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El ciclo cinematográfico ‘De Sal y Lava’ (re)descubre el cine del palmero Jorge Lozano Vandewalle

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·        Tras la proyección de su filme ‘El salto del enamorado’, que tendrá lugar el día 11 de noviembre, a las 19:00 horas, se celebrará un coloquio con el cineasta palmero moderado por el periodista Domingo J. González

Las Palmas de Gran Canaria, 7 de noviembre de 2025.- CCA Gran Canaria, Centro de Cultura Audiovisual proyecta el día 11 de noviembre, a las 19:00 horas, la séptima sesión del ciclo cinematográfico ‘De Sal y Lava’ que impulsa la productora Digital 104 con la intención de ofrecer al público un diálogo intergeneracional sobre los últimos 50 años de cine canario. La sesión con Jorge Lozano Vandewalle abre el tercer y último mes de ‘De Sal y Lava’, dedicado a los años 70 y 80 del siglo XX. Tras la proyección del filme se celebrará un coloquio con el cineasta palmero que estará moderado por el periodista Domingo J. González.

La jornada estará dedicada al rescate de una película de 1978, ‘El salto del enamorado’, uno de los filmes más representativos del cineasta palmero Jorge Lozano Vandewalle y uno de los hitos del cine amateur de Canarias. ‘El salto del enamorado’ adapta al cine una leyenda tradicional palmera escrita en el siglo XIX por el literato Antonio Rodríguez López (1836-1901) sobre el amor imposible entre un chico de campo y una joven de buena familia. Ante la insistencia de él, ella lo anima a realizar una prueba de amor que acabará en tragedia.

Con Paco García, Amada Matos y Lupe Felipe en los papeles principales, ‘El salto del enamorado’ pone en imágenes un guion coescrito por el propio Jorge Lozano Vandewalle junto a Loló Fernández, Miguel González y Maribel Arrocha.

Jorge Lozano Vandewalle

Jorge Lozano VandeWalle (Santa Cruz de La Palma, 1946) es uno de los cineastas artesanos más destacados de Canarias. Desde muy temprano, experimenta una constante pasión por la fotografía y el cine. Acompañado en todos sus empeños artísticos por Loló Fernández, recorrió el camino que va de las fotografías en blanco y negro, reveladas en el laboratorio doméstico, las películas con tomavistas de ocho y súper ocho y, más tarde los dieciséis milímetros hasta el video analógico y digital.

En su filmografía, destacan títulos de ficción como ‘La pared de Roberto’ (1977), ‘El salto del enamorado’ (1978) o ‘Aysouraguan (Lugar donde la gente se heló)’ (1981-1982), basados en leyendas palmeras. También ha sido realizador de documentales como ‘El reloj de la plaza’ (1970), ‘Bajada de la Virgen’ (1973), ‘Moros y Cristianos’ (1976) o ‘Flora y vegetación de La Palma’ (1985).

La iniciativa ‘De Sal y Lava’ que se celebra en el equipamiento cultural que gestiona la Consejería de Cultura del Cabildo grancanario en el barrio de Schaman, ofrece una programación multigénero e intergeneracional, que permitirá al público disfrutar de diferentes largometrajes y cortometrajes fechados entre los años 70 hasta la actualidad, así como conocer el contexto en el que se llevaron a cabo las respectivas producciones de la mano de sus propios realizadores.

La citada propuesta de Digital 104 es una de las siete iniciativas que fueron seleccionadas de entre las 29 que se presentaron a la séptima convocatoria abierta de proyectos culturales que la Consejería de Cultura del Cabildo grancanario fomenta desde el año 2018 con la intención de incentivar, a través de la libre concurrencia, iniciativas innovadoras que permitan diversificar, promover y canalizar la participación de particulares o empresas en el diseño, confección y ejecución de una parte de la propuesta cultural de CCA Gran Canaria, Centro de Cultura Audiovisual.

La programación puede consultarse en la web www.desalylava.com, así como en los perfiles de la actividad en redes sociales como Facebook e Instagram.

Eduardo González: “Entre ‘La Lapa’ y ‘Mararía’ hay una diferencia de 40 años pero el escenario es igual porque Lanzarote apenas cambió en todo ese tiempo”. Por Noé Ramón 

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“En ‘La Lapa’ hay experimentos que probé en ‘Mararía’ y que aquí están más perfeccionados y pulidos”

“Ángel Guerra se puso el nombre de un personaje de Galdós, me quedó claro que es hijo suyo”

“La novedad de ‘Sólo Seis’ es que cuenta como comenzó hace veinte años la llegada de pateras”

En la última edición del Salón del Cómic de Santa Cruz el dibujante tinerfeño, Eduardo González fue uno de los más solicitados, por encima incluso de algunas de las grandes figuras internacionales que se situaban a su lado firmando ejemplares. Él humildemente lo justifica porque casi todos los que esperaban en la cola eran amigos o conocidos. En este encuentro pudo presentar su nuevo trabajo, La Lapa basado en una novela del periodista conejero, Ángel Guerra que se desarrolla en Lanzarote, el mismo escenario que su anterior obra, Mararía.

Ambas historias están separadas por cuarenta años pero en realidad existen pocas diferencias en lo que se refiere al entorno, por la simple razón de que durante décadas Lanzarote permaneció idéntica a sí misma hasta que el explosión del turismo, la volvió irreconocible. Por ello, las comparaciones entre ambas obras son constantes durante la entrevista.

Gonzalez se ha convertido en el dibujante de referencia de la Fundación de Cine + Cómics, motivo por el que su presidente, Francisco Pomares, según relata en el prólogo, no tuvo temor alguno a la hora de dejarle en sus manos el encargo de adaptar una historia cuyo trasfondo es sin duda terrible. La de un niño alejado del mar pero que sueña con ser marinero y al final se cumple aquello de “ten cuidado con lo que deseas porque puede convertirse en tu perdición”.

–La Lapa es de nuevo un encargo que te ha hecho la Fundación y otra prueba de la confianza que tienen en tu talento. O al menos eso parece.

-Sí, fue igual que con Mararía y con La pistola que Millán Astray regaló a mi abuelo. Un encargo que me hicieron porque estamos cerca del centenario de la publicación del cuento, así que la intención es que hiciera algo parecido a Mararía, una versión en cómic de cada una de estas obras.

-Al igual que Mararía en este caso el cómic transcurre en Lanzarote.

-Hay una diferencia de cuarenta años entre las dos. La Lapa fue publicada en 1908 y Mararía en 1973 pero el escenario es casi el mismo porque Lanzarote apenas cambió en todo ese tiempo. Así que ya tenía parte del trabajo hecho. Contaba con unas ochocientas fotografías que había recopilado en su momento. Era consciente de que iba a hacer algo parecido a Mararía, así que en principio me servía toda la documentación con la que conté en la obra de Arozarena. Vi una cierta continuidad.

-A mí estilísticamente, sin embargo, me parecen distintos trabajos. Esta obra me da la impresión de que tiene más color.

-Quizás, lo que ocurre es que intenté corregir cosas que en Mararía, tal vez por estar experimentando, no me acababan de convencer y creo que aquí están más perfeccionadas y las he podido pulir un poco más.

-Sospecho que Mararía suponía una mayor responsabilidad por ser la novela más conocida de la literatura canaria y que incluso ha sido llevada al cine. Aquel era quizás un libro más icónico, mientras que La Lapa es un poco más desconocido.

-En realidad La Lapa es un relato muy conocido pero sobre todo para una generación anterior, mientras que Mararía la hemos leído en el colegio, en el instituto, visto en el cine… La Lapa fue anterior y no supuso un boom tan grande.

–¿Cómo explicarías la figura de Ángel Guerra a quienes no lo conocemos, que somos muchos?

-Fue un lanzaroteño que como Galdós también se marchó a Madrid donde ejerció de periodista y de corresponsal en París. Era un gran admirador de Galdós y de hecho su nombre real es José Betancort Cabrera pero lo cambió por el de Ángel Guerra que es como se llama un personaje de Galdós. La diferencia entre ambos autores es que Guerra siempre siguió escribiendo sobre historias canarias mientras que Galdós se convirtió en un cronista de la historia española. Pero me quedó claro que Guerra es hijo suyo.

–¿En La Lapa se mantiene el realismo mágico de Mararía?

-No tanto, porque como ya digo Mararía se publicó en 1973 y La Lapa salió mucho antes así que más bien digamos se encuadra en el realismo social que era una de las características de Galdós. Como dice Pomares en el prólogo, La Lapa es la historia de una derrota, de una serie de desgracias que le van pasando al personaje principal. Es una crónica más social, más dura y más descarnada que Mararía.

-De hecho es un apodo de aquellos que tanto se usaban antes y ahora un poco menos.

