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‘Pequeña escuela’: El Documental del Mes de la Filmoteca Canaria reflexiona sobre la educación convencional y la problemática de los niños sin escolarizar

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Filmoteca Canaria proyecta ‘Pequeña escuela’, obra de Lydie Wisshaupt-Claudel, en Gran Canaria y Tenerife

Más allá de la educación convencional, en el mundo hay niños que no pueden ir a la escuela, exiliados o víctimas de una guerra que les ha arrebatado incluso su niñez. ‘Pequeña escuela’, obra de Lydie Wisshaupt-Claudel, pone el foco en un pequeño proyecto que, además de aprendizaje, permite que estos chicos y chicas puedan vivir su infancia de nuevo. Filmoteca Canaria recupera esta sensible historia en la nueva entrega del Documental del Mes, que podrá verse el próximo martes 26, a las 19:00h, en el Teatro Guiniguada y el Espacio La Granja.

La cinta narra la experiencia de Marie y Juliette, dos mujeres que dejaron la enseñanza tradicional en sus colegios para abrir la escuela que da nombre al documental. Allí acogen a niños que nunca han ido a la escuela o que se vieron obligados a abandonarla debido, principalmente, al exilio por causas bélicas. Víctimas de la tragedia, además no podían integrarse en el sistema educativo de manera adecuada. En este contexto, las profesoras comprendieron que el sistema habitual de enseñanza no era eficaz para estos casos, así que remodelaron su propuesta para darles tiempo y permitirles experimentar con su niñez.

A la vez que les dan tiempo y espacio, los niños y niñas aprenden a través de nuevas metodologías que tiene al alumnado como eje. Durante este proceso, la cinta cuestiona la educación formal (que es la educación tradicional con un sistema legislado por cada país), anclado mayormente en técnicas convencionales, donde este tipo de casos apenas tienen encaje debido a su difícil situación, y unas metodologías que, en ocasiones, no permiten que los individuos se desarrollen de la mejor manera. Por la necesidad y con mucho esfuerzo, Marie y Juliette acaban desarrollando una pedagogía que sí deja a los niñas y niñas esa oportunidad mientras pone en jaque al sistema educativo actual.

Con todo, el documental ha logrado cosechar varios premios y ha tenido un puesto de importancia en varios festivales mientras que la crítica lo ha denominado como una cinta “luminosa, sensible y, a efectos prácticos, una lección de vida”. Así, la obra de Wisshaupt-Claudel, acostumbrada a trabajar con este tono y sobre temáticas similares, protagoniza esta tercera sesión del Documental del Mes, ciclo ofrecido por Filmoteca Canaria en colaboración con DocsBarcelona que acostumbra a ofrecer cintas con un marcado carácter reflexivo y social.

Las entradas para las proyecciones están disponibles en linktr.ee/filmotecacanaria y, los días de proyección, en el Teatro Guiniguada, en Gran Canaria; y en el Espacio La Granja, en Tenerife, al precio de 2 €. Al igual que en el resto de la programación de ambos escenarios gestionados por el Gobierno de Canarias a través del Instituto Canario de Desarrollo Cultural (ICDC), existen descuentos para diferentes colectivos.

Exposición: Mujeres de las italias prerromanas en las colecciones del Museo Arqueológico Nacional. Por Álex Ro 

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Museo Universitario de Alicante (del 12 de marzo al 30 de junio de 2024)

Vinculado al proyecto de investigación Bronces Arcaicos y Clásicos del Museo Arqueológico Nacional, se ha rescatado de los almacenes de esta institución, una colección de piezas que buscan abordar el mundo femenino, concretamente todo lo relacionado con los adornos personales, de esa Italia previa a la expansión romana, en donde las tradiciones locales se dan la mano con la expansión de la cultura griega por el Mediterráneo.

Con una cronología que iría, grosso modo, del 600 al 200 a.n.e., vemos cómo en las diversas regiones que formaron la Italia meridional, existen tradiciones comunes e interpretaciones locales de esas tradiciones que las matizan, un mundo de diversidad en común. Los adornos expuestos, desde torques a cinturones, pasando por la sempiterna fíbula, todos ellos se realizaron en bronce. Estos objetos nos ilustran un mundo en donde el sonido y el brillo tenía un sentido social y cómo el cuerpo de la mujer era todo un continente de joyas, algunas para la vida y otras para la muerte, como ocurre con las fíbulas gigantes del tamaño de una mano, que seguramente servían para amortajar a las difuntas y nos señala el grado de importancia de estas piezas, en ese tránsito hacia el más allá que es la tumba.

Además de los objetos de adorno personal, se complementa la exposición con varias piezas que, si bien no tienen carácter de joya, si estaban vinculados al mundo femenino, como pueden ser espejos, hidrias o exvotos. De los primeros, hay dos piezas destacadas; por un lado, un espejo circular con tapa (como los modernos espejos de bolso), en este caso con una inscripción en griego, y por otro lado, los espejos de mano profusamente decorados con escenas de gineceo, siempre de estética griega, en donde vemos generalmente a mujeres, aunque también pueden representarse hombres, en el proceso de acicalamiento, o mitológicas, como esa Leda y cisne en la base del espejo o Atenea y Herakles. Entre la decoración de estos espejos, podemos documentar el uso de las hidrias, unos grandes contenedores de agua, de ahí su nombre, que están profusamente decorados, de nuevo con escenas mitológicas o escenas de tocador. De ellos, se muestran dos ejemplares muy espectaculares. Y el tercer elemento que complementa la exposición son los exvotos, representaciones humanas con múltiples funciones pero todos vinculados con el mundo de los espíritus. Se exponen tres figurillas de bronce, que nos permiten conocer detalles como peinados o vestimentas así como varias cabezas realizadas en terracota, que tienen igualmente una función de exvotos, en donde, atendiendo a los restos de pintura con que estaban decoradas, nos hablan del uso de los maquillaje y los colores de los textiles.

Una exposición sencilla, sin el recargo de piezas en la que suele caer este tipo de muestras, que cumple perfectamente con su objetivo pedagógico: abrir una ventana al pasado para apreciar que, aunque hayan pasado milenios, hay cosas que no han cambiado y no han perdido su sentido social.

Texto y fotografías de Álex Ro

Arkadiko Film Fest: Uniendo culturas a través del cine europeo

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Tres plataformas europeas de streaming, Filmin, MYMovies y Cinobo, suman fuerzas para lanzar este nuevo festival online de cine que se celebrará entre el 1 y el 30 de abril en España, Portugal, Italia, Grecia y Chipre.

