La nueva película del universo DC está protagonizada por Dwayne ‘The Rock’ Johnson, Sarah Shahi, Pierce Brosnan, Viola David y Noah Centineo
Casi 5.000 años después de haber sido dotado de los poderes omnipotentes de los antiguos dioses -y encarcelado con la misma rapidez-, Black Adam (Dwayne Johnson) es liberado de su tumba terrenal, listo para desatar su forma única de justicia en el mundo moderno.
BLACK ADAM se estrenará en HBO Max el próximo viernes 16 de diciembre
El filme, que protagoniza Vicky Krieps, trata el tema de la pérdida a través de la historia de una mujer que abandona su hogar
TEA Tenerife Espacio de las Artes proyecta desde mañana [viernes 9] hasta el domingo [día 11], a las 19:00 horas, Abrázame fuerte (Serre moi fort, 2021), una película dirigida por el actor y realizador francés Mathieu Amalric que trata el tema de la pérdida a través de la historia de una mujer que abandona su hogar. El filme -basado en la pieza teatral Je reviens de loin, de Claudine Galea- se pasa en versión original en francés con subtítulos en español.
Estrenada en el Festival de Cannes, ganadora del Premio a la mejor película en Nuevas Olas del Festival de Sevilla y protagonizada por Vicky Krieps, Arieh Worthalter y Anne-Sophie Bowen-Chatet, la película presenta a una mujer, Clarisse, que se marcha de casa dejando a su marido Marc y a los niños.
Tras su huida, la vida continúa: su marido prepara ahora los desayunos, su hija Lucie se dedica en cuerpo y alma a sus lecciones de piano y Paul, el hijo menor, no deja de hacerse preguntas. Mientras tanto, Clarisse se aleja hacia al mar, en coche, e imagina a los niños crecer y a Marc envejecer sin ella. ¿Pero es realmente una huida hacia delante? Tal vez Clarisse solo quiere empezar de nuevo, inventarse un nuevo final.
Mathieu Amalric debutó como actor en 1984 en Les favoris de la lune, de Otar Iosseliani. Desde entonces, ha tenido una carrera imparable que le ha llevado a trabajar con Roman Polanski, Bertrand Bonello, Wes Anderson, Alain Resnais, Tsai Ming-liang y Eugène Green, entre otros. Mathieu Amalric también cultiva una fructífera carrera como director desde que se estrenó en 1990 con su cortometraje Sans rire y en 1997 con su primer largo, Mange ta soupe.
Desde entonces ha dirigido numerosas obras y ha destacado especialmente con su película Tournée (2010), Premio de la Sección Oficial al Mejor Director y premio FIPRESCI en Cannes. Desde entonces, ha dirigido La habitación azul (2014) y Barbara (2017), estrenada en la Sección Un Certain Regard de Cannes en 2017 y Premio a la Mejor Dirección en Sevilla.
La Plaza de Montserrat de Los Sauces acogerá este viernes uno de los platos fuerte de la XVII edición del Festival de Góspel de Canarias, con la actuación de Stars Of Gospel. La cita, con entrada libre, tendrá lugar a partir de las 2o:30 horas. El festival se desarrolla durante el presente mes de diciembre en distintos municipios del archipiélago y cuenta con al patrocinio del ICDC del Gobierno de Canarias y del Cabildo de La Palmas y el Ayuntamiento de San Andrés y Sauces.
Stars Of Gospel no es solo un espectáculo musical, también es una experiencia que no deja a nadie indiferente. Hunde sus raíces en las mejores tradiciones musicales afroamericanas, representando una cultura comunitaria donde se dan la mano la libre expresión y la belleza. Las conmovedoras voces de las Stars of Gospel, con su perfecta fusión de armonías cautivadoras y ritmos poderosos, dan a sus conciertos una dimensión espiritual donde la música se convierte en una metáfora de la vida, combinando energía, entusiasmo y emociones.
Para estos conciertos en el Leal, además, contará con la presencia de la soprano Bridget Bazile, artista que ha sido aclamada en grandes teatros de todo el mundo y es reconocida como una de las voces más eminentes de su generación, tanto en el campo de la clásica como en el Negro Spiritual. Sus representaciones como solista incluyen el Carnegie Hall de NYC, el Orchestra Hall de Chicago y el Lyon Sacred Music Festival de Lyon, Francia, el John F. Kennedy Center For The Performing Arts y el World Symposium de Sidney, Australia.
