La proyección dará comienzo a las 19:00 en los Multicines Tenerife situado en el Centro Comercial Alcampo La Laguna
7 días de enero (dirigida por Juan Antonio Bardem) es un drama político basado en hechos reales ocurridos en Madrid en enero de 1977, durante la Transición española. La película reconstruye los sucesos que culminaron en la matanza de los abogados de Atocha, donde un grupo de ultraderechistas asesinó a varios abogados laboralistas vinculados al movimiento sindical.
A través de un enfoque semi-documental, Bardem muestra la tensión social del momento, las acciones de grupos neofascistas, la vulnerabilidad de los movimientos obreros y el clima político que anticipaba la legalización del Partido Comunista. La cinta mezcla personajes ficticios con figuras reconocibles de la época para ofrecer una visión crítica del terrorismo de extrema derecha y del difícil camino hacia la democracia.
Reseñas en medios
El País en su crítica de estreno valoró la película como “una crónica viva del país… recuerdo de tantas guerras civiles y de otras muchas calladas, pero no menos sangrientas”. Destacó su honestidad para narrar “hechos muy cercanos” sin buscar el sensacionalismo, mezclando imágenes de archivo con ficción de forma eficaz.
eCartelera en un artículo sobre las películas más relevantes de Bardem describe 7 días de enero como “uno de los aplausos de la crítica”, destacando su valentía al abordar la matanza de Atocha (evento clave de la Transición) y su valor como cine comprometido e histórico. Además menciona que la película sufrió amenazas de grupos de extrema derecha al estrenarse, lo que añade dramatismo a su contexto.
La primera edición de Quirino Lab sentó las bases para la creación de un espacio de formación y reflexión para productoras y productores ejecutivos de animación de toda Iberoamérica. Este programa avanzado de capacitación, que concluyó el pasado 22 de noviembre en Santa Cruz de Tenerife, reunió a diecisiete profesionales provenientes de Brasil, Colombia, Ecuador, España y México. A lo largo de cuatro jornadas, la actividad combinó desarrollo profesional especializado y una mirada estratégica sobre la industria con el doble propósito de potenciar las trayectorias individuales y favorecer un salto cualitativo en la producción animada de la región.
Quirino Lab es una iniciativa de Quirino, junto al Cabildo de Tenerife a través de Turismo de Tenerife y la Tenerife Film Commission que cuenta con la colaboración del TEA (Tenerife Espacio de las Artes). Con la creación de este laboratorio, Quirino da un nuevo paso en la construcción de un ecosistema para la animación iberoamericana. La iniciativa se convirtió también en un foro de reflexión gracias a la incorporación en el programa de Laboratorio de Futuros, un proyecto impulsado por Quirino en colaboración con la Fundación Ortega-Marañón. Lanzada durante la última edición de los Premios Quirino, esta propuesta busca promover la construcción colectiva de un marco de futuro para la animación de la región iberoamericana.
El programa de Quirino Lab se articuló en torno a cinco ejes temáticos conducidos por un equipo de diez mentores y especialistas con amplia trayectoria en la industria internacional. A lo largo de varias sesiones se exploraron las principales tendencias del mercado, metodologías de gestión, estrategias de financiación, desarrollo de propiedad intelectual y tecnologías emergentes, entre otros temas. La agenda se complementó con espacios de debate e intercambio profesional.
La animación de Tenerife tuvo una presencia destacada en la edición inaugural de Quirino Lab gracias a la participación de representantes de cinco empresas del sector. El programa incluyó, además, encuentros de networking con compañías locales y una presentación detallada del ecosistema audiovisual de Canarias, así como de los incentivos fiscales a la producción audiovisual disponibles en el archipiélago.
En la primera cohorte de Quirino Lab participaron representantes de 3Doubles Producciones, Crazy Meerkat, La Mola, Sultana Films, Tinglado Film, Red Animation y Tomavision Studio (España); Mono Animation, Oz Produtora, Studio Z Design e Animação y Subversiva Estudio (Brasil); IntiFX y Matte CG (Ecuador); Mr. Machin y ¡Viva Calavera! (México); y Doinmedia (Colombia).
Todas las personas seleccionadas debían contar con trayectoria profesional sólida y experiencia en la producción de contenidos audiovisuales de animación, además de mantener un compromiso activo con la innovación y el desarrollo de la industria en sus respectivos países.
Pensar el futuro de la animación iberoamericana Laboratorio de Futuros funcionó como una actividad transversal del programa, integrando las distintas sesiones de trabajo y sintetizando las principales conclusiones del encuentro. Esta dinámica grupal, coordinada por el director cultural de la Fundación Ortega-Marañón Federico Buyolo, se enfocó en el rol de los productores ejecutivos en animación.
Esta actividad se desarrolló en dos sesiones que aplicaron metodologías colaborativas de análisis prospectivo para anticipar posibles escenarios futuros, a medio y largo plazo, en la animación iberoamericana. La primera se centró en un análisis PESTLE para identificar los factores políticos, económicos, sociales, tecnológicos, legales y ambientales que inciden en la evolución del sector. La segunda, denominada Rueda de Futuros, empleó técnicas visuales para proyectar y estructurar distintos escenarios de futuro para la animación iberoamericana.
Las conclusiones, propuestas y perspectivas compartidas durante Quirino Lab constituyen un insumo fundamental para la guía estratégica que Quirino está desarrollando con el fin de idear una hoja de ruta para el desarrollo del sector.
El ejercicio de prospectiva colectiva permitió identificar tres vectores estratégicos fundamentales para el futuro de la animación iberoamericana: la construcción de un relato que posicione al sector simultáneamente como motor económico ante la sociedad y como generador de identidad cultural ante el poder político; la urgencia de lograr reconocimiento como industria independiente y la necesidad de demostrar el valor real de la animación con evidencia concreta, aprovechando datos como su alto retorno económico entre las industrias creativas. Los participantes destacaron además que la marca autoral será el principal activo diferenciador del sector ante la disrupción tecnológica.
Focos formativos, expertos y conclusionesEl programa de Quirino Lab se articuló en torno a cinco focos temáticos. En el módulo Nuevas Tendencias de Mercado y Targets, Sofía Hoffmann (ROSAPARKS y ONG MEP Mujeres en Publicidad Barcelona) y Gabriela Gardini (Morning Coffee) ofrecieron una visión actualizada del mercado de la animación. La sesión exploró cómo la inteligencia cultural se ha convertido en la clave estratégica para la producción audiovisual contemporánea, donde los modelos tradicionales de marketing y formato han quedado obsoletos. Se propuso un profundo cambio de mirada: pasar de buscar la simple atención a forjar una conexión emocional y cultural profunda, entendiendo a las audiencias no como receptores pasivos sino como comunidades activas que co-crean y expanden los universos narrativos. A través del análisis de formatos emergentes —desde el transmedia híbrido hasta los microdramas chinos— se planteó la necesidad de navegar las corrientes culturales profundas para generar contenidos que no solo compiten por visibilidad, sino que construyen significado y se integran en la identidad de sus públicos, abordando también los desafíos de financiación que estos nuevos modelos de producción demandan.
En Desarrollo de IPs y enlaces con otros sectores, Zofia Ścisłowska (Laniakea Pictures) se centró en las tendencias actuales vinculadas a la creación, protección y expansión de propiedades intelectuales. Presentó en Quirino Lab las claves del desarrollo transmedia de propiedades intelectuales, utilizando como caso de estudio «Cloudy & Stormy», una marca Kawaii que escaló desde YouTube hasta convertirse en un fenómeno comercial.