El próximo lunes 1 de abril arranca la primera edición del Arkadiko Film Fest, un nuevo festival online de cine que reúne a tres de las principales plataformas de streaming de Europa: Filmin (España y Portugal), MYMovies (Italia) y Cinobo (Grecia y Chipre). El objetivo es promover el cine europeo a través de un programa cuidadosamente seleccionado que combina películas europeas clásicas con obras contemporáneas, enfatizando la rica herencia cinematográfica del continente.

Este evento pionero, que se celebrará durante todo el mes de abril en los cinco países del sur de Europa citados, adopta el nombre del que se cree que es el puente más antiguo de Europa, aún hoy en funcionamiento. El puente de Arkadiko está situado en Argólida, en el Peloponeso (Grecia) y ha unido personas y lugares durante milenios, desde la Edad de Bronce hasta nuestros días. Su espíritu converge con el del Arkafiko Film Fest, que tiene como objetivo forjar conexiones entre el pasado y el presente del cine eurpeo.

Así, el programa está integrado por cinco sesiones dobles que proponen un clásico de la cinematografía europea junto a una obra contemporánea, con el objetivo de explorar temas relevantes para la Europa actual, generando debates sobre cuestiones sociales y culturales, mientras une a distintas generaciones y celebra la riqueza del cine europeo.

La sección Euro Echoes rastrea la evolución del cine europeo, explorando la transición de las obras de autor al enfoque de los cineastas contemporáneos en cuestiones sociopolíticas. El programa doble combina la obra maestra húngara «Twilight» (1990) de György Feher con la conmovedora «Any Day Now» (2020) de Hami Ramezan, que cuenta la historia de un niño refugiado cuya vida se detiene al ingresar en Europa.

Into the Abyss profundiza en el desafiante tema del abuso en el consumo de drogas, combinando la histórica «Yo, Cristina F.» (1981) de Uli Edel con la auténtica «Cómo salvar a un amigo muerto» (2022) de Marousa Siroekovskaya, un documental que retrata la devastadora relación de dos adolescentes en la Rusia de Putin a lo largo de una década.

Rainbow Reels centra la atención en el cine LGBTQ+, con la poco común «Le Beau Mec» (1979) de Wallace Potts, y la rumana «Poppy Field» (2020), de Eugen Jebeleanu, que analiza el conflicto interno de un oficial de policía gay que es extorsionado.

Love Unbound explora la interacción entre el amor y la lujuria en la infancia y la edad adulta, con la tierna «Mis pequeños amores» (1974) de Jean Eustache que representa la adolescencia y «Los límites del amor» (2022), de Tomasz Winski, sobre una pareja adulta sumergida en un flujo constante de fantasías eróticas.

Generation Lost nos habla del desempleo como una herida socioeconómica que conduce a una tensión explosiva. El programa doble combina el neorrealismo español de Carlos Saura en «Los Golfos» (1960) con el viaje contemporáneo al pasado y la República de Weimar de Dominic Graf en «Fabian» (2021).

La programación se completa con el drama sobre la educación «The Staffroom» (2021) de Sonja Tarokic, que nos habla de las luchas que deben afrontar las personas que construyen los cimientos de la vida de nuestros hijos. 

Los seis títulos contemporáneos optarán a ganar el Premio de la Audiencia, una iniciativa que busca promover la implicación del público con el festival y promocionar el visionado de películas.

El Arkadiko Film Fest cuenta con el apoyo del Programa MEDIA Europa Creativa. Todas las películas estarán disponibles bajo suscripción en Filmin, con subtítulos en español y en inglés.

Scott Henderson, el icónico guitarrista, llega a Tenerife en formato trío con un espectáculo de fusión eléctrica en el Teatro Leal

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Scott Henderson, el icónico guitarrista, compositor e intérprete de jazz, blues, rock y funk, llega a Tenerife de la mano de Salan Producciones el próximo jueves 28 de marzo en formato trío. El concierto se llevará a cabo en el Teatro Leal de San Cristóbal de La Laguna a las 20:30.

El trío estará compuesto por Romain Labaye en el bajo y Archibald Ligonniere en la batería, con la colaboración especial de Lina Mastalska también en la guitarra, en el marco de la fusión eléctrica.

Henderson, cansado de tener que buscar la palanca cuando la necesitaba, decidió mantenerla en su mano y tocar con ella para usarla cuando fuera necesario, dándole así a su sonido un efecto de Slide Guitar. Él mismo afirma amar el estilo Slide y utiliza la palanca para lograr ese efecto.

Entre sus influencias directas se encuentran Stevie Ray Vaughan, Allan Holdsworth, Led Zeppelin, James Brown, Jeff Beck, Jimi Hendrix, Ritchie Blackmore, Albert King y Buddy Guy. Aunque comenzó tocando jazz al escuchar a Weather Report, Chick Corea y la Mahavishnu Orchestra.

Entradas AQUÍ

Sobre Scott Henderson: 

El legendario guitarrista de jazz-fusión, Scott Henderson, volvió a la carretera con su nuevo disco «People Mover», lanzado el 29 de octubre de 2021, cosechando un gran éxito en su gira por Europa y América.

«People Mover» es un álbum de jazz-fusión que explora una amplia gama de estilos musicales, desde el blues hasta el rock. El álbum ha sido recibido con gran éxito por la crítica, que ha elogiado la virtuosidad de Henderson y su capacidad para crear música innovadora y emocionante.

La pandemia de COVID-19 supuso un paréntesis en las giras de Henderson, pero el músico aprovechó el tiempo para componer y grabar su nuevo álbum, además de impartir clases privadas de música en línea a estudiantes de todo el mundo.

Con «People Mover», Henderson vuelve a demostrar su virtuosismo y creatividad, combinando elementos de jazz, blues, rock y funk en un sonido único e inconfundible.

Nala Rami: «Estoy muy contento, sobre todo por las facilidades y oportunidades que nos brindan los premios»

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El músico Nala Rami, ganador del primer premio en la XI edición del Festival Sonora Las Palmas de Gran Canaria, comparte su emoción y reflexiona sobre las oportunidades que este reconocimiento brinda a su carrera. En una entrevista exclusiva para Culturamanía, Nala Rami expresa sus expectativas para futuros eventos musicales, su evolución artística hacia sonidos ochenteros y latinos, así como sus experiencias como músico de sesión y colaborador en diversos proyectos.

Enhorabuena por ganar el primer premio en la XI edición del Festival Sonora Las Palmas de Gran Canaria. ¿Cómo te sientes al obtener este reconocimiento y qué significado tiene para ti y tu carrera?

