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Elisabeth Justicia: “Estamos iniciando una lucha contra el edadismo para borrar todos los prejuicios que hay ahora mismo”. Por Noé Ramón 

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Dominga Habla Sola es una señora mayor que se niega a quedar atrapada en los estereotipos de la vejez y muy al contrario aprovecha al máximo la vida y la utiliza para reflexionar y hacer pensar a los demás sobre todo tipo de cuestiones. Su creadora es Elisabeth Justicia, estudiante de Bellas Artes, que se especializó en ilustración y animación para finalmente elegir el diseño gráfico, mundo en el que permaneció varios años enfocándose en aplicaciones móviles o páginas webs. En paralelo seguía trabajando como ilustradora, realizó varios cuentos infantiles, participó en exposiciones individuales y colectivas y ha hecho retratos con diferentes técnicas. Todo ello hasta que sintió la necesidad de lo que denomina “enriquecer mi vida profesional” y optó por estudiar integración social haciendo voluntariado en centros de personas con parálisis cerebral o residencias de mayores. Y aquí se sitúa el punto de partida del personaje que ocupa su trayectoria durante los últimos años. Esta respetable señora llamada Dominga que a veces resulta muy difícil de diferenciar de su creadora.Tanto para los demás como incluso a ella misma. Este personaje es el alter ego tras el que se parapeta la historietista y a la vez el resumen de todas las experiencias que ha vivido en los talleres y charlas en las que ha participado.

-¿Qué fue lo que buscabas en los centros de personas con discapacidad o en las residencias de mayores?

-Quería poner en práctica un poco lo que había aprendido en mi perfil más artístico y hacer algún proyecto que me permitiera expresar lo que no pueden hacer algunos usuarios de estos centros como las personas con parálisis cerebral, por sus limitaciones cognitivas y diversidad funcional. Así que poco a poco fui viendo en el arte una herramienta muy interesante para reflejar más aspectos de los que son habituales entre los dibujantes.

-… y es ahí cuando nace Dominga Habla Sola.

-Sí, el objetivo era utilizar la ilustración para acercarme un poco al mundo más social y crear un personaje que pudiese hablar de diferentes cuestiones que me apetecía tratar o abordar o denunciar o reivindicar o plasmar de alguna forma. Quería demostrar y hacer ver que todos podemos pasar por ciertas emociones, sentimientos o situaciones más allá de cuál sea nuestra condición, el lugar en el que vivimos, quienes somos o la edad que tengamos. Esa era un poco mi idea, construir un personaje como Dominga, una mujer mayor que habla un poco de todo y a la vez todo habla a través de ella porque nos salpica a cada uno de nosotros cuando leemos, vemos o entramos en su mensajes. No importa que seamos una mujer o un hombre mayor o más joven, siempre hay cosas que nos van a atravesar un poco a todos. Intento tratar muchas cuestiones desde los dos perfiles en los que me he formado, académicamente, las Bellas Artes y luego desde el punto de vista social.

-¿Dominga habla también de política? Lo digo porque como justo hacemos esta entrevista el 20-N, cincuentenario de la muerte de Franco, su opinión y experiencia resultarían muy interesantes.

-Sin duda es un día importante. Como ya digo a través de ella intento abordar muchos asuntos y además defender sus ideas que las tiene y son muy claras. Busco que el personaje sea muy fiel, en realidad porque al final quiero serlo yo misma. Así que es cierto. Algunas veces se mete en política.

-Supongo que más bien es de izquierdas.

-Totalmente. Lo que no significa que comulgue con absolutamente todo lo que plantea la izquierda actual porque de entrada pienso que debemos ser más críticos, a mi no me convence cualquier cosa tan sólo porque sea de izquierdas. En realidad prefiero pensar que más allá de que seas de derechas o de izquierdas lo importante y lo que hace falta es tener sentido común y conciencia social. Para mí las prioridades son atender las necesidades como la vivienda, educación y sanidad pública, y claro si piensas así tiendes a estar más bien a la izquierda.

-Ahora parece que un 19% de los jóvenes añora la dictadura franquista que por supuesto no han vivido.

-Eso es no tener ni idea, ni saber lo que pasó.

-Ahí jugaría un papel importante escuchar voces como las de Dominga para explicar lo que realmente ocurrió.

-Claro, la solución es escuchar a las personas mayores. Si oyes a los que vivieron la dictadura, los años de la guerra, postguerra… todos tienen el mismo discurso que básicamente se resume en: “¡Ojalá no vivas una guerra, ojalá no pases por lo mismo que nosotros, ojalá que no haya otra dictadura”. Debemos escuchar a estas personas que han vivido todo eso.

-¿Dirías que a pesar de esa cierta carga de política tu estilo podría ir también dirigido al público infantil?

-Ni siquiera sé si tengo un estilo, una línea. En verdad desde el inicio de mi carrera parece que lo importante es tener un estilo, crearlo y que te identifiques con él. Pero luego cuando entras al mundo real te das cuenta de que hay diferentes maneras de expresarte y necesidades. La vida va cambiando con mucha rapidez y ahí me di cuenta de que no era tan necesario tener un estilo sino que en realidad lo importante es querer contar o aportar algo. Intentar cambiar la realidad de alguna forma utilizando tus medios. Desde ese punto de vista sí se podría decir que he podido tener o tengo varios estilos.

-¿En qué sentido?

-Pues, si me encargan, por ejemplo, que haga un cuento infantil uso mucho color y si es algo para el público adulto sería más sobrio y lógicamente con una técnica distinta.

-Pero insisto, ¿crees que los niños podrían entender tu trabajo?