-Sí, también hay un cierto paralelismo con Mararía cuando la llamaban bruja por la fobia que tenían contra ella y la lapa es como le decían unos chiquillos al personaje al que persiguen y van siempre corriendo detrás porque le tiene miedo al agua así que le ponen el nombre en plan irónico.

–¿Cuánto tiempo tardaste en escribir el cómic?

-Desde que me hicieron el encargo hasta que lo acabé, unos diez meses. En total son alrededor de cincuenta páginas más la introducción, el glosario, agradecimientos y una biografía. Es que ya digo parte del trabajo lo tenía adelantado por la recopilación de documentación que hice con Mararía. Lo que no quita que cada una tenga su aquello.

–¿Hay algún tipo de moralina o lección moral en este caso?

-Para mí es una tragedia, un drama… El relato de un personaje que al principio es despreciado por todos y al final resulta ser un superviviente, un tío que tuvo muy poca suerte en la vida pero así y todo sigue adelante y además con la responsabilidad de hacerse cargo de un hijo.

–¿Sabes cómo van las ventas? ¿Cómo ha sido recibido hasta ahora?

-Es que ha salido hace muy poquito, apenas dos semanas, así que no sé muy bien como va la cosa. Un par de personas me han dicho que les ha gustado. Por ejemplo, les llama la atención el trabajo del color y todo eso pero es muy pronto para conocer la respuesta de la gente.

-En el Salón firmaste bastante ejemplares. Había una cola importante, quizás la más concurrida.

-Firmé unos cuantos ejemplares la verdad. Era una novedad. No estuvo mal.

-Antes hiciste La pistola que Millán Astray regaló a mi abuelo con una diferencia de estilo bastante clara.

-Sí, a pesar de ser en blanco y negro con bitonos y la verdad es que fue un trabajo que me resultó muy difícil porque lo hice para un amigo como es Paco Pomares. Es la historia familiar de sus abuelos y eso siempre te crea una mayor responsabilidad porque lo conoces y aprecias que haya dejado en tus manos un relato personal por lo que siempre debes tener cuidado porque hay muchas fechas y lugares concretos.

–¿Tienes previsto sacar algún nuevo proyecto?

-Sí. Va a salir un nuevo cómic dentro de poco aunque lo hice después de La Lapa. Es un libro basado en un artículo del periodista Juan Manuel Pardellas que él tituló Héroes de Ébano y que yo llamo Sólo Seis. Originalmente era una crónica de pocas páginas por lo que me vi obligado a alargarlo hasta llegar a las 50, así que tuve que echarle imaginación a tope. La historia se basa en la llegada hace veinte años de una de las primeras pateras en la que sobrevivieron seis personas. No es que me inventara nada sino que le puse todo el ingenio que pude para lo que desmenucé el artículo periodístico al máximo posible. Incluso en su momento se escribió un pequeño reportaje que pude rescatar, vi algún documental sobre migración y además lo tuve bastante fácil porque ya se ha vuelto una cuestión de mucha actualidad así que había un montón de referencias.

-Lo cierto es que ya son ya miles los casos, seguramente muy parecidos o peores que se suceden cada semana, sobre llegada de pateras.

-Cierto, hay miles.

–¿Y qué tuvo esta historia de particular?

-Fue una patera que se perdió en el mar durante quince días por lo que se tuvo que movilizar a los servicios de urgencias hasta que al final los encontraron a la deriva. De las dieciocho personas sólo habían sobrevivido seis y uno de ellos era una chica que venía de Costa de Marfil como refugiada política porque pertenecía a un determinado partido. También se cuenta la manera en la que al final llega a integrarse en la Isla. Una historia terrible.

-Con el tiempo se ha vuelto habitual que cada semana, lleguen pateras con cientos de personas apelotonadas, menores, mujeres, algunas embarazadas, que a la mitad del trayecto se quedan sin comida, tienen que beber agua del mar, tiran los cadáveres o a quienes se ponen especialmente rebeldes… Muchos se mueren aunque sólo se contabilizan los cuerpos sin vida que estén dentro del cayuco…

-Efectivamente, es lo mismo pero quizás la novedad es que cuenta como comenzó todo eso hace veinte años. Fue una de las primeras pateras antes de la gran oleada que ha llegado luego.

-Y en este relato concreto ¿cuál ha sido el estilo que has elegido?

-También es blanco y negro pero el mar aparece siempre rojo, es lo único que tiene color porque en este relato el océano significa la muerte. No tiene nada de relajante ni de agradable.

-Entonces en realidad casi solapastes los dos trabajos: La Lapa y Sólo Seis.

-Cuando acabé La Lapa empecé éste que me llevó siete meses y nos muy bien cuando saldrá. La Lapa la preparé para el Salón aunque la había terminado en febrero y antes ha habido exposiciones en La Laguna, Lanzarote, Granadilla o Tacoronte. Han sido varias.

-El otro día hablaba con el dibujante, Juan Gallego que junto con su hermano hicieron una obra que precisamente también iba sobre la emigración pero en el Mediterráneo. Estaban muy contentos porque habían conseguido vender tres mil ejemplares.

-¡Tres mil ejemplares es una pasada! ¡Y eso que en España hay 47 millones de personas!

-Está claro que el cómic necesita del apoyo institucional, porque de las empresas no creo que se pueda esperar mucho. Ahora parece que se está empezando a utilizar este formato para contar historias de los municipios, en la educación…

-Hace ya tiempo. Ten en cuenta que en su momento se hizo un cómic para explicar el Estatuto de Autonomía y que el autor fue López Aguilar, el político socialista que ahora es eurodiputado. Y luego se suelen hacer también sobre cuestiones didácticas o de historia local.

-En mi época de colegio no recuerdo que se utilizaran los cómics para explicar nada. Más bien estaba mal visto o no se les daba importancia.

-Siempre ha sido considerado algo menor, a mí en el colegio cuando me veían dibujando me castigaban.

El XXX Festival Internacional del Cuento de Los Silos inicia su programa de visitas de centros educativos el 17 de noviembre

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El encuentro de escolares y estudiantes con el poder de la palabra es una de las actividades más apreciadas del programa cultural

La trigésima edición del Festival Internacional del Cuento de Los Silos inicia su programa de visitas de centros educativos el próximo 17 de noviembre. En total, el municipio de la Isla Baja de Tenerife prevé atender hasta el 4 de diciembre a 5439 estudiantes, de forma presencial y virtual, entre escolares de primaria, secundaria, bachillerato, alumnado de educación de adultos y Aulas Enclave de 83 centros.

El encuentro de escolares y estudiantes con el poder de la palabra es una de las actividades más apreciadas de este programa cultural, que ha conseguido dejar su huella en decenas de miles de niños, niñas, adolescentes, jóvenes y personas adultas a lo largo de sus hasta ahora 29 ediciones.  “La sección de visitas escolares es una de las más importantes del festival, por el valor del trabajo de animación lectora, pero también por el efecto del acercamiento al mundo de las letras en los más jóvenes, con todo el acompañamiento que ponemos en marcha en el festival, desde la interpretación actoral que sostiene la narración, el montaje escénico y la decoración, la música y, especialmente, los textos”, explica el director del Festival del Cuento de Los Silos, Ernesto Rodríguez Abad.

La huella que deja en los participantes es tan profunda que, a las puertas de cumplirse 30 años de esta iniciativa, Rodríguez Abad, profesor de Literatura Española en la Universidad de La Laguna (ULL), se ha encontrado con frecuencia con estudiantes universitarios que recuerdan su visita a Los Silos para celebrar el encuentro con el cuento; no parece aventurado suponer que su inclinación por la literatura naciera en estos jóvenes entre los callejones y las plazas de Los Silos.

El equipo que hace posible el festival se dispone a cerrar los últimos detalles para la presentación de su propuesta -a la vez literaria, escénica y, sobre todo, un homenaje al arte de narrar- ante los 3248 escolares procedentes de 61 centros que pasarán por Los Silos desde distintos puntos de Tenerife y desde La Gomera. Paralelamente, otros 22 centros -con 2199 estudiantes- participan de manera virtual, una modalidad abierta a raíz de las restricciones por la COVID y que se mantiene para facilitar el acceso a quienes no pueden trasladarse hasta Los Silos. Este año, algunos centros que han escogido esta posibilidad están ubicados en Gran Canaria (2), La Palma (1), La Gomera (1) y Córdoba (1). El desarrollo de todo el programa de forma gratuita es posible gracias a la Consejería de Educación del Gobierno de Canarias, que se hace cargo de parte de los costes, mientras que los centros educativos asumen los gastos de traslado.

