El Premio Nobel Kazuo Ishiguro adapta «Vivir», de Akira Kurosawa, en este drama británico protagonizado por Bill Nighy.
★ ★ ★ ★ ★ «El tono perfecto. Absolutamente magnífica.» — Rolling Stone
Filmin estrena el próximo 7 de abril «Living» de Oliver Hermanus («Moffie»), remake de la obra maestra de Akira Kurosawa, «Ikiru (Vivir)» (1952). La película recibió dos nominaciones a los Premios Oscar por Mejor Guion Adaptado, a cargo del Nobel Kazuo Ishiguro («Los restos del día»), y por Mejor Actor para Bill Nighy, quien protagoniza la cinta. El film llega a la plataforma tras su estreno nacional en el Festival de San Sebastián y su paso por cines el pasado mes de enero.
Ambientada en el Londres de los años 50, «Living» sigue a Williams (Bill Nighy), un veterano funcionario que vive enterrado bajo el papeleo de la oficina mientras en el mundo exterior la ciudad se reconstruye tras la II Guerra Mundial. Al recibir un demoledor diagnóstico médico, vacía su cuenta de ahorros y se dirige a la costa. Se promete hacer de sus últimos días un tiempo significativo, pero se percata de que no sabe cómo hacerlo. Después de que un misterioso desconocido lo lleve a la ciudad, Williams se siente intrigado por una joven compañera de trabajo que parece poseer la vitalidad que él había perdido. Con la ayuda de su optimista colega, Williams pone todo su empeño en hacer feliz, de un modo sorprendente, a su entorno.
Fue el mismo Ishiguro quien puso la primera piedra de esta película: «Cuando era joven programaban «Vivir» en las salas de arte y ensayo. Crecí con el cine de Kurosawa, cuyos mensajes influyeron mucho en lo que decidí hacer con mi vida. Aprendí que, aunque seas una persona corriente, puedes contribuir a la mejora de la humanidad. No necesitas llenar estadios para tener una vida significativa». Hace unos años, el Nobel llamó a su amigo productor, Stephen Woolley («Carol»), y le propuso revisar el clásico japonés para darlo a conocer a las nuevas generaciones. Pluma en mano, Ishiguro se embarcó en la escritura de guion con gran modestia: «Wolley insistió en que yo escribiera el guion y solo acepté bajo la condición de que, si no funcionaba, tendríamos que buscar a otro guionista». Y funcionó. La firma de Ishiguro mantiene la impecabilidad y estructura de Kurosawa sin prescindir de la esencia que envuelve la trama, consiguiendo convertir la película en una invitación a reflexionar sobre la condición humana y el desconcierto ante la muerte.
Inspirada en hechos reales… así reza el cartel promocional de ‘Oso Vicioso’ (‘Cocaine Bear’), película que se estrena este viernes en cartelera. ¿Cuánto de real y cuanto de disparatada comedia de terror hay en la cinta? ¿Qué esperar del titulo que distribuye Universal Pictures España?
Antecedentes: La sinopsis de ‘Oso Vicioso’ (‘Cocaine Bear’) esta inspirada en un hecho real ocurrido en los bosques de Georgia en los años 80. Esta es la historia real del «oso cocainómano»: El 11 de septiembre de 1985, Andrew Thornton estrello su avioneta y salto en paracaídas con mas de 135 kilos de cocaína. Era agente de narcóticos, pero también narcotraficante. El paracaídas no funciono por el peso, Thornton no sobrevivió. Los agentes que encontraron el cuerpo sospecharon que habría mas droga en los alrededores, por lo que iniciaron una búsqueda de varios meses. Las autoridades encontraron los fardos desgarrados y un cuerpo inerte, un oso de 80 kilos, muerto. El medico forense le hizo la autopsia al animal, confirmando las sospechas. El oso había fallecido por sobredosis.
Lo que ocurrio en las semanas entre las que el oso consumio la droga y su cuerpo fue encontrado muerto, es una incognita. La película se encarga de desarrollar con humor y mala leche lo que pudo haber acontecido si un grupo de personas se hubiera enfrentado al depredador puesto hasta las trancas.
Sospechosos: Dirige Elizabeth Banks (‘Los ángeles de Charlie’), producen los oscarizados Phil Lord y Christopher Miller (‘Spider-Man: Un nuevo universo’). Protagonizan Keri Russell (‘The Americans»), O»Shea Jackson Jr. («Straight Outta Compton’) y Ray Liotta, premiado por los Emmy (‘Santos criminales’), en uno de sus últimos papeles.
Captura de la escena del tráiler
Que esperar: A ver… esto no es la trilogía de ‘El Padrino’; ¿Cómo disfrutar de un titulo como ‘Oso Vicioso’ (‘Cocaine Bear’)? Hay que mirar a un festival con doce ediciones a sus espaldas, no es otro que CutreCon, Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid y sus descacharrantes sesiones. Esto es, estar en una sala de cine con el mayor numero de personas posible, un publico con ganas de pasárselo bien, de reír a carcajadas, de aplaudir, de lanzar improperios a la pantalla… en definitiva, una sesión gamberra.
Primera quedada del Club de Fans Isla Calavera para ver la película «El oso vicioso» el 31 de marzoen los Multicines Tenerife.
Charlas de Cine recomienda: PASE CLUB ISLA CALAVERA ‘OSO VICIOSO’ (‘COCAINE BEAR’) a precio reducido + Encuentro Club de Fans Isla Calavera… y alguna sorpresa más.
Elizabeth Banks no es una directora al uso. Prueba de ello es que a lo largo de su carrera nos ha demostrado que es capaz de lo mejor (que la gente no se haya dado cuenta de que Pitch Perfect 2 es ‘El imperio contraataca’ de la trilogía a capella protagonizada por Anna Kendrick es para hacérselo mirar…), de lo peor (su contribución a Movie 43 es sentencia de fusilamiento al amanecer, sin juicio ni jurado), y de generar controversias tan estériles como gratuitas al servicio de la nadería más apabullante (porque aunque su versión de Los Angeles de Charlie puede ser a ratos un digno placer culpable, tampoco le costaba nada habérnosla ahorrado).