-Los mensajes desde luego no son infantiles, aunque pueden llegar a los niños pero creo que más bien van totalmente dirigidos a los adultos. Es como algunas películas que por el formato parecen infantiles pero luego el mensaje es propio de los adultos porque los niños no podrían entenderlo. Me gusta jugar con todo eso. En principio los dibujos dan la impresión de que van dirigidos a los niños, pero sin embargo, luego te das cuenta de que no, de que realmente lo importante es que te puedas identificar con el personaje, que te llegue el mensaje. Me gusta romper con todos esos prejuicios. Pero bueno, diciéndolo en una respuesta rápida: creo que mis dibujos no van dirigidos a los niños de forma prioritaria.

-¿Cómo definirías a Dominga? ¿Cómo sueles presentarla a los que van a tus charlas? Supongo que al principio se imaginarán a una persona mayor y un tanto solitaria como suele ocurrirle a los ancianos.

-Intento no etiquetarla. Creo que las personas mayores no tienen porque caracterizarse por ser solitarias o estar aisladas. Ahora la vejez es muy diferente a la que nos vendían antes y que en realidad nos quieren seguir vendiendo. En realidad estamos iniciando una lucha contra el edadismo que ojalá empiece a calar y se borren todos los prejuicios que hay ahora mismo. Lo que pretendo con Dominga es mostrar la vejez como algo que está más allá de los riesgos que supone, que trae consigo y que ya la sociedad se encarga de repetirnos constantemente. Las personas mayores tienen muchas oportunidades y no siempre encajan en esos estereotipos, intento mostrar una idea lo más amable posible de la vejez porque llegar a esa edad es una suerte.

-La idea es escuchar las experiencias de Dominga y su visión del mundo, supongo.

-Cuando te paras y escuchas a Dominga ves como en su mundo siguen pasando cosas, ella quiere aprender, observa la realidad, habla de lo que le indigna y le frustra y también de lo que le gusta. Intenta disfrutar y valorar la amistad y seguirla cultivando, al igual que es importante hablar de la sexualidad de las personas mayores sin tabúes. La vida supone acumular experiencias y los años vividos te dan una valía que de otra forma no tienes y seguramente eres experto en ciertas cosas y puedes hablar de ellas con propiedad.

-Por ejemplo de la dictadura como decíamos antes…

-Ya que han vivido una dictadura hay que dejarles que nos cuenten lo que supone y luego me dices si quieres volver a eso o no. Desde Dominga intento hacer valer la importancia de la escucha activa a las personas mayores porque de lo contrario estaríamos dejando pasar muchas experiencias. Quizás el mundo sería un poquito mejor si juntamos sinergias, tomamos esas experiencias acumuladas por los años y ponemos en práctica lo que podamos extraer. Esa en definitiva es un poco la idea.

-Y para ello utilizas las charlas y talleres.

-Sí, son charlas en las que participan personas mayores. No es nada que yo me invente. La mayoría de las viñetas salen desde estos espacios de conversación, de escuchar y contar vivencias, desde el respeto hacia los demás.

-¿Los talleres los impartes por toda España, sin depender si son grandes ciudades o pueblos?

-Sí. Considero que enriquecen mucho al personaje, tanto si son en lugares como Barcelona, Hospitalet o Madrid o si las haces en otros más pequeñitos y rurales, en los que quizás solo hay mil habitantes. De ahí obtienes diferentes perspectivas de distintos tipos de personas y eso me enriquece un montón. Muchas veces las charlas las organizan los ayuntamientos o entidades a través de campañas y consisten en sacar conclusiones. Dominga se transforma en una especie de altavoz o imagen de las ideas que lanzan los participantes. Por eso digo que ella no es una excepción sino que reúne un poco lo que se dice de la vejez real, que no es como la de antes. En una de las viñetas Dominga intenta redefinir la palabra “vieja” que se usa casi como un insulto y no le gusta a nadie, lo que en parte es normal porque la sociedad nos vende ahora lo contrario, que debemos ser jóvenes, algo que me parece un absurdo total. Dominga propone usar las iniciales VIEJA como Vividora Independiente en Edad Jubilosa y Activa. La idea es que siendo mayor puedas vivir de forma plena, aprovechar que la ciencia nos ha regalado prácticamente veinte años más de vida y que casi estamos obligados a disfrutarlos, sin prejuicios edadistas. No todas las personas mayores están enfermas, ni quieren encerrarse en casas aisladas, ni estar en un centro de mayores jugando al dominó. Eso ahora mismo no es ya la vejez. Ese es el mensaje que transmite Dominga y que en realidad se ve cada vez más a nuestro alrededor.

-En cuanto a técnica pareces muy interesada en el diseño digital. No sé si también en la Inteligencia Artificial (IA).

-Lo digital sí me interesa y la utilizo pero la IA para nada. He estado muchísimos años haciendo ilustraciones en acrílico con acuarela, tinta y empleando diferentes técnicas como el collage o la fotografía. Pero sí, es cierto que cada vez tiendo más al mundo digital intentando simular el trazo del lápiz o el rotulador. Lo de la Inteligencia Artificial es algo que me provoca una mezcla de miedo y rechazo. Creo que podríamos utilizarla para otras cosas pero no para quitarnos de encima el trabajo que realmente disfrutamos y que al final es el más creativo, requiere promover el pensamiento crítico y opinar. Eso es algo que no deberíamos delegar en la IA porque entonces nos volveríamos más tontos aún de lo que somos. ¡Imagínate que nos quita el placer de crear una ilustración!

-También estás muy interesada en el mundo de la animación.

