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Periplo por Isla Calavera (o como conocí a la bestia Kong) [Parte 2 de 4]. Por Jonathan Medina

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Lunes 13:

Norberto Trujillo, enfant terrible del festival con disfrutables proyectos presentados en anteriores ediciones, en compañía de la actriz canaria Alicia Rodríguez que presenta su último trabajo, ‘La fianza’ (2023), presentan la primera tanda de cortometrajes a concurso. A destacar ‘Hunter’ (2023) del alemán Cyprian Hercka, propuesta transgresora y aturdidora que refiere a algo tan primario como la supervivencia y la caza, donde tiene cabida desde el humor negro a la lisergia más colorista (la realidad aumentada antes de la realidad aumentada). Una gozada descubrir estás sorpresitas que siempre nos regala el festival.

Cristo Gil presenta ‘Last Sentinel’ (2023), dirige el estonio Tanel Toom, mostrándonos un mundo postapocalíptico donde realmente no importa que es lo que ha ocurrido, todo se reduce a dos párrafos explicativos al inicio de la cinta donde nos cuentan que el planeta ha quedado prácticamente anegado por el agua y hay dos bandos enfrentados; premisa que nos lleva a lo verdaderamente importante, que ya Cristo nos señalaba desde la presentación, esto es, un grupo reducido de personajes en un espacio también reducido, una plataforma en mitad del océano. Aquí el director se centra en las dinámicas entre personajes y en unos detallados diálogos, el ritmo es pausado con algunos saltos en el mismo, la atmósfera es sublime. Se apoya en algo que ya se estudiaba hace décadas en los manuales de maniobras militares, los equipos de tres personas son altamente inestables; imposible no recordar ‘Esfera’ de Michael Crichton (lean el libro, quemen la película). El título que nos ocupa ha recibido críticas polarizadas, no se presta a tibiezas. Muy recomendable también el anterior título del director, ‘Tõde ja õigus’ (2019).

Llega el evento de la jornada, recuperando el segundo film de Alejandro Amenabar, ‘Abre los ojos’ (1997). Presenta Ramon Gonzalez junto a Eduardo Noriega y Santiago Tabernero. En el coloquio posterior se da habida cuenta de ambas carreras, haciendo especial hincapié en el binomio Noriega-Amenabar.

Martes 14:

Fotografía de Jesús Hernández

Manuel Noda da pistoletazo de salida a la cuarta jornada del festival con la segunda y última tanda de cortometrajes, anunciandonos la participación en la misma de ‘La Aldea’ (2023) del canario Joel Rodriguez. A destacar el chileno ‘El festín de las bestias’ (2023), rodado con la técnica de stop-motion. Metáfora de algo tan primario como alimentarse, revirtiendo en auténtica pesadilla gastronómica de tintes freudianos.

Manuel también da paso a una de las propuestas del festival más esperadas por un servidor, ‘Blood’ (2022) de Brad Anderson, director de dos grandes obras como son ‘Session 9’ (2001) y ‘El maquinista’ (2004). En el título que nos ocupa, coge un mito tan absolutamente revisitado y diría que incluso desgastado, como es el vampírico; un subgénero en el que se podría decir que todo está ya dicho y redicho… pero hablamos de Brad Anderson, director que siempre prima el trasfondo psicológico por encima de géneros o subgéneros… aquí tenemos una relación maternofilial con hijo vampirizado y madre ejerciendo de madre, con toda la dicotomía moral que la situación conlleva, y es ahí donde la cinta gana enteros, la incomodidad está más provocada por la cuestionable moralidad que por las a priori desagradables imágenes que nos pueda mostrar.

Terminamos la jornada con Manuel presentando la comedia de terror ‘Cuando los amos duermen’ (2023), cinta con un prólogo cargado de mala baba y el cameo de Manuela Velasco, conocida por la saga ‘REC’. Casi comedia costumbrista que recuerda de lejos a ‘Los santos inocentes’ (1984) por la sinergia entre el vampiro retratado en la trama y sus sirvientes. Con más drama de lo esperado, pero desatada cuando se vuelve absolutamente gamberra. Pudimos disfrutar en el coloquio posterior moderado por Manuel de la grata compañía de Llum Barrera y Santiago Alvarado, actriz y director respectivamente.

