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Reseña del libro «Niños muertos» de Jean-François Ménard y Martin Amis

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Construida en una estructura de reunión con atisbos del Marqués de Sade y ¨La naranja mecánica”, Niños muertos ¨ nos presenta a un grupo liderado por la refinada pareja proveniente de familia adinerada, Quentin y Diana que han dispuesto pasar un excitante fin de semana con unos invitados bastante variopintos dónde el sexo y las drogas son los principales ingredientes de un coctel molotov de emociones.

Lo que más llama la atención de la novela es la descripción de los personajes, que pasa a ser un completo análisis psicológico el cual ayuda a comprender cómo han terminado en una espiral de autodestrucción y violencia.

Si bien la violencia física no aparece de manera explícita, si se intuye sobretodo en la relación con las mujeres, que, aunque se las dibuje como seres liberales y defensoras de su sexualidad, terminan como meros objetos de satisfacción para ellos. Uno de los aspectos por lo que se puede comparar con ¨La naranja mecánica¨ es precisamente el hecho de considerar los abusos como algo natural y la creación de un grupo de violentos que recuerda a los ¨Drugos¨ de Alex.

En si la trama es un ajuste de cuentas de Amis entre la realidad (personaje reencarnado en el bromista Johnny, quien va dejando pequeñas notas aireando las miserias de cada uno) y la visión de los jóvenes que sólo piensan en el aquí y el ahora, sin tener en cuenta el futuro que les esperas con ese bucle psicodélico.

Pese a ser escrita en 1975, su trama podría ser el fin de semana de cualquier joven con las ideas no muy claras de la actualidad. Utilizando un lenguaje sencillo, aunque a veces algo soez, consigue que hasta los momentos más grotescos se conviertan en pequeños sketches de humor y así hacer una lectura entretenida.

Texto de Gara Lacaba Toledo.

El Festival Isla Calavera rendirá homenaje a ‘Nosferatu’ en su centenario

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–    El compositor canario Jonay Armas pondrá música en directo a la proyección de la mítica cinta de F. W. Murnau. 
–    Una exposición de fotografías e ilustraciones rendirá tributo al filme de culto, la primera película basada en el clásico de la literatura ‘Drácula’, de Bram Stoker. 

Tenerife, 18 de febrero de 2022.- La sexta edición del Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera, que se celebrará el próximo mes de noviembre, conmemorará el 100º aniversario del clásico de F. W. Murnau ‘Nosferatu’, película muda referente de la vanguardia del expresionismo alemán. Protagonizada por Max Schreck, está considerada el primer largometraje que aborda el mito de Drácula, imaginado por el escritor Bram Stoker en su novela de fantasía gótica publicada en 1897 y que posteriormente ha sido llevada al cine en multitud de ocasiones, destacando también la adaptación realizada por Francis Ford Coppola hace 30 años. 

En el marco de su programación, el Festival Isla Calavera ofrecerá la proyección de ‘Nosferatu, eine Symphonie des Grauens’ (‘Nosferatu: Una sinfonía del horror’), en una sesión especial que irá acompañada de la partitura original del compositor canario Jonay Armas escrita para la ocasión. El músico utilizará diversos instrumentos analógicos para la interpretación en directo de una composición que estrenará en el Festival Isla Calavera 2022. La presencia de algunos de estos instrumentos, como el theremín, cuyo carácter invita a esculpir sonidos inesperados en cada interpretación, hará de la proyección una experiencia irrepetible. 

Además, el Festival Isla Calavera desplegará una exposición de fotografías e ilustraciones inéditas creadas por diferentes artistas, que rendirán tributo a la iconografía de Nosferatu.

‘Nosferatu’ vio la luz por primera vez el 16 de febrero de 1922 en los Países Bajos. La première oficial tuvo lugar el 4 de marzo en Berlín, con música original de Hans Erdmann interpretada en directo. Una mítica partitura que se perdió y de la que solo se conversan dos suites. Desde entonces, muchos autores han escrito o improvisado su propia banda sonora para acompañar la proyección de la película de Murnau en directo. 