Después de la publicación de su disco ‘Sometimes I Feel…’, en el presente mes de diciembre de 2022 celebra su décima gira europea dedicada a la promoción del legado musical afraomericano.
Francisco Santana y Gregorio Figueras, Piedra Pómez, vuelven a subirse al escenario del Teatro Leal para presentar ante el público lagunero su último espectáculo ‘Tres tragedias y un velatorio’, título con el que celebran sus primeros 35 años de vida sobre las tablas. . La actuación dará comienzo las 20:00 horas y las entradas ya están la venta en la misma taquilla del teatro y a través de la web www.tickety.es
Santana habla de esta nueva oferta humorística como “un juego sobre el entorno de todo el mundo de las tragedias y del negocio de la muerte. Intentamos vivirlo con un poco de atrevimiento. La muerte se ve como algo terrible, pero quizás no sea tan terrible… El espectáculo quiere jugar con todo eso y al hacer burla alrededor de esta parafernalia, la de la tragedia, quizás nos libere un poco. En el fondo, se trata de lo mismo de siempre, reírnos de lo que se puede uno reír”.
Su regreso al Leal, espacio que en el que siempre tienen una notable acogida, sirve para celebrar una efeméride redonda: “35 años de vida humorística denota que por lo menos algo propio hemos creado. Nos hemos mantenido con una personalidad curiosa. Quizás hemos aportado algo que no existía o por lo menos hemos hecho una oferta atractiva al público que no existía. Y creemos que sigue sin existir. Nos movemos en unos parámetros que poco se hace, retorcer la realidad y crear el humor a partir de lo cotidiano, sin recursos chabacanos”.
¿Y qué supone seguir subiendo a los escenarios después de tanto tiempo? “Es una espacie de inyección de vitalidad. Creo que mi compañero, Gregorio, comparte lo mismo. Es como entrar en un universo distinto, no paralelo, porque si eres muy leo, no se puede sentir eso. Al jugar con otro rol de personalidad, en virtud de querer reír y hacer reír a la gente, eso potencia un montón de cosas. Eso te desinhibe, te permite ser agudo… Se dan muchas situaciones distintas al día a día. Yo me siento tranquilo, cómodo y motivado”.
La cantante Lourdes Hernández regresa al primer plano mediático para protagonizar el debut de la cineasta Andrea Bagney
Filmin estrena el próximo viernes 16 de diciembre el largometraje «Ramona», debut como directora de Andrea Bagney y primera experiencia como actriz de Lourdes Hernández, conocida en la industria musical como Russian Red. Tras varios años alejada de los focos mediáticos, Hernández se estrena en el cine con esta comedia rodada en blanco y negro y ambientada en Madrid, en la que interpreta a una aspirante a actriz que vive con su novio en Lavapiés y que conoce en un bar a un hombre más mayor que ella, con el que pronto siente una fuerte conexión. Al día siguiente, Ramona descubre en un casting que su nuevo amigo, y pretendiente, es el director de la película.
Rodada en 16mm durante la primavera de 2021 -cuando todavía había toque de queda a causa de las restricciones por el covid-, y confesamente inspirada por la comedia clásica norteamericana (de Wilder a Allen), y por «Frances Ha», «Ramona» cuenta con secuencias nocturnas en las que Madrid parece un plató, una de ellas la icónica imagen de la Gran Vía vacía.
Andrea Bagney reconoce el orgullo de haber contado para su primera película con una artista como Lourdes Hernández: Me enorgullece que «Ramona» marque el regreso de Lourdes después de algunos años apartada de la vida pública. Ella es una artista auténtica, pura, que dejó la música cuando empezó a sentir que el proceso no era honesto. Se ha entregado al papel de Ramona con felicidad y fidelidad, inyectando de energía positiva a todo el equipo (y a mí misma) desde el principio. Ha sabido trasladar a la cámara la misma magia y el mismo talento que exhibe en un escenario. La actriz le devuelve los piropos: Andrea es una de esas personas que quieres tener a tu lado. Está muy motivada, tiene mucha fe en lo que hace y busca las soluciones.