Fotografías de Álex Ro

Filmin estrena «La historia de Noël Coward», el documental sobre el ‘Master’ de Broadway que marcó una era

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En el 50 aniversario de su muerte, Filmin estrena el documental sobre la vida y obra de uno de los dramaturgos, compositores y actores más prolíficos y versátiles del siglo XX, autor de «Breve encuentro», «Vidas privadas» o «Un espíritu burlón».

Filmin estrena el próximo 24 de noviembre, en exclusiva en España, «La historia de Noël Coward«, el documental que recoge el legado de uno de los dramaturgos, compositores y actores más prolíficos y versátiles del siglo XX en el 50 aniversario de su muerte. Dirigida por Barnaby Thompson, la película se nutre de un extenso archivo de cartas, diarios y entrevistas, así como de material inédito procedente de grabaciones domésticas de Coward, para ilustrar la vida del autor de obras tan notables como «Breve Encuentro«, «Vidas privadas» o «Un espíritu burlón«. El metraje está narrado por Alan Cumming y ornamentado con frases icónicas del propio Coward en voz de Rupert Everett («La importancia de llamarse Oscar Wilde»).

La de Noël Coward es la historia de un chico británico que dejó la escuela a los 9 años y que a los 20 se plantó en Nueva York con 17 libras en el bolsillo y un gran sueño: ver su nombre en las grandes cartelas lumínicas de Broadway. En su 30 cumpleaños, Coward ya era el autor mejor pagado del mundo, además de una superestrella de Broadway. También se convirtió en un compositor e intérprete de renombre, del que Frank Sinatra dijo: «Si quieres escuchar cómo se debe cantar una canción, ve a ver al Señor Coward».

«Era un rebelde y un patriota que se atrevió a ser queer en un mundo muy heterosexual«, afirma Thompson, el director, que ahonda en la vida privada del dramaturgo con especial hincapié en su homosexualidad encubierta. «¿Quién era el hombre detrás de esta faceta ingeniosa, moderna y elegante, la quintaesencia del Englishman?». Sobre él, Cecil Beaton comentó: «No había ni una hombre que no quisiera ser como Noël Coward». 

En «La historia de Noël Coward» aparecen, entre otros, Laurence Olivier, Maggie Smith, Harold Pinter, Frank Sinatra, Lauren Bacall, Michael Caine y Lucille Ball. Para la canción principal del documental, Adam Lambert interpreta la mítica «Mad About The Boy» del propio Noël Coward, una canción de la que el autor hizo una versión gay, pero que nunca le dejaron que viera la luz.

Infografía: ¿Sabías que…? king Kong, parte 9. Por Álex Ro

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Artículo de Álex Ro para el Club de Fans Isla Calavera

Filmin estrena la versión restaurada en 4K de «Let’s Get Lost», de Bruce Weber

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El próximo 24 de noviembre llega a Filmin el documental sobre Chet Baker nominado al Oscar, junto a otros cinco títulos del gran fotógrafo y director estadounidense

35 años después de su celebrado estreno en el Festival de Venecia, donde se llevó el Premio de la Crítica, llega a Filmin el documental de Bruce Weber«Let’s Get Lost», esta vez en una versión restaurada en 4K. Una copia prodigiosa que se estrenó el pasado mes de octubre en el Lumiére Film Festival de Lyon y que ha sido realizada por la empresa neoyorquina Cineric y distribuida internacionalmente por HanWay Films.

Muchos consideran «Let’s Get Lost» como el mejor documental musical de todos los tiempos. Nominado al Oscar en 1988, el film es un retrato del último año de vida del genial trompetista, cantante y músico de jazz Chet Baker, valiéndose de material rodado durante la última gira del músico, con entrevistas con el propio Baker, sus esposas, hijos, amigos y novias, así como extractos de antiguas películas italianas de serie B. La película es un documento explícito que presenta, a modo de advertencia, las trampas en las que pueden caer los personajes famosos y llenos de talento, y adquirió una dimensión adicional cuando, durante la etapa de montaje, el artista murió al precipitarse por la ventana de un hotel en Ámsterdam.