Sobre Jonay Armas

Nominado en dos ocasiones a los Premios Canarios de la Música y reconocido en Fimucité, Jonay Armas nace en la década de 1980 en Las Palmas de Gran Canaria. Sus trabajos para el cine incluyen títulos como ‘Un cielo impasible’ (2021), ‘Blanco en Blanco’ (2019). ‘La estrella errante’ (2018) o ‘Europa’ (2017) Es autor también de dos álbumes para piano solista, ‘Nui’ (2015) e ‘Índigo’ (2019), nominado a los premios MIN de la música independiente. Su propuesta para musicalizar ‘Nosferatu’ parte de integrar la sonoridad electrónica propia de los tiempos modernos con el misticismo y la imaginería visual de una obra inmortal. 

Sobre el Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera 

El Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera está organizado por la Asociación Cultural Charlas de Cine, la Asociación Cultural Isla Calavera, Multicines Tenerife y la publicación especializada TumbaAbierta.com. Nace en 2017 y en sus cinco años de trayectoria ha logrado una importante repercusión nacional y ya está considerado como uno de los cinco festivales de cine fantástico más relevantes del país. En el ámbito internacional también se ha convertido en una de las citas para tener en cuenta, gracias a la participación de figuras tan relevantes como Rick Baker, Caroline Munro, David Naughton, Enzo G. Castellari, Mick Garris, Neil Marshall, Charlotte Kirk, Nicholas Rowe, Colin Arthur o Jack Taylor. Otros invitados que han visitado Tenerife en el marco del Festival Isla Calavera y que han puesto el evento en el mapa de encuentros cinematográficos son Álex de la Iglesia, Belén Rueda, Paco Plaza, Carolina Bang, Paco Cabezas, Víctor Matellano, Juanma Bajo Ulloa o Lola Dueñas, entre otros.

«Historia del diálogo cuerpo a cuerpo» – Aarón Moreno Borges | LEYENDO MIRADAS

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“Historia del diálogo cuerpo a cuerpo” es una excavación de la memoria de un cuerpo. Son varios cuerpos abriendo una escucha activa sobre la que luego dialogar. Es recoger conocimiento a través del cuerpo.

Aarón Moreno Borges, autor que explora y curiosea en la diversidad que toda persona atesora.

Instagram: @aaronmorenoborges

No sin mi BSO: Drive My Car. Por Carmen Pérez

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INFORMACIÓN DISCOGRÁFICA

Compositora: Eiko Ishibashi

Duración: 38 min. 33 seg.

INFORMACIÓN DE LA PELÍCULA

Título original: Drive My Car

Director: Ryūsuke Hamaguchi

País: Japón

Año: 2021

Ahora más que nunca, hemos entrado en la reflexión que la vida muchas veces puede resultar dolorosa e injusta. Los cambios nos llegan sin planearlos y en esos momentos, llegamos a sentirnos perdidos. Si en esos instantes, tenemos la fortuna de encontrarnos con otra persona que encaje en nuestra conjunción, esta situación puede mejorar, para darnos esperanza.

Esperanza y superación es lo que se respira en Drive my car, una historia de crecimiento vital, en lo profesional y lo amoroso. En la que dos personas se cruzan, un autor teatral Yûsuke (Hidetoshi Nishijima) y su joven chófer Misaki (Tôko Miura), ambos comparten perder un ser querido: la mujer de Yûske, la madre de Misaki.

Mientras escribo estas líneas escucho la banda sonora y puedo sentir la sensibilidad en sus notas, sensibilidad que Hamaguchi transmite de una manera apabullante en cada una de sus secuencias, llenas de detalles y momentos únicos, por ejemplo, cuando los protagonistas fuman dentro del coche y sacan sus manos con los cigarros por la capota del otro protagonista de la historia, el Saab 900 Turbo de color rojo.

Una de las frases que podemos escuchar en la película es esta, “We’ll live through the long, long days, and through the long nights”, que al mismo tiempo da título a uno de los temas de su banda sonora. Palabras extraídas de los textos de Antón Chejov, dramaturgo y autor de relatos, y que el protagonista escucha en el coche a través del formato cassette ¿por qué me detengo a mencionarles esta frase? Por lo importante de estos textos en alguna de las secuencias, y lo que consiguen, acallar el silencio que predomina en muchos instantes del largometraje.

La compositora

Eiko Ishibashi es una multi-instrumentista, cantante y productora de música electrónica que ha estado activa como intérprete en vivo, como productora de música para teatro, películas y exposiciones. En sus producciones y actuaciones en vivo suele incorporar una gran variedad de instrumentos, como el piano, los sintetizadores, las flautas, las marimbas y la batería. Ha publicado sus trabajos en sellos como Felicity, Drag City, Black Truffle, Editions Mego y otros.