El estreno de su nueva incursión tras la cámara, Oso Vicioso (Cocaine Bear), un hipervitaminado disparate que ha conseguido colarse en el circuito de salas comerciales casi de la misma manera que el año pasado lo hacía la cinta protagonizada por Nicholas Cage El insoportable peso de un talento descomunal es la excusa para este mini-reportaje en el que vamos a hacer un rápido recorrido de lo que a dado de si el Bearsplotiation, o lo que es lo mismo, las cintas más destacadas que han glorificado la figura del oso como brutal y sanguinario matarife.
1- Grizzly (1976).
La cinta de William Girdler (recordemos que su mejor trabajo es Retorno desde la quinta dimensión, de 1976) trata de ser la versión de secano del Tiburón de Spielberg que el año anterior había arrasado en salas, pero al final, casi sin proponérselo, se antecede a eclosión del slasher y hete aquí que el oso protagonista de este exploitation del tres al cuarto se las apaña para ir despachando a lindas féminas durante la primera mitad de la cinta (si lo piensas, es un Black Christmas rural), para finalmente ir a toparse de bruces con Christopher George, a quien los zapatos del Jefe Brody de Roy Scheider le quedan como los de un payaso de circo a un niño de tres años. La representación de la autoridad policial acaba con la amenaza por la expeditiva vía del lanzagranadas en medio de una zona forestal (supongo que por aquello de que el fin justifica los medios).
El oso grizzly protagonista tiene como principal aliado al editor de la cinta, que inserta una zarpa aquí y un miembro despedazado de víctima por allá, para hacernos creer que este oso puede generar miedo más allá de la lástima que produce verle en pantalla andando sin dirección ni rumbo, porque Girdler a los mandos no termina de dar con la tecla cada vez que la bestia se adueña del plano medio. Esperpéntica en el mejor de los casos, conoció una secuela con un manto de infamia aún más grande si cabe, con George Clooney, Laura Dern y Charlie Sheen en los inicios de sus carreras, siendo despachados por el oso titular en los primeros minutos de película.
2 – El día de los animales (1978)
Dos años después de que Grizzly fuese un moderado éxito en salas, a William Girdler aún le roía el gusanillo temático de ‘hombre contra la naturaleza’ y, partiendo de esta premisa decidió invertir los términos planteando un escenario en el que, debido a la progresiva desintegración de la capa de ozono, las especies animales en una zona forestal de campistas se vuelven locos y deciden dar cuenta de cuanto humano se ponga a tiro.
Si bien aquí cualquier tipo de animal es susceptible de protagonizar un ataque, lo que va desde un aguilucho a una musaraña, la película encuentra su mejor baza en un villano interpretado por nada menos que Leslie Nielsen quien, en el clímax final, tras revelarse como un ser depredador y un peligro aún mayor para sus compañeros humanos que tratan de sobrevivir a las sucesivas oleadas de ataques de la naturaleza, encuentra su destino luchando mano a mano bajo la lluvia contra un enorme oso que seguramente había planeado robarle a los campistas su cesta de emparedados.
El día de los animales es una película de trama dispersa, cuyo verdadero interés reside en como Girdler intenta ser creativo a la hora de usar la naturaleza contra la especie humana. A ratos lo consigue y nos deja para el recuerdo a ese Nielsen ‘pecho lobo’ regalándonos un sonoro recital de sobreactuación.
3 – Profecía Maldita (1979)
La figura del oso asesino iba a conseguir cierto manto de dignidad de la mano de John Frankenheimer con una fábula de terror ecológico protagonizada por Robert Foxworth y Armand Assante (este último, aportando la conexión mística encarnando al rudo líder de una reserva india). Un terrorífico oso mutante, producto de los vertidos de mercurio de una empresa maderera, se convierte por derecho propio en protagonista de las mejores y enérgicas set pieces de la cinta.
El esquema de la cinta es sencillo y se cuece a fuego lento. Buen tratamiento de personajes y el explosivo brio de puesta en la escena habitual con el que Frankenheimer siempre nos tuvo al borde de la butaca, brilla en todo su apogeo durante el tercer acto, cuando la cinta ya despliega todo su poderío visual y narrativo apostando por un tono de survival frenético (que tenemos que agradecer al esmeradísimo trabajo en el libreto de David Seltzer) y cuyos ecos resonarían una década después bajo la batuta de John McTiernan en Depredador (1987)
En esta ocasión el oso presenta una aspecto que perfectamente se acomoda en el panteón de esas figuras que podemos considerar ‘combustible de pesadillas’ (el trabajo del departamento de maquillaje y prótesis para la bestia mantiene su icónica fuerza hasta el día de hoy), deformado por los efectos de los vertidos de mercurio y exhibiendo una fuerza destructiva y letal propia de una amenaza imparable, dejando a su paso un paroxístico reguero de cadáveres.
4 – El desafío (1997)
El irregular Lee Tamahori nos regaló con este título, y de manera totalmente inesperada, su mejor trabajo hasta la fecha. Aquí la lucha entre hombres y oso funciona en todos sus niveles de lectura y nos sitúa en el contexto de ‘hombre tan pobre que no tiene más que dinero’ enfrentado a una situación en la que ha de reinventarse para sobrevivir. ‘El desafío’ usa las apariciones de un oso Kodiak como una persistente metáfora de la crueldad de la selección natural y, aunque no se centra tanto en dejar un reguero de muertes para solaz del respetable, ya que sólo el personaje interpretado por Harold Perrineau acaba pereciendo bajo las garras de la amenaza animal, cada uno de los encuentros de la pareja protagonista (unos Anthony Hopkins y Alec Baldwin en celestial compenetración artística, derrochando carisma a espuertas) con la bestia es una clase magistral en el manejo del ritmo y la tensión por parte del director, que usa el entorno natural como un personaje más de la cinta para balancear las necesidades argumentales según se van presentando.