-Sí, después de acabar la carrera hice un posgrado para especializarme en animación pero en la tradicional, de hecho no me gusta el 3D. Hice algún corto que presenté en diferentes festivales y fue premiado. Pero bueno, es difícil vivir de la animación por lo que estás obligada a compaginarla con otros trabajos para sobrevivir, especialmente al acabar la carrera y tu ilusión es independizarte. Cuando quieres dejar de ser un estudiante universitario que vive de la beca y del trabajo de verano.

-¿Qué prefieres los cómics o las novelas gráficas a la hora de expresarte?

-Me resulta difícil responder. Consumo novela gráfica pero también otro tipo de material como literatura, diferentes clases de ensayos y veo mucho cine y series de televisión. La verdad es que Dominga comenzó como viñetas que ponía en las redes sociales y de ahí saltó a un libro que se publicó hace un par de años y ahora trabajo en el segundo que espero que salga en 2026. No sé si definirlo como novela gráfica o si es exactamente un cómic, las viñetas van acompañadas de mucho texto y son independientes con pequeñas reflexiones cada una. Me cuesta definir lo que hago, al final lo importante es usar una herramienta, en este caso la ilustración, para centrarme en el personaje de Dominga y que la gente se pueda parar un momento a reflexionar. Lograr eso ya sería mucho. Así que me da igual como se defina, si lo consigo me quedo super feliz.

-Tus planes de futuro supongo que pasan por seguir ahondando en el personaje de Dominga.

-Es que más allá de ir dirigido a mayores o niños, se ha convertido en un proyecto social con el que participo en jornadas, charlas o talleres al que acude gente que lo enriquece muchísimo. Mis planes de futuro son seguir abordando diferentes cuestiones para provocar un poquito de cambio social, por ejemplo con lo del edadismo que me parece un temazo que debemos abordar entre todos lo antes posible. Lo importante es dar visibilidad a las discriminaciones que sufren las personas mayores, darles la importancia que se merecen y escucharlas de forma activa. Todos podemos aprender más de lo que creemos.

-¿Y en tu cabeza está dando vueltas algún otro personaje?

-Ahora mismo Dominga se ha convertido en todo un universo que se va ampliando y en torno al cual surgen constantemente nuevos personajes.

“Detrás de cada invitado hay meses de trabajo, pero también momentos de ilusión compartida”. Vanesa Bocanegra y Laura Nazco

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En esta entrevista para Culturamanía, Vanesa Bocanegra y Laura Nazco, parte del equipo del Festival Isla Calavera, comparten los retos, emociones y anécdotas detrás de uno de los eventos más destacados del cine fantástico en España.

El Festival Isla Calavera se ha consolidado en menos de una década como una de las grandes citas del género fantástico en España. ¿Qué supone, en términos de esfuerzo y coordinación, sacar adelante un evento de esta magnitud año tras año, y qué parte del proceso consideran más desafiante o más gratificante?

– Vanesa: Cada edición es una auténtica aventura. Supone muchos meses de trabajo, coordinación y una gran implicación personal y emocional por parte de todo el equipo. Lo más desafiante, sin duda, es compaginar la logística con la parte creativa: asegurar que toda la maquinaria funcione mientras mantienes esa chispa de ilusión y novedad. Pero lo más gratificante llega cuando ves las salas llenas, al público aplaudiendo y a los invitados emocionados por la acogida; en ese momento sabes que todo el esfuerzo ha valido la pena.

– Laura: En primer lugar, un esfuerzo muy notable que te cambia las tardes de muchos meses del año. Es un trabajo que realizamos en nuestro tiempo libre, fuera de nuestra labor profesional original. No obstante, ver crecer el proyecto y formar una parte importante de él es lo que nos lleva a continuar y seguir dándolo todo. El trabajo en equipo es una de las motivaciones más importante que tengo, para mí son familia, compartir el periodo del festival con ellos, como un equipo familiar, cada vez más consolidado y profesionalizado es una de mis mayores motivaciones.

Isla Calavera combina lo internacional con lo local, rindiendo homenaje tanto a figuras legendarias del cine fantástico como a talentos canarios emergentes. ¿Cómo logran mantener ese equilibrio entre lo global y lo insular en la programación y la selección de premiados?

– Vanesa: Desde el principio tuvimos claro que Isla Calavera debía ser una ventana al mundo, pero también un espejo en el que se reflejara nuestro propio talento. Apostamos por una programación que conecte grandes nombres internacionales con creadores canarios, generando ese diálogo entre lo global y lo local. Además, intentamos que cada invitación o premio tenga un sentido, que haya una historia detrás, un lazo emocional o cultural que justifique su presencia en el Festival.

– Laura: La dirección trata de llevar este aspecto de forma equilibrada y sin menguar la calidad. Es grato ver como dentro del sector, en Canarias, estamos cada vez mejor, la calidad aumenta y sus producciones. En cuanto a lo internacional y lo nacional, son muchos meses de trabajo para concretar cada visita a la isla. Tenemos una planificación a años vista, con el fin de organizar el trabajo y hacer un evento de calidad.

Este año el festival reunirá nombres tan destacados como Jenette Goldstein, William Hope, Randal Kleiser, Ornella Muti o Rodrigo Cortés. ¿Podrían contarnos alguna anécdota o momento especial del proceso de invitar o confirmar a alguno de ellos?

– Vanesa: La confirmación de Jenette Goldstein fue especialmente emocionante. Todos recordamos su papel en Aliens y poder tenerla aquí, junto a William Hope, será como revivir un pedazo de historia del cine. También con Rodrigo Cortés hubo un intercambio muy bonito; es un cineasta al que admiramos profundamente, y su compromiso con el género y su actitud generosa con el Festival han hecho que todo fluya con naturalidad. Va a ser muy especial celebrar en Isla Calavera el 15º aniversario de su película Buried. Muchas veces, detrás de cada invitado hay meses de conversaciones y gestiones, pero también momentos de ilusión compartida.