La sesión exploró el cambio de paradigma hacia ecosistemas de IP 360°, donde la diversificación en productos de consumo, juegos y publicaciones se consolida como motor económico, enfatizando la importancia de crear anclajes emocionales tempranos con la audiencia y superar las resistencias tradicionales de los productores hacia modelos de negocio más modulares que trasciendan la financiación audiovisual convencional.
Paloma Aragón (Ackermann Labs) estuvo a cargo del foco Metodologías Organizativas Avanzadas y Gestión de Equipos, en el que se analizaron nuevas formas de organización y liderazgo en entornos empresariales, y se reflexionó sobre la gestión de proyectos, los modelos colaborativos e interdisciplinarios y la optimización de los flujos de trabajo.
En el módulo Desarrollo Financiero e Inversión, el abogado especializado en Derecho Audiovisual (Welaw Consulting) Francisco Menéndez presentó una visión integral de las principales estrategias de financiación para el sector de la animación, con énfasis en el mix público-privado y en la preparación de empresas e IPs para atraer inversión.
Por último, en el foco temático IA, Tecnologías y Tendencias Emergentes, Alby Ojeda, Alfonso Fulgencio y José Luis Farias analizaron las principales aplicaciones de la inteligencia artificial y otras tecnologías innovadoras en todas las fases de la producción audiovisual. La sesión incluyó ejemplos prácticos —como el uso de realidad virtual para prototipado, herramientas open source, producción virtual, motores en tiempo real y digital puppets— y abordó además aspectos clave para acceder a financiación en I+D+i.
Además de estos focos, Quirino Lab incluyó un estudio de caso del juego “Blasphemous” (The Game Kitchen), uno de los títulos españoles más reconocidos y con mayor proyección internacional.
Acerca de Quirino Quirino, el ecosistema integral más completo de la animación iberoamericana, ha estado trabajando desde 2018 en la creación activa de una industria integrada mediante la formación de redes profesionales sostenibles que producen valor económico y cultural a largo plazo, con el patrocinio principal del Cabildo de Tenerife a través de Turismo de Tenerife y la Tenerife Film Commission. Lo que en sus inicios fue una ceremonia de premios iberoamericanos de animación se ha convertido en una plataforma estratégica que integra los Premios Quirino junto con un área de industria articulada en tres iniciativas clave: el Foro de Coproducción y Negocio, Quirino Lab y el Laboratorio de Futuros
La muestra, impulsada por el Cabildo insular, podrá visitarse del 18 de diciembre al 18 de enero en el Centro de Arte La Recova de Santa Cruz de Tenerife, con entrada gratuita
El público podrá adquirir las piezas elaboradas por jóvenes creadores y creadoras de la isla, desde fotografías, hasta ilustraciones o piezas de cerámica
El Cabildo de Tenerife, a través del área de Juventud, presentó este martes la nueva edición de Merkarte Navidad, que este año se celebrará en el Centro de Arte La Recova, en Santa Cruz de Tenerife. El evento, en el que se podrán conocer y adquirir las obras de 44 jóvenes artistas de la isla, se desarrollará del 18 de diciembre de 2025 al 18 de enero de 2026.
El consejero insular de Juventud, Serafín Mesa, destacó durante la presentación que “Merkarte se ha convertido en un sello de identidad de Tenerife, un proyecto que acompaña y visibiliza a quienes están dando sus primeros pasos en el ámbito cultural. Este año reforzamos nuestra apuesta con un espacio más accesible y visible, pensado para potenciar la venta y la difusión del talento local”.
Mesa aseguró que “el Cabildo continuará impulsando acciones que permitan a la juventud desarrollarse profesionalmente, acceder a formación especializada y consolidar su presencia en el mercado cultural”.
Tras recibir cerca de 70 solicitudes para participar en la convocatoria de este año, finalmente han sido seleccionadas 44 personas -34 mujeres y 10 hombres-, superando así la cifra de participantes de la edición anterior. Estos artistas emergentes tendrán la oportunidad de exhibir su trabajo, acercando el arte joven al público durante la temporada navideña.
El evento cuenta con la colaboración de la Fundación Insular para la Formación, el Empleo y el Desarrollo Empresarial (Fifede), adscrita al Cabildo de Tenerife, y del Organismo Autónomo de Cultura (OAC) del Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife, que cede el espacio de forma gratuita para la celebración de la muestra.
El concejal de Cultura y Patrimonio Histórico del Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife, Santiago Díaz, expresó su satisfacción por “estrenar el Centro de Arte La Recova, después de las obras de rehabilitación, con una cita tan destacada como Merkarte Navidad, que nos permite seguir apoyando el talento joven del municipio y de la isla”. El concejal invitó además a la ciudadanía a “acercarse a la exposición durante estas fiestas para comprobar la calidad del trabajo de artistas emergentes locales, el mejor regalo para esta Navidad”.
Merkarte forma parte de un programa integral del Cabildo que incluye exposiciones, actividades formativas y espacios de acompañamiento para artistas menores de 35 años. Su objetivo principal es visibilizar, promocionar y empoderar a los jóvenes creadores, favoreciendo su inserción en el mercado laboral y su consolidación profesional.
Entre los objetivos específicos destaca impulsar la comercialización del arte joven, ofreciendo un entorno seguro y profesional donde puedan vender sus obras y conectar con nuevos públicos.
Merkarte Navidad podrá visitarse del 18 de diciembre al 18 de enero, en horario de 10:30 a 14:00 y de 17:00 a 20:30 horas, de lunes a domingo, excepto festivos.
Impacto y resultados
El programa Merkarte ha consolidado su papel como plataforma estratégica para el talento artístico joven en Tenerife. Entre 2022 y 2024, más de 100 artistas participaron en sus distintas acciones, logrando resultados tangibles en formación, visibilidad y comercialización de sus obras. La última edición de Merkarte Navidad recibió más de 1.190 visitantes y permitió la venta de 586 obras, impulsando la economía creativa juvenil.
Además, el programa ha fortalecido las redes de colaboración entre artistas e instituciones, ofreciendo herramientas clave para la profesionalización y proyección de los jóvenes creadores en el mercado cultural local.
Fotografías cedidas por el Cabildo Insular de Tenerife
Para cuando este número de la revista de Culturamanía vea la luz, la festividad de Los Finados y Halloween estará en sus momentos finales. No obstante, sus ecos se dejarán sentir durante algunos días más, de manera que la receptividad a este texto puede ser mayor. No hay que ser creyente en nada -lo que en sí mismo en creer en que no hay nada más allá de la vida- para encontrar apasionante el mundo de las tradiciones asociadas al culto a los muertos, y en este caso, a sus huellas en la historia y el arte. Este texto está centrado en una de las más interesantes, presente en muchas de nuestras iglesias canarias: los cuadros de ánimas. Suelen ser los cuadros más llamativos, coloridas composiciones corales que hoy podemos contemplar como las “fotos” del más allá. Realmente, como muchos otros cuadros, esculturas o relieves, eran el equivalente del catecismo que permitía al clero explicar la fe a quienes no sabían leer ni escribir.
Aunque el culto o creencia en las almas es algo universal, en el contexto cristiano comienza a aparecer con definición allá por el siglo III, se convierte en un dogma incontestable con la figura del Purgatorio un milenio más tarde, y es a partir del Concilio de Trento (1545-1563) cuando la Contrarreforma Católica lo consolida y potencia de manera definitiva. Fue la reacción a las ideas luteranas, descreídas de tantos santos, bulas y complejidad para alcanzar la salvación, circunstancia que los reformistas cristianos hacían pivotar alrededor la fe. Creer bastaba para salvarse, de manera que las obras, pagar por privilegios en el más allá, etc., estaba de más para alcanzar el cielo. Los cuadros de ánimas surgen en este contexto, para hacer catequesis y dejar claro que había un infierno, y en especial, un Purgatorio repleto de pecadores veniales por los que era necesario rezar, hacer misas, buenas obras, etc. Además, quedaba claro que en esta vida había que ser virtuoso, o pagar por ello, para asegurarnos que escapábamos, al menos, del infierno.