Como bien bromean los personajes de Hopkins y Baldwin tras dar cuenta del masivo y desbocado oso pardo, aceptando el animal que vive dentro de ambos y la necesidad de enfrentarse a la criatura por las bravas, ‘Si este oso me hubiese atacado en otro momento, habría llamado a mi abogado’.
El desafío encuentra sus mayores virtudes en la sencillez y aparente ausencia de pretensiones, si bien poco a poco adquiere un agradecido tono de estudio de personajes que, sin apresurarse, se apunta al juego de la subversión de expectativas con algunos giros de trama hacia el final, donde su relectura de ‘el hombre es un lobo (o mejor dicho, un oso Kodiak) para el hombre’ adquieren plena relevancia.
5 – Los Nuevos Mutantes.(2020)
Sin tratarse de una película remotamente perfecta en su nicho, está muchos peldaños por encima de naderías como Daredevil (2003), Ghost Rider (2007), Fantastic Four (cualquiera de ellas), o Elektra (2005), por citar algunos blancos fáciles.
Los nuevos mutantes va de más a menos (emergiendo de al cloaca) a más, aunque siempre cojeando de una pierna. De la misma manea que su elenco protagonista, desprende una apabullante sensación de orfandad, de hijo bastardo, dentro del Universo Marvel que supuestamente debía darle techo.
Igual que ese osito de peluche que acabó descosido y faltándole un ojito, relegado a un rincón polvoriento del trastero porque sus dueños nunca le dieron el cariño suficiente. Fox no apostó por ella como merecía y ya en casa de sus padres adoptivos (Disney), ‘Los nuevos mutantes se vio relegada a comer con la servidumbre. Sus costuras y descosidos se hacen evidentes desde cualquier ángulo desde el que la mires.
Y es una lástima porque la cinta se las apaña para que, igual que a ese osito deshilachado, le cojas cierto cariño a ella y a sus personajes en toda su descarnada pesadumbre y marginalidad, que miran con desconsuelo al corazón del espectador y, a punto de perder su maltrecha dignidad para murmurar ‘Quiéreme, por favor, aunque sea un poquitito’.
Los nuevos mutantes sorprende por su voluntarista disposición a asumir riesgos y su giro hacia el terror, con indudables ecos de Pesadilla en Elm Street 3: Guerreros del sueño, es de una valentía que infunde ternura y se convierte en el mejor homenaje que a estas alturas se le podía hacer a Chris Claremont, el autor que convirtió a los hijos del átomo de Stan Lee en sufridores de tendencia shakespeariana. Y aún más si tenemos en cuenta que esta película lanza el guiño a la etapa más bizarara: el maridaje entre Claremont y Bill Sienkiewicz para la saga del Oso Demonio, una absoluta rayada mística que nos dejó impresa en las retinas y la corteza cerebral la imagen deformada de una criatura con aspecto de descomunal oso que nos hizo realmente temer por las vidas de la nueva generación de los hijos del átomo.
En la película está resuelto con unos efectos visuales al límite del bien y del mal, de la mano de un puñado de malpagados becarios que tenían este encargo como uno de tantos al mes para poder pagar el alquiler de un mísero estudio de una habitación. Aún así, el amor al material de partida es lo suficientemente fuerte como para que seamos capaces de ver un poco más allá de las intenciones y aceptemos que este es el mejor Oso Demonio que vamos a ver nunca en pantalla, y le acurruquemos en el regazo como a ese osito deshilachado del desván.
Oso Vicioso cuenta este viernes 31 de marzo, a las 20:30, con un pase especial organizado por los fans de Isla Calavera en Multicines Tenerife, auspiciado por Culturamanía y Charlas de Cine. Una ocasión única de disfrutar de esta hilarante y desbocada propuesta que además supone reencontrarnos de manera póstuma con ese astro de la actuación que siempre fue Ray Liotta.
Pedro J. Mérida
Primera quedada del Club de Fans Isla Calavera para ver la película «El oso vicioso» el 31 de marzoen los Multicines Tenerife.
Charlas de Cine recomienda: PASE CLUB ISLA CALAVERA ‘OSO VICIOSO’ (‘COCAINE BEAR’) a precio reducido + Encuentro Club de Fans Isla Calavera… y alguna sorpresa más.
Todo está listo para la celebración de «Push, Lanzarote Emprende», un evento que promete inspirar y propulsar el emprendimiento joven en la isla. Organizado conjuntamente por las consejerías de Gobierno Abierto y Cultura del Cabildo de Lanzarote, «Push» tendrá lugar el 31 de marzo, a partir de las 19:30 horas, en el Centro de Innovación Cultural El Almacén, en Arrecife.
El consejero de Gobierno Abierto, Jorge Peñas, ha destacado «la gran oportunidad que significa la celebración de este evento en Lanzarote que pretende fomentar el emprendimiento joven, celebrando la creatividad y la innovación a través de un formato original y fresco, en un ambiente de conexión de talentos». “Durante la cita los participantes podrán unirse a una comunidad de emprendedores proactiva que ayudará a construir relaciones para desarrollar sus ideas», añade Peñas.
Por su parte, Alberto Aguiar, consejero de Cultura del Cabildo de Lanzarote, ha expresado su entusiasmo por el desarrollo de una jornada que «se conformará como una oportunidad única para conocer a talentosos y destacados emprendedores de muy diversas áreas que compartirán sus experiencias y consejos a través de un formato sencillo, pero a la vez muy efectivo». «El Centro de Innovación Cultural El Almacén es un espacio que se presta perfectamente para eventos de este tipo, donde se busca la interacción y la participación activa de los asistentes», destaca Aguiar.
Directamente desde Japón
El formato Pechakucha será el protagonista de la jornada tratándose de un estilo de presentación en el que se expone de manera sencilla e informal mediante 20 diapositivas mostradas durante 20 segundos cada una. El origen se remonta al año 2003 en Japón, como un punto de encuentro para jóvenes emprendedores que querían mostrar sus ideas en público de manera más efectiva. Desde entonces, el formato se ha extendido alrededor del mundo. La denominación «PechaKucha» deriva de un término japonés que significa “cháchara”, “cuchicheo” o “conversación”.