– Laura: Cada invitado/a tiene su propio estilo o forma de llevar su agenda. Los primeros contactos suelen venir desde la dirección, y a mí me toca después el trabajo de concretar la visita desde producción. Solo te diré que la gran mayoría son personas extraordinarias, pero si te tengo que destacar a alguien, a un invitado que ha dejado huella en todos los departamentos del festival ese es Eduardo Noriega. Para el festival es un amigo, una persona encantadora. Amber Heard me sorprendió por su cercanía y naturalidad, y Belén Rueda una mujer maravillosa, fácil de gestionar, amigable, cariñosa, es lo que ves.

El Festival Isla Calavera ha contribuido a posicionar Canarias como un referente para el cine de género y los rodajes internacionales. ¿Sienten que el público canario ha desarrollado una relación especial con el fantástico gracias al festival?

– Vanesa: Totalmente. Creo que el público canario siempre ha tenido una sensibilidad especial hacia el cine fantástico, pero Isla Calavera ha conseguido canalizarla y convertirla en una auténtica comunidad. Ya no hablamos solo de espectadores, sino de una familia que vive el festival con pasión, año tras año. Es maravilloso ver cómo acuden generaciones diferentes, cómo los fans comparten sesiones, y cómo el fantástico ha pasado a formar parte del imaginario cultural del Archipiélago.

– Laura: Eso vemos. Notamos que cada año aumentan las entradas y las actividades tiene una buena acogida. Calavera está ayudando en crear “cultura de festival de cine en Tenerife”. Nuestra isla goza de buena salud en lo que a festivales se refiere, casi todos ellos tematizados. Calavera es un festival de cine y por el cine, una rara avis en Tenerife que empieza a convencer al público tinerfeño.

¿Recuerdan cuál fue la primera película de cine fantástico o de terror que las marcó personalmente, esa que quizás las llevó a enamorarse del género y a dedicarse a difundirlo desde Isla Calavera?

– Vanesa: En mi caso, me es complicado escoger solo una, pero podría citar Poltergeist. Aquella mezcla entre lo cotidiano y lo sobrenatural me fascinó siendo niña. Me enseñó que el terror no está solo en lo grotesco, sino también en las emociones, en lo familiar, en la atmósfera. Con el tiempo, descubrí que el cine fantástico es un lenguaje universal capaz de abordar temas humanos desde la imaginación y el miedo, y creo que ahí está su grandeza.

– Laura: Sin duda alguna Los Goonies. Para mí entra en el fantástico porque es una aventura maravillosa, que reúne todo lo que tiene que tener un clásico del fantástico. No sé ni las veces que la vi. Me sé los diálogos de memoria, la disfruto mucho.

Si pudieran “invocar” a cualquier figura del cine fantástico —viva o fallecida— para que asistiera a una futura edición del festival, ¿a quién traerían y por qué?

– Vanesa: Me encantaría poder sentar en nuestro escenario a Guillermo del Toro. Representa a la perfección lo que amamos del género: la pasión por la fantasía, el amor por los monstruos y la celebración de lo diferente. Además, su forma de entender el cine conecta con el espíritu de Isla Calavera: la idea de que detrás de cada historia fantástica hay humanidad, emoción y arte.

– Laura: Harrison Ford sin duda alguna. Han Solo me marcó la infancia, crecí con él. Para mí es un sueño, y una esperanza que no pierdo.

La serie original de Adult Swim ganadora de un Premio Emmy® PRIMAL regresa a HBO Max el 12 de enero

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 De la mente del visionario creador Genndy Tartakovsky («El laboratorio de Dexter», «Samurai Jack», «Star Wars: Clone Wars», «Sym-Bionic Titan»), la serie ganadora de cinco premios Emmy que sigue a un cavernícola en los albores de la evolución regresa para una tercera temporada el lunes 12 de enero a HBO Max.

Combinando arte y acción trepidante, las dos primeras temporadas siguieron a Spear mientras formaba un vínculo inesperado con un dinosaurio casi extinto y más tarde hacía el sacrificio definitivo tras un enfrentamiento final que resultó fatal. La tercera temporada de PRIMAL comienza con un giro impactante que resucita a Spear en una nueva forma, despojado de su memoria y humanidad, y lo obliga a vagar por un mundo brutal y salvaje como una sombra de lo que fue. Mientras Spear lucha contra paisajes salvajes y enemigos mortales, los débiles ecos de su pasado comienzan a despertarse, lo que lo lleva a un reencuentro emotivo y explosivo que pondrá a prueba los límites de la supervivencia.

Tartakovsky declaró: «Después de dos temporadas, estaba listo para seguir adelante hasta que surgió una idea más pulp, más dura y más irresistible. Todos estuvieron de acuerdo y así nació la tercera temporada». «Quiero decir, no todo el mundo puede matar a su personaje principal y luego decir «pensándolo bien…» y salir adelante», añadía Michael Ouweleen, presidente de Adult Swim. «Pero Genndy tiende a no ponérselo fácil, y el resultado es una tercera temporada más loca que la decisión de matar a Spear en primer lugar. Si pensabas que la muerte del personaje principal en la segunda temporada era emotiva, espera a ver lo que te espera en la tercera. La mayoría de los creadores racionales no matarían al personaje principal y destruirían cualquier camino obvio para que su serie continuara, pero Genndy pensó que la historia lo exigía absolutamente, y tenía razón. Lo que significaba que tenía ante sí el gran reto de averiguar cómo hacer avanzar PRIMAL. Su solución, como todo lo que hace, es muy sorprendente, apasionante y abre nuevos caminos para esta serie y para la animación».