«Let’s Get Lost» llegará a Filmin junto a otros títulos de Bruce Weber, uno de los fotógrafos de moda más importantes del mundo gracias a su trabajo con firmas como Calvin Klein, Abercrombie & Fitch y Ralph Lauren. En su faceta como cineasta encontramos títulos como «Nice Girls Don’t Stay for Breakfast», un retrato del actor Robert Mitchum;«Chop Suey», en el que documenta el paso de la niñez a la edad adulta de un joven llamado Peter Johnson; o «Broken Noses», su ópera prima, en la que sigue al boxeador profesional Andy Minsker y a sus jóvenes pupilos en un pequeño club de boxeo en Portland, Oregon.

Títulos que integran el ciclo:
– «Let’s Get Lost (4K)» (1988)
– «Broken Noses» (1987)
– «The Beauty Brothers» (1987)
– «Chop Suey» (2001)
– «Nice Girls Don’t Stay for Breakfast» (2018)
– «Las fotografías de Paolo di Paolo, el tesoro de su juventud» (2021). Ya disponible en Filmin.

Culturarte se afianza de manera exitosa en su primer trimestre con la presentación del tercer poemario del poeta Carlos Caraballo

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El pasado 10 de noviembre, tuvo lugar la presentación del poemario “El cuerpo”, de Carlos Caraballo, en el auditorio del SIEC (San Isidro Espacio Cívico), dentro de la sección Contarte, incluida en la programación de la nueva agenda cultural que impulsa el Área de Cultura del Ayuntamiento de Granadilla de Abona.

Antes de que finalice este primer trimestre de vida (de septiembre a noviembre), Culturarte ha ofrecido una variada propuesta de música, cine, teatro, cuento, escultura, pintura y poesía, manifestándose como una referencia de calidad a tener en cuenta en el sur de Tenerife.

La presentación del pasado viernes estuvo dirigida por los poetas Rosa María Ramos y Roberto Toledo, autores de larga trayectoria, cuyas obras merecen un lugar en la literatura canaria, sin lugar a dudas. Ambos invitaron al público a la lectura de “El cuerpo”, de Carlos Caraballo, ofreciendo al numeroso público unos textos introductorios llenos de reflexión y emoción.

A continuación, Carlos Caraballo disertó, fundamentó su escritura, recitó e invitó a la participación de otras voces poéticas de gran reputación en las islas, como Elena Villamandos, Gregorio Sosa o Felicidad Batista, Presidenta de la Asociación Canaria de Escritores, quienes acompañaron al escritor a través de un hilo muy fino, entre lo expositivo y lo poético.

Acerca del autor

Carlos Caraballo (Santa Cruz de Tenerife, 1977). Escritor y poeta. Formado en psicopedagogía y neuropsicología de la educación, ha dedicado su carrera profesional al estudio y acompañamiento de las personas que se encuentran en situaciones de vulnerabilidad, interviniendo durante más de dos décadas en ámbitos tan complejos y diversos como la protección al menor, la igualdad de género, la migración o la discapacidad.

Su escritura se ha visto influenciada por una particular perspectiva sobre lo psicomotriz, y es descrita como una poesía del jugar y de los cuerpos.

Ha publicado los poemarios “El loco de la playa y la roca olvidada” (AOC-Beginbook Ediciones, 2018) y “Pandemia” (Amazon, 2020). Además, sus relatos, ensayos y poemas han sido seleccionados en numerosas antologías y revistas literarias.

Ha sido fundador y miembro de variedad de agrupaciones culturales, como la Asociación Canaria de Escritores (ACTE), Poetas en Rebeldía, el colectivo Arando Letras Tenerife-México, o el colectivo de fotografía y poesía Leyendo Miradas.