Estas charlas express estarán protagonizadas por profesionales reconocidos y jóvenes talentos que compartirán sus experiencias de emprendimiento en un ambiente emocionante y enérgico. Los participantes podrán conocer a emprendedores que han conseguido destacar en sus áreas de una manera innovadora y rompedora.
Aparte de la gran oportunidad de aprendizaje y crecimiento que esto ya supone, entrar en “Push” es también unirte a una comunidad de emprendedores proactiva en la que podrán encontrar socios a futuro y construir relaciones que ayuden en el camino hacia el éxito personal.
Entre los participantes destacan Natalia G. Vargas, Rubén Acosta, Rafael Sánchez, Iñaki Calestenia, Carla Luq, Rubén Gracida, Koldo Eguren, María Delgado, Álvaro Jiménez, Néstor Santiago y muchos más, dentro de un cartel de ponentes que aún está abierto a la incorporación de participantes. Además, esta interesante jornada de networking finalizará con la sesión musical de Sisao Music.
La cita tendrá lugar el próximo 31 de marzo, en El Almacén, a partir de las 19:30 horas. Todas las personas interesadas en participar pueden obtener más información y formalizar su inscripción al evento en www.pushlanzarote.com.
La Misa, la cita con los sonidos más underground impulsada por Farra World, celebrará su segunda edición en el próximo mes de abril y lo hará con la presencia de Marco Carola como principal reclamo. El artista napolitano, referente mundial de techno, vuelve a citarse con sus incondicionales en las Islas Canarias para otra sesión que se presume histórica, después de la presencia de Carl Cox en el pasado año.
El evento con la estrella internacional tendrá lugar el próximo 7 de abril, a partir de las 15:00 horas, en una intensa jornada de baile que se prolongará hasta las 00:00 horas con la participación también de Joseph Capriati, Pawsa, Rendher, Beltrán y Alex Wellman. Las entradas ya se pueden adquirir a través de la web www.farra.world y en las tiendas Jack & Jones (Meridiano / La Villa), Siam Mall, X-Sur y Fitenia (La Laguna).
Marco Carola es un embajador mundial del techno. Desde Nápoles en el sur de Italia, Marco jugó un papel decisivo en el desarrollo de la escena electrónica en los años 90 y llevó la floreciente escena techno napolitana al resto del mundo. Más de treinta años después, Marco sigue siendo uno de los artistas más respetados de la escena y es fuertemente considerado uno de los factores clave en conducir al género hacia el reconocimiento global dentro de la música electrónica.
Como productor venerado y exitoso director musical, Marco ha impulsado sellos discográficos dentro de los que destacan Design Music, Zenit, Question, One Thousands y Do.Mi.No, publicando al mismo tiempo en una selección de los mejores sellos del mundo, tales como Minus, Plus 8 2M y Primate Recordings. Además de ser responsable de la creación de cinco álbumes aclamados por la crítica, incluyendo su más reciente Play It Loud, Marco también ha confeccionado un puñado de complejas compilaciones mezcladas.
Famoso por su enérgico e impresionante estilo de mezcla a tres platos y por sus sesiones largas y sinuosas, desde las últimas dos décadas Marco ha sido uno de los dj más cotizados del planeta. Favorecido por aquellos grandiosos sets de más de 8 horas, Marco es un artista predispuesto a ejecutar un genial trabajo en la conciencia colectiva del público, lo que le ha convertido en el predilecto de fans desde Ibiza a Nueva York, y el resto del planeta.
En el mundo del cine de acción, hay pocos nombres que resuenan tan fuerte como John Wick. La franquicia, que comenzó en 2014 con la película homónima protagonizada por Keanu Reeves, ha ganado un lugar en el corazón de los amantes del género gracias a su impecable coreografía de lucha, acción implacable y personajes intrigantes.
Ahora, en 2023, la franquicia regresa con una cuarta entrega, ‘John Wick 4’, dirigida por Chad Stahelski y escrita por Shay Hatten y Michael Finch. La película se estrenó con gran éxito de taquilla, reafirmando el estatus de la franquicia como una de las mejores películas de acción de 2023.
En ‘John Wick 4’, Keanu Reeves retoma su papel como el icónico asesino a sueldo. La trama de la película sigue a Wick mientras huye de los villanos de High Table que intentan acabar con su vida. El villano principal de la película es el marqués de Gramont, interpretado por Bill Skarsgård, un líder de High Table que aumenta constantemente la recompensa por la cabeza de Wick mientras trata de limpiar los líos que quedan.
Algunos de los personajes de la película. Distribuido para su publicidad de la película
La película también cuenta con una serie de actores de renombre en papeles secundarios, como Ian McShane como Winston Scott, el jefe del hotel Continental, y Laurence Fishburne como el Q de Wick, quien le proporciona al asesino sus armas y equipo. También aparece Hiroyuki Sanada como el jefe de Osaka Continental y Donnie Yen como un asesino ciego de High Table.
Pero lo que realmente hace que ‘John Wick 4’ sea especial es su impresionante coreografía de lucha y su impecable diseño de producción. La película es una mezcla perfecta de acción y estilo, desde las escenas de lucha en un club nocturno lleno de gente hasta la intensa batalla final en la rotonda alrededor del Arco del Triunfo. La fotografía no es comparable a ninguna película de acción anterior, solo por ello debería de estar nominada en los mejores festivales.
Una de las escenas más impresionantes de la película es la lucha de Wick contra un ejército de villanos en un club nocturno lleno de gente. La coreografía de la acción aquí es simplemente impresionante, con la gente bailando apenas notando la lucha que se lleva a cabo a su alrededor (lo notaron cuando ya habían muerto más de 20 personas, quedó un poco raro). El agua vertiéndose en el club crea un telón de fondo visualmente inventivo para esta emocionante escena.
La música de la película, compuesta por Tyler Bates y Joel J. Richard, ha sido muy bien recibida por los fans de la saga. La banda sonora incluye temas de acción intensa, así como temas más emotivos y melancólicos. La música acompaña perfectamente la acción de la película y contribuye a crear un ambiente intenso y emocionante.