«Ramona» cuenta en su reparto, junto a Hernández, con los actores Bruno Lastra («Entrevías») y Francesco Carril, un habitual del cine de Jonás Trueba. La película se estrenó en el Festival de Karlovy Vary y obtuvo un gran éxito a su paso por el Festival de Roma, donde ganó tres premios: Premio del Jurado a Mejor Guión, la Mención Especial Mejor Ópera Prima y Mención Especial Mejor Comedia.
El viernes 18 tuvo lugar «el evento». Cómo señalamos en la anterior crónica, la presencia de John Landis era una promesa desde la visita de Naughton/Baker en el 2019…y allí estaba el cineasta, acompañado de su mujer, la diseñadora Deborah Nadoolman. La sala a reventar a las 17:00 horas en la sala 17. Todos tenían las gafas. Todos tenían los rostros de John Belushi y Dan Aykroyd. Todos iban de negro, y Manuel García Mesa contribuyó a la atmósfera con su desparpajo y sentido del humor. Pistoletazo de salida inmejorable, y casi un puente entre dos festivales; el Docurock y el que nos ocupa. No en vano, es un clásico del musical moderno y poco tiene que ver con el fantástico (o si…esa misión divina), pero es el p… John Landis, y es una maravilla cinematográfica. Punto. Así mismo, la copia era impecable (felicidades, Juan Antonio Ribas) y lucio cómo tal en pantalla…pese a que el propio director la encontró un poco » pálida»… pero entramos en faena…
De los avatares de la producción y argumento, no voy a hablar aquí. Para todo eso ya está el excelente folletín entregado a los acólitos, donde se encuentra toda la información necesaria, por obra y gracia de Manuel Díaz Noda… Nos ponemos en situación con Daniel y Ramón, nuestros Elwood y Jake locales, que nos introducen en la proyección.
Dos horas después, entre coches destrozados, blues, góspel, country, soul, rock carcelario, Carrie Fisher, Steven Spielberg, el sempiterno Frank Oz, James Brown, Cab Calloway, Aretha Franklin, Ray Charles, o John Lee Hooker, entre otros, allí seguíamos…entre buena música y gran comedia. Y viene el momento de la charla/entrevista. Díaz Noda, cómo buen cinéfilo y traductor, ejerce de maestro de ceremonias. Landis se siente cómodo y conversador y habla sobre los orígenes del proyecto. Nos sitúa a finales de los 70, con la invasión de los sonidos discotequeros, con Abba y Bee Gees en la cresta de la ola («Disco Sucks!» grita un poseso en la sala) y de la idea de Aykroyd de reivindicar la tradición musical americana. Del disco superventas de su soundtrack que reverdecio los laureles de las carreras de los artistas citados, o de la banda formada para el film, vertebrada por primeros espadas (con el gran Steve Crooper, entre otros, a quien tuve el privilegio de ver en directo hace casi 20 años en el Puerto de la cruz con….la Blues Brothers Band), que luego salieron de gira. Del éxito critico-comercial y del legado del film ya da buena cuenta el folleto de Isla Calavera. Se habló de la instauración de esa nueva comedia, donde militaron las huestes del Saturday Night Live o la revista National Lampoon.. aunque el realizador dice que no ha inventado nada (» Humour is Humour») , que la «Crash comedy» siempre ha existido, y lo que hace al film realmente especial es el aspecto musical. Decía Landis, respondiendo a Ramón González, sobre Un hombre lobo americano en Londres, que sin el éxito de sus dos primeras películas, no se habría podido hacer el clásico de culto de licántropos («demasiado terrorífica para ser una comedia… demasiado cómica para ser una de horror» recuerda Landis citando a la critica de la época), y, por último, responde a Norberto Trujillo, sobre su colaboración con Sylvester Stallone en Óscar, y la serie Sigue Soñando. Aquí, ya el anecdotario se intensifica a tope, desvelando las diferencias entre Kirk Douglas (padre moribundo del protagonista en la trama) y Sly, desde los tiempos de First Blood (Acorralado). El patriarca de los Douglas, que encarnaba al Coronel Trautman inicialmente, no quedó demasiado contento con la decisión de que Rambo ( al contrario que en la novela) quedara vivo en el clímax, con lo cual se apeó del rodaje. Según Sly, se la tenía jurada desde entonces. Y según Landis, la bofetada de la escena de la expiración del personaje de Douglas a Stallone…es real, tal y como se ve…y sin efectos de sonido!