PRIMAL es una creación de Tartakovsky con dirección artística de Scott Wills («El show de Ren y Stimpy», «Samurai Jack») y composición musical de Tyler Bates («Guardianes de la Galaxia», «Samurai Jack», «Unicornio: Los guerreros eternos») y Joanne Higginbottom («Salem», «Samurai Jack», «Unicornio: Los guerreros eternos»), y el diseño de efectos de sonido de Joel Valentine («Samurai Jack», «Los Green en la gran ciudad», «Unicornio: Los guerreros eternos»). En la Comic Con de Nueva York de este año se presentó un primer avance de la nueva temporada. PRIMAL es una producción de Cartoon Network Studios para Adult Swim. 

El Eden-Théâtre, el cine más antiguo del mundo en activo, premio Honorífico de la Muestra de Cine de Lanzarote

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  • La asociación Tenique Cultural, responsable de la Muestra de Cine de Lanzarote, otorga este galardón por ser un símbolo de la resistencia de las salas de cine como lugares de encuentro, memoria y transmisión cultural.
  • Este cine, inaugurado en 1889 en La Ciotat (Francia), fue escenario de las primeras proyecciones de los hermanos Lumière.
  • Con este reconocimiento, la Muestra de Cine de Lanzarote celebra la perseverancia, la belleza y la vocación cultural de un espacio que ha sabido mantenerse vivo, conservando la emoción original del cine y proyectándola hacia el futuro.


El premio Honorífico de la Muestra de Cine de Lanzarote reconoce cada año a quienes han contribuido, desde distintos ámbitos, a sostener y enriquecer la vida del cine. Personas, colectivos e instituciones que, con su trabajo y su compromiso, han hecho del cine una forma de conocimiento, de memoria y de encuentro.



Si otros años han recibido este galardón la prestigiosa revista francesa Cahiers du Cinema, el centro de conservación de L’Immagine Ritrovata o la escuela de cine de San Antonio de los Baños en Cuba, esta 15ª edición la Muestra de Cine rinde homenaje al Teatre Éden, considerado el cine más antiguo del mundo en activo.

Inaugurado en 1889 en La Ciotat, al sur de Francia, este histórico espacio fue escenario de las primeras proyecciones de los hermanos Lumière y ha mantenido, a lo largo de más de un siglo, un compromiso inquebrantable con el arte cinematográfico y con su dimensión pública, social y cultural.



Según el director de la Muestra de Cine, Javier Fuentes Feo, el Teatre Éden representa “un símbolo de continuidad entre el nacimiento del séptimo arte y su presente. Su supervivencia y su vitalidad son también un recordatorio de que el cine, más allá de la tecnología o los formatos, sigue siendo una experiencia compartida y profundamente humana”.

El premio, que recogerán responsables de este emblemático cine, será uno de los vinos más especiales de las bodegas El Grifo, que año tras año sella su alianza con la Muestra de Cine. La elección responde al vínculo de la viña con el territorio y a la decisión de la asociación organizadora, Tenique Cultural, de obsequiar algo que se destine al disfrute y a la celebración antes que una pieza meramente decorativa.

La Muestra de Cine de Lanzarote cuenta con la colaboración del Cabildo de Lanzarote, los Centros de Arte, Cultura y Turismo, la Sociedad de Promoción Exterior de Lanzarote a través de su marca de producto Lanzarote Film Commission y el patrocinio del Gobierno de Canarias – Islas Canarias Latitud de Vida -, el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales de España (ICAA) del Ministerio de Cultura y subvención del Gobierno de Canarias.

La rapera Sara Socas presenta en la ULL el primer concierto de ‘A Full con la Sinfónica’

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La Orquesta Sinfónica de Tenerife vuelve este curso al Paraninfo de la Universidad de La Laguna con una nueva edición de “A fULL con la Sinfónica”, un programa de tres conciertos diseñado especialmente para acercar al público más joven la música sinfónica, contando con presentadores especiales afines al grupo de espectadores al que se dirige esta iniciativa. La primera de estas veladas será el próximo jueves 27 de noviembre a las 20:00 horas, con la rapera y cantante Sara Socas como maestra de ceremonias y Bruno Coelho como director invitado. 

El programa estará integrado por dos piezas: “Macbeth, op. 23, TrV 163 *”, poema sinfónico de Richard Strauss; y la “Sinfonía n.º 4 en re menor, op. 120” de Robert Schumann. La entrada será gratuita para el alumnado (aunque deberá retirar la reserva para completar el aforo), mientras que para el público general tendrá un precio de 9 euros.

Sobre la primera de las piezas, la musicóloga Cristina Roldán explica que Macbeth es el poema sinfónico menos conocido e interpretado de su autor, “algo injusto, ya que se trata de una pieza profética en varios aspectos del compositor de ópera en el que Strauss se convertiría”. La obra no sigue rígidamente la trama de la obra de Shakespeare, sino que traza “un retrato musical de los protagonistas y su conflicto”. Así, “Macbeth se expresa en dos temas contrastantes: uno heroico y militar en re menor, y otro más frágil y vacilante”. Por su parte, Lady Macbeh, “se dibuja con líneas apasionadas en la cuerda y los vientos, de un lirismo tan seductor como ambiguo. 

En cuanto a la Sinfonía n.º 4 en re menor de Robert Schumann, explica Roldán que fue escrita en un momento “crucial” de la vida de su autor: “Tras un noviazgo de cinco años y una prolongada batalla con el padre de ella (quien se oponía al matrimonio), Schumann se casó con la compositora y virtuosa del piano Clara Wieck el 12 de septiembre de 1840”. Redactada en 1841 durante una semana, esta Cuarta sinfonía “es la contraparte apasionada de la Primera, más tranquila”. Fue revisada diez años después y se distingue “por su estructura cíclica: los cuatro movimientos se suceden sin interrupción. Esta continuidad, insólita para la época, otorga a la obra una fuerza narrativa comparable a la de una novela en la que los personajes evolucionan”.