R- Muchas gracias, la verdad que estoy muy contento, sobre todo por las facilidades y oportunidades que nos brindan los premios. Las posibilidades de ir a tocar a festivales y a parte tener una bolsa de dinero para poder producir material artístico, todo esto hace que se dibuje un camino un poco más definido y poder seguir dando pasitos hacia adelante.

Teniendo en cuenta tu éxito reviente en el Sonora de Las Palmas de Gran Canaria, donde ganaste el primer premio, ahora tienes la oportunidad de participar en eventos como el Sonidos Líquidos de Lanzarote, Phe Festival y Festival Boreal de Tenerife. ¿Qué expectativas tienes para estas nuevas experiencias y qué crees que aportarán a tu trayectoria artística?

R- Hay dos cosas en las que pienso, la primera es que gracias a poder hacer esta mini gira nos de la oportunidad de rodar la banda y seguir moldeando el sonido Nala Rami en este formato, y por consecuencia seguir aprendiendo tanto en lo musical como en lo personal. Lo segundo es la posibilidad de llegar a más personas para conectar y encontrar nuestro público ganando visibilidad, para empezar a instaurarnos y consagrarnos como banda de disco/funk de autor en el circuito musical de las islas.

Tu música ha evolucionado desde tus primeros singles con predominancia electrónica hacia un sonido con toques ochenteros y latinos. ¿Qué te ha inspirado para este cambio y planeas seguir explorando esta senda en futuras producciones?

R- Creo que el cambio de ciudad a influenciado bastante, o quizás fue un cambio de pensamiento que me hizo cambiar de ciudad.. que fue primero el huevo o la gallina?

Barcelona me inspira a urbanidad, neones, rock n roll, arte moderno, fugacidad con ello venía con un set mental bastante específico, en cambio el estilo de vida actual que tengo en canarias es otra cosa totalmente diferente, aquí tiro de naturaleza, comunidad, raíces , espiritualidad, todo esto afecta en la manera que estoy componiendo todo lo nuevo. Sobre todo el estar en comunidad hace me animara a formar la banda y con ello una mutación hacia sonidos más orgánicos.

Has mencionado que la música que acompañó tu infancia, abarcando los años 70, 80 y 90, es una gran influencia en tu trabajo. ¿Qué elementos específicos de esa época te atraen y cómo los incorporas en tu música actual?

R- Hay ciertas progresiones de acordes, sonidos de sintetizadores, el saxo (mi instrumento principal) es un instrumento con mucho lenguaje fundado en los 70s y 80s. Igualmente 70s, 80, 90, son tres décadas muy diferentes. De los 70s me quedo con la frescura, espontaneidad, la espiritualidad y lo orgánico de la música. De los 80s me quedo con los sintetizadores, lo electrónico, el punk y lo visual. De los 90s me quedo con el hiphop, el house y los samples. También me inspiro en elementos actuales y otros de lo que para mi será el futuro, de cada década podemos extraer inspiración para incluirlo todo en el sonido moderno de hoy.

Además de tu carrera como Nala Rami, también has participado como músico de sesión y en otros proyectos como Tversky. ¿Cómo encuentras el equilibrio entre estas distintas facetas creativas y cómo se complementan en tu desarrollo artístico?

R- Tversky esta muy en standby, pero mientras estábamos girando y haciendo discos seguía haciendo bolos de jazz y tocando para otras bandas como músico de sesión tanto en estudio como en directo acumulando gran cantidad de experiencias, recuerdos, situaciones y conociendo a gente en el camino que suman al gran saco de la experiencia. Pero la verdad es que estoy muy agradecido de poder tener todas estas experiencias vitales/musicales, aunque a veces me veo haciendo malabares y llegando a picos de estrés algo fuertes, siento que es más lo que me nutre que otra cosa. También te digo que como artista emergente no queda mucha otra opción que ser pluri empleado hahaha.

Hablando de tus colaboraciones como músico de sesión, has tenido la oportunidad de trabajar con artistas destacados como Bandalos Chinos y Cabiria. ¿Cómo ha sido esa experiencia y cómo crees que ha impactado en tu propia música?

R- He tenido la suerte de trabajar con algunxs artistxs que admiro mucho, que algunos de estos te metan en su equipo y te consideren uno más, es un gran elogio, es un buen ego boost hahaha, además de ganar en lo explicaba en la pregunta anterior. En el caso particular de los Bandalos Chinos , fueron un poco los que inspiraron a montar banda, las giras con un buen equipo humano, aportando cada uno de ellxs su calidad como personas y como músicxs es lo que ahora mismo más me hace vibrar y más me ayuda a aprender y progresar en todos los sentidos. Así apliqué la misma filosofía para mi proyecto, y la verdad es que siento que donde estoy ya lo he conseguido en gran parte.

Muchos artistas enfrentan desafíos en el camino y a veces se cuestionan sobre la viabilidad de seguir en la industria musical. ¿Qué te motiva a perseverar y continuar creando música a pesar de los obstáculos que puedas encontrar en el camino?

R- Muy buena pregunta de verdad, creo que lo sigo haciendo porque no sabría que hacer si no es eso, un par de veces cuando me he visto sumergido en dudas existenciales mi madre me ha preguntado “Que harías si no es música?” Y esa pregunta ya es una respuesta. También aporta mucho el estar rodeado de personas talentosas que le ponen la misma pasión y entrega a la música y el arte, en este último año ha estado involucrada Marta Holly (mi pareja) en algunos de los procesos creativos y gestión de la banda, y encuentro esto bastante divertido, nutritivo y esperanzador.

Tengo otras maneras de transitar este caos organizado que es la vida a parte de la música como estar con mi gente, surfear, viajar y pasear, pero que haría mientras todo el mundo se tira 8 hora trabajando, pues me pillarás haciendo lo que más me gusta hacer, tocar el saxo, la flauta, produciendo, cantando, componiendo o rebuscando tesoros para vestir en las obras sociales.

Fotografías cedidas por Nala Rami

LPA Beer anuncia anticipo de “cartelazo” en su undécima edición con Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, Amparanoia y Def con Dos

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  • El sexteto de rock andaluz, Derby Motoreta´s Burrito kachimba, creador del estilo “kinkidelia” estará por primera vez en Canarias en el escenario de LPA Beer & Music Festival
  • La cantautora Amparanoia, pionera del mestizaje de los 90 vendrá con la gira “Fanfarria tour”, una experiencia escénica nueva con quince músicos en el escenario 
  • Def con Dos trae la gira “Mutantes pal Pueblo” con su repertorio de Punk, Rap y Hip Hop con el que llevan haciendo saltar a su audiencia desde sus comienzos en 1990
  • El LPA&MF se celebrará en el Parque Litoral El Rincón del 20 al 22 de septiembre, contará en total con 14 formaciones y como cada edición, volverá a organizar el esperado Concurso de bandas “LPA -Emergente

Una de las citas más esperadas en Las Palmas de Gran Canaria es el festival LPA Beer & Music Festival que hoy nos desvela un pequeño aperiti-vo de lo que promete ser un “cartelazo”, del 20 al 22 de septiembre en el Parque Litoral del Rincón. 

