque Marie Curie era excepcional ya no solo entre las mujeres, sino entre las mujeres y los hombres, ya que ganó dos premios Nobel. O sea, que es que Marie Curie era absolutamente excepcional. Y damos la impresión de que las niñas que se quieren dedicar a la ciencia tienen que ser Marie Curie, porque si no, estarán fracasando. Entonces, yo a Marie Curie la admiro un montón y creo que ha sido una persona súper relevante, pero creo que hay que poner en valor el trabajo oculto, invisibilizado de otras muchas mujeres que no eran Marie Curie y que han sido relevantísimas para todos los ámbitos, para el de la ciencia, para el de la literatura, para el de la historia, para el de la pintura… Esas mujeres que no se han visto, precisamente por esa mirada patriarcal sobre las sociedades y sobre esa decisión sobre lo que las mujeres debíamos, podíamos o queríamos hacer. Entonces, yo no pondría ningún ejemplo, sino hablaría de ese conocimiento colectivo de muchas mujeres en su cotidianidad, que lucharon por romper esas barreras para el resto de nosotras. 

Texto y entrevista: Verónica Martín

XIII Clásicas Tertulias – Francisco Santana Santos revisita a Heracles entre mito y humor. Por Álex Ro

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Francisco Santana Santos – Heracles, un héroe complicado, pluriempleado y, finalmente, dios.

XIII Clásicas Tertulias. La Laguna, 27.02.2026

Como apertura de las XIII Clásicas Tertulias, nada mejor que hablar de Heracles, ese héroe que ha trascendido la frontera de los tiempos y ocupa un lugar preferente en el saber popular actual. Una figura que podemos entroncar con esa idea del hombre hecho a sí mismo, que lucha contra las adversidades de la vida y que finalmente triunfa en la apoteosis que lo conduce a los Olimpos.

Sin embargo, teniendo a Francisco Santana a los mandos, ese discurso que podría ser un verdadero panegírico grandilocuente se transforma en un viaje a lo absurdo, a lo incoherente de la mitología griega, ese mundo en donde la lógica se transforma en imaginación, en donde las cosas ocurren sin haber ocurrido. Porque si algo caracteriza ese universo de los mitos es su total libertad para crear nuevos mundos, nuevas realidades. Pareciera que los escritores griegos querían emular a los dioses y, más que hacer alabanzas a su poder, buscaban crear sus propias galaxias en el firmamento. Por eso, como recalcó el ponente, no nos debe extrañar que existan numerosos Heracles y que Zeus, transfigurado en el mundo romano en Júpiter, sea uno y múltiple a la vez. Si los griegos desmitificaron sus propios mitos, ¿por qué no mirarlos a través del caleidoscopio del humor? Ese es el trabajo de Francisco Santana, uno nuevo que añadir a los Doce Trabajos de Heracles.

XIII Clásicas Tertulias

Ex Convento de Santo Domingo (La Laguna)

20.03.2026

Lidia G. Merenciano – Arqueología. ¿Qué nos falta por descubrir?

10.04.2026

Óscar Hernández Abreu – Desmontando la leyenda negra del emperador Calígula

08.05.2026

Alejandro M. Bolaños y José Juan Batista Rodríguez – Ironía y humor en Tácito. Reír con la historiografía romana.

Disponible en nuestras redes sociales un amplio reportajes fotográfico de Álex Ro.

Texto y fotografías de Álex Ro

Llega la XXIV edición del Festival Encuentros al Teatro Victoria, del 27 de febrero al 22 de marzo, y lo hace mirando adonde tiene que mirar

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Llega la XXIV edición del Festival Encuentros al Teatro Victoria, del 27 de febrero al 22 de marzo, y lo hace mirando adonde tiene que mirar

4 fines de semana. 8 compañías: la mitad, de las Islas; y la otra mitad, de fuera. Y un mismo objetivo: derribar las fronteras, achicar las distancias y fomentar el diálogo acerca del teatro contemporáneo que se hace tanto dentro como fuera de Canarias.

Las propuestas giran, de un modo u otro, en torno a la identidad y al sentimiento de pertenencia y (des)arraigo: a la tierra, al pueblo, a un colectivo y, sobre todo, a uno mismo –y a los escenarios–.

El Festival de Teatro Contemporáneo Encuentros aterriza un año más en el Teatro Victoria, en pleno corazón de Santa Cruz de Tenerife. Lo hará del viernes 27 de febrero al domingo 22 de marzo, y, como siempre, se constituirá durante cuatro fines de semana como un centro de debate e intercambio cultural entre compañías canarias y peninsulares, con la inestimable participación, además, de una compañía del archipiélago vecino de las Azores.