La agenda del 30 aniversario

El programa de este año rinde homenaje al canario Tomás de Iriarte, el dramaturgo y reconocidísimo creador de fábulas. Los escolares son recibidos en las escalinatas del convento, donde el narrador costarricense Pampa Madrigal y estudiantes de la ULL trabajan con sus fábulas. Le sigue un paseo por los callejones, decorados por Luigi Stinga con una escultura efímera relativa a Iriarte y a la fábula La mona, con la que el autor portuense advirtió sobre las falsas apariencias.

Sigue en la agenda la intervención de Eric Charliot, narrador francés que hace magia mientras cuenta cuentos. Se concluye en la plaza de los libros con la intervención del ya citado Madrigal, que interviene en una acción también muy lúdica, con cuentos y canciones; en la plaza, además, se da la oportunidad de participar en talleres. El programa dirigido a escolares de 4 a 8 años difiere en parte del que se dirige a los últimos años de primaria, secundaria y bachillerato. Mientras los más pequeños pasean por los callejones para escuchar a Niré Collazo, gran figura del cuento en Uruguay y narradora especializada en la infancia, los alumnos mayores visitan la exposición sobre los 30 años del festival, una muestra activa en la que los espera un actor que narra los cuentos mientras dirige el recorrido por la sala y se transforma acorde a diferentes épocas de su trayectoria.

En la modalidad virtual, antes de los cuentos, se presenta el pueblo que acoge al festival y el propio evento cultural y se cierra con un coloquio con Rodríguez Abad. “En ambas modalidades, queremos que estudiantes y profesores se sientan bien tratados y por eso personalizamos la visita, no queremos que se sientan evaluados ni presentar un producto cerrado; al contrario”, explica. También aportan contenidos para dar continuidad a la experiencia tras regresar al centro educativo. En las visitas presenciales, cada aula recibe un libro de regalo; en esta edición se han seleccionado obras del catálogo de la editorial Diego Pum. Para el caso de las visitas virtuales, se plantean talleres que pueden amplificar la experiencia.

Para todos los participantes se trata de una experiencia única y conmovedora: “para mí es muy bonita la experiencia de ver cómo reaccionan niños y niñas”, confiesa el director del festival. “La organización de una visita es muy compleja, por todo lo que conlleva el traslado de los grupos de las edades más tempranas y, a veces, también, el trabajo con adolescentes, que tienen un mundo más complejo -apunta Rodríguez Abad-, pero el secreto está en elegir narradores con experiencia que sabemos que van a tener gancho con un público tan especial”.

I Love Reggaeton Tenerife, el auténtico latido canario

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Miles de amantes del reggaetón clásico se dieron cita ayer en el Recinto Portuario de Santa Cruz de Tenerife 

Santa Cruz de Tenerife celebró la noche de ayer su esperada cita con I Love Reggaeton. El público asistente disfrutó de las actuaciones en riguroso directo de los artistas fundadores de este estilo musical. Subieron al escenario importantes figuras del género como Omega, Fuego y Fulanito. Los asistentes no pararon de bailar con los ritmos pegadizos de Lorna, Danny Romero y Carlitos Rossy. Las sesiones de baile las protagonizaron Dame más Gasolina Djs mientras se iban sucediendo las actuaciones del resto de artistas que conformaban el cartel. Tenerife vibró con la música de El Chuape, Xriz, Dixson Waz y José De Rico. Asimismo, la noche prendió con Dr Bellido, Pilson y Clase A. Actuaciones todas ellas que ponen de manifiesto que: EL PRIMER REGGAETON NUNCA SE OLVIDA. La próxima parada de la Gira Nacional 2025 del festival es en Gran Canaria el viernes 14 de noviembre, se trata de la fecha de cierre de la gira. 

Reggaeton desde sus inicios hasta ahora, incorporando a sus fundadores y máximos exponentes y con un show totalmente sincronizado y una puesta en escena 100% tecnológica. En el año 2004 el género latino irrumpe en España de forma exponencial gracias a un nuevo estilo llamado Reggaeton. El Boom ya estaba empezando. Desde entonces el Reggaeton es el nuevo SONIDO MAINSTREAM a nivel mundial. ‘I Love Reggaeton’ rememorará sobre el escenario los temas más emblemáticos de la década del 2005 hasta el 2015. 

I LOVE REGGAETON, UNA EXPERIENCIA ÚNICA E INMERSIVA 

LA ESENCIA DEL REGGAETON CON UN MULTITUDINARIO SHOW TECNOLÓGICO SIN PRECEDENTES 

El show I LOVE REGGAETON pone al servicio de las emociones las últimas innovaciones tecnológicas y combina a la perfección los audiovisuales con la sincronización de todo lo que pasa en el escenario en cada momento. La ideación y creación de este show que está al nivel de las grandes giras internacionales está desarrollado e implementado en toda su totalidad por Sharemusic!. El sello ya inconfundible de nuestra promotora acaba generando una experiencia única e inmersiva para el público asistente. 

GIRA NACIONAL I LOVE REGGAETON 2025 + GIRA INTERNACIONAL I LOVE REGGAETON 2026 

I LOVE REGGAETON ha programado para este 2025, de mayo a noviembre, un total de nueve fechas por todo el territorio nacional colgando el cartel de todas las entradas vendidas en todas las fechas celebradas. 

El festival el año 2026 en el marco de su creciente popularidad da un paso más y mantiene la gira nacional y suma la gira internacional por latinoamérica, actualmente ya se han anunciado dos fechas en México y una en Chile a finales del mes de marzo. 

Randal Kleiser y Verónica Cartwright brillan en la jornada inaugural del Festival Isla Calavera 2025

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  • El Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna arranca con grandes figuras del cine fantástico y homenajes especiales. 

 
8 de noviembre de 2025.- La novena edición del Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera ya es una realidad. El pistoletazo de salida lo ha dado una rueda de prensa mañanera en el Teatro Leal de La Laguna, que ha contado con la presencia de tres de los grandes invitados al evento: el director y productor Randal Kleiser (Grease), la actriz Veronica Cartwright (Alien, La invasión de los ultracuerpos) y el escenógrafo, especialista en efectos visuales y diseñador de atrezo Simon Weisse (El gran hotel Budapest)
 
En la rueda de prensa también han intervenido el alcalde de La Laguna Luis Yeray Gutiérrez, el concejal de Cultura Adrián del Castillo, el director de Relaciones Institucionales de Promotur Turismo de Canarias Javier Prieto y los codirectores del Festival, Daniel Fumero y Ramón González Trujillo.
 
Tras una primera intervención de todos los presentes, los invitados han contestado a las preguntas de la prensa, lo que ha llevado a Veronica Cartwright a rememorar Los pájaros (1963), película en la que actuó cuando tenía 12 años. La actriz ha contado que el director Alfred Hitchcock fue muy amable con ella y que siempre tenía tiempo para responder a sus preguntas, lo que le permitió por ejemplo descubrir cómo diferenciar a los pájaros reales de los falsos en las películas, una habilidad que aún conserva.
 
Randal Kleiser por su parte ha recordado que en un primer momento iba a dirigir Fiebre del sábado noche (1977), pero que afortunadamente al final los planes cambiaron y pudo hacer Grease (1979), película para la que se sentía mucho más preparado. Además, sabiendo del material del que partían y el gran éxito que había cosechado en el teatro, nunca dudó de que sería un acierto.
 
Por último, Simon Weisse ha podido profundizar en su trabajo a las órdenes de Wes Anderson, al tiempo que explicaba la importancia de saber adaptarse a los tiempos y combinar los efectos de toda la vida con las nuevas tecnologías, pero sin permitir nunca que la Inteligencia Artificial se apodere completamente del trabajo de los cineastas.

La gran gala inaugural
 
Pero el plato fuerte de la jornada, a nadie se le escapa, ha sido sin duda la Gala Inaugural, que ha estado precedida por la tradicional alfombra roja. Por ella han desfilado algunos de los grandes protagonistas de la noche, como los citados Randal Kleiser, Veronica Cartwright y Simon Weisse, a los que se han unido Rodrigo Cortés, Daniel Monzón, Sara Sálamo, Eduardo Noriega, David Sáinz, Ramiro Blas, Lisa Downs, Santiago Tabernero, Tedy Villalba, Denisse Castro, Chedey Reyes, Raquel Herrera, Manuel Valencia, Empar Lagunas o Sara Draven.
 
La gala, muy ágil y amena, ha estado de nuevo presentada por Vanesa Bocanegra y Miguel Ángel Rodríguez Villar (que ya se conocen de sobra y eso se ha dejado notar en la complicidad que desprendían sobre el escenario). Metrópolis (1927), película convertida en leitmotiv del Festival, como se puede apreciar en el cartel, y que se proyectará el próximo miércoles en un evento muy especial, ha sido la protagonista del número musical inaugural, una interesante combinación de imágenes y danza que ha despertado los primeros aplausos de un público muy entregado.
 