El cuerpo

No es posible pensar la existencia de un cuerpo que no diga nada, sin posibilidades de comunicación, sin verbo. De la misma manera, la poesía no puede flotar sin cuerpo. Toda belleza (la de una narración, un cartel, un libro, una película, una escultura…) habla de alguien, de un cuerpo que transciende al mero organismo. Toda palabra proviene del cuerpo y es, al mismo tiempo, el propio cuerpo. La letra es un símbolo constituyente del mismo, que forma una tríada indivisible con la carne y el pensamiento.

Según la escritora madrileña Sol Torés “La poesía de Carlos Caraballo atraviesa la carne como un bisturí. Sus vivencias conectan con los grandes temas que preocupan a la Humanidad y se presentan en este particular manual estructuradas en una anatomía que se construye gracias a la existencia de algún otro”. Apoyándose en ilustraciones de Martín Pestano, el autor juega con la idea de incorporar los versos a los diferentes sistemas del organismo, proporcionándole emotividad y movimiento.

Palabras Al Límite

Roberto Toledo retoma su proyecto cultural “Palabras Al Límite”, que en la actualidad sostiene a la editorial de mismo nombre. Palabras Al Límite inicia su andadura con una colección de poesía, una apuesta ambiciosa y valiente que pone en valor el trabajo de poetas que poseen elementos distintivos en sus voces.

Con un diseño de cubierta de Augusto Vives, la colección ha publicado los siguientes títulos: Poemas de la Cuesta de Abisinia, de Ernesto Delgado, Tríada, de Cecilia Domínguez, Las Últimas Cerezas, de Elisa Rueda, y El cuerpo, de Carlos Caraballo.

Marionetas del Universo. Por Juan Antonio Gómez

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El universo es absolutamente maravilloso, tan inmenso que no somos capaces de hacernos una imagen de lo infinitamente grandioso que puede llegar a ser. Una hormiga que vive dedicada a su hormiguero (Sociedad) y a su Reina (Élites gobernantes) no tendrá conocimiento más que de su entorno, y por esa razón, se está perdiendo conocer un universo infinito.

Creo, desde mi pequeño punto de vista, que hemos vivido durante muchísimo tiempo en una mentira gestada y organizada por todas las personas que están en las élites, y han creado una serie de universos que giran a nuestro alrededor, de los cuales no tenemos ningún conocimiento más que el que ellos mismos nos quieren enseñar, dar o mostrar… a al que muchos expresan agradecimiento.

Sin ir más lejos, toda la Historia del ser humano se ha transmitido siempre desde el punto de vista único que haya interesado en cada momento.

Desgraciadamente, la tecnología actual ayuda mucho a cualquier tipo de organización, a manipular toda la información que quieran ocultarnos. Somos muchísimo más manejables viviendo en el desconocimiento que en conocimiento de las cosas, al cual tenemos derecho, pero algunas personas de las élites siempre han pensado que una población baja en conocimiento, cultura y  habilidades es más fácil de controlar para que no se salga del camino establecido.

“Los grupos políticos, religiosos o económicos tienen entre sus objetivos el control de la masa, que es más fácil que el control del individuo. La manipulación comienza por una relación emocional, un estado en el que parece que se comparten ideas políticas, religiosas o instrumentales, intereses culturales, económicos, lúdicos o sociales. En la relación de manipulación existe una parte activa, el manipulador, y otra pasiva, el destinatario objeto de la manipulación, la masa. Pero es indispensable un tercer elemento, que es el medio. No todos los ambientes son propicios para ejercer la manipulación y lograr los objetivos propuestos, por lo que la psicología de masas tiene en consideración que el individuo es de naturaleza social, que tiene tendencia a reproducir las acciones del resto del grupo y es débil ante una idea o situación dominante.”                                                                   

FUENTE: FACUA

¿Cuál es el camino establecido?  Esta pregunta es dificilísima de contestar, simple y llanamente, porque el camino no lo establecemos nosotros,  las personas de a pie, sino las que están arriba y manejan todo el entramado organizativo de nuestro mundo, Iglesia, Política, Organizaciones comerciales, Organizaciones supranacionales, Sociedades económicas, etc.