A Landis le gusta hablar, desgranar sus rodajes (Pacino fue la primera opción para Óscar…pero pedía demasiado dinero y se fue a hacer Dick Tracy) y le hace mucha gracia la traducción de algunos de sus títulos al español, cómo Desmadre a la americana (Animal House), Granujas a todo ritmo (The Blues Brothers) , Entre pillos anda el juego (Trading Places) y, sobre todo, su favorito…El príncipe de Zamunda (Coming to América).
Tras casi dos horas, el director se encuentra cansado y debe ir a cenar. Alguna cara larga por la ausencia de firmas, no impidió el disfrute generalizado de una verdadera masterclass, que fue filmada y pueden revisar.
Como colofón, una actuación descomunal, que nos deleitan con temas que suenan en la película, como el Peter Gunn, de Henry Mancini, Think de Aretha Franklin, o el ya inmortal Everybody needs somebody to love, de Solomon Burke, coreada por todo quisque, con todos en pie bailando…pero eso no fue todo, cómo comprobamos al día siguiente…
El domingo por la mañana Landis acudió como público a la charla sobre vestuario fantástico, ya comentada en la anterior entrega. Tras la misma, el cineasta accedió amablemente a firmar memorabilia variopinta, haciendo alarde de humildad y afabilidad en todo momento. Incluso se dejó fotografiar en ciertos momentos. Acto seguido, se fue a almorzar, dejando a fans y cinéfilos en general, más que satisfechos. Tanto es así, que el lunes vuelve a asistir, ésta vez como mero espectador, con su cubo de palomitas, para visionar el último trabajo de Neil Marshall, The Lair..todo un dechado de modestia.
Y se cierra el círculo. Si con el director estadounidense comienza el festival, el sábado 26 se termina con el mismo. Mientras acontecía la gala de clausura, unos pocos afortunados pudimos recuperar Cuando llega la noche (1985), el particular » After hours» de su autor. B.B. King nos sumerge» Into The Night», cuando Jeff Goldblum, aburrido y desencantado con su vida en general, vive un giro inesperado del destino cuando Michelle Pfeiffer (con chaqueta roja…autohomenaje al Thriller de Michael Jackson?) cae en el capó de su coche… aventuras y comedia con diamantes de por medio, Elvis, Irene Papas, Dan Aykroyd, Roger Vadim (el francés!), David Bowie (el inglés!), Carl Perkins, Jonathan Demme, Lawrence Kasdan o Jim Henson. Desenfadada despedida que se saldó con un batacazo critico-comercial en su momento, pero que nos alegro la noche a los allí presentes.
Y con esto concluye el periplo del gran John Landis por nuestra Isla (Calavera), dando una lección de saber estar, prestancia, amabilidad, humor y mucha cinefilia… I can,t turn you loose!
Prime Video desvela las primeras imágenes y la fecha de estreno de la serie Daisy Jones & The Six
Prime Video ha desvelado las primeras imágenes de la esperada serie musical Daisy Jones & The Six, que se estrenará en exclusiva en Prime Video el 3 de marzo, con nuevos episodios cada viernes hasta el 24 de marzo. La serie estará disponible en Prime Video en más de 240 países y territorios.
Basada en la exitosa novela de Taylor Jenkins Reid, Daisy Jones & The Six es un drama musical que detalla el ascenso y la precipitada caída de una renombrada banda de rock. En 1977, Daisy Jones & The Six estaban en la cima del mundo. Liderada por dos carismáticos cantantes, Daisy Jones (Riley Keough) y Billy Dunne (Sam Claflin), el grupo saltó del anonimato a la fama, pero, tras un concierto con entradas agotadas en el Soldier Field de Chicago, dejaron de cantar. Ahora, décadas después, los miembros de la banda se ponen de acuerdo para revelar la verdad. Esta es la historia de cómo una banda icónica implosionó cuando estaban en la cima de su carrera musical.