Además de presentar las diferentes actividades y secciones del festival (desde el nuevo sello “Hecho en Canarias” hasta los 13 largometrajes a competición, pasando por los distintos documentales que se podrán ver en el certamen), durante la gala también ha habido momento para la sorpresa, como la emisión en exclusiva del tráiler de la película La ahorcada, dirigida por Miguel Ángel Lamata y protagonizada por Amaia Salamanca y Eduardo Noriega, siendo el propio actor (Premios Isla Calavera de Honor en 2023) el encargado de presentarlo. La cinta llegará a los cines el 6 de febrero de 2026.
 
Randal Kleiser, primer premiado en 2025
 
Eduardo Noriega ha hecho doblete, ya que ha sido también el encargado de entregar al director Randal Kleiser el premio Isla Calavera de Honor 2025. El responsable de películas como El lago azul (1980) y El vuelo del navegante (1986) recordó cómo con 10 años su padre le llevó al cine a ver Los diez mandamientos (1956), que le cautivó tanto que desde ese momento tuvo claro que quería ser director de cine.
 
También ha bromeado con el hecho de que su película más famosa, Grease, se vaya a proyectar en un festival dedicado al género de la fantasía, pero luego ha recordado que en el plano final el coche en el que están John Travolta y Olivia Newton-John sale volando, lo que en su opinión es suficiente como para justificar su presencia en Isla Calavera.
 
No ha sido la única mención a Grease durante la gala, ya que el primer número musical de la velada ha sido una canción de la citada cinta, en la que la Skull Island Band, acompañada por dos excelentes bailarines, ha hecho las delicias de todos los asistentes, que no han dudado en tararear la música desde el patio de butacas mientras acompañaban con palmas la actuación.
 
El resto de números musicales (ha habido un total de cuatro) han seguido la misma tónica: temas muy conocidos que han servido para elevar el tono festivo que se respiraba en el ambiente. Desde el Paint it black de los Rolling Stones hasta el I’m still standing de Elton John, rematando la velada con una última canción que servía de homenaje al 40 aniversario de Regreso al futuro: Johnnie be good. 

En Isla Calavera todos pueden escuchar los aplausos
 
Otra de las galardonadas con el Premio Isla Calavera de Honor ha sido Veronica Cartwright, que ha recibido el galardón de manos de uno de los codirectores del festival, Ramón González Trujillo. La actriz, que ha declarado sin tapujos sentirse fascinada por el diseño del premio, ha querido dar las gracias tanto a la organización como al público, admitiendo que se siente afortunada por el hecho de que dos películas en las que ha participado formen parte de la programación del festival: El vuelo del navegante (donde estuvo a las órdenes de Randal Kleiser, con el que se ha producido un emotivo reencuentro) y La invasión de los ultracuerpos (1978), tras cuya proyección el domingo habrá una charla en la que la intérprete responderá a las preguntas del público.
 
En una noche marcada por los premios, el productor Tedy Villalba ha recogido el galardón a la Mejor Serie Fantástica del año, que ha ido a parar a manos de Furia. Y pese a que su director Félix Sabroso no ha podido asistir al evento por encontrarse en pleno rodaje, sí que ha querido agradecer el premio en un vídeo, al igual que lo han hecho algunas de las actrices de la serie de HBO como Nathalie Poza, Claudia Salas y Pilar Castro que por motivos de agenda tampoco han podido estar presentes.
 
Quienes sí subieron al escenario fueron Manuel Valencia y Empar Lagunas, del fanzine 2.000 maníacos, merecedora en esta edición del Premio a la Difusión del Fantástico. Empar, que ha defendido el formato físico y el empleo del papel, ha asegurado que se trata de una revista “muy gamberra”, animando a todo el mundo a que la lea. 
 
Bajo la influencia de King Kong
 
Los otros dos premiados durante la gala con el Premio Isla Calavera de Honor han sido los directores Rodrigo Cortés y Daniel Monzón, que casualmente han coincidido en la importancia que ha tenido en sus vidas la película original de King Kong (1933), que ambos vieron de niño.
 
Cortés, director de Buried (2010), Luces Rojas (2012, donde tuvo bajo sus órdenes a tres monstruos de la interpretación como son Robert De Niro, Sigourney Weaver y Cillian Murphy) o Escape (2024), con Mario Casas, ha recibido el premio de menos del otro codirector del Festival, Daniel Fumero. Durante su discurso de agradecimiento ha querido dejar constancia de lo importante que es la existencia de festivales centrados en el género fantástico, al tiempo que ha lamentado no tener ninguna historia que compartir sobre Tenerife, al no haber estado nunca antes en la isla.
 
Daniel Monzón (que ha recibido su galardón de manos del concejal de Cultura de La Laguna, Adrián del Castillo) sí que ha rodado en Tenerife, lo que le ha permitido compartir con los presentes sus recuerdos sobre el día en que vio el atardecer desde el Teide, una experiencia que ha calificado como inolvidable.
 
Sara Sálamo y su “Yaya”
 
El último galardón ha tenido acento isleño, como no podía ser menos, teniendo en cuenta que se trataba del Premio SS Venture al talento canario, que ha entregado la presidenta del Cabildo de Tenerife, Rosa Dávila, y que ha recaído en Sara Sálamo, que, visiblemente emocionada y nerviosa (“señal de que me importa el premio”) ha dado las gracias a su familia y amigos por estar siempre a su lado.
 
Sara Sálamo es mucho más que una actriz, como ha demostrado con Yaya, un cortometraje que ha escrito y dirigido y que ella misma define como un “ensayo de estilo para lo que va a ser su primer largometraje”. El corto trata sobre una mujer que comienza a tener sospechas (que no certezas) de que la persona que ha contratado par que cuide de su abuela podría estar maltratándola y robando dinero. Una situación incómoda en la que la desconfianza crece a cada segundo, precisamente el tipo de historia por las que Sálamo admite sentirse especialmente atraída.
 
Y con esto ha terminado la primera jornada del Festival Isla Calavera Ciudad de La Laguna. Aún quedan por delante nueve días del mejor cine, invitados de primer nivel y todo tipo de encuentros con profesionales del cine y actividades de diversa índole que harán las delicias del público que se acerque a Multicines Tenerife para disfrutar del mejor cine fantástico que se puede ver en la actualidad.
 
 
Sobre el Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera

Organizado por la Asociación Cultural Charlas de Cine, la Asociación Cultural Isla Calavera, Multicines Tenerife y la publicación especializada TumbaAbierta.com, el Festival Isla Calavera cuenta en su novena edición con el patrocinio del Ayuntamiento de La Laguna, a través de la concejalía de Cultura, Gobierno de Canarias, Promotur, Turismo de las Islas Canarias, Islas Canarias Latitud de Vida, Cabildo de Tenerife, Instituto Canario de Desarrollo Cultural y Canary Islands Film; y la colaboración de la Universidad de La Laguna, La Laguna Zona Comercial, Alda Producciones, Zulay Panaderías, Grupo Fly Luxury, Juan Antonio Ribas Subtítulos y Ediciones Digitales, Mercado Nuestra Señora de África, Culturamanía, CinemaNext, Flaming Frames, Fundación SGAE, Teatro Leal, Tenerife Film Commission, José Acosta Style, Audi Canarias, Coca-Cola y Royal Bliss.

Isla Calavera nace en 2017 y en sus ocho primeros años de trayectoria ha logrado una importante repercusión y está considerado como uno de los encuentros de cine fantástico más relevantes del país, miembro de Méliès International Festivals Federation (MIFF), que agrupa a 32 miembros de 22 países en cuatro continentes, con una audiencia mundial de más de 900.000 espectadores cada año

‘A propósito do Vermelho’ y ‘Placeres extraños’ llegan al Paraninfo ULL de la mano de Acerina Amador

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Erick
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El Paraninfo de la Universidad de La Laguna acogerá el sábado 8 de noviembre, a las 20:00 horas, una cita destacada con la danza contemporánea de la mano de la creadora e intérprete Acerina Amador, que presentará dos piezas de fuerte carga física, poética y simbólica: ‘A propósito do Vermelho’ y ‘Placeres extraños Repito placeres extraños’. Con una entrada general de 8 euros, disponibles a través de la plataforma Ecoentradas, el público podrá asistir a una velada que se adentra en el cuerpo como territorio de memoria, identidad, resistencia y transformación.

En ‘A propósito do Vermelho’, Amador despliega un trabajo que transita entre la vida, la metamorfosis, la resistencia y la muerte. La crítica Cláudia Galhos destaca la intensidad con la que la artista aborda este universo escénico, señalando que se lanza “con una intensidad renovada, valiente para aproximarse al vértigo de la muerte, en el susurro interior de ese equilibrio esculpido de cuerpo, hecho con precisión y asombrada belleza, que solo se toca cuando se toca realmente la vida”. La pieza invita a una experiencia sensorial y emocional donde el cuerpo se convierte en un lenguaje en sí mismo, habitado por fragilidad, impulso y organicidad.