¿Cómo hacer frente a esta manipulación? Otra pregunta difícil ya que entre nosotros mismos hay una gran divergencia de necesidades e intereses que en muchos casos requieren una gran voluntad y generosidad para ser resueltos, aunque la mayor parte de las veces acaba en una solución negativa.  Se nos ha enseñado muy bien desde el principio, a través de dogmas, que si no cumplimos con lo establecido nos hacen sentir o nos convierten en personas molestas para el sistema, y el propio sistema nos expulsa y ahí sí que estamos bien jorobados, fuera no somos nadie.

¿Podemos en algún momento despojarnos de esa manipulación? Otra pregunta de difícil respuesta,  y es que eso depende de nosotros claro, de nuestras necesidades  de conocimiento y también de nuestras ganas de libertad. 

Libertad no implica libertinaje, pero sí va ligada al hecho social de que formamos un grupo en el que somos eslabones de una cadena, si esta se rompe o entra en conflicto es cuando aparecen lo que hoy llamamos populismos y radicalismos y en nuestra sociedad dependemos de una armonía para que todo el engranaje funcione correctamente… Pero ¿Queremos que todo funcione bien por encima de nuestros intereses personales?

Si en algún momento llegamos a la conclusión de que no estamos cerca del conocimiento absoluto de nuestra sociedad y somos capaces de aceptar que Todos estamos sometidos a la manipulación que ha generado este sistema, será un avance dentro de nuestro intento por buscar respuestas. Teniendo en cuenta esto, si permitimos y damos permiso para que se produzca, somos nosotros los que podemos terminar con ello, pero… ¿Nos interesa?

El mundo no va a cambiar porque yo exprese este tipo de reflexiones, pero me sirve para recordar que no sabemos casi nada.

“Solo sé que no sé nada” o «solo sé que nada sé» es una famosa frase atribuida al filósofo griego Sócrates (470-399 a. de C.), en la que expresa que es consciente de su propia ignorancia.

(C) JUAN ANTONIO GÓMEZ JEREZ 2024

Periplo por Isla Calavera (o como conocí a la bestia Kong) [Parte 1 de 4]. Por Jonathan Medina

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Comienza una nueva edición de Isla Calavera, la séptima, dedicada al famoso simio gigante que habita la isla que da nombre al festival. Abrimos nuestro cuaderno de bitácora e iniciamos un viaje en cuatro partes que culminará con el encuentro con King Kong en sus versiones de 1933, 1976 y 2005.

Sábado 11:

Abre la primera proyección del Festival Tibiabi Hernandez presentando el documental ‘King on Screen’ (2022), de un King que no es Kong, sino Stephen, autor con más de ochenta adaptaciones al audiovisual de su obra. Es de agradecer que el material empleado es única y exclusivamente entrevistas a los directores de las películas mas importantes e/o icónicas; si bien y a pesar de las casi dos horas de duración, sabe a poco y deja con ganas de más. Un autor inabarcable.

Tibiabi presenta también ‘The Childe’ (2023), primero de los dos títulos coreanos a concurso dentro de la sección oficial del festival. La película destaca por su duración ajustada y sus conseguidas coreografías mano a mano, balísticas y automovilísticas, huyendo del efectismo habitual en la filmografía coreana, mostrando más bien una violencia dura, seca y directa. Un juego de engaños con notas de humor negrísimo que funciona como un reloj.

Llega el plato fuerte del dia, ‘La espera’ (2023), presenta Ramon Gonzalez junto a director y actor principal, Javier Gutierrez y Victor Clavijo respectivamente, este último en un verdadero tour de force enclavado en un western rural con tintes de costumbrismo castizo que acaba derivando en la inevitabilidad propia del folk horror. Una joya.