Este año, la organización comienza a desvelar su Line up con más antelación de lo que nos tiene acostumbrados, para que sus fieles seguidores anoten la cita en agenda desde ya y es que esta undécima edición supondrá un estallido musical diverso, ecléctico y de lo más certero para dar el mejor cierre al verano. 

LPA Beer & Music Festival, tras diez años de rodadura, sobra decir todo el trabajo que hay detrás, es un volcán de acción sonora; en su edición número 11 tiene el placer de anunciar por fin, a la banda andaluza Derby Motoreta’s Burrito Kachimba. Dicha banda estuvo programada en el festival en la edición de 2020 que tuvo que ser cancelada por COVID. En las siguientes ediciones de 2022 y 2023, por diversos motivos, no fue posible contar con su presencia, pero en 2024 estarán con la gira de presentación de su nuevo disco.  

La cantautora Amparanoia, también estará y lo hará más acompañada que nunca por la Brass band Artistas del Gremio, con los que ha grabado su último álbum Fan Fan Fanfa-rria y con los que está girando por todo el país con el “Fanfarria tour”; a estos dos bom-bazos se suma el respetado referente internacional Def con Dos, en esta inicial tanda de confirmados. 

El Line Up del festival, que deparará muchas sorpresas a lo largo de estos meses previos, será una programación honesta, certera y con un mensaje que trasciende a la música, nos invita a celebrar la vida con una auténtica fiesta para terminar el verano.

Solo la música tiene ese poder de conectarnos y LPA B&MF así se lo propone cada año, desplegar toda su magia y esfuerzo para poder disfrutar de tres días de conciertos que se celebrarán en el Parque Litoral El Rincón, ubicación amplia e inmejorable en cuanto a comodidad y movilidad para un evento de gran escala como este que, al lado del mar, cobra esa apertura atlántica de inmensidad sonora. 

Derby Motoreta’s Burrito Kachimba

Derby Motoreta’s Burrito Kachimba son los primeros confirmados de un largo listado que un año más sorprenderá por su variedad, riqueza y calidad musical. 

En siglas, DMBK nació en el 2019 con un objetivo, reventar la escena rock nacional e in-ternacional. Aupados desde sus comienzos a ser la gran esperanza del Rock patrio, cuan-do otras bandas bajaban en intensidad, el sexteto se hizo llamar la banda de la “kinkide-lia”, un término autoimpuesto para definir la psicodelia sureña.

Cuando lleguen a Las Palmas nos espera: Fusión del Rock más cañero y el flamenco más puro, guitarras duras, afiladas y distorsionadas que hacen elevar a cualquiera. 

Vendrán con la presentación de su tercer álbum, Bolsa amarilla y Piedra potente, can-ciones que son doce puñales que se clavan en el oído de todo el que las escuche y más en directo. La banda, por su parte, presume del primer single, “La Fuente”, en el que, coinci-den, “todo el equipo se mostró unánime para que fuera el primer adelanto de este tercer álbum”, un temazo potentísimo que va creciendo como un tsunami hasta su final apo-teósico, que causará furor entre los espectadores al vivirlo en directo.  

La banda, que se hizo especialmente popular por hacer la BSO de “Las leyes de la fronte-ra” (dirigida por Daniel Monzón y basada en la novela homónima de Javier Cercas), por fin estará este año en LPA B&MF, tras la cancelación en 2020 y dos años en que el festival no pudo celebrarse, sumado a que el año pasado no cuadraban las fechas para que estu-vieran. Ahora se cumple el deseo de tenerlos programados y además en un momento especial en el que lanzan este Bolsa amarilla y Piedra potente, que como curiosidad se editará en CD, vinilo y casete, además de estar en todas las plataformas de escucha digi-tal. 

Con todo ese romanticismo que llevan apañado, su actuación será la dosis de psicodelia rockera basada en riffs de guitarras furiosas fusionada con el flamenco y una mayor experimentación con la electrónica que los dos discos precedentes; todo hilvanado con la poderosas voz del carismático Dandy Piranha (Miguel García), que se acompaña de su ejército instrumental: Bacca y Gringo (los guitarristas), Sony Paradiso (bajo), Papi Pachuli (batería) y Machete Carrasco (teclados). No hay duda de que DMBK revolucionará a los asistentes de esta edición.

Amparanoia + Artistas del Gremio

La cantautora Amparanoia es un referente cultural de la mescolanza de aquí y allá, pero la propuesta con la que viene no es precisamente un concierto de cantautor, es una fiesta en toda regla, pues se trae a Las Palmas la charanga “Artistas del Gremio”, con los que ha grabado su último álbum Fan Fan Fanfarria y ha dado forma a su gira “Fanfarria Tour”, una brutal puesta en escena. Este choque cultural de cantautor frente a una brass band y el choque entre el Sur, de donde es Amparo, y esta charanga maña, de Zaragoza, es refle-jo de ese mestizaje del que siempre ha hecho gala esta compositora de Granada. 

¿Se puede ser una explosión de alegría sin dejar de ser serios y honestos con nosotros mismos y con los demás, abordando todo tipo de temáticas que preocupan en la calle? Sí, se puede, Amparo Sánchez lo ha sido toda su vida como artista y ha sabido mezclar con maestría estas dos vertientes. Ha sido un torrente de alegría desde el escenario, pero siempre lanzando mensajes con fondo hacia la sociedad. En septiembre nos regalará su repertorio de canciones clásicas, más las nuevas grabadas con Artistas del Gremio, que han introducido unos arreglos de viento y metales impecables a todas las canciones.

En el ADN de Amparo Sánchez conviven el punto festivo y danzarín de sus canciones, que vienen de esa infancia en la Vega de Granada, y la preocupación por cantarle a las temá-ticas comprometidas, de protesta social, valientes, de igualdad de género y, sobre todo, muy actuales, por hacernos ver, en resumidas cuentas, que un mundo mejor siempre es posible. En esta línea, destacan canciones como “Que te den”, el clásico “Somos viento”, que enmarca justamente esa letra con la que se pretende dejar un futuro mejor a los que vienen detrás o “En la ciudad”. 