Por su parte, ‘Placeres extraños Repito placeres extraños’ propone una exploración del cuerpo desde el deseo, la repetición, el desequilibrio y la búsqueda de una identidad que se revela a través del movimiento. El análisis del crítico Yann Gibert subraya que el trabajo de Amador “lleva una estructura muy definida: de la tierra a la tierra, pasando por movimientos de equilibrio donde los repetitivos saltos revelan la identidad de la mujer a través de constantes y obsesivos movimientos que acaban transformados en posiciones invertidas imposibles y tortuosas”.

Gibert añade que la artista muestra una alta consciencia coreográfica también en elementos periféricos, como el vestuario o el espacio sonoro, reforzando el discurso escénico, y afirma que “Acerina Amador lleva las raíces de su intimidad al campo político”, situando su sensibilidad “en el femenino mundo occidental”, desde donde proyecta una presencia física y emocional de gran intensidad sobre el escenario.

Con esta doble presentación, el Paraninfo ULL se convierte en un espacio para la reflexión y la experiencia estética a través del movimiento, en una propuesta que invita al público a acercarse a dos obras que exploran límites, vulnerabilidades y potencias del cuerpo contemporáneo. La velada supone una oportunidad para conectar con el lenguaje coreográfico de Amador, caracterizado por una fisicalidad extrema, un discurso artístico comprometido y una poética que interpela tanto al plano íntimo como al colectivo. Las entradas ya se encuentran disponibles y el aforo es limitado.

Harry Sinfónico llenará el Teatro Pérez Galdós con una experiencia inmersiva inspirada en el universo de Harry Potter

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Erick
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El Teatro Pérez Galdós acogerá en enero el espectáculo Harry Sinfónico, un tributo musical que celebra las icónicas bandas sonoras del universo cinematográfico de Harry Potter y que ofrecerá al público una experiencia envolvente más allá del concierto tradicional. Las funciones tendrán lugar el 7 de enero a las 12:00 horas y el 10 de enero a las 20:00 horas, con entradas a la venta en harrysinfonico.com y teatroperezgaldos.es. La propuesta está dirigida a todos los públicos y se presenta como un plan ideal para estas navidades.

Harry Sinfónico reunirá a una orquesta en directo para interpretar algunas de las composiciones más emblemáticas asociadas al mundo mágico creado por J. K. Rowling, pero el evento pretende ir un paso más allá de lo musical. El público será recibido en un ambiente tematizado desde el acceso al teatro, con decorados, ambientación, extras caracterizados, photocall, contenido sorpresa y elementos que convertirán la velada en una experiencia sensorial e inmersiva, diseñada para transportar al espectador al imaginario mágico que marcó a varias generaciones.

La preventa de entradas se activará el viernes 7 de noviembre de 12:00 a 17:00 horas, dirigida a quienes se prerregistren previamente a través de www.harrysinfonico.com. A partir de las 17:00 horas del mismo día comenzará la venta oficial abierta al público general. Como parte de la campaña de lanzamiento, se encuentra activo en Instagram un sorteo hasta el 18 de noviembre cuyo premio incluye dos entradas para una de las funciones y un pack para dos personas con vuelo, dos noches de hotel y una visita a los Harry Potter Studios en Londres, con traslado temático incluido.

Con esta cita, Gran Canaria recibirá una experiencia cultural pensada para disfrutar en familia, para fans de la saga y para amantes de la música cinematográfica, convirtiéndose en una propuesta especialmente atractiva como regalo navideño y primera gran experiencia cultural del nuevo año.

Chico Pinheiro: “La guitarra es mi amiga, mi confidente, mi terapeuta y mi principal canal de expresión.”

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El reconocido músico Chico Pinheiro actuará el sábado 8 de noviembre de 2025 a las 20:00 horas en el Auditorio de Tenerife, en Santa Cruz de Tenerife, para cerrar por todo lo alto la 22ª edición del Festival Tensamba. Será el último evento de una programación que, durante semanas, ha convertido a las Islas en un punto de encuentro imprescindible entre Brasil y Canarias, reuniendo a artistas de primer nivel y a un público cada vez más entregado a los ritmos y a la diversidad de la música brasileña.

  1. Chico, naciste y creciste en São Paulo. ¿Cómo influyó ese entorno urbano y cultural en tu formación como artista?

São Paulo es, sin duda, la ciudad más cosmopolita de Brasil, en todos los aspectos. Río de Janeiro ya fue el gran polo cultural, pero hoy ese lugar lo ocupa São Paulo. Allí encuentras cultura y arte provenientes de todas partes y de distintas épocas. Desde museos importantes hasta arte urbano contemporáneo en cada esquina —del grafiti al rap, de la música clásica a los malabaristas de semáforo, artistas plásticos relevantes, cineastas, poetas, gente cantando en las calles y en los bares, desde el centro hasta la periferia—, en fin, un caldo cultural muy efervescente y único. Haber nacido y crecido en una ciudad con esas características fue muy importante para mi formación musical. Siempre estuve muy estimulado, tanto por mis padres como por mis amigos y contemporáneos músicos en São Paulo, a explorar y absorber toda la variedad artística que la ciudad siempre ofreció.

  1. ¿Recuerdas la primera vez que tuviste una guitarra en tus manos? ¿Cómo fue ese momento? ¿Qué representa ese instrumento para ti, en tu vida y en tu forma de expresarte?

Lo recuerdo perfectamente. Tenía unos cinco años, y mi madre tenía una vieja guitarra de la marca Del Vecchio que dejaba apoyada en casa. Ella siempre tocaba. Un día, cuando se fue a trabajar, fui a su habitación, tomé la guitarra y comencé a sacar de oído “Dear Prudence”, de los Beatles. Cuando mi madre regresó y escuchó, se puso a llorar. Desde entonces, la guitarra pasó a ser una de las cosas más importantes de mi vida. Mi amiga, mi confidente, mi terapeuta, mi compañera constante y mi principal canal de expresión.
De niño era muy tímido, hablaba poco. La guitarra se convirtió en mi mejor forma de expresarme. Una vez, el compositor y cantante brasileño Criolo, al verme tocar, se me acercó y dijo: “Parece que la guitarra forma parte de tu brazo, impresionante, ustedes dos son la misma cosa.” Me pareció muy interesante lo que dijo, y de hecho me siento así: como si la guitarra fuera parte de mí. Nos entendemos muy bien.

  1. ¿Cómo describirías el proceso de encontrar tu propio estilo musical?

Creo que ese descubrimiento fue un proceso natural. Nunca fui de escuchar un solo género. Siempre escuché de todo: desde MPB hasta música instrumental brasileña, de bossa nova a rock progresivo, rock pesado, jazz (y todos sus subgéneros), música clásica, R&B, yacht jazz (The Doobie Brothers, Steely Dan, Toto, etc.).

Cada uno de esos géneros me influyó de distintas maneras. La vieja guardia del samba, por ejemplo, me influyó por sus letras, su cadencia, su ritmo, su swing. La MPB, por los elementos armónicos sofisticados, el lirismo y, a veces, la irreverencia. El jazz, por el fraseo, la improvisación, la técnica y la fluidez. Bach, por la perfección con la que construía los contrapuntos y el voice-leading, en fin.

La forma en que reprocesaba todo eso siempre fue natural, nunca forzada. Creo que todos somos una síntesis de lo que escuchamos y con lo que nos identificamos, sumado a lo que llamo nuestro ADN artístico, que es único e intransferible.

  1. ¿Cómo entiendes la relación entre el jazz y la música brasileña? ¿Dónde dialogan y dónde se desafían?

Primero, es importante decir que esa es una pregunta bastante profunda, ya que tanto la música brasileña como el jazz tienen subgéneros y variaciones dentro de sí.
Pero, en general, tanto la música brasileña como el jazz son el resultado de distintas diásporas y mezclas con raíces fuertes en África y en Europa, y dialogan a través de esos subgéneros.
Armónicamente, existen muchas semejanzas y correspondencias entre Brasil y Estados Unidos. El bebop y el choro tienen mucho en común, especialmente en el fraseo.
La gran escuela de la canción brasileña, que viene desde la era del radio y desemboca en la bossa nova y la MPB, tiene mucho en común con la escuela de los grandes compositores del Tin Pan Alley como Cole Porter, Gershwin, Richard Rodgers, Jerome Kern, etc.
No es casualidad que, a partir de la bossa nova, ambos países empezaran a frecuentarse e influirse mutuamente, con grandes discos nacidos de esa relación.
Las dos músicas se diferencian en la forma: el jazz está estructurado alrededor de la improvisación —el improvisador es la gran estrella—, mientras que en la música brasileña, aunque hay grandes improvisadores, su esencia está en la melodía, el ritmo, la composición y el canto. La improvisación no es su columna vertebral. Esa es mi modesta opinión.