Pero la verdadera joya de la corona de ‘John Wick 4’ es la batalla final en la rotonda alrededor del Arco del Triunfo. Los coches no paran mientras Wick y sus depredadores luchan en la rotonda, creando una secuencia de acción de otro nivel. La intensidad de la lucha y la velocidad de los coches que pasan alrededor de ellos crean una sensación de peligro constante que hace que la escena sea increíblemente emocionante.
Además en la película pudimos ver referencias a otras cintas como The Warriors, Unforgiven y hasta a Mission: Impossible – Fallout. También los videojuegos tuvieron su parte, y es que la toma de cámara desde un plano en altura visionando los cuartos y estancias de la mansión donde se disputaba una verdadera batalla de disparos, nos hizo recordar a juegos de estrategia estilo Commandos 2, o Fallout Shelter.
En definitiva, «John Wick 4» es una excelente película de acción que ha logrado mantener la calidad de las entregas anteriores. La película cuenta con una trama enfocada y una impresionante coreografía de acción, que se ve complementada por una banda sonora de calidad. La película es recomendada para todos los amantes del género de acción y de la saga de John Wick. ¡LA MEJOR PELÍCULA DE ACCIÓN DE LA HISTORIA!
Mi puntuación: 8,5
Fotografía en portada: Cartel o escena, público y distribuido para su publicidad de la película
El sábado 25 de marzo tuve el privilegio de asistir a la presentación de la saga de Illumbe, formada por los libros “El mentiroso”, “En plena noche” y “Entre los muertos” del escritor vasco Mikel Santiago, que tuvo lugar en un escenario único, la Sala de Piano del Museo Municipal de Bellas Artes, en Santa Cruz de Tenerife, dentro del festival Tenerife Noir.
En un ambiente distendido que invita a las confesiones, atmósfera que siempre logra la entrevistadora Elizabeth López Caballero, analizaron los avatares de la vida que le han llevado a convertirse en un maestro de la intriga. Afortunadamente para todos los que nos consideramos fieles seguidores de su carrera literaria, su sueño de dedicarse profesionalmente a la música terminó antes siquiera de comenzar, si bien actualmente mantiene su afición y continúa tocando en una banda de rock.
Durante toda la ponencia, quedó muy patente la gran influencia que ha sufrido su obra según su momento vital, regalándonos varias anécdotas relacionadas con el nacimiento de sus hijas, hechos que marcaron profundamente su carrera literaria.
Su estilo ha ido evolucionando con los años, pasando de una literatura más fantasiosa en los primeros libros, a dominar el rural noir, género en el que se desenvuelve de manera magistral. Sus novelas ambientadas en el imaginario pueblo de Illumbe son una muestra de ello. A pesar de reconocer sentirse muy cómodo en este campo, no desecha probar suerte con el thriller más puramente policiaco.
Centrados ya en los libros protagonistas de la ponencia, pese a que la editorial la ha catalogado desde el primer momento como trilogía, atendiendo a razones puramente comerciales, el autor prefiere decir que se trata de una saga, saga que según él mismo defiende, sigue muy viva tras la consecución de su tercer libro, por lo que no descarta escribir otra novela que se vuelva a desarrollar en Illumbe.
También hubo momentos para las confidencias, futuros proyectos literarios y adaptaciones de sus novelas, tanto para la pequeña, como la gran pantalla. Sobre esto versa la gran primicia que Mikel lleva días anunciando en sus redes, noticia que compartirá desde que se lo permita la editorial, pero hasta que eso suceda, no seré yo quien desvele el misterio.
Joana y Mireia Vilapuig, estrellas infantiles de «Pulseras Rojas», son las creadoras y protagonistas de esta serie de tintes autobiográficos sobre dos jóvenes actrices que conocieron la fama y el éxito siendo niñas y que ahora, años después, deben hacer frente a un presente incierto en un momento clave para sus vidas y su relación como hermanas.
Mayflies – 25 de abril
Martin Compston («Line of Duty») y Tony Curran («Deadwood) son dos amigos que deben hacer frente a una noticia atroz en la adaptación de la novela de Andrew O’Hagan.
Wakefield – 11 de abril
Serie que reflexiona sobre la salud mental a través de la figura de un enfermero que ve como a medida que sus pacientes mejoran, su juicio empieza a deteriorarse.
White House Farm – 18 de abril
Miniserie que recrea uno de los crímenes más atroces del siglo XX en Gran Bretaña: el asesinato de la familia Bamber, a manos, supuestamente, de su hijo adoptivo Jeremy.
Grantchester (Temporada 7) – 28 de abril
Temporada inédita en España de una de las series más populares del catálogo de Filmin. Seis nuevos misterios a resolver con alzacuellos y encomendándose a Dios.
CINE
Living – 7 de abril
Nominada a dos Óscar Mejor Guion Adaptado y Mejor Actor
El Nobel de Literatura Kazuo Ishiguro firma el guion de esta adaptación de «Vivir», de Akira Kurosawa, que ha sido un éxito de taquilla en España y que recibió dos nominaciones a los Oscar. Una de ellas para su actor protagonista, un Bill Nighy en estado de gracia.
Munch– 14 de abril
Festival de Rotterdam · Película Inaugural
Un biopic de alta factura que adapta por primera vez la convulsa vida detrás del inclasificable Edvard Munch, cuya dolorosa historia plagada de adicciones y desesperaciones le llevó a pintar uno de los cuadros más importantes de la historia del arte: El Grito.
Otros estrenos exclusivos del mes
La amiga de mi amiga – 28 de abril
Comedia de enredos bollera. Un cuento moral que sucede en las calles, las camas y los baños de Barcelona. Mejor Película de la sección «Un impulso colectivo» en el D’A 2022.
Cuerpo abierto – 7 de abril
Tamar Novas protagoniza una película de alma gallega que mezcla terror clásico con drama rural. Una de las experiencias más genuinas del cine español reciente.