La propuesta de Amparanoia es estética y musicalmente arrolladora, consigue un am-biente épico con esas quince personas, entre ellas sus dos hijos en el escenario, en un directo muy potente y colorido que LPA B&MF no podrá olvidar.

Def con Dos 

Los agitadores Def con Dos se presentan en LPA B&MF con la gira “Mutantes pal Pueblo” después de 25 años enseñando lo que es el Punk, el Rap y el Hip Hop en español, obli-gando a su audiencia a saltar y girando por infinidad de países europeos y por América, donde son adorados. En su larga trayectoria, que empieza en 1990, han logrado cinco discos de oro, dos de platino y el Premio de la Música a “Mejor grupo de Rock Alternati-vo”.

Provocadores siempre en los nombres de sus discos y de sus giras, algunos de ellos Armas pal Pueblo, 6 dementes contra el mundo, Dogmatofobia, Hipotécate tú, España es idiota o Gilipollas no tiene traducción, hoy en día son un respetado referente internacional en el ámbito de la música independiente de más amplia difusión, gracias al extraño equilibrio que han sabido mantener entre fenómeno de masas y seguir haciendo lo que les daba la gana. 

Su música ha aparecido en innumerables filmes, no sólo de Alex de la Iglesia, “Acción mu-tante” y “El día de la bestia”, si no también fuera de España, como acredita el haber par-ticipado en la BSO de FAST AND FURIOUS IV, en 2010 o haber realizado el tema princi-pal del videojuego BATTLEFIELD 4 en 2013

En los festivales también nadan cómodos con toda su artillería y provocación, por lo que “Mutantes pal Pueblo” sonará en LPA B&MF con toda la fuerza, veteranía, ingenio y ca-pacidad de renovación que los ha marcado en los últimos años.

Javier Royo Espallargas ‘Javiroyo´, dibujante feminista: “El mensaje del caso Dani Alves es tremendo y muy claro: si tienes pasta puedes violar”. Por Noé Ramón

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El dibujante Javier Royo Espallargas estuvo brevemente en Tenerife para participar en unas jornadas sobre el papel de la mujer en el cómic y ejercer como demostración viva de que un hombre puede ser perfectamente feminista y de hecho ha recibido varios reconocimientos por desempeñar este papel. Por ejemplo, uno de la Unesco y otro entregado por las mujeres progresistas que en su momento también premió a Forges, hoy fallecido. 

Royo se ha codeado y trabajado con los mejores autores españoles en destacadas publicaciones, vinculado siempre a las cuestiones sociales, especialmente el feminismo. También ha publicado varios libros como Laborachismo, Homo Machus, La Tortilla de Patatas Dibujo Luego Pienso sobre la misma temática. El autor sospecha que la vinculación con las causas sociales debe tener su origen en haber vivido en un barrio como El Picarral de Zaragoza en el que los movimientos sociales estaban en continua ebullición y donde con apenas 14 años ya se encargaba de ilustrar las publicaciones que editada la asociación de vecinos. 

-Naciste en el 72 con lo cual supongo que tu influencia con la época de la transición es menor que la de otros autores de mayor edad.

-Recuerdo ir a las manifestaciones que se organizaban en el barrio para reclamar guarderías que les permitieran a las madres trabajar en igualdad de condiciones que los hombres o contra la contaminación o pidiendo ambulatorios. Pero las memorias son traicioneras porque van cambiando y adaptándose a la edad. También me acuerdo ir a conciertos de cantautores como Labordeta y que en el barrio teníamos una vida social muy activa celebrando cumpleaños y fiestas comunitarias.

-¿Entonces no estás tan vinculado a reivindicar la Memoria Histórica como otros autores?

-Me interesa pero no me he metido mucho. Más bien he ido por defender el feminismo. 

-Tuviste también un contacto estrecho con el mundo musical a través de  una colaboración con la editorial de la compañía independiente de discos Subterfuge.

-Aprendí a tocar algo el piano y con ellos estuve en una especie de editorial que funcionaba en paralelo, haciendo dibujos para algunos grupos que empezaban como La Cebolla Asesina, aunque dejé de tener contacto con ellos en 2001.

-Es curioso que también trabajaras en la revista Interviú.

-Sí aquella fue una época muy bonita que recuerdo con mucho cariño porque tuve una gran libertad para trabajar y me sentí muy afortunado al poder ilustrar los relatos de ficción que salían cada semana en la contraportada firmados por Juanjo Millás. Sólo estuve una vez en la redacción y recuerdo que me sorprendió la cantidad de gente que había, entre ellos Carlos Tejero que era el director de arte y me cayó muy bien. 

-Pero la línea editorial de Interviú no encaja mucho con tus ideas feministas. Lo digo por el recurso y hasta abuso que hacían de los desnudos femeninos.

-Sí es cierto, aquello fue producto de una época en el que se utilizaba el cuerpo de la mujer para vender la revista y eso no encajaba con mis ideas feministas, era el fruto de una época concreta. Yo necesitaba el dinero y comer, así que una cosa es que participes en esa utilización de la mujer y otra que tengas el lujo de trabajar para alguien como Millás. Además, me pagaban bien y había contenidos de periodismo de investigación que eran muy buenos. Si a Interviú le hubieran quitado la otra parte, la revista hubiera quedado perfecta. Habría sido un ejemplo de periodismo de calidad.

-Con Virus Mutante llegaste a trabajar junto a personajes míticos de los cómics españoles como Forges, Gallego y Rey, Peridis, El Roto o Pablo Carbonell, lo que ya da idea del reconocimiento y nivel que tenías en aquellos momentos.

-Tuve suerte de que un día con veinte años recibí la llamada de Forges y aquello fue como si me llamara Dios, me hizo muchísima ilusión. Él había visto el trabajo de La Cebolla Asesina, le hizo mucha gracia y me contactó para escribir un libro sobre los derechos de la mujer. Un poco más tarde salió la revista de humor gráfico Virus Mutante desde Madrid y también participo en una experiencia de Prensa Iberica que quería rescatar el espíritu de La Codorniz con gente muy joven que luego fueron primeras espadas pero la experiencia duró sólo tres meses. 

-Y ahora estás totalmente involucrado en El Estafador cuya plantilla la conforman las mujeres en un cincuenta por ciento.

-Sí, tenemos mucho cuidado de que haya voces femeninas dentro de la publicación, de que se escuchen en un mundo muy representado por hombres y se reconozca que hay autoras muy buenas que poco a poco se van incorporando. La diversidad de la redacción no es sólo de sexos sino también de edades porque abarca desde los 23 años a los sesenta. La suerte es que contamos con todo un abanico de voces diferentes. 