Esto cuadros están financiados p impulsados por las Cofradías de Ánimas, aunque a veces eran iniciativas privadas. Se estructuran en tres niveles: purgatorio, mediadores y la gloria -algunos hablan de infierno, purgatorio y gloria- y en Canarias alcanzan una extraordinaria popularidad, posiblemente por conectar también con el lejano eco de creencias ancestrales ya presentes entre la población aborigen sobre los antepasados.
Les invito a visitar iglesias y fijarse en ellos, desde la curiosidad, con las siguientes claves:
Las ánimas del Purgatorio no suelen tener expresiones de dolor, sino rostros serenos, aunque están entre llamas, que en este caso son purificadoras y no una herramienta de tormento. No olvidemos que las almas que lavan sus penas no están condenadas, es decir, de ahí no saldrán jamás para el infierno, aunque su estancia puede ser más o menos larga en función de sus pecados, de su aplicación a redimirse y de las ayudas que reciban tanto por parte de ángeles y santos, como de los vivos que rezan por ellas.
La boca del Infierno, o incluso el mismo Infierno, aparece a veces representado. Casi siempre de forma tenue, sugerida, pero en otras ocasiones con rotundidad. En Canarias se hablaba de “la bicha”, apropiado a contemplar obras en las que aparecen auténticos bichos de grandes bocas y dientes afilados, con llamas y demonios a su alrededor.
Las almas condenadas, cuando aparecen en los cuadros, tienen expresiones más duras, muestran dolor y son atormentados por esos demonios.
Con el tiempo la complejidad de los cuadros deja paso a la simplicidad, y se incorpora a la Virgen del Carmen como protectora de las almas del Purgatorio.
Suelen reflejar diferentes niveles sociales, incluyendo a personas coronadas que evocan a reyes, así como a otros tocados como obispos. La idea es que todos podemos ir al otro lado como pecadores.
Algunas almas miran a otro lado, distraídas, otros alzan las manos y parecen estar a punto de salir…en ocasiones aparecen los pintores o quienes financian. El Purgatorio se evoca como algo dinámico, y los teólogos hoy en día discuten abiertamente sobre todo ello.
La parte central está casi siempre protagonizada por San Miguel Arcángel, con la balanza del juicio pesando las buenas y malas acciones. La imagen está claramente inspirada en la figura del dios egipcio Anubis que pesa los corazones de las personas contra la pluma de Maat, diosa de la verdad y la justicia.
Se acompaña de santos rescatadores, como San Francisco, San Lorenzo, San José…y termina apareciendo la Virgen. Estos santos también pueden estar en la parte superior del cuadro, en la zona de gloria. Si nos fijamos bien, veremos que las ánimas escalan con ayuda del cordón de San Francisco, una pieza que terminaría incorporándose a rituales paganos como herramienta de rescate espiritual.
Finalmente, el tercer nivel de estos cuadros, el superior, nos muestra la Gloria, la Trinidad casi siempre, con Dios Padre, Dios Hijo, y el Espíritu Santo. A veces aparece la Virgen, algunos santos, muchos ángeles, apóstoles, y representaciones de personas salvadas.
Lo nuevo de la cineasta polaca, directora de “Green Border” y “Europa Europa” y candidata al Óscar por Polonia, explora la vida de uno de los escritores más influyentes de todos los tiempos.
“Franz Kafka”, de la cineasta polaca Agnieszka Holland, se estrenará en CINES el 30 de enero. Lo nuevo de la directora de “Green Border” y “Europa Europa” es un magistral tour de force que traza un retrato atípico del legendario escritor Franz Kafka, aún hoy celebrado en todo el mundo por sus novelas, relatos, fábulas y aforismos.
La película tuvo su estreno mundial en el Festival de Toronto y fue seleccionada en el Festival de San Sebastián, donde Holland competía por tercera vez por la Concha de Oro. Además, esta producción cuenta con tres nominaciones a los próximos Premios del Cine Europeo y es la candidata por Polonia a la Mejor Película Internacional en los Premios Óscar, a los que la directora ya ha estado nominada en tres ocasiones.
El film nos presenta a Kafka (interpretado por el estelar y debutante Idan Weiss) como un joven abogado que trabaja en el sector asegurador, mientras navega entre su pasión por la literatura y las responsabilidades de ser hijo y futuro esposo en una sociedad conservadora, económicamente inestable y al borde de la Primera Guerra Mundial. Con un talento desbordante y una clara inclinación contra las burocracias y la condición humana –ya sea enfrentándose a situaciones surrealistas o a su propia naturaleza–, el mundo de Kafka se vio acotado por una larga lucha contra la tuberculosis, que acabó con su vida a los 40 años.
Un biopic kafkiano
El autor de “La metamorfosis” no podía tener un biopic al uso. Su vida y obra, marcadas por lo onírico y lo absurdo, no merecían menos que un retrato caleidoscópico que la propia Holland ha definido como su “proyecto más ambicioso”.
Con “Franz Kafka”, la directora evita la estructura biográfica tradicional y opta por una propuesta no lineal que mezcla momentos clave de su vida con incursiones en sus mundos ficticios, recuerdos, simbolismos y referencias a su legado actual. Según Holland, “no me gusta el cliché de que Kafka sea siempre oscuro, atormentado y deprimido. Vi en él una conexión con gente joven de hoy: con todos esos miedos, inseguridades y confusiones”, lo que permite mostrar tanto la psicología fracturada de Kafka como su dimensión creativa y su influencia en el presente.
“A los que quieren volver al pasado les digo que seguimos luchando y no vamos a parar, tengo mucha guerra por delante que dar”
“Nazario y yo tenemos muchas cosas en común, la diferencia es que yo soy como más soso. Lo considero un maestro”
El camino recorrido por el dibujante barcelonés, Sebas Martín ha sido largo, original y ajetreado. En los ochenta hizo cómics de una manera más o menos espontánea, hasta que en los noventa abandona un trabajo muy bien remunerado como interiorista y decide lanzarse de lleno a la creación de historietas, por donde años atrás ya había transitado a través de diversas etapas, algunas inevitables como los fanzines. Y otras más inusuales como cuando se dedicó a dibujar pornografía hetero, para finalmente firmar novelas de temática plenamente gay, que son por las que es reconocido. De esta manera se ha convertido en una especie de obligada continuidad de la obra de su admirado Nazario de quien parece haber cogido el testigo.
El salto al mundo de la novela gráfica lo dio casi a la vez que entrábamos en el nuevo milenio cuando llama a su puerta la editorial La Cúpula con la que aún trabaja y ha hecho un buen puñado de obras. Justifica que se tomara su tiempo antes de lanzarse de pleno al mundo del cómic y además con una temática tan particular, porque su anterior trabajo lo absorbía totalmente de lunes a sábado de nueve de la mañana a diez de la noche. Este salto en el vacío ha permitido disfrutar de novelas con títulos como Los chulos pasan pero las hermanas quedan, No debí enrollarme con una moderna, Yo lo vi primero o Demasiado guapo, que más bien parecen consejos a miembros del colectivo LGTBIQ+. Pero también está trabajando en una trilogía sobre el paso de la república a la dictadura y un original libro de recetas para elaborar platos siguiendo el minutaje de algunas de sus series favoritas como Las Chicas de Oro o Sexo en Nueva York.