En la banda sonora que nos detiene hoy aquí, “Drive my car”, podemos comprobar el motivo de, por qué es conocida como una de las compositoras más versátiles de la escena musical japonesa. Es sólo escuchar sus dos primeros temas, para descubrir sus intenciones, la de incorporar los sonidos del Saab 900 como un instrumento más y de esa manera poder transmitir al oyente, la sensación de encontrarse viajando dentro del resistente coche, junto a los otros dos protagonistas

Entrevistas en Podcasts

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Entrevista al actor Norberto Trujillo de la serie Hierro
Entrevista al actor y humorista Jon Plazaola

Entrevista a Paula Espinosa
Entrevista a Noelia Franco y Samuel
Entrevista a Lucas Morales del Salón Internacional del Cómic y la Ilustración de Tenerife
Entrevista Christian Delgado
Entrevista a Marilia Monzón
Entrevista a Simón Salinas
Entrevista a Santiago Suárez

El libro de la semana recomendado por El Libro en Blanco y Culturamanía es «Mini Filosofía. Un pequeño libro sobre grandes ideas» de Jonny Thompson

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Esta semana Culturamanía y El Libro en Blanco recomendamos: «Mini Filosofía. Un pequeño libro sobre grandes ideas», de Jonny Thompson, una forma amena y práctica de adentrarnos en la filosofía.

¿Por qué la gente disfruta viendo películas de terror? ¿Debemos creer en la existencia de Dios? ¿Por qué el placer es mejor que el dolor? ¿Y cuándo un pato no es un pato? Mini Filosofía es un fascinante viaje por lo que algunas de las mentes más brillantes de los últimos 2.500 años
opinan respecto las grandes cuestiones de la vida, y sobre por qué aún son relevantes para nosotros hoy en día. Desde la estrategia de Sun Tzu para ganar en los juegos de mesa hasta las reflexiones de Freud sobre nuestra «pulsión de muerte»; pasando por las razones por las cuales De Beauvoir creía que el instinto maternal era un mito o por las que Schopenhauer probablemente no se divertía mucho en las fiestas, estas mini meditaciones ampliarán tu mente (y también la doblarán).

Compartimos un pequeño fragmento del libro:
Muy raramente damos importancia a los buenos modales. Es más que probable que sean tan aburridos que no puedan enseñarnos nada. ¿Por qué iba la filosofía a preocuparnos de si decimos <<gracias>> o de si cedo mi asiento a una anciana o de si no suelto tacos delante de niños? Son algo tan tremendamente trivial como atarse los cordones o rascarse donde pica.
No era así para el estadista y filósofo irlandés del siglo XVIII Edmund Burke. Él los consideraba uno de los aspectos más importantes de la sociedad moderna y una prueba esencial para los Gobiernos y los tiranos legalistas.


Burke sostenía que <<los modales son más importantes que las leyes. En ellos… se sustentan las leyes>>. Son expectativas no escritas que permiten funcionar a la sociedad y son las reglas que nos permiten colaborar entre nosotros. Están en todo: desde cómo comemos en público a
cómo elegimos la película familiar para el fin de semana. Burke concedía tal importancia a los modales porque nos traspasan la responsabilidad a nosotros como individuos y les dicen a los
legisladores <<lo que compete a las leyes y lo que los modales pueden regular solos>>.

Jonny Thomson enseña filosofía en Oxford. Dirige una popular cuenta de Instagram y un sitio web llamado Mini Filosofía, fruto de sus conversaciones con los estudiantes y de una obsesión un tanto masoquista por leer densas obras filosóficas. Aunque Jonny centra su trabajo en la
filosofía, le encanta escribir sobre todo tipo de temáticas. Bajo el título de su blog de «filosofía», se ha dedicado a reflexionar sobre los orígenes de la vida, la lingüística, la psicología del desarrollo, las paradojas de los viajes en el tiempo, el psicoanálisis y las exploraciones temáticas de novelas clásicas y de poesía.