En total, y como ya es tradición, ocho propuestas serán las encargadas de guiar al espectador a través de un viaje inigualable: una travesía –con retorno. O sin él– por el discurrir de las inquietudes artísticas que habitan entre nosotros, en Canarias, pero también un poco más allá, como puede ser en Madrid, Cantabria, Córdoba o Portugal; para terminar evidenciando que, en el fondo, nos preocupan las mismas cosas, sólo que cada uno las cuenta a su manera, de un modo genuino y particular –que, sin duda, enriquecen la mirada ajena–.

En esta edición, el sentimiento de pertenencia, de (des)arraigo y la identidad, que a veces surge de la tierra y sus (im)posibilidades, pero, otras, de la lucha y de las reivindicaciones y movimientos sociales, tomará protagonismo; y lo logrará por medio del teatro familiar, la danza, el teatro performativo, la música, las marionetas, el teatro físico ¡y hasta el género autoficcional!

Programación

A lo largo de cuatro semanas, la XXIV edición del Festival Encuentros, que dirige el bailarín, coreógrafo y director del Teatro Victoria (y de la Compañía Nómada) Roberto Torres, acogerá a las siguientes propuestas escénicas:

Durante el primer fin de semana: ‘Ultraperiferia’, de La Sastrería Teatro (La Palma), que se representará el viernes 27 de febrero a las 19:30, y ‘Te estábamos esperando’, de la compañía Viviseccionados (Madrid) y Antonio L. Pedraza (Córdoba), con pases tanto el sábado 28 de febrero como el domingo 1 de marzo, también a las 19:30.

Acto seguido, le llegará el turno a ‘PiscoDelia’, de Plátano y Anguila Producciones (Santa Cruz de Tenerife), que podrá verse el viernes 6 de marzo en el horario de 19:30, y a ‘El Fado de Ulises’, de Rodopio d’ideias (Azores), que, entre el sábado 7 de marzo a las 17:30, y el domingo 8 de marzo a las 12:00, hará las delicias de los más pequeños –y sus padres– gracias a un espectáculo lleno teatro, música y marionetas inspirado en la ‘Odisea’.

Sin duda, dos de los espectáculos más irreverentes y reivindicativos de la edición se darán cita, respectivamente, el viernes 13 de marzo a las 19:30, con ‘Pensé que mi vida iba a ser distinta’, de Mómerat Teatro (Santa Cruz de Tenerife); y el sábado 14 y el domingo 15, a las 19:30, de nuevo, de la mano de ‘Manual para follarse a un macho con vagina’, del colectivo Cráter (Madrid).

Por último, el cuarto –y definitivo– fin de semana propondrá un cierre similar: primero, con una compañía de Canarias, en este caso, La Conexión (Santa Cruz de Tenerife), que el viernes 20 de marzo presentará su función ‘Devolvemos la Conexión’, a las 19:30; y, después, con otra peninsular: El Pacto (Cantabria), con su obra de teatro físico ‘Parkking’, cuyos dos únicos pases se concentrarán entre el sábado 21 y el domingo 22 de marzo a las 19:30 (misma hora en ambos casos).

Por si fuera poco, los viernes y sábados habrá un coloquio después de cada función. Todo, gracias a la organización del Teatro Victoria, al patrocinio del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) a través del Ministerio de Cultura del Gobierno de España, del Cabildo Insular de Tenerife, del ICDC a través del Gobierno de Canarias y del Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife y del apoyo de la Red de Teatros Alternativos.

El colorista original de la novela gráfica “Watchmen”, John Higgins, visitará España por primera vez como invitado del festival Tenerife Noir

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El 8 de marzo, Tenerife Noir celebrará el 40 aniversario de “Watchmen” con un acto que incluirá la proyección de “Watchmen – The Ultimate Cut” y un coloquio posterior con Higgins, y también David Hayter, guionista de la adaptación cinematográfica.

-Higgins también fue colorista de «Batman: la broma asesina» de Alan Moore.