–¿Cómo se te ocurrió dar el trascendental salto del interiorismo al mundo del cómic?
-Desde que tenía veintiún años hasta los treinta la verdad es que casi no toqué un lápiz para dibujar algo que no fueran proyectos de decoración, siempre he sido un gran consumidor de cómics pero nunca había cultivado mucho la faceta de dibujante. No tenía tiempo, me limitaba a ir a los salones y me moría de ganas por hacer algo hasta que un día me despedí a mí mismo del trabajo anterior con el que me ganaba muy bien la vida y me lancé al mundo del cómic que es ruinoso. Pero en todos estos años no me he arrepentido ni un sólo momento de la decisión que tomé.
-Los títulos de tus obras parecen consejos que das al colectivo como Los chulos pasan pero las hermanas quedan…
-Exactamente, exactamente. Me dicen que empiezan a leer esos consejos y luego siguen hasta el final, algunos incluso me los agradecen.
–¿Cómo definirías tu estilo? Como tú mismo dices es un tanto distinto al de Nazario, por ejemplo.
-Pues diría que hago comedia de costumbres. El otro día me preguntaban si me planteaba hacer otro tipo de cómic y yo les dije. ¿Por qué? ¿Para qué? Mi temática no es erótica y tal vez esa sea la razón de tener un tipo de público o target más limitado pero también muy fiel. Mis lectores son muy, muy leales y eso me llena de orgullo. Me hace mucha ilusión cuando voy a los salones de cómics y conozco personalmente a la gente que me lee porque los dibujantes estamos siempre frente al ordenador, la máquina de escribir o clavados en la mesa de dibujo sin hablar con nadie. Piensas que aunque te gusta mucho tu trabajo quizás al resto no le hace maldita gracia.
–¿Te gustaría ver a tus personajes en una película o en el teatro?
-Pues mira, precisamente cuando he presentado uno de mis últimos trabajos titulado Que el fin del mundo nos encuentre bailando que se centra en la memoria histórica, la gente me dice que se debería hacer una película o una serie. A ver si llega a Los Javis, me llaman y hacemos una adaptación.
-Ahora que se han separado tienes el doble de posibilidades.
-Es verdad, que me llame cualquiera de los dos.
-Defines tu estilo como novela costumbrista.
-Muy costumbrista. Mi forma de dibujar tiene mucho que ver con la línea francobelga. Hay críticos que me comparan con el autor francés, Jacques Tardí, pero creo que mi estilo narrativo tiene más que ver con el sitcom televisivo porque recurro a escenas que duran tres o cuatro páginas y aunque la historia tenga continuidad son escenas cerradas. Es como si después de leerlas te pusieran publicidad.
–¿Cómo te inspiras?
-Saco una novela gráfica al año y el guion tiene que ver con lo que ha pasado en mi entorno inmediato o en mi país, Europa o África durante ese tiempo porque es lo que hemos vivido. Eso sí, menos en Que el fin del mundo me encuentre bailando que transcurre en los últimos cinco meses de la república. Al principio pensé que ese cambio me iba a agobiar pero le he cogido muchísimo el gustillo y me lo he pasado muy bien con los dos volúmenes que he hecho y ahora con el tercero en el que estoy metido. Es una trilogía que ha implicado todo un trabajo de investigación.
–Me dices que el primer volumen salió el pasado mes de febrero, el segundo lo hará a principios del próximo año y después el tercero en el que estás trabajando aparecerá seguramente en 2027.
-La segunda parte ya no transcurre en la república, se centra en el exilio de uno de los personajes que vive la ocupación nazi en Francia y luego decide regresar a una España que ya no reconoce.
–¿Y la tercera?
-Como son dos personajes, uno se exilia y otro se queda y tiene que vivir el franquismo. Es la parte más dura porque la segunda tiene más de aventura pero en la última sólo hay lugar para el sufrimiento, lo que me fastidia porque siempre me gusta tratar las cosas con humor. Por eso me está costando mucho y estoy intentando encontrar personajes que rompan con ese drama y la verdad es que al final los acabo encontrando. Por ejemplo, habrá una tía muy beata que siempre dice frases fuera de lugar y eso corta un poco la tensión.
-Entre la segunda y la tercera parte de esta serie estás trabajando en otra obra muy curiosa, original y con mucho humor sobre cocina.
-Sí y tiene que ver con una editorial de vuestra tierra llamada precisamente Siete Islas. Es un libro de recetas de un cocinero que hace junto a un dibujante de tiras cómicas en un periódico local y que luego yo meto en el cómic junto con otras que me han pasado cocineros famosos, gente del mundo de la política que he conocido, lectores… a todos les he pedido que me manden una receta y a cambio les hago una caricatura. Son historias narradas con mucho sentido del humor. Por ejemplo, los tiempos de cocción se cuenta según el minutaje de series como Sexo en Nueva York o Las Chicas de Oro, de manera que mientras las ves puedes hacer la comida fijándote en los minutos que pongo en el libro. En un capítulo de Las Chicas de Oro que dura casi una hora, te da tiempo de hacer un puchero, por ejemplo.
-Hablando de memoria histórica ¿qué te parece que algo más del veinte por ciento de la juventud querría vivir en una dictadura contra la que ustedes lucharon?
-A esos chavales que piensan que con Franco se vivía mejor, les recomendaría que leyeran, que vieran “lo mejor” entre muchísimas comillas que se vivía. Es simple ignorancia. Es como decir que las setas o los caracoles son malos o buenos cuando en realidad no los has probado. Hablan con desconocimiento. Viví el tardofranquismo porque nací en 1961 y recuerdo lo que me contaban mis padres y sobre todo mis tías de cómo eran aquellos tiempos para las mujeres. No podían tener su propia cuenta bancaria, ni pasaporte o trabajar si tu marido no te daba permiso. Así que no puedo entender que una chica o un chico de veinte años salga hablando de lo bueno que era el franquismo. ¿Pero en qué mundo viven? Te aseguro que estamos aquí luchando y no vamos a parar. En mi caso tengo mucha guerra por delante que dar.
-Pienso que aguantarían cinco minutos en esa dictadura.
-¡Ahí está la gracia! Es como decir me gustaría vivir en un castillo medieval porque es grande y bonito por fuera pero cuando te dan las llaves a los tres días sales corriendo porque no lo soportas, pasas miedo, frío y te sientes totalmente fuera de lugar. Aunque la verdad es que si a mí me dejaran las llaves de un castillo transformaría totalmente el interior y me llevaría a todos los colegas de fiesta.
-Por edad viviste parte de la época de Nazario y los números que montaba con Ocaña por las ramblas de Barcelona.
-Entonces era jovencito pero estaba muy cerca de los cómics porque llevaba la comicoteca de mi barrio en la casa de la juventud y tomé mucho contacto con la gente de La Cúpula que me regalaban tebeos. De esa manera pude también conocer a Nazario y desde entonces mantenemos una cierta amistad. A veces nos vemos porque nos hemos dado cuenta de que tenemos muchas cosas en común. La diferencia es que él es más gracioso y yo soy como más soso. Lo considero un maestro.
–¿Y cómo recuerdas los tiempos del underground barcelonés que en tu época aún seguía coleteando y haciendo de las suyas?