El libro en blanco – C/ Juan Pablo II, 35
Santa Cruz de Tenerife
www.libroenblanco.es

Gabino Diego y Melani Olivares, protagonistas del Encuentro CAE 2022

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El Espacio Cultural CajaCanarias de Santa Cruz de Tenerife acoge el próximo jueves, 17 de febrero, un diálogo protagonizado por ambos intérpretes y moderado por el director del Festival CAE, Juan José Afonso

La actividad dará comienzo a partir de las 20:00 horas y las entradas, a un precio único de 5 euros, se encuentran a la venta en www.cajacanarias.com

La Fundación CajaCanarias y la Fundación “la Caixa” inauguran la programación del V Festival Canarias Artes Escénicas el próximo jueves, 17 de febrero, con la celebración del tradicional Encuentro CAE, protagonizado en esta ocasión por los actores Gabino Diego y Melani Olivares. El acto, moderado por Juan José Afonso, director teatral y responsable artístico del Festival, tendrá lugar en el Espacio Cultural CajaCanarias de Santa Cruz de Tenerife, a partir de las 20:00 horas y las localidades, a un precio general de 5 euros, se encuentran a la venta a través de www.cajacanarias.com

Gabino Diego (Madrid, 1966) es un rostro referencial del cine español a lo largo de las últimas cuatro décadas, desde que debutó, de la mano del cineasta Jaime Chávarri, en la adaptación cinematográfica de Las bicicletas son para el verano, novela de Fernando Fernán Gómez que se alzó con el Premio Nacional de Literatura, en 1982. Precisamente fue este quien le facilitó su primera gran actuación en la gran pantalla, con su papel en El viaje a ninguna parte, segunda escala de una carrera que se vio coronada con la obtención del Premio Goya a mejor actor de reparto por su interpretación en ¡Ay, Carmela!. Casi una treintena de incursiones en el séptimo arte, la más reciente en Tiempo después (2018), último filme firmado por el inolvidable José Luis Cuerda, jalonan una trayectoria que también cuenta con un notable repertorio de actuaciones en series de televisión y, especialmente en su estapa más reciente, sobre las tablas teatrales.

Por su parte, Melani Olivares (Badalona, 1973) ha desarrollado una carrera profesional estrechamente ligada al mundo de la televisión, participando en multitud de series desde mediados de la década de los noventa del siglo pasado y cuyo momento estelar acaeció con su interpretación de Paz en la serie Aida. Fuera de la pequeña pantalla, Olivares cuenta con más de una decena de papeles protagonistas en cine, así como una inicial trayectoria como presentadora televisiva. En 2008 fue reconocida con una Mención Especial en el VI Certamen Nacional de Cortos de Dos Hermanas (Sevilla), merced a su interpretación en Quédate. 

Filmin es la mejor iniciativa cultural digital de España

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Así lo han decidido los 358 panelistas que han participado este año en el estudio del Observatorio de la Cultura.

Filmin ha sido elegida como la mejor propuesta cultural en formato digital de España en el estudio anual del Observatorio de la Cultura que elabora Fundación Contemporánea, y en el que este año han participado 358 panelistas. Un 44,7% trabajan en una organización cultural pública, un 39,9% en una organización cultural privada y el 15,5% son profesionales independientes del sector.

Filmin, que el año pasado fue la segunda mejor iniciativa cultural digital, ha logrado superar esta vez a las visitas virtuales y las redes sociales del Museo del Prado. Un 22,4% de los encuestados han votado por Filmin, lo que supone practicamente doblar los datos registrados en la encuesta de 2021.

Por su parte, Atlàntida Mallorca Film Fest, el festival de cine de Filmin que cada año se celebra en Palma (Mallorca), y cuya última edición registró 700.000 espectadores sumando los asistentes a la edición física con la audiencia online, ha sido elegido como la cuarta mejor propuesta cultural de las Islas Baleares, con un 20,8% de los votos.

El Observatorio de la Cultura elabora desde 2009 esta serie de rankings e indicadores fijos relativos a la actividad cultural de las diferentes comunidades autónomas y ciudades, a las instituciones y acontecimientos culturales más destacados del año o a la evolución anual de los presupuestos de las organizaciones del sector. El objetivo principal de estos rankings es dar visibilidad y reconocimiento a una oferta cultural muy amplia, diversa y de gran calidad a lo largo de toda la geografía española y en constante renovación, incluso en los momentos de mayor dificultad.