La serie está protagonizada por Riley Keough en el papel de Daisy Jones, Sam Claflin en el de Billy Dunne, Camila Morrone interpreta a Camila Dunne, Will Harrison a Graham Dunne, Suki Waterhouse es Karen Sirko, Josh Whitehouse es Eddie Roundtree, Sebastian Chacon es Warren Rhodes, Nabiyah Be da vida a Simone Jackson y Tom Wright a Teddy Price. Destaca la aparición especial de Timothy Olyphant como Rod Reyes.Producida por Amazon Studios Daisy Jones & The Six cuenta con la producción ejecutiva de la también actriz Reese Witherspoon y Lauren Neustadter de Hello Sunshine y Brad Mendelsohn de Circle of Confusion. La serie creada por Scott Neustadter y Michael H. Weber está basada en la novela bestseller de Taylor Jenkins Reid, quien también forma parte de la producción. Además, cuenta con la coproducción de Scott Neustadter y Will Graham quienes también ejercen de productores ejecutivos. Los primeros cinco episodios de la serie han sido dirigidos y producidos por James Ponsoldt, otros cuatro corrieron a cargo de Nzingha Stewart y uno es de Will Graham.
La sesión escenificada será el martes 13, a las 20.00 horas, en el Espacio La Granja, con entrada libre para el público
El equipo del proyecto Canarias Escribe Teatro (CET) ha elegido el Espacio La Granja para organizar una lectura dramatizada de fragmentos de varios de los textos nacidos este año, al amparo de su Aula de Dramaturgia, en una sesión abierta al público de forma gratuita. Son la última hornada de guiones realizados por autores y autoras de las islas, que inician así un recorrido que tiene como objetivo llegar algún día a ser representados sobre los escenarios.
La sesión será el martes 13 de diciembre, a las 20.00 horas, y servirá también para dar a conocer el nombre del texto ganador del III Certamen Canarias Escribe Teatro, del que también se ofrecerá una lectura dramatizada. Este concurso anual tiene como finalidad descubrir y proyectar nuevos textos y creadores dramáticos nacidos o residentes en las islas Canarias y distingue dos categorías, una Absoluta y otra de Nuevas Voces dirigida a menores de 25 años.
La velada comenzará con la lectura dramatizada del Aula que dirige Isabel Delgado y tendrá como intérpretes a Elisa Cano, Javier Socorro y Carla León, bajo la dirección de Luis O’Malley.
Según explican desde el CET, el Aula de Dramaturgia va más allá de la elaboración de un texto dramático, pues sirve también como un lugar de encuentro para que escritores y escritoras intercambien ideas y textos, que se reúnan para desarrollar proyectos conjuntos y que en el futuro puedan incluso escribir obras a varias manos.
Para esto Isabel Delgado lleva la tutoría de varios textos al mismo tiempo, conservando la esencia del Taller Permanente y paralelamente se realizan, unas clases puntuales impartidas en esta ocasión por Israel Castro, Rafael Rodríguez y Luis O ìMalley, que sirven para que los participantes de El Aula adquieran otros conocimientos relacionados con la escritura dramática.
Los textos seleccionados para ser escenificados fueron escritos por Juan Manuel Mateo, Ana Vanderwilde, Carlos Alvarado, Lourdes Reyes, Lourdes Rojas, Josefa Armas, Tania Rodríguez y Emiliano Samijosky.
Creado hace 14 años por la compañía 2RC, Canarias Escribe Teatro cuenta con el decidido apoyo del Instituto Canario de Desarrollo Cultural (ICDC), dependiente del Gobierno de Canarias. Además de su propio Laboratorio de Escritura Teatral (LET), cada año promueve diferentes iniciativas para fomentar la dramaturgia. entre ellas talleres, certamen, concursos y exhibición escénica de algunas de sus propuestas.