-En Barcelona había una gran ebullición cultural y de todo tipo. Por un lado era una ciudad fantástica y por otro también peligrosa. Para mí el underground es la época dorada del cómic con publicaciones como El Rrollo Enmascarado, Star, El Víbora y Makoki. En aquellos tiempos se trabajaba en un formato pequeño, con historias cortas de dos, cuatro o seis páginas mientras que hoy las revistas se pueden dar por desaparecidas.
–¿Y cómo ves la evolución del movimiento LGTBIQ+ desde entonces hasta ahora?
-Hemos pasado de un principio en el que apretamos el acelerador, a parar hace algunos años y ahora da la impresión de que incluso vamos hacia atrás. De pronto volvemos a vivir el peligro en las calles y ha aparecido mucha gente desesperadamente homofóbica, transfóbica o LGTBfóbica, que parecen haber salido de las cavernas. No es que antes no los hubiera, es que les daba más vergüenza mostrarse como eran y no se atrevían mientras que ahora se sienten respaldados por la ultraderecha que los anima a salir con la cara descubierta.
–¿Crees que las nuevas generaciones valoran la lucha que hubo antes de ellos y que les ha permitido disfrutar de la libertad que ahora tienen?
-Mucha gente joven piensa que todo ha sido siempre así y hemos tenido las mismas libertades y derechos que ahora. No están interesados en ser reivindicativos, en luchar y no hacen nada porque se lo han encontrado casi todo hecho. Que alguien me diga que no tiene nada que ver con el Orgullo me toca mucho las narices porque si hoy puedes estar con tu novio por la calle sin que te peguen, si no te pueden echar del trabajo por ser gay, lesbiana, trans o adoptar un hijo… todo eso se ha conseguido gracias a los Orgullos, a dar la cara desde el año 1977 que fue cuando la gente salió por primera vez a las calles en Barcelona. Y eso parece que se ha olvidado.
–¿Y qué piensas de quitarle el “+” a las siglas LGTBIQ que ha aprobado el PSOE?
-No me parece bien porque creo que ese signo representa que dentro del movimiento cabemos todos y no sé por qué las compañeras feministas han tenido tanto interés en quitarlo. Se olvidan de que si hubiéramos ido por libre nunca habríamos llegado a nada. Este movimiento y esta reivindicación está donde está porque se ha contado con el apoyo de todos, incluso de los que no son como ellos. Creo que ese “+” abarca también a la intersexualidad o el binarismo e incluso puede referirse a los compañeros y compañeras heterosexuales que deberían ser nuestros aliados.
-Es curiosa esa transfobia en el movimiento feminista.
-Es algo que no he entendido nunca como tampoco comprendo la transfobia que existe dentro del colectivo porque precisamente las feministas han sido las primeras que deberían entender los problemas de las trans. Es como si dijeras: “Soy feminista, blanca y rubia y aunque tengamos las mismas ideas no te dejo que entres en mi movimiento porque eres negra”. Eso es algo que tristemente está al orden del día. Hay una serie catalana que se tradujo al español llamada Merlíen la que sale un personaje trans al que la profesora le dice que nunca llegará a ser una mujer de verdad, a lo que ella le responde: “Quizás no sea una mujer pero soy algo que usted nunca será, una señora”.
-Parece que ahora el foco se ha puesto precisamente sobre las personas trans, una vez que ser gay ya está bastante más aceptado.
-Eso ocurre porque están dando la cara. Antes eran aceptadas cuando se dedicaban a la prostitución y el resto del tiempo estaban encerradas en su casa sin molestar. Pero en cuanto han aparecido mujeres trans que son profesoras, abogadas, contables…
-Incluso diputadas…
-Por supuesto, también diputadas, no lo olvidemos, entonces es cuando empiezan a molestar. Es como lo que les ocurrió a los gays que sólo molestábamos cuando se nos veía dándonos un beso en la calle mientras que si una pareja hetero se meten mano en público parece normal. Pero que tú vayas por la calle de la mano con tu pareja o simplemente te des un pico con tu novio, eso es algo que no se acepta. Pues lo mismo ocurre con las trans que están bajo el foco desde que han empezado a ser visibles.
–¿Tú crees que es positiva tanta diversidad? Mucha gente de las generaciones anteriores prefería cuando todo era más simple.
-En los setenta prácticamente no se hacían diferencias y es verdad que mucha gente de mi edad critica la diversidad porque piensan que aquello era más fácil. Y les digo que si yo con casi sesenta y cinco años me he acostumbrado, no sé por qué no lo vas a hacer tú también. Todo es una evolución y las críticas que he oído me parecen muy débiles, todo lo que sea evolucionar me parece muy bien. Que exista una diversidad tan grande en el colectivo no implica que tú debas serlo. Aunque no te identifiques con una persona que se declara no binaria debes dejar que cada uno haga lo que quiera.
–¿En tu caso particular cómo ha sido el recorrido?
-Lo he tenido muy fácil porque soy un hombre gay, blanco, cis, de Europa occidental… así que he sido afortunado dentro de los problemas a los que podría haberme enfrentado si hubiera nacido en otro lugar y siendo de una raza distinta. Es triste pero es así.
-Recuerdo una película en la que el personaje que era de color decía: “Si eres negro y maricón, sólo eres maricón”.
-No sólo los negros. Junto a nosotros conviven desde hace siglos los gitanos y ocurre lo mismo. Si eres gitano y maricón sólo eres maricón. Y no estoy hablando de un personaje inventado, sino de un amigo que conozco en el que se basa un personaje llamado Diego que es gitano, gay y encima juega al fútbol. O sea, todo lo que se sale de la línea y por eso ha tenido muchos problemas. Es una persona real, incluso cogí su apellido. En la novela en la que aparece pongo que como en Barcelona hay muchas razas a veces se hace pasar por sirio o paquistaní.
El próximo 12 de diciembre Filmin estrena la película interpretada por Toni Servillo («La gran Belleza») y Elio Germano («La gran ambición»), basada en la correspondencia secreta que casi atrapa a uno de los criminales más buscados del mundo: Matteo Mesina.
Filmin estrena el próximo viernes 12 de diciembre en exclusiva «El último padrino», la fascinante película dirigida por Fabio Grassadonia y Antonio Piazza (“Salvo”, “Sicilian Ghost Story”), basada en el último capo de la Mafia italiana: Matteo Mesina. La película fue seleccionada para competir por el León de Oro a la mejor película en el Festival de Venecia 2024 y está protagonizada por dos de los actores contemporáneos más notables del cine italiano: Toni Servillo (“La gran belleza”) y Elio Germano (“La gran ambición”). Un thriller convertido en historia emocionante que explora la paranoia, el poder y la complicidad entre mafia y Estado durante unos de los años más oscuros de Italia.
Sicilia, década de 2000. Tras unos años en la cárcel por mafioso, Catello, político de carrera, lo ha perdido todo. Cuando el servicio de inteligencia italiano le pide ayuda para atrapar a Matteo, su ahijado y el último jefe mafioso fugitivo destacado, Catello aprovecha la oportunidad para volver a entrar en el juego. Hombre astuto con cien caras, ilusionista incansable que convierte la verdad en mentira y la mentira en verdad, Catello inicia un peculiar e inverosímil intercambio epistolar con el fugitivo, de cuyo vacío emocional trata de aprovecharse. Pero una apuesta con uno de los criminales más buscados del mundo implica un cierto riesgo.