-¿Puede un hombre ser totalmente feminista?

-Ni un hombre ni una mujer pueden ser totalmente feministas porque es algo que no existe al cien por cien.

-¿Te has cogido alguna vez a ti mismo en un renuncio actuando con rejos machistas?

-Mil veces porque ser feminista es algo continuo, algo que aprendes todos los días en las distintas situaciones a las que te enfrentas. En realidad me involucré aún más en este mundo cuando surgió el caso de la violación en grupo de La Manada porque me hervía la sangre al ver el tratamiento que le dieron a la víctima en algunos medios. 

-¿El machismo es exclusivo de los hombres?

-Es un error muy común pensar eso. También lo son un montón de mujeres porque todos hemos sido criados en el patriarcado y muchos lo perpetúan. Cuando dejas que tu madre te haga la cama, aunque seas mayor y te trate como un niño, al final también estás aceptando esa cultura. Por supuesto que las mujeres son las que más lo sufren porque los hombres somos más fuertes. El argumento de muchos machistas es que mueren más hombres que mujeres y estadísticamente es verdad pero ocurre así porque son asesinados en peleas o sufren accidentes de tráfico.

-¿Qué piensas de lo que ha ocurrido con el caso del futbolista Dani Alves condenado por agresión sexual y que puede quedar en libertad provisional tras depositar una fianza, al que te referiste durante la charla de Tenerife?

-Terrible. Pues que la justicia nos es igual para todos. No me parece normal que tengas más posibilidades de escapar de la cárcel por que eres rico, poder pagar una fianza y luego marcharte a tu casa a dormir. No es lo mismo violar si eres rico o no. El mensaje que se ha lanzado a los jóvenes es tremendo y muy claro: si te lo puedes pagar y tienes pasta puedes violar.

-¿Conoces el libro blanco del Cómic?

-No ¿cómo lo podría consultar?

-Se puede descargar de forma gratuita desde la página del Ministerio de Cultura. En realidad es un diagnóstico sobre cómo está el sector en España. 

Es evidente que es muy precario pero no conocía esta publicación, aunque recuerdo que sí vi algo sobre la presentación hace unas semanas. 

-¿Y qué piensas de que el Día del Cómic ya vaya por su segunda edición oficial? ¿Cómo lo celebraste?

-Pues trabajando. Soy un currante no me enteré ni de cuándo fue.

-El pasado domingo día 17 de marzo.

-Pues estaba viniendo del pueblo. Me parece bien reivindicar todas estas cosas. Creo que ahora se lee y consumen más cómics que antes gracias a las redes sociales, a que a los jóvenes le gusta el anime y sienten pasión por el manga. Otra cosa es que se compre más porque todo lo que bajes de internet no supone siempre una venta directa, ni tener muchos seguidores en Instagram signifique que vendas más libros. Sobre todo si te comparas con países como Francia donde existe una industria mucho más potente. España sigue siendo un país pobre.

¿Y sobre la Inteligencia Artificial (IA) qué piensas?

-Pues como herramienta la veo muy interesante en el futuro porque hasta ahora mucho me temo que algunos se han dedicado a robar premeditadamente las imágenes de un señor y mezclarlas con otras que tienen un ADN propio. Creo que los  autores deben recibir algún royalty aunque sea el 0’000…%, y si no se ha hecho hasta ahora es porque no han querido. La tecnología siempre me parece maravillosa, no se le pueden poner puertas al campo o intentar ahora anular internet o los correos electrónicos. Todo esto ha llegado para quedarse por lo que, bajo mi punto de vista, en realidad nos enfrentamos a una cuestión legal. Otra complicación añadida es que estas aplicaciones precisan del uso de grandes cantidades de agua y dan lugar a contaminación. Toda tecnología, aunque no lo creamos y pensemos que está en una nube, surge de enormes ordenadores que están continuamente trabajando y recalentándose por lo que precisan de sistemas de refrigeración muy potentes y dudo que esa agua se pueda luego reutilizar.

Nolo Sanchesky: «Creo que es evidente que estamos en la sociedad de la imagen y que un meme en internet es más poderoso que un artículo de opinión»

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Culturamanía tuvo el privilegio de conversar con el artista canario Nolo Sanchesky, cuyo enfoque único en el arte digital y los collages desafía las convenciones estéticas. Nolo nos lleva a un viaje a través de su proceso creativo, desde la intervención audaz hasta el humor desenfadado, mientras explora la intersección entre la cultura pop, la sociedad y el arte. A través de esta fascinante entrevista, descubrimos cómo Nolo fusiona lo local con lo universal, desafiando las barreras entre lo digital y lo tradicional mientras traza su camino hacia nuevos horizontes artísticos.

¿Cómo describirías tu estilo artístico y qué te inspira para crear tus diseños digitales y collages?

  No creo que tenga un estilo artístico desde el punto de vista estético ya que mi soporte es el trabajo de otros. Mi idea es más intervenir y saquear las obras de arte y los iconos de la cultura popular, y hacer pastiches mezclando conceptos e ideas de una manera despreocupada con la técnica utilizando las apps de mi móvil. Normalmente busco el shock entre dos imágenes  con un collage mínimo.

   Sobre mis influencias decir que posiblemente estén en la poesía visual, la cultura del meme, el collage digital contemporáneo, el dadaísmo, el street art, el apropiacionismo y el humor absurdo.

¿Qué papel crees que juega la cultura y la sociedad en tus obras? ¿Cómo integras el humor y la ironía en tu arte?

  Me interesa mucho lo pop. Creo que es evidente que estamos en la sociedad de la imagen y que un meme en internet es más poderoso que un artículo de opinión. Lo que yo hago parte de las redes sociales, no es algo introspectivo, es para compartir con la gente usando referencias comunes. Me encanta ver algunos de mis pastiches viajando por el mundo a través de la red y el feedback con personas de todo el planeta aunque también me gusta mucho jugar con la complicidad de lo local.

    Lo del humor me sale inevitablemente. Sufro cuando busco alguna pieza más estética y huyo de lo solemne así que es en la risa floja donde me muevo sin presión, cuando más disfruto, haciendo el idiota.

¿Qué importancia tienen las redes sociales en tu carrera como artista? ¿Cómo ha sido tu experiencia al interactuar con tus seguidores en línea?