Viejos – 21 de abril
Uno de los ejercicios de género patrios más misteriosos, retorcidos y repletos de giros de guion de los últimos años, que reflexiona acerca de los enigmas de la vejez.
Vida y muerte en un almacén – 21 de abril
Impactante drama nominado a los Bafta que nos muestra qué tipo de condiciones laborales permiten nuestros hábitos de compra en Internet.
Where is Kyra? – 14 de abril
La mejor Michelle Pfeiffer en años encarna a una mujer en bancarrota sumergida en una devastadora espiral que la pondrá a prueba tanto a nivel mental como físico.
Cóbrame si puedes – 13 de abril
Un divertido, impactante, profundo y veraz documental sobre los evasores de impuestos, que acontece una invitación irrepetible y esperanzadora al cambio.
El Club del Odio– 28 de abril
«La película más terrorífica del año» (Indiewire)
Esta nueva producción de Blumhouse, la reconocida productora detrás de éxitos como «Get Out» o «Múltiple», se ha convertido en una ventana a los miedos de nuestro tiempo. Un thriller centrado en la extrema derecha estadounidense y rodado en plano secuencia que golpea fuerte en el estómago al espectador.
Ciclo Márta Mészáros – 7 de abril
La primera mujer ganadora del Oso de OroDIARIO PARA MIS PADRES (1990) ● DIARIO PARA MIS AMORES (1987) ● DIARIO PARA MIS HIJOS (1984) ● LAS HEREDERAS (1980) ● COMO EN CASA (1978) ● DOS MUJERES (1977) ● NUEVE MESES(1976) ● ADOPCIÓN (1975) ● DESAPARICIÓN (1973) ● ¡NO LLORÉIS, PRECIOSAS! (1970) ● VÍNCULOS (1969) ● LA MUCHACHA (1968)
Cursaba Tercero de EGB y era el último trimestre del año 1981 en un colegio público de Tenerife. Estábamos prácticamente a las puertas del Mundial de España, con Naranjito en emisión de la sobremesa infantil de los sábados relatando la excitante historia del balompié desde sus orígenes hasta nuestros tiempos.
Entre las muchas iniciativas que la profesora propuso para encender la chispa cultural en nuestras mentes en proceso de cocción, ganó por goleada crear una pequeña biblioteca con cualquier formato susceptible de ser hojeado y leído, lo que llevó a un variopinto mosaico literario que se amontonó en los pupitres vacíos del fondo del aula (aquello acabaría luciendo como el expositor de un mercadillo) donde se podían consultar Pulgarcitos, SuperMortadelos, las fábulas de Samaniego (lo traía yo de casa, a escondidas de mi madre) y un sinfín de finos volúmenes entapados de la enésima versión de un cuento de los Grimm muy libremente adaptado, junto a los Don Mikis de turno. Y por último, al fondo, donde apenas llegaba la luz del sol que filtraban las enormes persianas metálicas, estaba ‘Aquello’: un álbum cuya portada a ojos de cualquiera de nosotros se convertía en toda una experiencia perturbadora, como podría ser encontrarse el Necronomicón coronando una pila de libros sobre cocina vegetariana.
El oximoron estaba servido… El sello de la editorial Bruguera grabado en el lomo mientras la portada la ocupaba, en toda su blasfema majestuosidad, el dibujo coloreado entre marrón y lila de una criatura, cuya morfología y fauces escapaban a los confines de nuestra imaginación, abalanzándose sobre una persona presa del pánico, acorralada contra lo que parecía un panel de controles (uno de esos con lucecitas que se apagan y se encienden, se apagan y se encienden, ¡se apagan y se encienden…!). Impreso en la parte superior, el inquietante título de ‘ALIEN: El 8ª pasajero‘. Un tren expreso directo a la mismísima génesis de nuestras más aberrantes pesadillas estaba ahí, al alcance de la mano de un grupo de niños no mayores de nueve años. Un vistazo a la contraportada, con un salpicón de sangre bien viscoso a la derecha de la zona central, terminaba de darle el punto perfecto de ‘piel de gallina’ a la experiencia.
El origen de mi filia hacia la popular criatura surgida del imaginario de H.R. Giger, que popularizase una saga que ha ido en agónico declive (en un mundo perfecto jamás se habrían hecho películas de la franquicia después de ‘ALIENS’ (1986)) se remonta al momento en el que,decidí sumergirme, sin flotador emocional de ninguna clase, en aquellas páginas escritas por Archie Goodwind y cuyas viñetas contaron con el trazo, expresivo y perfecto, de Walter Simonson.
El terror en estado puro empezó a fluirme por las sienes ya desde las primeras páginas. Unos diseños futuristas que desafiaban toda lógica arquitectónica en el terreno de la aventura espacial y unas texturas casi grasientas te hacían respirar el ambiente industrial de la historia. Para cuando llegué al momento climático, donde el desafortunado Kane sufre la embestida desde el interior del tórax del Alien en su forma ‘chestburster’, yo ya me encontraba completamente paralizado y mis dedos eran incapaces de seguir avanzando páginas. Mi mirada se petrificó sobre lo que parecía un surtidor humano en desbordante explosión carmesí. Allí estaba, con las pupilas secas y dilatadas… Antes de que me diese cuenta, saqué las fuerzas suficientes para desafiar la parálisis, ponerme en pie y devolver aquel cómic al mismísimo rincón infierno del que seguramente procedía. Intenté infructuosamente sepultarlo bajo los demás tebeos y libros, pero fue inútil. Otra compañera esperaba para leerlo. Sólo deseaba que no se percatase de la manera en la que me temblaban las manos en aquel momento.
La tarde en clase transcurrió sin mayores incidencias, pero yo no podía evitar lanzar miradas de reojo hacia el montón de libros de la biblioteca, preguntándome por qué razón aquel instrumento de tormento había terminado a escasos metros de mi, y si era alguna prueba secreta a la que tenía que enfrentarme, fruto de la enfermiza mente del cuerpo docente de la escuela.