Matteo Mesina: el último padrino
En 2004, año en que se ambienta la película, Matteo Messina Denaro era el tercer fugitivo más buscado del mundo según Forbes, sospechoso de decenas de asesinatos y de los atentados que aterrorizaron Italia en 1992 y 1993. Pero, tras darse a la fuga, desapareció en el silencio. Treinta años de invisibilidad sostenidos por la reflexión, el ocultamiento y una complicidad generalizada en el oeste de Sicilia. Hasta que en enero de 2023, fue arrestado en un centro médico de lujo en Palermo donde recibía tratamiento contra el cáncer bajo identidad falsa. Murió en prisión cuatro meses después, llevándose a la tumba los secretos más turbios de Italia.
Los directores accedieron a la correspondencia real de 2004 entre Messina Denaro y un ex alcalde, descubriendo un criminal completamente diferente a los mafiosos convencionales: “Matteo era hijo de padrino, hipernarcisista, pero criado entre burgueses”, lo que implicó que fuese un lector obsesivo: Agassi, Vargas Llosa, Baudelaire y Dostoievski. En su escondite encontraron bibliotecas enteras. La película explora la paranoia de esos treinta años de fuga, cuando impartía órdenes mediante pizzini (las cartas que se enviaban en código) mientras vivía en las sombras. Pero sobre todo, expone algo más incómodo: la relación orgánica entre la mafia y el Estado.Dos grandes actores del cine italiano
Toni Servillo (“La gran belleza”), uno de los intérpretes más laureados del cine italiano con dos Premios del Cine Europeo y cuatro Donatello, encarna a Catello con su característica expresión de irónica diversión, dando a todo lo que le rodea un toque de ligereza que contrasta con la oscuridad de la trama. Elio Germano (“La gran ambición”), ganador del Premio al Mejor Actor en Cannes y con seis Donatello, interpreta a Matteo Messina Denaro y, como reflexiona el propio actor sobre su interpretación: «Este hombre daría risa si no hubiera cometido tantas atrocidades».
RESEÑAS EN MEDIOS
«Un juego muy bien presentado de gatos policías y ratones mafiosos»— Deadline
«Los directores exploran la relación orgánica entre la mafia y las clases dominantes»— Cineuropa
«Servillo impresiona como hombre escurridizo, ligeramente ridículo, pero ingenioso»— Screendaily
Las buenas compañías de Paco de Lucía sobre el Teatro Leal de La Laguna.
Entre los aficionados del flamenco es de sobra conocido que el maestro Paco de Lucía solo se rodeaba de los mejores, un selecto grupo de músicos capaces de estar a la altura del genio de Algeciras. Y es que después de sus años mano a mano con Camarón, el guitarrista recorrió el mundo con sus propias formaciones, elegidas por él mismo entre los mejores artistas del flamenco. Y nada menos que seis de esos elegidos estarán sobre el escenario del Teatro Leal en una nueva edición del Festival Internacional Flamenco Romí Ciudad de Laguna , ya asentado como una cita de referencia en el mundo flamenco, y donde se podrá disfrutar de las voces de Duquende, David de Jacoba y Chonchi Heredia, el bajista Alain Pérez, el percusionista Piraña o su sobrino el guitarrista Antoñito Sánchez. Todos ellos acompañaron al maestro en largas giras por los mejores teatros del planeta, haciendo que el Flamenco se conociera y valorara más allá de las fronteras de nuestro país.
Cuenta el cantaor David de Jacoba una anécdota del genio de Algeciras: “cuando yo cantaba, Duquende miraba mucho a Paco. Y Paco me decía “tú no hagas caso a nadie, pero muchas veces yo exagero el ole que te doy, porque sé que al Duquende lo va a picar, y eso va a hacer que quiera aumentar más”. Y en medio del concierto decía ‘¡ooleeeeee!’, exagerado, cuando yo cantaba, y Duquende salía después por encima de mí, más motivado. Y Paco se tiraba de la risa, claro.” Ahora tendremos la oportunidad de revivir ese duelo vocal cariñoso sobre el Leal, donde estarán Duquende y de Jacoba.
Duquende (Sabadell 1965) comenzó a cantar desde muy niño, y ya con 8 años Camarón lo descubrió y le invitó a cantar acompañándole el propio genio a la guitarra. Ha grabado más de 10 discos, siendo acompañado en ellos por figuras con Paco de Lucía, Juan Manuel Cañizares o Chicuelo. La voz personalísima de Duquende se convierte durante más de 20 años en el cantaor oficial de las giras de Paco de Lucía. Un lujazo en La Laguna.
También tendremos en el Leal al ya nombrado David de Jacoba (Motril 1985), poseedor de una voz gitanísima que llamó la atención del genio de la guitarra. Fue el último cantaor de Paco, el que lo acompañó durante los 3 últimos años de su vida. El maestro dejó en David un enorme ejemplo. En una reciente entrevista comentaba: “La primera vez que vi a Paco hacer una nota a mi lado quise ponerme a llorar”.
Junto a ellos estuvo en la formación el bajo de Alain Pérez (Trinidad, 1977). Excelente bajista, percusionista, pianista, cantante, compositor y arreglista, este cubano ha recibido los mejores elogios de la crítica musical. Cultivador y defensor de la salsa, la timba y el Latin-Jazz. Su talento le ha permitido trabajar con agrupaciones y músicos cubanos de la talla de Irakere, Van Van, Isaac Delgado y su grupo, Paquito de Rivera, Celia Cruz, Javier Masó «Caramelo» y muchos más. Pero sin duda, ha sido su colaboración con Paco de Lucía lo que más ha dado que hablar de su talento y sus posibilidades. El resultado puede escucharse en «Cositas Buenas». El proyecto agrupó a un fabuloso sexteto que realizó una exitosa gira mundial y en la que estaba a Alain Pérez en el bajo.
También apreciaba Paco las voces femeninas, y para ello escogió a Chonchi Heredia, quien giró con él durante varios años. Chonchi es una de las voces más valoradas en el mundo del flamenco. Desciende de la familia de las Golondrinas del Sacromonte, donde empezó a cantar con 8 años en la cueva de Los Tarantos y a los 12 la gran bailaora La Mariquilla, la contrató a nivel profesional. Después de cantar en los tablaos de Granada, se traslada a Madrid donde pronto se hace un nombre en el mundo flamenco. Es solicitada por grandes artistas para colaborar en grabaciones o acompañar a figuras del baile como Joaquín Cortés, Juana Amaya o Antonio Canales, entre otros muchos. También acompañó a Tomatito o Vicente Amigo y, de nuevo, colabora con el último disco de los Estopa.
Quien ponía el cajón flamenco en esa última formación de Paco no era otro que Israel Suárez “El Piraña” (Madrid 1982), hijo de Ramón El Portugués y sobrino de Guadiana, que debutó a los 13 años con la Niña Pastori. Su gran salto llegó en 2010, cuando se incorporó a la última formación de Paco de Lucía. Con él recorrió el mundo, llevando el sonido del cajón a los escenarios más prestigiosos y demostrando que un instrumento humilde podía latir con la misma fuerza que una orquesta entera.
Más vinculado todavía a Paco por lazos familiares está Antoñito Sánchez (Madrid, 1984), sobrino del guitarrista. Desde muy temprana edad empieza a estudiar la guitarra flamenca de la mano de sus tíos Paco de Lucia y Ramón de Algeciras y junto a su primo José Mª Bandera para después continuar su formación con el maestro Juan Manuel Cañizares. Después de trabajar y formarse durante años en los mejores tablaos del país entra a formar parte del Septeto de Paco de Lucia como segunda guitarra, donde acompañará al maestro durante cuatro años hasta el fallecimiento de este en Febrero de 2014.