  1. ¿Cómo es tu proceso de composición musical?

Varía, pero generalmente empiezo con un motivo, una idea. A veces armónica, a veces melódica. A partir de esa génesis, desarrollo el tema o la canción. Hay técnicas involucradas, claro, pero siempre me guío por el oído. Si suena bien de manera intuitiva, eso es lo más importante.

Hay también un componente “Calder” en el proceso: muchas veces, un fragmento interesante no funciona en el conjunto, y entonces debo descartarlo o dejarlo a un lado para que la canción funcione mejor como un todo. Es un proceso de “tamizar”, de eliminar lo innecesario, incluso si es interesante, siempre en favor del conjunto.

A veces tarda una hora, otras veces días o semanas. Y en ocasiones dejo ideas incompletas para retomarlas después.
Como dice el gran compositor brasileño Edu Lobo: “Componer es 20% inspiración y 80% transpiración”. Tiene razón.

  1. ¿Qué suele inspirarte a escribir una nueva pieza?

Músicas que me encantan o me encantaron, una nueva novia, un partido de fútbol, una puesta de sol, una escena de una película. La chispa emocional, para mí, es tan importante como la inspiración sonora.
Uno desarrolla profundamente sus herramientas musicales y sus técnicas de composición, pero cuando estoy componiendo, olvido todo eso y me dejo guiar por la intuición, en el 90% de los casos.
Si lo que estoy escribiendo me emociona, eso es lo que conservo para la obra final.

  1. ¿En qué momento decidiste dedicarte a la música?

Desde la primera vez que tomé una guitarra, supe que era mi pasión. Cuando tenía 13 años y comencé a grabar profesionalmente, ya sabía que eso era lo que quería para mi vida. Desde entonces decidí dedicarme completamente a la música.

  1. Muchos artistas hablan sobre la honestidad en la música. Para ti, ¿qué significa ser honesto musicalmente?

Esa es una pregunta muy importante. Para mí, ser honesto musicalmente significa mantener intactas tus motivaciones e ideales, el encanto por el instrumento. No podría sobrevivir tocando un tipo de música que no me gusta o en la que no creo. Cuando era más joven, recibí muchas invitaciones para tocar en bandas grandes con las que no me identificaba. Preferí dar clases —y di muchísimas— para poder vivir y dedicarme a lo que realmente creía.


Sé que no siempre eso es posible, y que muchos necesitan tocar cosas que no les gustan o en las que no creen; respeto mucho a mis colegas en esa situación.
Creo que cada músico sabe muy bien qué le gusta y qué quiere. Sea lo que sea, dedícate al máximo a aquello en lo que crees y amas, aunque temporalmente debas hacer otras cosas dentro de la música. Sigue tu llamado, pase lo que pase, y el resto el mundo se encargará de llevarte donde necesitas ir. Aunque tengas que dar ocho o diez clases al día durante un tiempo —como hice yo, durante años.

  1. Ya colaboraste con varios artistas —¿qué aprendiste de esas experiencias?

He colaborado con muchos artistas. En cada experiencia aprendí que nunca dejamos de aprender. Siempre hay algo interesante y valioso que intercambiar.


También noté algo increíble: la gran mayoría de los ídolos con los que trabajé son profundamente humildes. Eso no significa que no conozcan su valor, sino que también están en constante búsqueda de aprendizaje y perfeccionamiento a través de sus vivencias.

Ver eso de cerca fue una lección muy fuerte y valiosa para mí. Otra cosa que aprendí es que, cuando te llaman para un proyecto de alto nivel, es porque tenía que ser tú, y ningún otro músico. Y ahí volvemos a la importancia de tener un “RG” o un ADN artístico. Encontrar tu propia voz es realmente fundamental.

  1. Entre tus discos, ¿hay alguno que sientas como un punto de inflexión en tu carrera?

Mi primer álbum, Meia Noite Meio Dia, fue fundamental. Por ser el debut, y por mostrar quién soy y de dónde vengo.
Y mi penúltimo álbum, City of Dreams, que fue nominado al Grammy estadounidense en la categoría Latin Jazz Album, marcó un nuevo momento en mi vida y en mi música: acababa de mudarme a Nueva York.

  1. En tu opinión, ¿el talento es algo con lo que se nace o algo que se construye con el tiempo y la disciplina?

Una combinación de ambas cosas. Pero saber estudiar es muy, muy importante.
Los músicos y artistas tienen talentos muy distintos: algunos tienen facilidad para ciertas cosas y no tanta para otras.
Hay una “fauna” muy rica y diversa entre los músicos. Es fundamental reconocer nuestros puntos fuertes y débiles para poder trabajarlos de forma específica.
John Coltrane, por ejemplo, lo hizo con absoluta maestría —de manera exhaustiva—, al igual que Michael Brecker y tantos otros grandes artistas que admiramos. Debemos inspirarnos en ellos.

  1. ¿Qué lugar ocupa hoy la identidad brasileña en el panorama global?

Creo que la identidad brasileña ya está plenamente consolidada en el imaginario colectivo del mundo —mucho más allá del Carnaval, Carmen Miranda o Pelé.
Especialmente en lo que respecta a la cultura. Dondequiera que voy, encuentro personas que conocen y admiran la obra de Niemeyer, Lina Bo Bardi, el cine brasileño, Luis Fernando Veríssimo, Machado de Assis y Clarice Lispector.
Aquí en Nueva York, por ejemplo, Lispector es un verdadero fenómeno.
La música brasileña, sin duda, se ha convertido en una de las principales escuelas del mundo, junto a la música estadounidense.
Hoy ya no se resume a la bossa nova. Caetano Veloso es un ícono en cualquier lugar, así como Gilberto Gil, Milton Nascimento, Djavan, Os Mutantes, Novos Baianos, Gal Costa, Edu Lobo, Chico Buarque, Hermeto Pascoal, Egberto Gismonti, Guinga, Lenine y tantos otros.
Hay toda una nueva generación de música brasileña ya consolidada internacionalmente, con la cual el público se identifica tanto como con Tom Jobim y João Gilberto.
La cultura es, y siempre será, lo que distingue a un pueblo de otro. Es a través de ella —de la gastronomía, las costumbres y la forma en que nos relacionamos— que nos reconocemos como parte de un lugar.
En el caso de Brasil y del brasileño, hay una forma de ser que parece encantar al mundo: un espíritu festivo y alegre, incluso ante las dificultades y desafíos del país. Siempre que digo que soy brasileño, la gente sonríe —casi en cualquier lugar del planeta.

  1. ¿Qué te gustaría que las personas sintieran al escuchar una canción tuya?

Me gustaría que las personas sintieran un poco de lo que yo siento al componer —y también al escuchar mis propias músicas.
Una vez oí al gran trompetista estadounidense Wynton Marsalis decir que el oyente más importante es el propio músico que interpreta.
Cuando él se emociona, el público inevitablemente se emociona también.
La conexión entre el artista y el público nace precisamente de esa emoción compartida.
Alegría, miedo, ternura, rabia, soledad, pasión, júbilo: la música puede despertar una infinidad de sentimientos que, cuando se viven en conjunto, se potencian.

  1. Has viajado con tu música a distintos países —¿percibes diferencias entre los públicos según el lugar? ¿Hay algún sitio donde hayas sentido una conexión especial?

Sin duda. Cada público es único, dondequiera que uno vaya.
Tengo un cariño especial por el público europeo, siempre muy respetuoso. Holanda, Alemania, Italia y España —todos tienen características propias y son especiales a su manera.
El público estadounidense es exigente, pero también muy cálido, y me encanta tocar aquí, especialmente en Nueva York.
En Japón, el público es extremadamente respetuoso y, al mismo tiempo, muy afectuoso.
El público latinoamericano, como el de Ecuador y Uruguay, es entusiasta y vibrante, igual que el brasileño.
Y, por supuesto, tocar en Brasil siempre es algo distinto: es estar en casa. Eso hace que cada presentación sea especialmente significativa.

  1. Si pudieras elegir hoy a alguien para compartir el escenario o colaborar, ¿quién sería y por qué?

He tenido la suerte de tocar con algunos de mis ídolos, como Herbie Hancock, Ron Carter, Brian Blade, John Patitucci, Plácido Domingo, João Donato, Johnny Alf, Brad Mehldau y Kathleen Battle…
Pero sería un sueño poder colaborar algún día con Pat Metheny. Nos conocemos, hemos hablado muchas veces, pero aún no ha ocurrido.
Metheny, sin duda, es el guitarrista que más ha influido en las generaciones posteriores. Es un artista visionario que sintetiza, como pocos, el espíritu del jazz al transitar entre géneros con libertad y profundidad.