Y llega el primer evento del festival, presenta Manuel Noda, con una película que no necesita presentación, ‘Flash Gordon’ (1980), producida por nada más y nada menos que Dino de Laurentiis. Toda una gozada disfrutar del único Flash en celuloide y de tener a Sam J. Jones en el coloquio posterior moderado también por Manuel Noda. Jesus Hernandez ya dio cuenta del evento ENLACE ARTÍCULO

Cerramos el primer día del festival con la proyección del último título coreano a concurso, ‘Fuerza bruta: sin salida’ (2023), Manuel Noda presenta la película ante un público golfo en hora golfa. Esta es la tercera parte de una saga que ya en este título insinúa futura secuela, en la línea de las famosas comedias de accion italianas con Bud Spencer y Terence Hill; en este caso prescindiendo de Terence pero con un emulo coreano de Bud a la altura, esto es, hostias como panes y comedia de trazo grueso. La fórmula divierte y entretiene, pero pierde fuelle a medida que avanza el metraje.

Domingo 12:

Cristo Gil nos obliga a desayunar con posesiones demoníacas de la mano de Bishal Dutta, director nacido en la India y afincado en Norteamérica, con su debut en el largometraje, ‘It Lives Inside’ (2023). Cristo defiende la pelicula poniéndonos en el contexto cultural del autor y su adaptación a la cultura occidental, representada en el protagónico femenino de la cinta. Se inspira en la mitología demoníaca india y en un relato oral del abuelo de Dutta. La película ha sido alabada en varios festivales por la originalidad del tratamiento del subgénero de exorcismos y su habilidad a la hora de crear una atmósfera malsana. Añadiría que es de agradecer ver en los tiempos que corren cine inclusivo REAL, no el supuesto cine inclusivo al que nos tienen acostumbrados las majors, que no es más que cromos o estampas intercambiables sin peso ninguno. Aquí lo inclusivo está justificado y engarzado en el cuerpo de la trama, no es un mero adorno ‘queda bien’.

Cristo vuelve a la carga con un título ‘ligero’ (notese el tono irónico) cual brunch tras nuestro desayuno demoníaco, ‘La mesita del comedor’ (2022); presenta junto a su director, Caye Casas, un auténtico outsider dentro de la industria española (como le gusta que lo presenten). Isla Calavera ya ha dado cuenta de sus trabajos anteriores, el cortometraje ‘RIP’ (2017), ganador del premio del público de esa edición, y el largometraje ‘Matar a Dios’ (2017), presentado en un evento especial en La Palma. Los connoisseurs de este director sabemos a que nos enfrentamos en cada uno de sus proyectos: costumbrismo subvertido con un humor ya no negro sino directamente caustico y sin concesiones de ningun tipo e imposible de clasificar… pero es que en su ultimo trabajo nos ha dado un punch al estomago que nos ha sorprendido incluso a sus ‘conocedores’. En palabras del propio director durante la presentación, ‘…te podrá gustar o no, pero no olvidarás que la has visto…’ (sic). Capaz de hacerte reir con la más absoluta culpabilidad mientras te saca las tripas. Cinta avalada con el premio a mejor película en el Festival de Cine de Terror de Molins justo un día antes de presentarla en Isla Calavera; previamente presentada fuera de España, más concretamente en Estonia, y que siendo una cinta tan controvertida, solo ha tenido problemas para proyectarse en nuestro país… y es que señores, Spain is different. Yo de momento ya tengo anotada en mi bloc de notas a Cristo Gil como heraldo de las mejores propuestas de esta edición.

Fotografía de Jesús Hernández

Tras la sobremesa Manuel de Mesa (pareado involuntario) nos presenta una joyita de animación, la última propuesta de Pablo Berger, ‘Robot Dreams’ (2023), adaptando el comic homónimo de Sara Varón. Animación simplista pero preciosista, ausencia de diálogos (al igual que la obra original) y un tratamiento de la amistad, perdida y memoria, que ya quisieran muchas películas que no son de ‘dibujitos’.

Seguimos con el evento del día, la proyección de ‘In the Fire’ (2023). Presenta Ramón González acompañado de los protagonistas, Amber Heard y Eduardo Noriega, que desgranaron los entresijos de la cinta en el coloquio posterior.