El historietista participará además en dos sesiones de firmas con aforo limitado, programadas el 7 y el 8 de marzo en el Espacio Cultural CajaCanarias

-Entradas disponibles en los enlaces habilitados en la web oficial del festival, www.tenerifenoir.com

El británico John Higgins, colorista original de la novela gráfica “Watchmen”, realizará su primera visita oficial a España dentro de la undécima edición del festival Tenerife Noir. El evento conmemorará el 40 aniversario de la obra con una sesión especial el domingo 8 de marzo, a las 15.30 horas, en el Espacio Cultural CajaCanarias (Santa Cruz de Tenerife), que incluirá la proyección de “Watchmen – The Ultimate Cut” (Zack Snyder, 2009) y un coloquio posterior con Higgins y con David Hayter, guionista de la adaptación cinematográfica.

Considerada una de las obras que redefinieron el cómic contemporáneo, “Watchmen” se publicó originalmente con guion de Alan Moore, dibujo de Dave Gibbons y color de John Higgins, cuyo trabajo visual es una parte esencial del tono moral y político de la historia. Higgins es también conocido por su labor como colorista en títulos como “Batman: La Broma Asesina”, además de una trayectoria continuada en el cómic británico, con colaboraciones regulares en “2000 AD” y títulos vinculados a “Juez Dredd”.

Por su parte, Hayter abordará el salto de “Watchmen” de la viñeta a la pantalla y las claves narrativas de una adaptación de culto. Asimismo, fuera del ámbito cinematográfico, es conocido internacionalmente por ser la voz en inglés de Solid Snake en la saga “Metal Gear”.

Además del cinefórum, Higgins y Hayter participarán en sesiones de firmas con aforo limitado en el Espacio Cultural CajaCanarias: el sábado 7 de marzo (12.00 y 19.15 h) y el domingo 8 de marzo (12.30 y 20.00 h). El acceso está vinculado a la adquisición previa de entradas para las actividades programadas, disponibles en los canales oficiales del festival.

John Higgins (biografía)

John Higgins (Reino Unido) inició su trayectoria profesional en el cómic a mediados de los años setenta, tras lograr la publicación de su primer trabajo en “Brainstorm” (1975). En 1977 dibujó la portada del número 43 de “2000 AD” y, un año después, decidió emprender su carrera como freelance con el objetivo de dedicarse plenamente a la historieta. A partir de 1981 comenzó a colaborar de forma regular con “2000 AD”, donde se encargó, entre otros trabajos, de ilustrar historias como “Tharg’s Future Shocks”, escritas por Alan Moore, al tiempo que realizaba portadas para Marvel UK.

Su consolidación coincidió con la llamada “invasión británica” del cómic estadounidense a mediados de los años ochenta, etapa en la que firmó dos de sus aportaciones más reconocidas: el color de “Watchmen” y de “Batman: La broma asesina”, ambas escritas por Moore. Ese salto al mercado norteamericano llegó tras su labor como colorista —sobre lápices de Steve Dillon— en una historia escrita por Moore para “ABC Warriors”, lo que le abrió nuevas oportunidades sin abandonar su vinculación con el cómic británico. En las últimas dos décadas ha mantenido una colaboración continuada con títulos asociados al universo de “2000 AD”, en especial “Juez Dredd”.

Además de su trabajo en cómic, Higgins ha desarrollado proyectos en otros ámbitos creativos, con colaboraciones en cine de imagen real y animación, y la realización de cubiertas para libros como “The Cabinet of Light” y “The Morgaine Stories”. En 2012 participó en el proyecto “Antes de Watchmen”, donde dibujó la serie “La maldición del Corsario Escarlata”, basada en material escrito originalmente por Len Wein, y más adelante asumió también labores de guion en ese mismo título.

Tenerife Noir 2026, un festival con sentido transversal

La undécima edición de Tenerife Noir aborda el género negro como un fenómeno transversal y lo traslada a distintas disciplinas, más allá de la literatura, con actividades en torno al cómic, el cine o los videojuegos.

Este año está marcado por un doble aniversario que refuerza este enfoque, los 40 años de “Watchmen”, obra revolucionaria de Alan Moore, Dave Gibson y John Higgins y de “Shadow: Blood & Judgment”, la miniserie de Howard Chaykin. Creaciones que hacen de este género la herramienta perfecta para cuestionar el poder, la moral y el discurso social.

Tenerife Noir cuenta con el patrocinio del Ministerio de Cultura, el Gobierno de Canarias, el Cabildo de Tenerife, el Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife y el Ayuntamiento de San Cristóbal de La Laguna, así como con la colaboración de la Universidad de La LagunaFundación CajaCanarias y la Fundación DISA. Además, la marca DS participa como vehículo oficial del festival.