El Festival Isla Calavera despliega en La Laguna su alfombra roja para abrir la programación de su Novena Edición

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  • Randal Kleiser, Veronica Cartwright, Simon Weisse y los españoles Sara Sálamo, Rodrigo Cortés y Daniel Monzón, entre sus invitados estelares.

7 de noviembre de 2025.- El Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera abre sus puertas este viernes 7 de noviembre, en el Teatro Leal, con la Gran Gala de Apertura de su novena edición, pistoletazo de salida a una atractiva programación adaptada a distintas generaciones y perfiles de espectadores.

Entre las estrellas invitadas homenajeadas en la ceremonia inaugural con el Premio Isla Calavera de Honor se encuentra el legendario director y productor Randal Kleiser, responsable de títulos tan icónicos como Grease(1979), uno de los filmes musicales más taquilleros de todos los tiempos, o la aventura de ciencia ficción juvenil El vuelo del navegante (1986), que cuenta con una legión de fans en todo el mundo. Sendas películas podrán verse en Multicines Tenerife, sede de proyecciones del Festival Isla Calavera, con la participación del autor. Además, se podrá ver el documental Life After the Navigator (2020), de Lisa Downs, que explora la vida del actor infantil Joey Cramer, protagonista de película producida por Disney.

Será también distinguida con el premio honorífico la actriz británica Veronica Cartwright, conocida por su participación en clásicos imprescindibles de la ciencia ficción como Alien, el octavo pasajero (1979) y La invasión de los ultracuerpos (1978), título que formará parte de un esperado encuentro con la artista.

Además, Isla Calavera celebra los 15 años de la película Buried (2010), un hito del cine fantástico español, que revolucionó el género por su originalidad, con un evento especial con la participación de su director Rodrigo Cortés, quien recibirá el Premio Isla Calavera de Honor en reconocimiento a su carrera polifacética. El cineasta gallego ha continuado explorando el género fantástico y el thriller con títulos como Luces rojas (2012), donde aborda temas relacionados con la parapsicología y el misterio, Blackwood (2018) o su trabajo más reciente, Escape (2024), avalado por la producción ejecutiva de Martin Scorsese.

Por otro lado, también será homenajeado el cineasta nacido en Palma de Mallorca, ganador del Premio Goya, Daniel Monzón, por su sólida trayectoria tanto en la ficción realista como en el cine fantástico. Su ópera prima, El corazón del guerrero (1999), le impulsó como un referente en el género, y posteriormente ha dirigido títulos como La caja Kovak (2006) o el thriller carcelario Celda 211 (2009), alrededor del cual girará el encuentro con el cineasta. El creador recibirá un galardón honorífico del Festival Isla Calavera.

Con una brillante y versátil carrera en cine, televisión y teatro, la tinerfeña Sara Sálamo recibe el Premio S. S. Venture al talento canario, por su trayectoria tanto en la interpretación, bajo la dirección de Asghar Farhadi o Pedro Almodóvar, como en la escritura y dirección. Su cortometraje ‘Yaya’ se proyectará este viernes al final de la Gala de Apertura del festival.

Cabe señalar que en esta edición el Festival Isla Calavera estrena el Premio a la Serie más Fantástica, con la entrega del galardón a Furia (HBO), de Félix Sabroso. El productor Tedy Villalba recoge el premio en el marco de la ceremonia inaugural.

Además, visita la ciudad de La Laguna el destacado escenógrafo, especialista en efectos visuales y diseñador de atrezo Simon Weisse. Con formación en Bellas Artes en Montpellier, se ha especializado en la creación de miniaturas y modelos para el cine, trabajando desde su taller en Berlín para producciones internacionales de gran presupuesto como V de Vendetta, El atlas de las nubes, Matrix Resurrections y, de manera habitual, en los filmes de Wes Anderson como El gran hotel Budapest, Isla de Perros, La crónica francesa, Asteroid City y los cortometrajes La maravillosa historia de Henry Sugar y The Swan. Weisse ofrecerá una clase magistral sobre su proceso creativo, que incluye desde el diseño de maquetas hasta el modelado de elementos esenciales para la narrativa visual del cine fantástico y de autor.

METRÓPOLIS

El póster del Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera 2025 está inspirado en el filme Metrópolis (1927), obra maestra del cine mudo y uno de los pilares del cine de ciencia ficción y del expresionismo alemán.

Además, Metrópolis podrá verse en Multicines Tenerife, sede del festival, en una producción original Isla Calavera que combina el cine silente con interpretación y música en directo de la mano de Jonay Armas. Bajo la dirección de Camilo García, célebre por doblar al castellano a Anthony Hopkins o Harrison Ford, contará también con la participación de Luis Posada (voz de Johnny Depp, Jim Carrey, Leonardo DiCaprio), Graciela Molina (voz de Natalie Portman, Christina Ricci, Kirsten Dunst), y otros talentos del doblaje.

Tres salas para disfrutar del cine fantástico más esperado y clásicos

Las películas de género más esperadas del momento se podrán ver en tres salas de Multicines Tenerife, sede oficial de proyecciones del Festival Isla Calavera. El programa abarca un total de 56 películas (30 largometrajes, 36 cortometrajes) y una serie, divididos en Sección Oficial a Competición, Panorama, Clásicos, Documentales y Eventos Especiales.

Forman parte de la sección oficial 13 largometrajes, seis de ellos en lengua española: Luger, Gatillero, Disforia, Singular, Dog of God, La leyenda de Ochi, Mother’s Baby, Redux, Redux, Blood Shine, Mother of Flies, The Black Hole, Drácula de Luc Besson y la producción canaria La cosa en la niebla.

Para su novena edición, el Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera ha hecho una extensa y variada selección de cortometrajes. Un total de 19 trabajos han entrado en la sección oficial del concurso, donde predominan los trabajos de producción nacional, pero en la que hay también representación de países como Francia, Alemania, Canadá, Rusia o Irán. La animación se ha hecho también un hueco importante dentro de la selección de este año, con predominio de la ciencia ficción, y un formato donde destaca también la amplia presencia femenina en el apartado de dirección.

En la selección, encontramos a realizadores españoles vinculados al género fantástico y que han tenido ya presencia previa en el festival en el apartado de largometrajes. Kike Maíllo, ganador en 2020 con Cosmética del enemigo presenta Huir; y Kiko Prada, ganador el año pasado del premio del público a mejor largometraje por Historias de Halloween, presenta The Call.

El mago Jandro vuelve también a estar seleccionado con el cortometraje El Revisor, mientras que Sam Orti, ganador el año pasado del premio a mejor cortometraje tanto por el jurado oficial como por el premio del público, compite este año con El Aspirante.

Tánatos de Joel de León es la representante de Canarias dentro de la sección oficial y forma parte también de la nueva sección no competitiva Hecho en Canarias, que incluye otros trece cortometrajes escritos, producidos, dirigidos y realizados en el archipiélago. La selección canaria apuesta especialmente por la ciencia ficción con dos fan films dedicados a Star Wars (Rebel Storm y Misión Halcón), además de títulos como Las Coordenadas Exactas, Los Muchachos o Gliese. El terror queda representado por Hoja en Blanco, mientras que la idiosincrasia canaria y su cultura son la base también de títulos como La Isla Errante, Abora, El Camino del Garrote o Corazón(es) de Magma. Hecho en Canarias busca también dar visibilidad a la cantera de realizadores en las islas con trabajos como Hijos de Reloj, La Kasa o Los Invencibles.

JURADOS DE LA SECCIÓN OFICIAL

El Jurado de la Sección Oficial de Largometrajes está formado por Annick Mahnert, productora, directora de programación del Fantastic Fest de Austin y programadora del Festival de Cine Fantástico de Sitges, como presidenta; la actriz Raquel Herrera; Alejandra Acosta, investigadora Postdoctoral Catalina Ruiz en el Departamento de Filología Española de la ULL; y Kiko Castro, productor, compositor, ingeniero de sonido.

SECCIÓN DOCUMENTAL

En el Festival Isla Calavera 2025, la sección Documental propone un viaje fuera de los límites de la ficción para adentrarse en las historias y testimonios que revelan el pulso oculto del cine fantástico. Obras que investigan sus raíces, celebran sus leyendas y analizan cómo sus símbolos y criaturas continúan inspirando y moldeando el imaginario cultural contemporáneo.

Además del documental Life after the Navigator (2020), de Lisa Downs, que se proyectará con motivo de la presencia del autor de El vuelo del navegante, Randal Kleiser, se podrán ver novedades destacadas, como Aquel último tiburón, de Víctor Matellano y Ángel Sala, sobre el rodaje y estreno de L’ultimo squalo, a través del testimonio de su director Enzo G. Castellari, uno de los grandes autores de la exploitation italiana.