El director invitado, Nuno Coelho, es director titular y artístico de la Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias. Ha dirigido, entre otras, la Royal Concertgebouw Orchestra, la hr-Sinfonieorchester de Frankfurt, la Netherlands Radio Philharmonic y la Orquesta Nacional de España.

Por su parte, Sara Socas es una cantante, rapera y compositora tinerfeña nacida en 1997 que saltó a la fama en el freestyle al competir en la liga FMS España. Desde 2023 centra su carrera musical con un debut que la sitúa como voz propia de las músicas urbanas. Gabinete de Comunicación/21 de noviembre de 2025

Filmin estrena el western rural de Athina Rachel, “Harvest”, seleccionado en el Festival de Venecia

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Caleb Landry Jones («Get Out») y Harry Melling («Pillion») protagonizan esta película con tintes de folk horror de la directora y productora griega conocida por «Attenberg» (2010). Estreno en Filmin el 28 de noviembre.

El próximo 28 de noviembre, Filmin estrena en exclusiva “Harvest”, el western con tintes de folk horror de la directora griega Athina Rachel Tsangari, productora habitual de Yorgos Lanthimos («Canino», «Alps») y de Richard Linklater («Antes del anochecer»). La película se estrenó en el Festival de Venecia, compitiendo por el León de Oro a la Mejor Película, y ganó el Premio Tops de la Crítica ACCEC en el Americana Film Fest. La historia está basada en la novela homónima de Jim Crace, nominada al Premio Booker en 2013 y editada en España por Hoja de Lata bajo el título «Cosecha». El reparto lo encabezan Caleb Landry Jones (“Tres anuncios en las afueras”, «Get Out»), Harry Melling (“Pillion”, «Harry Potter») y Frank Dillane (“Urchin”). Además, el film está producido por la ganadora del BAFTA Rebecca O’Brien, conocida por su trabajo junto a Ken Loach en la productora Sixteen Films.

«Harvest» narra la historia de una aldea rural aislada, de nombre y lugar indeterminados. Es época de cosecha y, a través de Walter (Caleb Landry Jones), vemos como cambia la comunidad con la llegada inesperada de tres personajes extraños: un cartógrafo, un inmigrante y un banquero. El caos se cierne definitivamente con el traspaso de las tierras del cercano señor Kent (Harry Melling), al desconocido señor Jordan (Frank Dillane). Una alegoría enigmática y brutal del capitalismo.

Crear comunidad 

La directora, Athina Rachel Tsangari, es una de las mayores exponentes de la nueva ola del cine griego junto a Yorgos Lanthimos. Además de su faceta de productora, mencionada anteriormente, Rachel es conocida por sus anteriores filmes: «The Slow Business of Going» (2000), «Attenberg» (2010) y «Chevalier» (2015). En esta ocasión, su primera vez rodando en inglés, la cineasta ha conseguido juntar a un elenco de ensueño, con nombres tan reconocidos como Caleb Landry Jones (“The florida project”, “Drácula”), Harry Melling (“Harry Potter”, “Pillion”), Frank Dillane (“Harry Potter”, “Urchin”) y Rosy McEwen (“Blue Jean”, “Scarpetta”) a los que se unieron los aldeanos reales del pueblo escocés en el que rodaron, ya que abrieron un proceso de casting en la escuela local.

La simbiosis fue especial y orgánica, según cuenta la directora: “Fue una colaboración muy natural con todos, elenco y equipo como una sola unidad. Vivíamos juntos, trabajábamos juntos, nadábamos, recolectábamos, comíamos, bebíamos juntos. Estábamos forjando una comunidad entre nosotros mientras hacíamos una película sobre la muerte de una comunidad”. 

Atemporal, ambigua, pero a la orden del día 

Es difícil encasillar “Harvest” en un único género. Rodada en 16 mm y con luz natural, la película es una especie de espejismo: un lugar ambiguo, una época confusa, personajes existencialistas, nadie es ni bueno ni malo. La temática de la pérdida de la tierra y la comunidad es tan actual que Tsangari no quería especificar cuál era el tiempo o el lugar para no caer en ser simplemente una película de época. “Joslyn (guionista) y yo abordamos el guion como una historia moderna: está ocurriendo hoy y en todas partes. Estamos atrapados en este ciclo eterno de pérdida y exilio”, aclara la directora. 

Ella lo describe como un western nihilista: “Es un western, pero en este sentido primordial. Normalmente tienes una comunidad invadida por algo, ya sea el mal, o el progreso, o el dinero, y el héroe suele salvar el día. A mí me interesaba un western nihilista donde el personaje forma parte de la comunidad pero, al mismo tiempo, es un forastero. Realmente no pertenece. Hay un desplazamiento en la historia. Luego, al final, toda la comunidad está siendo desplazada, igual que él. No hay redención para él”. Es, en definitiva, un viaje irreal y místico por el que simplemente hay que dejarse llevar

«Gladiadores. Más allá del mito», el nuevo episodio del podcast Dimensión Oculta con Carmen Pérez

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Dimensión Oculta estrena el episodio “Gladiadores. Más allá del mito”, un viaje al corazón del Coliseo

¿Qué verdades se esconden tras el mito de los gladiadores? El nuevo episodio de Dimensión Oculta invita a la audiencia a adentrarse en uno de los universos más fascinantes y oscuros de la Antigüedad: la arena del Coliseo romano. A través de un recorrido por los ruidos metálicos de las espadas, los rugidos del público y los rituales de poder que marcaron estas luchas, el programa desvela aspectos inéditos de un mundo cargado de violencia, espectáculo y simbolismo.