Llegar en el bus al colegio al día siguiente tuvo el mismo efecto que un trayecto hasta el patíbulo. Sabía que aquel horror cósmico camuflado en forma de cómic me esperaba para poner a prueba mi resistencia emocional. La tragedia no tardó en desatarse. Había intentado zafarme de ir a la escuela diciendo que me dolía la barriga, pero como era de esperar, no coló. El momento en que las puertas del averno se abrieron de par en par tuvo lugar cuando mi mejor amigo de la clase aquella soltó sobre mi pupitre aquella fuente de temores frente a mi, tratando de hacer una inocente broma.
El resultado pilló tan desprevenido al resto de compañeros de clase y a mi profesora como la hemoglobínica explosión del pecho de Kane a los atónitos tripulantes del Nostromo… Ahí estaba yo, preso de un ataque de histeria que motivó a mi madre a personarse en la escuela en su tarde libre.
Mientras me encaminaba hacia del coche, aliviado de abandonar el aula de los horrores, mi madre solicitó el tebeo de la discordia a la profesora (por razones no del todo aclaradas a día de hoy). Así me encontré con mi madre, mi heroína de aquella tarde, al volante del vehículo, camino a casa. Desde el asiento trasero observaba con pavor como aquel cómic de la porra asomaba desde el interior del bolso de mi madre, abierto de par en par, como si esperase a saltarme encima. De haber conocido como terminaba la historia de ALIEN, habría captado el perverso paralelismo entre mi huída in extremis de la escuela para no tener más contacto con el ‘bicho’ y la pírrica fuga de la teniente Ripley en el transbordador Narcissus. En ambos casos, aquello de lo que se quería escapar había buscado la manera de colarse en el vehículo que debía llevar a la salvación, sólo que en mi caso no podía pulsar ningún botón de apertura de compuerta para que aquellas páginas malignas saliesen expelidas hacia la carretera, dispersándose a los cuatro vientos.
Pasados unos días, recuperado del shock, volví a la escuela y aquel 8ª pasajero jamás volvió a ser una amenaza para nadie. Sólo Pulgarcitos, Mortadelos y Don Mikis para la biblioteca en adelante. Tercer curso de EGB transcurrió con anodina normalidad.
La publicación original española.
Sesenta y cuatro páginas encuadernadas en rústica, en 30 x 61, y 150 pesetas de precio (50 más que un álbum de la colección Olé de Mortadelo y Filemón, Zipi Zape o El botones Sacarino) condensaban una de las mejores traslaciones a viñeta de la experiencia de horror cósmico por antonomasia. La versión original se había publicado por Heavy Metal en EE.UU, siendo la por entonces todopoderosa Bruguera quien pujó por los derechos en una maniobra realmente inesperada para lo que era la línea editorial de la compañía, ganando por la mano a otras más especializadas en terror y ciencia ficción como podían ser Toutain o Riego Ediciones, que se repartían sobre la piel de toro, cual Tratado de Tordesillas, todo lo referente a literatura de género del noveno arte en nuestro país.
La obra de Simonson y Goodwind.
Walter Simonson en la gráfica y Archie Goodwind en el guión pueden presumir a día de hoy de haber dado vida a la que es, probablemente, una de las mejores adaptaciones a cómic de un éxito cinematográfico (con permiso de ‘La guerra de las galaxias’ de Roy Thomas y Howard Chaykin). No sólo el trazo de los personajes y ambientes fluye con inusitada naturalidad a través de las sesenta y cuatro páginas, con un Simonson tan inspirado como premonitoriamente autoreferencial (que Ripley tenga rasgos similares a los que posteriormente tendría la Dama Sif en su ‘Thor’ de la Marvel no es casualidad), donde brillan con luz propia sus reinterpretaciones de los diseños de H.R. Giger, que golpean los sentidos del lector en momentos como el descubriento de la nave alienígena en el planetoide, un ejercicio de surreal paisajismo a doble página que a día de hoy no tiene rival.
Igualmente sucede con las diferentes versiones de la criatura protagonista, desde el facehugger hasta la bestia en su forma final, Simonson se permite darle su toque personal a cada uno de sus estadios evolutivos, imprimiendo una personalidad única que, incluso con algunas licencias respecto a la escala del monstruo respecto a sus contrapartidas humanas (léase el terrorífico impacto gráfico del encuentro cara a cara entre el Alien y el desafortunado Capitán Dallas en los túneles de ventilación) sirven para enfatizar de manera dramática la apabullante desigualdad entre la progresivamente menguante tripulación del Nostromo y la invencible bestia del espacio exterior.
Por su parte, la narrativa de Goodwin, parte de una de las versiones del guión previa al corte final, de ahí que algunos momentos de diálogo entre personajes que no aparecen en ninguno de los dos cortes existentes de la cinta de Ridley Scott puedan ser disfrutados en este volumen (en especial el premonitorio dialogo entre Ripley y Lambert sobre la sexualidad de Oficial Científico Ash, antes de que este revele su verdadera naturaleza en uno de los momentos más perturbadores del cómic) o la huída de Ripley por los silenciosos pasillos de la Nostromo tras encontrar los cadáveres de Lambert y Parker, con el Alien emprendiendo la cacería de la ‘final girl’ tras revelarse camuflado entre la maquinaria.
Uno de los mejores ejemplos de habilidad secuencial a través la viñeta de Goodwin tiene lugar cerca del clímax final, que nos trae algunos de los momentos más deliberadamente gores del relato. Me refiero a la muerte de Parker a manos de la criatura biomecánica. Una disposición tan sencilla como efectivare de tres viñetas en paralelo en las que somos testigos del inexorable instinto asesino de la bestia, que poco a poco abre sus fauces para terminar convirtiendo el rostro del aguerrido ingeniero en una mancha de gelatina sanguinolenta.