La dirección musical del festival correrá a cargo de Juan Carmona El Camborio, fundador de Ketama y destacado compositor y productor. También estará sobre el escenario y en la dirección artística la flauta flamenca de Juan Parrilla, hijo del gran guitarrista Parrilla y sobrino de Parrilla de Jerez
Especial brillantez tiene este año la faceta del baile. Vuelve por aclamación popular Karime Amaya, capaz de poner en pie al Teatro Leal en mitad de su actuación en la edición pasada donde formó un alboroto memorable pocas veces visto en esas tablas. Es sobrina-nieta de la bailaora más grande y venerada de todos los tiempos, Carmen Amaya. No se la pierdan.
También sobre el escenario estará el gran José Suárez El Torombo, un bailaor y palmero sevillano de peculiar personalidad y las ideas muy claras. Imparte clases y se ha hecho popular en las redes por su forma de transmitir el flamenco. Apadrinado por el Farruco, es un defensor del más puro baile gitano y ejerce además una intensa labor social de colectivos menos favorecidos.
En el cante al baile, uno de los mejores, David El Galli, de Morón, un artista muy apreciado por los propios bailaores por su increíble compás. Y dentro del espacio que el Festival reserva para promocionar a los jóvenes talentos gitanos, tendremos, también al baile, el sevillano Antonio Amaya Petete, bailaor y palmero nacido en el seno de una familia de artistas. La primera vez que se subió a un tablao fue de la mano del maestro Torombo en el Tablao Flamenco Los Gallos con la edad de 7 años. En el Leal estarán los dos juntos después de 25 años. Y también estará en el teatro Mara Cruz, joven granadina que maravilló al jurado del programa La Voz y que ha colaborado con Alejandro Sanz entre otros.
La cita será en el Teatro Leal los días 8 y 9 de Enero a las 20.30 horas.
La humorista grancanaria aplaza su actuación al domingo, 21 de diciembre, a las 20:00 horas, en el Auditorio de Adeje
Se puede solicitar la devolución de la entradas hasta el viernes 19 de diciembre a las 17:30 horas
La humorista grancanaria Omayra Cazorla se ha visto obligada a aplazar su actuación en el Mujeres World Fest por motivos de salud. La organización ha reprogramado el espectáculo para el domingo 21 de diciembre, a las 20:00 horas, manteniendo como localización el Auditorio de Adeje, tal y como estaba previsto inicialmente.
Las entradas ya adquiridas son válidas para la nueva fecha y no es necesario realizar ningún cambio para disfrutar de su monólogo ‘Así somos’. En caso de devolución, los asistentes tienen hasta el viernes 19 de diciembre a las 17:30 horas para solicitarlo.
Omayra Cazorla llega a Adeje con un nuevo espectáculo en el que vuelve a demostrar por qué se ha convertido en una de las cómicas más queridas del archipiélago. En esta propuesta titulada ‘Así somos’, Cazorla se adentra en la velocidad con la que vivimos, en ese ritmo frenético que a veces nos pasa por encima sin pedir permiso.
El show gira en torno a esas “sacudidas” que nos da la vida: días que se complican, batallas internas, marejadas emocionales y, por supuesto, la importancia de cuidar la salud mental. Con su habitual cercanía, la artista invita al público a reconocerse en esas situaciones mientras las transforma en carcajadas liberadoras.
La nueva gira de ‘Así somos’ de Omayra Cazorla está distribuida por Multitrack, que cumple este año 36 de trayectoria profesional impulsando propuestas artísticas en el ámbito de la cultura de las islas, y que fue el pasado año reconocida con un galardón en la sexta edición de los Premios Canarios de la Música.
La celebración del festival incluye múltiples acciones en sintonía con el cuidado del medioambiente, siguiendo el compromiso de la productora con la Agenda 2030 y los Objetivos de Desarrollo Sostenible.
Mujeres World Fest se corona como el único festival en Canarias que busca visibilizar la mujer en el arte en múltiples modalidades. El festival cuenta con el patrocinio del Ayuntamiento de Adeje y Costa Adeje, el Gobierno de Canarias y la Consejería de Turismo a través de Promotur y su marca Islas Canarias – Latitud de Vida y el Instituto Canario de Desarrollo Cultural (ICDC). Colaboran Carrera por la Vida, Naviera Armas Trasmediterránea, Ahembo – Pepsi Cola y Sonopluss. Más información en www.mujeresworldfest.com.
La irrupción de Jay Kelly se produce el mismo día de una tristemente importante efeméride para la historia del cine. La película pertenece al catálogo de Netflix. Su estreno en la plataforma se produjo el viernes 5 de diciembre de 2025. Es el mismo día que los directivos del medio audiovisual anunciaron la absorción de los activos financieros que componen la majorWarner Bros. por la friolera de 71.200 millones de dólares. El gigante multimedia se impuso sobre ofertas provenientes de Paramount Pictures-Skydance o de Universal Pictures-Comcast. Tal operación mercantil hizo rápidamente emerger todo tipo de especulaciones y preocupaciones desde diversos sectores de la industria. El gremio de directores (el DGA, cuya cúpula es presidida por Christopher Nolan), cineastas como James Cameron -que estrena el 19 de diciembre de 2025, Avatar 3: fuego y ceniza (Avatar: Fire and Ash, EE. UU. 2025), concebida especialmente para ser vista en la mayor pantalla posible- y distribuidores de salas comerciales en todo el mundo, manifestaron expresa inquietud. Se abre, desde el referido día de diciembre de 2025, un evidente cambio de paradigma, que se aproxima inexorable, como punto de ruptura, como plazo de caducidad, para el placer del visionado de las películas en el ecosistema al que pertenecen. Pero principalmente, se complica el panorama para las ya de por sí maltrechas arcas de las salas de exhibición, que vienen sufriendo una agonía imparable desde la pandemia de 2020. Solo la perspectiva del tiempo irá confirmando o negando las nubes borrascosas que parecen aproximarse.
Efemérides aparte, el guionista y realizador estadounidense Noah Baumbach ha completado un filme prodigioso, de regusto amargo, melancólico, agridulce y sin concesiones. Un retrato sobre Hollywood, los precios y peajes de la fama. Sobre el desencanto, la nostalgia y la relatividad del éxito. Sobre lo efímero de la vida, las insatisfacciones personales y profesionales. Sobre los pequeños grandes placeres, diluidos en la vorágine del famoseo y las vidas efímeras e irreales. Constituye también un enunciado acerca de las enormes diferencias generacionales, la fecha de caducidad de los afectos y la constante “espada de Damocles” de perdurar o no en las profesiones. Todos estos aspectos nos permiten obtener como espectadores interesantes reflexiones en torno de la incansable búsqueda de la felicidad y la soledad (querida o sobrevenida) en un mundo bullicioso y artificial, de imperio de las redes sociales, donde las apariencias lo son todo. Un mundo plagado de vidas que deben ser ejemplarizantes, so pena de extinguirse, o de ser condenadas al ostracismo. Esta ejemplar pieza de cámara, se erige, definitivamente, en un tratado de las grandes hipocresías y paradojas de nuestro tiempo.
El faro de guía para este ambicioso “viaje” es el actor superestrella Jay Kelly, interpretado por el actor superestrella y director de cine, George Clooney, quien, sin duda, ha conocido algunos instantes vitales similares a los de su personaje. El actor que da título al filme, es seguido muy de cerca por un séquito que encabeza su agente Ron Sukenick, cuyo memorable arco argumental está maravillosamente construido por un Adam Sandler en estado de gracia.