Pues digamos que las redes sociales son el origen y el soporte natural de todo esto. luego vino la idea de exponer. Las redes son un escaparate impensable hace unas décadas para la gente con propuestas, pero al mismo tiempo te hacen esclavo de ellas y del maldito algoritmo, si no estás fuerte ahí es como si no existieras. Pero con sus luces y sus sombras, a mí Instagram y Facebook me ha permitido en estos años llegar a millones de personas y es precisamente la acogida de la gente la que me empuja a seguir con el proyecto. 

Has participado en diversas exposiciones, ¿cómo ha sido tu trayectoria en el ámbito expositivo? ¿Qué significado tiene para ti exhibir tu obra en espacios físicos?

 Nunca me imaginé ver mis cosas en salas de arte, pero me lo han propuesto y he tenido la suerte de hacer tres exposiciones individuales reseñables.  Además han sido muy buenas experiencias y mi idea es volcarme en preparar una próxima con intenciones más ambiciosas. El espacio físico  invita a parar y a dedicar el tiempo que merece cada propuesta. Otra cosa que me gustaría retomar es salir a la calle a hacer Paste Up.

Collages de Nolo Sanchesky

Tus collages a menudo incluyen una variedad de elementos, desde personajes famosos hasta elementos típicos de Canarias. ¿Qué te lleva a combinar estos elementos tan diversos en tus creaciones?

 A esto tengo que decir que soy incapaz de escapar de mis referencias y de mi entorno identitario. Soy de la opinión de que en Canarias siempre tuvimos un humor peculiar, de apariencia sencillo pero con mucha retranca. Disfruto mezclando lo local con lo universal y me gusta poner en valor el lado iconográfico de las islas. 

¿Cómo ves la relación entre el arte digital y el arte tradicional en la actualidad? ¿Crees que el arte digital tiene el mismo valor que el arte en otros medios?

Esto es un debate muy complicado. Ahora hay una corriente de gente que va a saco contra el arte contemporáneo y conceptual, y que piensan que no hay talento sin técnica, y la verdad es que hay mucha mierda pero yo no lo comparto, hay muchos artistas que logran lanzar su mensaje trasmitiendo ideas y emociones, y trascendiendo los parámetros clásicos del arte. Yo no tengo muy claro si entro en los cánones de la palabra artista, ni plástico ni conceptual ni nada de eso, de hecho en los espacios de arte y en las galerías parece que el humor esté desterrado.

¿Cuáles son tus proyectos futuros como artista? ¿Hay algún tema o técnica que te gustaría explorar en tus próximas obras?

Hasta el momento mi obra al ser digital la imprimo en serie. La idea en un futuro cercano es hacer piezas únicas utilizando collage analógico y técnicas mixtas. También utilizar nuevas tecnologías en las próximas expos y explorar nuevos formatos. Otra cosa que se me pasa por la cabeza es hacer un libro. El tiempo dirá.

Collage de Nolo Sanchesky

Omara Portuondo presenta en Festival Mar Abierto ‘The Farewell Tour’, con la Orquesta Failde en homenaje a Buena Vista Social Club

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  • Será un concierto “único e irrepetible” el próximo 22 de septiembre en el Auditorio Alfredo Kraus de Las Palmas de Gran Canaria
  • Su último álbum, Vida, ganó un premio Grammy Latino y también recibió una nominación al premio Grammy americano. 
  • Las entradas se encuentran ya a la venta en la web oficial del festival www.festivalmarabierto.com

Festival Mar Abierto presenta a Omara Portuondo como destacada estrella internacional de la programación del festival 2024 con una gira que “huele a despedida de los escenarios” de la gran artista de la música cubana. Será un concierto único e irrepetible el próximo domingo 22 de septiembre en el Auditorio Alfredo Kraus de Las Palmas de Gran Canaria, y que está incluido en The Farewell Tour, donde la veremos acompañada de la Orquesta Failde en homenaje a Buenavista Social Club, con el que la cantante cubana recorrerá Europa y EEUU este año. Las entradas ya se encuentran a la venta en la web del festival www.festivalmarabierto.com .  

Para Mar Abierto Producciones “es un honor recibir” en la 18ª edición del festival a una figura legendaria de la música cubana. Omara nació en La Habana, Cuba, en 1930, y durante las últimas décadas se ha convertido no sólo en un ícono de la música de su país sino también de la música mundial. Como figura destacada del género filin, Portuondo cautivó al público con su estilo que combina canciones clásicas de la antorcha estadounidense y jazz de influencia cubana. En 1997, a la edad de 67 años, hizo su debut en los Estados Unidos en el Carnegie Hall como única miembro femenina del galardonado Buena Vista Social Club. Desde entonces, a través de sus giras mundiales, se ha presentado al mundo y se ha ganado la admiración de las nuevas generaciones.

Y es que Omara Portuondo sigue sumando hitos a lo largo de su Farewell Tour. Con su último álbum, Vida, la reconocida cantante cubana ganó el premio Latín Grammy 2023 en la categoría de Mejor Álbum Tropical Tradicional producido por la cantante guatemalteca Gaby Moreno; y, recibió 4 nominaciones en los Grammy Awards americanos. En 2023, Omara Portuondo completó llevó su World Tour Vida a México, India, Rumania, Bulgaria, Portugal, España, Italia y una extensa gira por Estados Unidos de 10 fechas, en medio de la cual, la mítica cantante cubana celebró sus 93 años en plena forma y haciendo lo que más le gusta, cantar a su público. En este 2024, Omara sigue con su Farewell Tour, pero esta ocasión, acompañada de la Orquesta Miguel Failde, con quienes grabó varias canciones, Rompiendo La Rutina y Siempre tu voz.

También conocidos como Orquesta Failde o La Failde, esta agrupación fundada en Cuba en 2012 por el flautista Ethiel Failde, descendiente de Miguel Failde, creador del primer danzón Las Alturas de Simpson, será la encargada de acompañar a Omara en esta en sus conciertos en homenaje al Buena Vista Social Club. En 1997, Omara Portuondo se convirtió en la Diva del Buena Vista Social Club, coronando su fama tras una enorme carrera en solitario nacional e internacional. En 2009, ganó su primer Premio Grammy Latino al Mejor Álbum Tropical Contemporáneo junto con un Premio Grammy Latino a la Trayectoria. En 2019, recibió tres nominaciones a los Premios Grammy, y en 2021, fue galardonada con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes por el Ministerio de Cultura y Deporte de España, ceremonia presidida por los Reyes de España, y el prestigioso Premio Pionero Songlines por la contribución durante su vida a la música y la cultura cubana. Vida, qué salió la pasada primavera, es su último lanzamiento discográfico. A los 90 años, Omara se encontró atrapada en La Habana debido a la pandemia, y como todo el mundo, tuvo que aparcar su gira. Conocida por su compasión y su sentido de la humanidad, eligió expresarse a través de la música. Y es que aún tiene mucho amor que dar y, con su tremenda energía, invitó a amigos y colegas de toda la vida a participar en este proyecto de larga distancia, una forma de mantenerse cerca unos de otros.