Yunes opina que si no se hubiera dedicado a la lectura, no podría existir como persona. “Quizás sería un árbol”, dice por el carácter contemplador. Dedicada íntegramente a la lectura, la brasileña conoce en profundidad las políticas de fomento de la lectura en América Latina, aunque no las españolas. Esto no significa que las desconozca del todo y piensa que, durante muchos años, el sur de América “miraba hacia España para todo”. Esto ya ha cambiado. Además añade que “el acto de leer en los libros nos prepara para leer mejor la vida”.
¿Recuerda cuál fue el primer libro que llegó a sus manos?
Sí, el primero de todos fue una historia de Andersen, ‘La pequeña sirena’. Recuerdo que tenía como 4 o 5 años. No podía leer todavía. Después, por mi propia cuenta, fue un libro de un autor brasileño, Monteiro Lobato. Era toda una colección de libros largos, muy largos y cuenta la historia de unos niños que se pasan las vacaciones en la finca de la abuela. La abuela es una persona muy chistosa, muy alegre… y que sabe mucho de la historia del mundo y de la literatura. Entonces por la noche les cuenta cuentos y durante el día los niños viven esos cuentos. Es fantástico.
Su trayectoria profesional gira en torno a la lectura. ¿Qué sería de usted sin ella?
Pienso que sin la palabra difícilmente existiría como persona. Quizás yo pudiera existir como un árbol, que es algo que me fascina también pero que está en total silencio y contemplación. Pero la palabra me abre mundos, me hace poner en contacto con las gentes. Esto hace que crezca como persona. Pienso que lo humano no está completo, que le falta crecer mucho más y, el arte en general y la literatura en particular, hace que crezcamos como humanos.
Más allá de la teoría está la práctica. ¿Son los festivales como este la manera más efectiva de fomentar la lectura?
Un festival de esta naturaleza es algo muy especial. Quizás, si hubiera un festival como este en cada municipio sería más fácil involucrar a las personas en una disposición permanente de estar frente a los demás. Digo esto porque este es un festival que no se hace solamente en salas cerradas, que no se hace en el escenario especial de una universidad o de una institución. Está en las calles y desde las calles es posible encontrarse a la gente, escuchar cuentos, manejar otras visiones del mundo y otros aspectos culturales. En este caso, trayendo personas de otras partes del mundo se facilita que aparezcan las diferencias, pero de buena voluntad. Las diferencias que agregan y no las que separan. Entonces me imagino que un festival como este es un acto
político, más que un acto estético. Es estético en su naturaleza pero es político en su acción.
¿Cómo valora la salud de las políticas públicas españolas para el fomento de la lectura?
No estoy capacitada para hacerlo. Mi interés sobre políticas de lectura, que es intenso, se concentró en Sudamérica. Desde Méjico hasta la Patagonia conozco lo que hacen, lo que dejan de hacer, cuando lo interrumpen, cuando vuelven… Pero de España no tengo tanta información. El tiempo en que estuve viviendo en España para un posgrado, veía que la lectura era una cosa de élite, de una élite intelectual. En general, la comprensión de lo que es la lectura es muy corta porque la gente se cree que la lectura está únicamente en los libros, en el material impreso… La lectura, por esto me encanta el festival de Los Silos, está en las plazas, está en las calles, está en los edificios, está en la arquitectura de la ciudad, está en el respeto que se tiene a la fauna y la flora de la localidad, cómo la gente se viste, cómo la gente se complace en recibir extranjeros o no… Creo que mientras que no comprendamos que el acto de leer los libros nos prepara para leer mejor la vida, lo que se hace en el campo de la lectura es muy poco. Hacen falta leer las relaciones que la ficción tiene con la vida. Creo que lo importante es entender lo que pasa alrededor mientras se vive.
¿Existen semejanzas entre las políticas de fomento de la lectura de España y Latinoamérica?
Creo que hay algunos intercambios de experiencias entre Brasil, Portugal; entre América Latina y España. Pienso que hubo un tiempo en que Sudamérica miraba hacia España para todo. Pero en los últimos 30 años, se ha desarrollado muchísimo la capacidad de pensar, escribir, contar y organizar políticas propias de cada país. Hoy creo que el punto común es que la lectura es parte del desarrollo social, político y también económico de las naciones. Otro punto común es la preocupación con la formación de mediadores. Este es un punto clave porque sin autoridades, sin personas con capacidad y conocimiento para ser el puente es más complicado. No solamente maestros y padres, pienso que toda la sociedad civil, incluso las autoridades públicas; tendrían que mantenerse informados de lo que pasa en el mundo, de las experiencias para que se pudiera tener un plan con mucho más énfasis en la cuestión ética y política de los pueblos.