En esta ocasión, el espacio cuenta con la participación de Alfonso Mañas, investigador de prestigio internacional y autor del libro “Gladiadores, bestias y condenados”. Con su amplia experiencia y rigor académico, Mañas guía a los espectadores por la realidad histórica que se esconde detrás de los relatos tradicionales, ofreciendo una mirada profunda a las vidas, las motivaciones y los destinos de quienes pisaron la arena.

“Gladiadores. Más allá del mito” ya está disponible y promete sorprender tanto a aficionados a la historia como a quienes buscan una perspectiva distinta sobre uno de los iconos más poderosos de la civilización romana.

Puedes escuchar el resto de episodios en la siguiente dirección: https://www.ivoox.com/podcast-dimension-oculta-carmen-perez_sq_f11713972_1.html

Sobre Dimensión Oculta

Un podcast que explora los límites entre lo real y lo imposible 

¿Y si el misterio no fuera una excepción… sino parte de nuestra realidad cotidiana? Con  esa pregunta nació Dimensión Oculta, un podcast creado y conducido por la  comunicadora e investigadora Carmen Pérez, para quienes buscan indagar en los  fenómenos inexplicables desde una mirada honesta, emocional y documentada. 

Dimensión Oculta propone un viaje sonoro donde el misterio cobra vida a través de relatos, testimonios reales, análisis rigurosos y una narrativa cinematográfica que envuelve al oyente desde el primer minuto. Cada episodio se adentra en temas como apariciones, casas encantadas, entidades sin rostro, psicofonías, Ovnis, tragedias marcadas por lo paranormal, vampiros y criaturas imposibles que residen en los límites de nuestra comprensión.

En su séptima temporada, el podcast ha reunido voces de gran prestigio en el ámbito del misterio y la investigación: José Manuel Frías, Mercedes Pullman, David Cuevas, Javier Resines, Las Investigadoras Místicas, José Manuel García Bautista, Raúl Sacrest, Álvaro Collantes, Paz Velasco de la Fuente, entre otros. Junto a ellos, Carmen construye un espacio donde lo enigmático no se ridiculiza, sino que se escucha con respeto y curiosidad.

“Siempre sentí que el misterio no está en lo extraordinario, sino en lo que aún no  comprendemos del día a día”, comenta su autora. “Este podcast nació de una inquietud  personal que se convirtió en necesidad: entender, compartir, acompañar a quienes  también se hacen preguntas sin respuesta”. 

Dimensión Oculta ha logrado conectar con un público cada vez más amplio personas  interesadas en lo paranormal, lo espiritual o simplemente curiosas por lo desconocido gracias a su estilo cuidado, envolvente y profundamente humano. No es un podcast de  sustos, sino de atmósferas. No busca respuestas fáciles, sino despertar nuevas  preguntas. 

Está disponible en Spotify, Ivoox, Apple Podcast, Amazon Music, Google Podcast,  YouTube y otras plataformas, y cada episodio está pensado para vivirse como una  experiencia sensorial.

El Ballet Clásico, protagonista en el Paraninfo con ‘El Lago de los Cisnes’ y ‘El Cascanueces’

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La International Ballet Company, compañía integrada por solistas y bailarines de Inglaterra, Francia, Ucrania, España e Italia, entre otros, presenta este fin de semana en el Paraninfo universitario dos de las obras más emblemáticas del repertorio clásico de ballet: ‘El Lago de los Cisnes’ y ‘El Cascanueces’. Las últimas entradas que quedan disponibles pueden adquirirse a través de la plataforma de Ecoentradas

Así, el sábado 22 de noviembre, a las 20:00 horas se representará ‘El lago de los Cisnes’, una obra maestra de Chaikovski basada en la leyenda eterna que narra la historia del Príncipe Siegfried, enamorado de la bella princesa Odette, embrujada por un malvado hechicero que la transforma en una mujer-cisne. La fuerza del amor que sienten los jóvenes les liberará de todo maleficio.

Y el domingo 23, esta vez a las 18:00 horas, tendrá lugar la escenificación de ‘El Cascanueces’, también de Chaikovski, una obra que atrapa por su bella historia y hermosa técnica. En Navidades, Clara recibe un cascanueces de juguete. Cuando toda la familia duerme, el Cascanueces cobra vida y juntos vencerán al ejército del Rey de los Ratones, viajarán por lejanas tierras, se divertirán con mágicos copos de nieve y con dulces de diferentes países que bailarán para ellos. 

Santa Cruz revivirá su historia con la IV edición del Escape City “III Cabeza de León”

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La capital tinerfeña acoge una experiencia inmersiva que revive la Gesta del 25 de Julio a través del rol en vivo y el patrimonio histórico.

Santa Cruz de Tenerife volverá a convertirse en escenario vivo de su propio pasado con la celebración de la cuarta edición del Escape City, un juego de rol inmersivo inspirado en la Gesta del 25 de Julio de 1797 y en el patrimonio histórico y bélico de la capital. Bajo el título “III Cabeza de León”, la actividad se desarrollará mañana sábado, 21 de noviembre, dentro de la Semana del Patrimonio, y reunirá a 200 participantes distribuidos en dos grandes sesiones que tendrán como epicentro el edificio de La Recova.

El evento, que este año culmina la trilogía dedicada a las tres cabezas de león del escudo de Santa Cruz, símbolo de sus victorias históricas frente a los ataques ingleses, propone un recorrido narrativo en el que los jugadores se convertirán en campesinos, soldados, burgueses, clérigos o cortesanos, protagonizando pruebas, misiones y escenas colectivas que recrean de forma rigurosa y teatralizada los sucesos del 25 de julio de 1797.