Album ‘Vida’

Su hijo, Ariel Jiménez Portuondo, quién lleva dos décadas ocupándose de la carrera y bienestar de su madre, organizó las grabaciones conocedor de la necesidad de acción de su madre y encontró en la cantautora Gaby Moreno, la productora artística ideal, al compartir ambas una personalidad suave y amable. Vida es un homenaje al legado musical de Omara, quien canta acompañada de un elenco estelar de leyendas. Un compendio de canciones atemporales que reflejan los pensamientos y sentimientos durante todo este dramático periodo. La tristeza y melancolía por la pérdida de amigos, en las baladas Silencio y Duele, el afloramiento del racismo y la violencia sistémicos, con el asesinato de George Floyd, recuperando Now, compuesta originariamente por Lena Horne en 1963, y que Omara hizo famosa en Cuba en los 70. Pero en su corazón, sigue la alegría, optimismo y gratitud por lo que ha sido su destino como cantante, artista, mujer y ser humano. Y ello se refleja en Honrar la Vida, cantada maravillosamente junto a Ruben Blades, Bolero a la Vida junto a Gaby Moreno y Gracias a la Vida con Natalia Lafourcade. Todas ellas reflejan el eterno espíritu positivo que aún sigue intacto en la novia del feeling.

Icono de la musica latina

Omara Portuondo, como ícono de la música latina, representa la encarnación de la música cubana y el estilo de vida cubano para múltiples generaciones. El concierto de Las Palmas de Gran Canaria ofrece una oportunidad única para que los fans la conozcan de cerca y disfruten en directo de la despedida de la legendaria cantante. El espectáculo se compone de algunas de las mejores canciones de su carrera, que evocan la riqueza y diversidad de la música cubana, y también viviremos el ambiente latino donde convergen la magia de la música y el encantador mundo de la cultura cubana, como siempre han jugado la pasión y las emociones profundas. un papel central en su arte.

Los conciertos de Festival Mar Abierto cuentan con el apoyo del Gobierno de España a través del Ministerio de Industria y Turismo, la Unión Europea a través de los fondos Next Generation y el Plan de Recuperación, Transformación y Resiliencia, el Gobierno de Canarias, Turismo Islas Canarias – Canarias Latitud de Vida, Instituto Canario de Desarrollo Cultural, Cabildo de Gran Canaria – La Isla de Mi Vida, Turismo de Tenerife – Tenerife Despierta Emociones, Cabildo de Tenerife, Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria a través de la concejalía de Cultura y de Promoción Las Palmas y el Ayuntamiento de La Laguna. Producido por Mar Abierto Producciones, colaboran: Cervezas Victoria, Ahembo – Pepsi Cola, Naviera Armas, Hotel AC, Hotel Silken Atlántida, Sonopluss, TecnoSound y Alkur. 

Todo el universo de Aki Kaurismäki llega a Filmin el 19 de abril

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Coincidiendo con el estreno en Filmin de su última película, «Fallen Leaves», llegan al catálogo 17 películas y 7 cortometrajes dirigidos por el maestro finlandés.

Tras su paso por cines y filmotecas de nuestro país de la mano de Avalon, el próximo viernes 19 de abril llega a Filmin «Universo Aki Kaurismäki», un recorrido casi integral por la filmografía del director finlandés. 17 largometrajes, entre ellos su última y aclamada película «Fallen Leaves», y 7 cortos integran este ciclo que pone de relieve una de las obras cinematográficas más relevantes del cine de autor contemporáneo.

«Universo Kaurismäki» incluye algunas de las películas más premiadas del director, como «Un hombre sin pasado», Gran Premio en Cannes 2002; «Nubes pasajeras» (1996) también premiada en Cannes en su primera participación en el festival francés; o «La vida de bohemia» (1992) y «La chica de la fábrica de cerillas» (1990), ambas galardonadas en el Festival de Berlín. Kaurismäki es, junto a Paul Thomas Anderson, el único director que ha ganado en tres ocasiones el Gran Premio FIPRESCI, que anualmente entrega la Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica a la mejor película del año. Para los más completistas, el ciclo incorpora dos cortometrajes y cinco videoclips dirigidos por Kaurismäki. Los 24 nuevos títulos se suman a sus películas que ya estaban disponibles en Filmin: «El Havre» (2011), «El otro lado de la esperanza» (2017) y el corto «O tasqueiro» (2007), incluido en la película colectiva «Centro histórico».

El cine de Kaurismäki se define por sus personajes, personas corrientes de clase trabajadora que atraviesan dificultades pero siempre encuentran, al final, una puerta a la esperanza. Su estilo, frío y cálido, solitario y tierno, es una carta de amor a los pequeños actos cotidianos, una elección que le emparenta con Ozu, posiblemente su referente más evidente. Aunque no es muy aficionado a los movimientos de cámara, su estilo ha ido evolucionando con el paso de los años, partiendo de una puesta en escena construida en base a planos largos y fijos a una más libre, no tan encorsetada por esa rigidez formal que permite que sea fácil identificar una película de Kaurismäki viendo apenas un par de planos.

TÍTULOS DEL CICLO:

Luces al atardecer (2006) ● «Un hombre sin pasado» (2002) ● «Juha» (1998) ● «Nubes pasajeras» (1996) ● «Leningrad Cowboys Meet Moses» (1994) ● «Leningrad Cowboys Total Balalaika Show (1993) ● «Agárrate el pañuelo, Tatiana» (1993) ● «La vida de bohemia» (1992) ● «Contraté un asesino a sueldo» (1990) ● «La chica de la fábrica de cerillas» (1990) ● «Leningrad Cowboys Go America» (1989) ● «Ariel» (1988) ● «Hamlet va de negocios» (1987) ● «Sombras en el paraíso» (1986) ● «Calamari Union» (1985) ● «Crimen y castigo» (1983) ● «Valimo» (2007, C) ● «Leningrad Cowboys: These Boots» (1992. C), C ● «Leningrad Cowboys: Those Were The Days» (1991, C) ● «Rich Little Bitch (1987, C) ● «Leningrad Cowboys: L.A. Woman» (1987, C) ● «Leningrad Cowboys: Thru the Wire» (1987, C) ● «Rocky VI» (1986, C)