¿Cree que lo digital le ha ganado la partida a la lectura?
No puedo negar el valor inmenso de la digitalización. No lo puedo negar porque creo que hay partes, hay espacios, lugares en el mundo donde por razones distintas, no llegan de otra forma las informaciones. Pero hay cosas muy estúpidas en estas plataformas, muy estúpidas. Por otro lado, hay cosas magníficas, hay películas extraordinarias, hay series muy interesantes,
humanizadoras, no como moralejas sino como actitud frente a la vida. Entonces, el problema es que no podemos dejar que los jóvenes y los niños tengan en sus manos sus teléfonos o que pasen todo el día con una nana que es la pantalla. Tenemos que estar con ellos y no para decirles qué ver y qué no ver desenchufar, sino para comentar, convivir. Para que oigan y puedan reflexionar sobre lo que vale la pena y lo que no. Pienso que el diálogo y la conversación puede ayudar mucho a las nuevas generaciones para hacer el mundo mejor.
¿Libro en papel o e-book?
Escribo en papel antes de ponerlo en el ordenador. De verdad. Escribo a mano, necesito un bolígrafo y un papel para escribir. Me encanta leer en papel. Mi hija me regaló un kindle, creo que lo he abierto en el último año 12 veces. Porque busco el libro, necesito oler el olor del papel, de sentir en las manos el papel. Seguro que mi nieto no lo hará, lo respeto. Pero tengo una necesidad de sentir el libro como algo personal, algo físico que yo pueda tener conmigo. Tengo un amor muy especial con el papel.
Ayer se dieron a conocer las nominaciones en categorías de televisión a los Premios Critics Choice que entrega la Critics Choice Association y en las que ¡GARCÍA!, la serie creada por Sara Antuña y Carlos de Pando, ha recibido una nominación a Mejor serie en lengua extranjera.
La serie pasó por la sección oficial de la 55ª edición del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya · Sitges; y el Fantastic Fest de Austin, y ya está disponible al completo en HBO Max.
Basada en la novela gráfica homónima de Santiago García y Luis Bustos, Sara Antuña y Carlos de Pando son los creadores y guionistas de la serie, y Eugenio Mira (Grand Piano) dirige los seis episodios de una hora que se estrenan en 4K, HDR y Dolby Atmos en la plataforma.
¡GARCÍA! ha sido nominada en los premios Critics Choice en la siguiente categoría:
MEJOR SERIE EN LENGUA EXTRANJERA
Los Critics Choice Awards son otorgados anualmente por la Critics Choice Association, que representa a más de 600 críticos de medios y periodistas de entretenimeinto, para galardonar los mejores logros cinematográficos y televisivos del año. Históricamente, son la antesala más precisa de las nominaciones a los Premios de la Academia®. Los ganadores se darán a conocer en una gala repleta de invitados de los Critics Choice Awards, que se emitirá en directo en Estados Unidos por The CW desde el Fairmont Century Plaza en Los Ángeles el domingo 15 de enero de 2023.
Ambientada en una hipotética España actual, en un país dividido y al borde del caos político, la serie está protagonizada por Antonia (Veki Velilla), una joven periodista de investigación que tropieza por casualidad con una conspiración urdida hace décadas: la existencia de un superagente criogenizado, García (Francisco Ortiz), creado en un laboratorio en los años 50 por los servicios secretos del general Franco. Un soldado perfecto con una fuerza sobre humana y programado para obedecer órdenes sin cuestionarlas al que Antonia acaba de despertar después de seis décadas congelado. García se siente desorientado y confuso en una España que encuentra completamente cambiada. El viejo mundo choca con el actual mientras García y Antonia aprender a trabajar juntos al verse involucrados en una conspiración política que amenaza con acabar con la democracia en favor de una nueva y brutal dictadura.
La temporada completa de ¡GARCÍA! ya está disponible en HBO Max.
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