Completan la oferta El último arrebato, de Marta Medina y Enrique López Lavigne, que recorre el mito de Arrebato (1980), la gran película de culto del cine español en su 45º aniversario y la figura maldita de su director, Iván Zulueta; y Making Megaforce (Estados Unidos), de Bob Lindenmayer, que narra el peculiar viaje de su director, el mayor fan de la película protagonizada por Barry Bostwick, mientras se embarca en una misión para reivindicar y comprender uno de los mayores fracasos del cine de acción ochentero.

SECCIÓN PANORAMA

Dentro de la sección Panorama, fuera de concurso, destaca la presentación de Silencio, la nueva serie escrita y dirigida por Eduardo Casanova, después de su primera proyección y estreno mundial en el Festival de Cine de Locarno y su paso por Sitges. Con un reparto femenino encabezado por Lucía Díez, Ana Polvorosa, María León, Mariola Fuentes, Leticia Dolera y Carolina Rubio, junto a Omar Ayuso, Silencio explora el mito de los vampiros como metáfora para reflexionar sobre la estigmatización y la condena social a través de dos pandemias, la Peste Negra y el SIDA.

ENCUENTRO DE INDUSTRIA: RODAR EN CANARIAS

Este sábado 8 de noviembre, a partir de las 11.30 horas en Multicines Tenerife, el Festival Isla Calavera celebra una nueva edición de su Encuentro de Industria: Rodar en Canarias, un espacio profesional que reúne con el impulso de Tenerife Film Commission, a destacados nombres nacionales e internacionales de la industria audiovisual junto con representantes y profesionales del sector cinematográfico canario.
Esta entrega contará con la intervención del reconocido director Randal Kleiser, la actriz, directora y productora Sara Sálamo, y los directores Daniel Monzón y Rodrigo Cortés, quienes aportarán sus experiencias y reflexiones sobre la industria audiovisual y sus necesidades para trasladar sus rodajes a Canarias. Tenerife Film Commission expondrá las bondades de la isla para el desarrollo de producciones audiovisuales. 
Entre los invitados confirmados se encuentran destacados profesionales vinculados al Festival, como Simon Weisse, maquetista colaborador de Wes Anderson y las hermanas Wachowski; Lisa Downs, productora y directora de documentales; Tedy Villalba, productor de Furia, ganadora del Premio Isla Calavera a la Serie más Fantástica del año; Alberto Gastesi, director del largometraje en Sección Oficial Singular; Ramiro Blas, actor de la película también en competición Gatillero; Millán Salcedo, popular actor y humorista presente en el festival con una exposición; David Sáinz, cineasta y actor canario protagonista de Luger, también a concurso;  Manuel Valencia y Empar Lagunas, del fanzine 2000 Maníacos, galardonado con el Premio Isla Calavera a la Difusión del Fantástico; Santiago Tabernero, productor, guionista y director; Denisse Castro, directora de cine; Chedey Reyes, director de la película La Cosa en la Niebla, en competición en el festival bajo el sello “Hecho en Canarias”; Sara Draven, creadora de contenido; y Alberto Cano y Nuria Pérez, de Lightbox Academy.
Además, esta edición contará con la participación de numerosos profesionales de la industria cinematográfica canaria, consolidando el Encuentro de Industria Isla Calavera como un foro clave para el intercambio de conocimientos, la presentación de oportunidades de rodaje en Canarias y la potenciación del sector audiovisual en el archipiélago.

EXPOSICIONES Y PUBLICACIONES

El Festival Isla Calavera ofrece este año la exposición inédita: FIJARTE. Millán Salcedo Fantástico: Más allá de Martes y Trece. El popular actor, humorista y pintor español, trae sus videocreaciones que lo consolidan como un creador multidisciplinar que combina el arte y el humor.

Por otro lado, en Multicines Tenerife se desplegará un recorrido fotográfico sobre el making of de Metrópolis, de Fritz Lang; además de una reproducción a tamaño real de la célebre robot María, que acompañará a otra gran escultura de un xenomorfo de la saga Alien, creadas para la ocasión.

Además, como cada año, el reconocido escritor de literatura fantástica nacido en Canarias Víctor Conde firma el libro que publica el festival. Con inspiración en la película Metrópolis, el autor presentará su nuevo trabajo, Slipstream City, dentro de la programación.

Sobre el Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera

Organizado por la Asociación Cultural Charlas de Cine, la Asociación Cultural Isla Calavera, Multicines Tenerife y la publicación especializada TumbaAbierta.com, el Festival Isla Calavera cuenta en su novena edición con el patrocinio del Ayuntamiento de La Laguna, a través de la concejalía de Cultura, Gobierno de Canarias, Promotur, Turismo de las Islas Canarias, Islas Canarias Latitud de Vida, Cabildo de Tenerife, Instituto Canario de Desarrollo Cultural y Canary Islands Film; y la colaboración de la Universidad de La Laguna, La Laguna Zona Comercial, Alda Producciones, Zulay Panaderías, Grupo Fly Luxury, Juan Antonio Ribas Subtítulos y Ediciones Digitales, Consejo Regulador de la Denominación de Origen Tacoronte-Acentejo, Mercado Nuestra Señora de África, Culturamanía, CinemaNext, Flaming Frames, Fundación SGAE, Teatro Leal, Tenerife Film Commission, José Acosta Style, Audi Canarias, Coca-Cola y Royal Bliss.

Isla Calavera nace en 2017 y en sus ocho primeros años de trayectoria ha logrado una importante repercusión y está considerado como uno de los encuentros de cine fantástico más relevantes del país, miembro de Méliès International Festivals Federation (MIFF), que agrupa a 32 miembros de 22 países en cuatro continentes, con una audiencia mundial de más de 900.000 espectadores cada año.

‘Y en eso llegó Manzana’, la historia de una empresa discográfica revolucionaria

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La publicación editada por el Gobierno de Canarias se presenta el miércoles 12, a las 18.30, en el Círculo de Bellas Artes de Tenerife

La marca Discos Manzana marcó una época imborrable en la memoria de varias generaciones de Canarias, especialmente de Tenerife. La historia de la mítica empresa discográfica es tan intensa que da para mucho. Por eso, el Gobierno de Canarias ha querido apoyar la edición de un libro que, bajo el título ‘Y en eso llegó Manzana’, se cuenta su trayectoria en una publicación llena de recuerdos, fotografías, testimonios y anécdotas, escrita y coordinada por Alberto J. González Segura.

Una edición de 272 páginas, con prólogo de José Manuel Pérez Lorenzo e introducciones de los periodistas Carmelo Rivero y Juan Cruz Ruiz, que será presentada el miércoles 12 de noviembre, a las 18.30 horas, en un acto que tendrá lugar en el Círculo de Bellas Artes de la capital tinerfeña, con entrada libre hasta completar aforo.

La presentación contará con la intervención de Cristóbal de la Rosa, director general de Innovación Cultural e Industrias Creativas del Gobierno de Canarias, y con los principales protagonistas de su historia, Alberto y Javier Segura, que prometen dar alguna que otra sorpresa para conmemorar los 50 años del grupo, con el periodista Carmelo Rivero como maestro de ceremonias.

El libro, en formato de tapa dura, ha sido editado por el área de Cultura del Gobierno, a través del Instituto Canario de Desarrollo Cultural (ICDC), y estará a disposición del público em las bibliotecas públicas, así como en varias librerías de las islas. Asimismo, al término del acto de presentación sus autores se desplazarán a su actual tienda de vinilos y vintage ‘El Cinematógrafo’, localizada en la cercana plaza del Chicharro, para la firma de ejemplares.

Discos Manzana fue un negocio mítico. Abrió sus puertas en La Laguna, en septiembre de 1975, por lo que la publicación viene a coincidir con los 50 años de su fundación. Durante casi tres décadas revolucionó la música en Canarias. Llegó a tener 25 locales de venta de discos y un sello discográfico propio con los que editó los mayores y mejores éxitos de múltiples grupos.

La publicación recoge infinidad de imágenes míticas, anécdotas y testimonios de una época irrepetible de la música y sirve de homenaje a una experiencia que muchos denominan “extraordinaria”. Alberto Segura, ideólogo, junto a su hermano Javier, del grupo Manzana, describe en estas páginas cómo fueron los inicios, con referencias a muchas de las personas con las que, de una manera y otra, le acompañaron en el camino.

También cuenta la fuerte huella que supuso el cierre del grupo en 2002, una experiencia que “con la perspectiva de los años creí oportuno mostrarla, no solo para el recuerdo, sino para la constancia de un posible legado a nuevas generaciones, que caminan por un mundo que nada tiene que ver con el que se vivió en aquellos años dorados de los ochenta, incluso los noventa”.

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