Tibiabi presenta la francesa ‘Acide’ (2023), película postapocalíptica donde no se ahonda especialmente en los porqués del cataclismo, más bien se centra en el drama paterno filial, muy en la línea de ‘La carretera’ de Cormac McCarthy. Una huida hacia adelante, aún a sabiendas de que el fin es inevitable; a la vez que un estudio sobre lo primario que podemos ser como humanos en situaciones de crisis. Cinta sobresaliente y de lo más destacable visto hasta ahora en el festival.

Manuel Noda cierra la segunda jornada presentando la sueca ‘UFO Sweden’ (2022), en la línea del cine Amblin de los ochenta, sci-fi familiar donde prima la camaradería y/o familia (sanguínea o elegida). Cinta que entretiene pero que adolece de excesivo metraje.

Especial mención para Juan Antonio Ribas y sus excelsos subtitulados para la mayoría de títulos proyectados.

Fotografías de Álex Ro

«Última noche en Milán», el gran thriller italiano del año, llega a Filmin el 17 de noviembre

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Andrea Di Stefano dirige con pulso firme un thriller que pone el foco en las condiciones de vida de los agentes de policía, entre salarios bajos, pluriempleo y corrupción

Filmin estrena el próximo viernes 17 de noviembre, en exclusiva en España, «Última noche en Milán», thriller dirigido por el actor y director Andrea Di Stefano («Escobar: Paraíso perdido») y protagonizado por Pierfrancesco Favino («El traidor»). La película tuvo su estreno mundial en el Festival de Berlín, y se estrenó en cines en Italia el pasado mes de marzo. Toda la acción transcurre en una noche, la última de servicio antes de su jubilación del teniente de policía Franco Amore, quien debe investigar la escena del crimen donde mataron a su mejor amigo y compañero de toda la vida, Dino.

El guion de la película, escrito por el propio Di Stefano, se basa en diversas noticias y testimonios que recogió el director durante su investigación. «Me reuní con varios policías. El rasgo común entre muchos de ellos era que todos estaban de alguna manera amargados al final de sus carreras, porque creían que habían dado mucho al Estado y no habían recibido lo suficiente a cambio.» Una de las peculiaridades de Franco Amore, el protagonista de la película, es que está casado con la sobrina de un mafioso, interpretada por Linda Caridi («¿Recuerdas?»): «La historia del policía enamorado y casado con una mujer cercana a la ‘Ndrangheta es también una historia real que encontré durante mi investigación», afirma el director.

La estética vintage de la película, rodada en 35mm y con una banda sonora muy setentera de Santi Pulvirenti, es uno de sus aspectos más destacados. «Quería hacer una película como se hacía antes, en celuloide. Quería rodarla de noche, con claroscuros, con un amarillo dorado que transmitiera la riqueza de Milán, y creara sombras y rayos de luz sobre los actores, junto con las sirenas, con todo lo demás a contraluz. Quería que el protagonista se escondiera en esas zonas de sombra.», explica Di Stefano.

La película se plantea qué precio tiene la integridad de un agente de la ley, en un país como Italia, donde muchas familias de policías pasan el mes con sueldos de entre 1.400 y 1.800 euros. «Lo que más me impactó es que todos los policías hacen un doble trabajo, incluso uno muy humilde, como pintar casas, por ejemplo. Cuando ganas 10 euros la hora para complementar tus ingresos, si un delincuente te ofrece 500 por media hora de trabajo, es difícil decir que no.», afirma el director, que confiesa que no es demasiado fan de las películas de acción y los thrillers: «El género de la película era un vehículo para contar el mundo criminal de Milán y el doble trabajo que hace la policía para llegar a fin de mes, de una manera más libre que en una película de denuncia social», concluye

BLUE BEETLE llega a HBO Max este viernes día 17 de Noviembre

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La última apuesta del universo DC está protagonizada por Xolo Maridueña y cuenta en su reparto con Adriana Barraza, Damián Alcázar, Harvey Guillén o Susan Sarandon