El proyecto contará con un elenco de 20 actores, 25 recreadores de la Gesta y más de 20 personas de organización y apoyo, configurando una experiencia inmersiva que combina aprendizaje histórico, participación ciudadana y dinamización cultural.

El alcalde de Santa Cruz, José Manuel Bermúdez, indica que “el Escape City se ha consolidado como una de las experiencias culturales más innovadoras de nuestra ciudad. Cada año vemos cómo cientos de personas, especialmente jóvenes y familias, se acercan a la historia de Santa Cruz desde una perspectiva viva, emocionante y participativa. Esta cuarta edición es un homenaje a nuestra identidad, a la memoria colectiva y al valor que demostró esta ciudad en uno de los episodios más importantes de su historia. Invito a toda la ciudadanía a sumarse y redescubrir Santa Cruz de una manera única”.

Por su parte, el concejal de Cultura y Patrimonio Histórico, Santiago Díaz Mejías, señala que “esta edición de III Cabeza de León supone un paso más en nuestra apuesta por acercar el patrimonio a la gente desde formatos creativos y contemporáneos. El Escape City no es solo un juego, es una herramienta pedagógica que conecta a los participantes con nuestro legado histórico, con nuestros espacios patrimoniales y con los personajes que marcaron el destino de Santa Cruz. La recreación, el rigor histórico y la interpretación se unen para construir un relato que emociona, enseña y fomenta el orgullo por lo nuestro”.

Una ciudad convertida en escenario histórico

Los participantes recorrerán distintos espacios tematizados donde deberán superar retos, colaborar entre sí y tomar decisiones que influirán en el desenlace colectivo. Además, las pruebas se estructurarán en tres niveles: históricas, ficcionales y colectivas, todas inspiradas en el contexto de la defensa de la isla frente al ataque de la escuadra británica comandada por Horacio Nelson.

HBO anuncia la renovación de dos series de la franquicia JUEGO DE TRONOS con nuevas temporadas cada año hasta 2028

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EL CABALLERO DE LOS SIETE REINOS renovada para una segunda temporada y LA CASA DEL DRAGÓN renovada para una cuarta temporada

 Durante la presentación a la prensa celebrada hoy en Nueva York, Casey Bloys, presidente y director ejecutivo de HBO y HBO Max Content, ha anunciado oficialmente la renovación de las dos series de la franquicia

  • La serie dramática original de HBO de media hora de duración EL CABALLERO DE LOS SIETE REINOS ha sido renovada para una segunda temporada, antes del estreno de la primera temporada el LUNES 19 DE ENERO. La segunda temporada se estrenará en 2027.
  • La tercera temporada de la serie dramática original de HBO LA CASA DEL DRAGÓN se estrenará en verano de 2026. Antes de su regreso, HBO ha renovado la serie para una cuarta temporada, que se estrenará en 2028.
  • Francesca Orsi, vicepresidenta ejecutiva de programación de HBO y directora de series dramáticas y películas de HBO, ha declarado: «Estamos encantados de poder ofrecer nuevas temporadas de estas dos series durante los próximos tres años a la legión de fans del universo de Juego de Tronos. Juntas, LA CASA DEL DRAGÓN EL CABALLERO DE LOS SIETE REINOS revelan lo extenso y rico que sigue siendo el universo imaginado por George R. R. Martin. En enero, creo que el público quedará encantado con la inspiradora historia de Dunk y Egg, dos personajes sin suerte en la vida, que George e Ira Parker han plasmado de forma tan magnífica. Y este verano, LA CASA DEL DRAGÓN volverá a encender los ánimos con algunas de sus batallas más épicas hasta la fecha».

Acerca de EL CABALLERO DE LOS SIETE REINOS: Desde el mundo de Poniente llega una entrañable historia centrada en las aventuras de una pareja inesperada. El reparto de la primera temporada incluye a Peter Claffey como Ser Duncan «Dunk» el Alto, Dexter Sol Ansell como Egg, Daniel Ings, Bertie Carvel, Danny Webb, Sam Spruell, Shaun Thomas, Finn Bennett, Edward Ashley, Tanzyn Crawford, Henry Ashton, Youssef Kerkour, Tom Vaughan-Lawlor y Daniel Monks. Cocreador y productor ejecutivo, George R. R. Martin; cocreador, showrunner y productor ejecutivo, Ira Parker. Productores ejecutivos Sarah BradshawOwen HarrisRyan Condal Vince Gerardis. Directores, Owen Harris Sarah Adina Smith. 

Acerca de LA CASA DEL DRAGÓN: Basada en «Fuego y Sangre» de George R. R. Martin, la serie, ambientada 200 años antes de los acontecimientos de Juego de Tronos, cuenta la historia de la Casa Targaryen. El reparto de la tercera temporada incluye a Matt Smith, Emma D’Arcy, Olivia Cooke, Steve Toussaint, Rhys Ifans, Fabien Frankel, Ewan Mitchell, Tom Glynn-Carney, Sonoya Mizuno, Harry Collett, Bethany Antonia, Phoebe Campbell, Phia Saban, Jefferson Hall, Matthew Needham, James Norton, Tom Bennett, Kieran Bew, Kurt Egyiawan, Freddie Fox, Clinton Liberty, Gayle Rankin y Abubakar Salim. Cocreador/showrunner/productor ejecutivo, Ryan Condal; cocreador/productor ejecutivo, George R. R. Martin; productores ejecutivos Sara HessMelissa Bernstein, Kevin de la Noy, Vince Gerardis, David Hancock y Philippa Goslett