La fórmula elegida por Baumbach es la del repaso de la vida del famoso intérprete, en un tiempo que transcurre entre la filmación de la secuencia de la muerte del último personaje al que el actor da vida en la ficción en un estudio de cine de Los Ángeles, y el homenaje a su entera carrera que recibirá en Italia. Entre el comienzo y el final del camino, transcurren 135 minutos de cine en estado puro, sincero, directo, crepuscular, que respeta al espectador, dándole su espacio para asimilar los diferentes sentimientos que propician el visionado de esta sensacional película. El trayecto incluye la inmersión del propio personaje en sus propios recuerdos y reflexiones vitales. Así, el hecho de que Kelly esté viajando en un tren (siguiendo a su independiente hija menor), o en su Jet privado (viajando hacia Italia) no impide que lo veamos paseando con su hija mayor en su centro de trabajo (una guardería), o en la sombra de un escenario universitario, viéndose a sí mismo en aquellos años de juventud, recibiendo enseñanzas de su profesor de interpretación. También lo veremos en sus primeras pruebas ante la cámara. El momento en el que conoce a la madre de sus hijas en el set de rodaje, filmando una escena íntima, nos es mostrado expresamente en similares circunstancias. En otro instante, el personaje va paseando por un simbólico bosque en Italia. Llama por teléfono a su hija mayor. Inmediatamente, ésta aparece caminando con él, en medio de la noche y la neblina, en un (vano) intento de recuperar su afecto y confianza (la joven recibe terapia para superar el abandono paterno en su infancia).
Cierto es que la fórmula empleada ya la hizo vieja Woody Allen desde Annie Hall (EE. UU. 1977) o Desmontando a Harry (Deconstructing Harry, EE. UU. 1997). Antes que Allen, Ingmar Bergman había hecho lo propio, por ejemplo, en su obra maestra Fresas Salvajes (Smultronstället, Suecia, 1957). Esa inmersión, a modo de catarsis, en diversos aspectos de la vida del personaje, proviene de la literatura. En tal sentido, Mr. Ebenezer Scrooge, surgido de la pluma de Charles Dickens en la novela Cuento de Navidad, recibía la visita de los fantasmas de las navidades pasadas, presentes y futuras, conduciendo, cada uno de ellos, por diversos “escenarios” de la propia vida del ávaro y gruñón personaje, que visualiza desde un segundo plano, obteniendo sus propias y escalofriantes reflexiones. No hay nada nuevo bajo el sol. Tampoco tiene porqué haberlo. La revisión de las fórmulas narrativas al servicio de nuevas historias o de historias debidamente actualizadas es completamente legítimo. De esas revisiones, pueden aparecer historias enriquecidas y renovadas, como es el caso.
George Clooney, que ofrece uno de los más grandes papeles de su carrera, ha sido valiente a la hora de colocarse en la piel de un personaje que puede ser interpretado como una especie de alter ego o incluso una suerte de reverso hasta cierto punto tenebroso, que pretende, sin éxito, ir acompañado por su familia a su homenaje en La Toscana. Adam Sandler también es osado a la hora de abordar a su fiel agente, en sus sin sabores, sus desdichas y el similar abandono a su familia que practica por tener que estar al lado de su mejor cliente. La secuencia donde Ron ayuda a la estrella a maquillarse para la gala, ocultando algunas de sus canas en las cejas, después de ser despedido por el actor Ben Alcock (Patrick Wilson), después de enunciar que no seguirá siendo el agente de Jay, después de toda la catarsis personal y profesional experimentada por ambos personajes en tierras italianas, es por derecho propio uno de los grandes instantes de esta importante obra.
No podemos dejar de hablar de los pequeños, pero jugosos, papeles de Jim Broadbent, como Peter Schneider, el realizador mentor del protagonista; Laura Dern, como la otra agente integrante del séquito del actor; Stacy Keach como el carismático padre; Greta Gerwig (realizadora, actriz, guionista y pareja de Baumbach), en la piel Lois Sukenick, la esposa de Ron; de la estupenda actriz británica Emily Mortimer (también coguionista en esta ocasión, junto al realizador); o el mencionado Patrick Wilson, como el otro cliente de Ron, que también recibirá su propio homenaje en la Toscana italiana. Mención aparte merecen las jóvenes actrices Riley Keough y Grace Edwards como las hijas de Kelly, Jessica y Daisy, respectivamente. Ambas comparten mucha verdad, tanto a nivel interpretativo, como en sus recitados diálogos, frente al personaje central.
Sin embargo, de entre todos los actores secundarios, destaca Bill Crudup, que se va convirtiendo por derecho propio en uno de los grandes actores del momento. Crudup, que interpreta a Timothy, compañero de promoción en la interpretación, actualmente psicólogo infantil, comparte una sensacional Set Piece con Clooney, en los primeros compases de esta master piece. Comienza con el encuentro de ambos en el funeral de Schneider. Termina con el comienzo de una pelea física entre ambos en el aparcamiento del pub-restaurante (donde ambos personajes han decidido recalar para charlar distendidamente y reencontrarse), cuando cada uno va a recoger su vehículo. Entre medio, está la (aparente) distendida conversación entre ambos poniéndose al día, y, especialmente, el instante del recital del menú, por parte de Timothy. La manera de ponerse en situación, la lectura, primero de un modo funcional, luego incorporándole diferentes variables de sentimientos y emociones, frente al rostro de asombro y fascinación de la estrella, resulta antológica, probablemente por inesperada. Baumbach permite que el espectador pueda preguntarse de una manera nada forzada cómo es posible que Timothy no sea un actor consagrado como Kelly. La respuesta no se hace esperar. De repente irrumpe el reproche, que torna el ambiente en irrespirable. Timothy cometió dos errores en su vida. Uno de ellos fue permitir que Kelly le acompañase a una audición cuando ambos eran jóvenes estudiantes aspirantes a actores. Kelly, que solo iba a darle el pie, terminó conquistando a los convocantes a la prueba, por encima de su amigo. Desde entonces Timothy que culpa a la estrella de robarle una posible carrera exitosa. La secuencia y su in crescendo, que deviene en todo un prodigio interpretativo, pertenecen ya por derecho propio a la antología interpretativa del cine americano del nuevo milenio.
Estrenado en el festival de cine de Venecia, y en un muy reducido número de salas para optar a la carrera de premios, el largometraje número 13 de su director constituye una obra rica, compleja, diversa y nada complaciente. También se erige en una pieza de orfebrería bellamente filmada, escrita e interpretada. El rostro de George Clooney, observando los actos más cotidianos de la gente de a pie (que por la fama le han sido sustraídos), o soportando en primer plano la implacable sucesión de reproches que recibe a lo largo del metraje, construyen la película, dirigiéndola por los derroteros de la (auto) mirada crítica. A esa inercia contribuyen, como punta de lanza, el resto de personajes, y, por tanto, los actores y actrices que integran la galería del filme. Jay Kelly se erige, en definitiva, en el Fellini, ocho y medio (8 y ½) (8 ½ Otto e Mezzo, Italia, 1963) de la generación de la tecnología y las redes sociales, en la humilde opinión de este cronista. Junto a Historia de un matrimonio (Marriage Story, EE. UU. 2019) este portentoso trabajo autoral triunfa como el mejor guion y largometraje de su director. Una lástima que se nos haya sustraído de un estreno regular en salas de cine.
Menuda generación de cineastas la de aquellos estadounidenses que nacieron en 1969, que se conocen, se llaman, colaboran, se consultan y asesoran. Hablamos de realizadores y guionistas de la talla de James Gray, Wes Anderson, Spike Jonze y Noah Baumbach. Todos ellos, cada uno en sus respectivas líneas personales, están convirtiendo sus propuestas en auténticos acontecimientos audiovisuales.
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