Jaime Reyes, recién licenciado, regresa a casa lleno de aspiraciones para su futuro, pero descubre que su hogar no es exactamente como lo dejó. En su búsqueda por encontrar su propósito en el mundo, el destino interviene cuando Jaime se encuentra inesperadamente en posesión de una antigua reliquia de biotecnología alienígena: el Escarabajo. Cuando el escarabajo elige a Jaime como huésped simbiótico, éste recibe una increíble armadura con poderes extraordinarios e impredecibles que cambiarán para siempre su destino y le convertirán en el superhéroe BLUE BEETLE

Entre la espera y el horror: Víctor Clavijo brilla en el intrigante thriller-western de terror de F. Javier Gutiérrez, ‘La Espera’. Por Jesús Hernández

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En el inquietante paisaje de suspense rural de ‘La Espera’, la interpretación asombrosa de Víctor Clavijo desata buenas vibras entre los fans del Festival Isla Calavera, llevandonos a un oscuro viaje donde la espera se convierte en un eco perturbador de misterio y horror

En el thriller-western de terror «La Espera», dirigido por F. Javier Gutiérrez (3 días, Rings, entre otras), la interpretación maravillosa de Víctor Clavijo (El Ministerio del Tiempo, Silencio en la nieve, entre otras) se establece como el pilar emocional que sostiene la trama. Encarnando a Eladio, un hombre reclutado para un inquietante trabajo en una finca por el enigmático Don Francisco, Clavijo demuestra una profundidad emocional que se convierte en el ancla de la película.

Desde el inicio, la película teje una atmósfera de suspense rural, donde la espera se vuelve palpable en el aire sofocante del campo. La fotografía de Miguel Ángel Mora captura la opresiva sensación de fatalidad inminente, añadiendo capas de tensión a la historia. La dirección, a cargo de Gutiérrez, es el lienzo sobre el cual se despliegan las complejidades psicológicas de Eladio.

La trama se desarrolla a lo largo de tres años, tiempo durante el cual Eladio y su familia experimentan una serie de tragedias que amenazan con arrebatarles todo. La esposa infelizmente interpretada por Ruth Díaz y el pequeño hijo, víctimas de una cadena de eventos desafortunados, se convierten en catalizadores que empujan a Eladio al borde de la locura.

Es en este descenso a la oscuridad que la destreza actoral de Víctor Clavijo se revela con fuerza. Transmitiendo la angustia y la desesperación de su personaje principalmente a través de gestos y expresiones, Clavijo lleva el peso emocional de la película de manera excepcional. La ausencia de diálogos profundos de Eladio destaca la habilidad del actor para comunicar con intensidad a través de su presencia en pantalla.

La cinematografía, por su parte, acompaña de manera brillante el viaje psicológico de Eladio. La elección de planos y la habilidad para visualizar su psique en constante deterioro añaden capas de complejidad a la narrativa. La dirección también utiliza elementos físicos, como la constante colocación del protagonista bajo tierra o el agua, para simbolizar la pérdida de atributos familiares, incluida su cordura.

En ciertos momentos, la interpretación de Víctor Clavijo evoca la intensidad y la rudeza de Jorma Tommila en «Sisu». Sin embargo, Clavijo se sumerge en su propio terreno, llevando al espectador a través de un oscuro laberinto de emociones rurales españolas.

«La Espera» se estrenó con éxito en el Festival de Cine de Oldenburg, en Alemania, y más recientemente enamoró al público en el Festival de Sitges. Ahora ha dejado una impresión impactante en el Festival Isla Calavera 2023. La película representa un logro conjunto en dirección, actuación y cinematografía, sumergiendo al espectador en un thriller rural lleno de misterio y horror. En este viaje fascinante, la espera se convierte en un intrincado recorrido hacia los límites de la cordura y la verdad oculta en la oscuridad.

Mi Puntuación: 8,5

Ramón A. González Trujillo, F. Javier Gutiérrez y Víctor Clavijo

Fotografía de Álex Ro