Las películas de Filmin reciben cinco nominaciones a los Oscar

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«Drive my car» opta a cuatro premios, incluyendo el de Mejor Película, mientras que «Escribiendo con fuego» compite por el Oscar al Mejor Documental.

Las películas de Filmin reciben cinco nominaciones a los Oscar»Drive my car» opta a cuatro premios, incluyendo el de Mejor Película, mientras que «Escribiendo con fuego» compite por el Oscar al Mejor Documental.«Drive my Car», de Ryûsuke Hamaguchi.Filmin distribuye en España dos de las películas que han protagonizado hoy la lectura de nominados a la 94ª edición de los Oscar, que se entregarán el próximo 27 de marzo en Los Angeles. 

En primer lugar, «Drive my Car», que el pasado viernes 4 de febrero llegó a los cines españoles de la mano de Filmin y Elastica Films, ha recibibido cuatro nominaciones: Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor Guion y Mejor Película Extranjera. La cinta dirigida por el japonés Ryûsuke Hamaguchi ya había ganado el premio al Mejor Guion del Festival de Cannes y el Globo de Oro a la Mejor Película Extranjera

Por su parte la película india «Escribiendo con fuego», de Sushmit Ghosh y Rintu Thomas, disponible en Filmin desde el pasasdo 28 de diciembre, optará al Oscar al Mejor Documental. El film retrata a las mujeres que trabajan en el periódico Khabar Lahariya, único medio dirigido por mujeres Dalit en un país donde los hombres poseen el monopolio de la información. En su larga trayectoria de festivales el film ha recibido numerosos reconocimientos, como el Premio del Público en el Festival de Sundance o el premio al Mejor Documental en la Seminci de Valladolid.

Adrián Gómez opina sobre la película «Moonfall» del director Roland Emmerich

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Emmerich vuelve al ataque. Misión: destruir la tierra; como en Independence Day, El día del mañana, 2012… el director alemán siempre ha querido ser una suerte de Irwin Allen moderno, mirando de reojo el cine de Lucas/ Spielberg (El secreto de Joey/Fantasmas,ID4, Stargate). El cineasta debutó en 1984 con una muy potable cinta de Scifi; El principio del Arca de Noé; y piso por primera vez suelo americano en la modesta Moon 44. El satélite siempre ha estado ahí pues. Ahora nos cuenta la salida del eje del astro, por motivos tan delirantes como cabía esperar en su cine (recuerden 10.000. ac). Si uno sabe lo que va a ver, ya está vacunado… casi. Misión espacial suicida para reestablecer situación orbital, y morir en el intento, pues se acerca a la tierra en un par de días. Vamos, amenaza inminente, como siempre. Patrick Wilson (Watchmen, Midway), Halle Berry (X-Men, The Extranet) y el carácter freak and geek, encarnado por John Bradley, pilotan. En la tierra esperan Michael Peña (Antman), Charlie Plummer (Todo el dinero del mundo) y un Donald Sutherland, ya con dilatada experiencia en la NASA (Space Cowboys, Ad Astra), que ejerce de garganta profunda, largando sobre el aterrizaje de 1969 y lo que encontraron allí… Potaje pues, de referencias, no solo de su cine, sino de otros clásicos del género, sobretodo en la segunda mitad, donde picotea de Star Trek, la película, Abyss, Misión a Marte o Matrix Revolutions. El batiburrillo de dos horas, se apoya en el CGI, para mezclar catástrofe sideral (que no desastre natural), patriotismo, alienígenas, nanotecnología, saqueos, Von Danniken y Carl Sagan. Tal cual.

Que nadie espere seriedad científica a estas alturas, en el guion de Harald Kloser (también compositor de la b.s.o) y del propio Emmerich. El autor de Soldado universal y Godzilla solo ofrece palomitas y refresco. Con happy ending, of course. ¿Que querían? Al igual que Michael Bay o Paul W.S. Anderson, su cine no pretende engañar a nadie. Y que conste que este film no es ni mejor ni peor que Infinity War o Avatar, lo que pasa que llega tarde y mal. Si se la ve como un producto vintage homenaje a la serie b del género, en los años 50, se puede disfrutar. Si esperan otra cosa, no pierdan el tiempo. Y pinchen Bad Moon Rising, de la CCR. Quizá lo pasen mejor…

Fotografía en portada: Cartel o escena, público y distribuido para su publicidad de la película