La muerte de Brett usa una secuencia similar (en ambos casos Goodwin trata de enfatizar la hipnótica parsimonia con la que el Alien da cuenta de sus víctimas, como si se recrease), solo que esta vez las viñetas están estiradas de manera vertical para darle relieve al progresivo movimiento de la cola del monstruo con el que acorrala al desdichado ayudante de Parker, coronando el festín con una contundente onomatopeya donde el grito de la víctima es ahogado en colores rojos. Toda una declaración de intenciones del trabajo combinado de Simonson y Goodwin, estableciendo el tono sin tregua para el espectador que para entonces ha adquirido ya un relato que camina a velocidad de crucero hasta su conclusión.
Reflexiónes finales.
Mi trauma de infancia con ALIEN duró unos cinco años, durante los cuales conseguí evitar a toda costa que una sola viñeta de aquel cómic o un fotograma de la película original desfilase ante mis ojos. Pero sería en el año 1986, en un cine de Málaga, viendo los trailers previos a la proyección de ‘Karate Kid 2’, que proyectaron a traición el de ‘ALIENS’. Lo fascinante de las imágenes de ese avance me llevaron a hacer las paces con aquel asustado niño interior y, al día siguiente, decidí que si quería disfrutar de lo que aparentaba ser una desbordante y aún más espectacular continuación de la original, debía hacer la tarea como Giger manda, así que corrí al video club Lomar (en el barrio Nueva Málaga) a alquilar la cinta de Ridley Scott y enfrentarme a mi propia bestia del sótano. Aún recuerdo las palabras del dependiente cuando le pregunté que qué tal la película… ‘¡Chulísima!’, se apresuró a decir con malagueña energía.
Tengo que reconocer que al llegar a casa con la cinta de VHS hice trampa. La puse primero yo sólo, a cámara rápida. Si había algo demasiado horrible en las imágenes de la película que mis catorce años de adolescencia no pudieran soportar, mis ojos lo registrarían y el horror se habría volatilizado de mi retina a la velocidad del relámpago. No pasaron diez minutos y ya había devuelto la velocidad a modo normal. El ‘work in progress’ de cinéfilo que llevaba dentro consideró que a lo mejor era una falta de respeto a una de las obras magnas del cine de terror y ciencia ficción de los años 70.
Casi treinta años después, Diábolo Ediciones reeditaría este fabuloso trabajo de adaptación de la obra magna de Ridley Scott, esta vez en tapa dura, que mantiene toda la frescura de su contrapartida original, garantizando un disfrute superlativo de la pesadilla biomecánica.
Pedro J. Mérida
Imágenes publicitarias de dichos cómic bajo responsabilidad de Pedro J. Mérida
Si hay algo que nos regala el arte es el lujo de expresarnos en cualquiera de las formas, tamaños, colores y maneras, sin pedir perdón ni permiso. Tanto el que lo crea como el que lo recibe. Pero… ¿Qué pasaría si esos dos puntos pudiesen encontrarse y fundirse en uno? De eso trata, en muy grandes rasgos, el espectáculo -aunque catalogarlo como tal, se queda corto- que ha puesto en pie Cristian Velasco, bailarín y director creativo de referencia natural de Las Palmas de Gran Canaria. Solo hay que visitar las redes sociales de “IT’S SHOWTIME” para contagiarse y empaparse de la energía que envuelve esta iniciativa que se cuece en el mítico Theatre by Garbo’s, en Bahía Feliz. Con LEVI’S como main sponsor, presentan una nueva edición el próximo 1 de abril para la que aún hay entradas disponibles. Hablamos con Velasco, quién lleva la batuta en este proyecto para que nos cuente todos los detalles -pero sin spoilers-.
V.F.: ¿Quién es Cristian Velasco? ¿Quién está detrás de todo esto?
C.V.: “Responder a esa pregunta en estos momentos es difícil. Siempre estoy en continuo cambio, explorando, transformándome, aunque vengo de la danza. Siempre me sentí bastante cómodo en esta disciplina artística. Era un niño inquieto y me gustaba el trabajo físico. Sentía dentro de mí la necesidad de utilizar mi cuerpo como obra. Entonces, me formé en danzas urbanas, pero comprendí rápidamente la importancia de la versatilidad para acceder al mercado, y me formé en danza clásica y danza contemporánea. Gracias a esta profesión, pude vivir en Madrid, Barcelona, Londres o Shanghái y trabajé en espectáculos, musicales y programas de televisión con artistas como Rihanna o JYJ. También, participé en el reality “Fama, ¡a bailar!”, que pese a no despertar en mi especial interés, en ese entonces suponía un escaparate para acceder a más oportunidades profesionales”.
V.F.: Claro, es que en términos de visibilidad hoy en día tenemos más a mano las redes sociales, pero en aquellos entonces, la televisión era el máximo escaparate…
C.V.: “Exacto. Sin embargo, esto fue agotador y me cansó. Busqué entonces nuevos caminos para expresarme. Siempre he conversado con otras artes: me gustan mucho la moda, la música y también, el cine. Como bailarín, participé en numerosas producciones audiovisuales, de televisión y videos musicales. Sin querer, siendo lo suficientemente atento o enterado, como bailarín y coreógrafo aprendí muchas herramientas de manera inconsciente. Sin saberlo estaba adquiriendo la experiencia perfecta para mi próximo destino”.
V.F.: De manera orgánica, digamos.
C.V.: “Por supuesto que hice mis cursos de producción, dirección, etc… Necesitaba rodar mis coreografías o las de mis compañeros. Considero que el montaje es como crear una coreografía. Para mí, una nueva forma de bailar”.
V.F.: Podríamos decir entonces que más que un bailarín eres un artista en toda la definición de la palabra.
C.V.: “Artista es una palabra muy conflictiva. Quiero decir… ¿artista para quién? ¿Quién considera que tu obra es arte? Todos somos creadores. Me siento más cómodo definiéndome así. Soy director creativo”.
V.F.: Claro, a lo mejor ‘artista’ es algo más elitista y ‘creador’ algo más cercano a la realidad de todos.
C.V.: “No es que sea elitista, si quieres que te diga la verdad, el arte – si puede considerarse como tal- que pueda yo hacer, es un arte que hago para mí. Por supuesto que también lo hago para los demás, ero el motivo principal es ese. Historias, cuerpos, movimientos… que a mi parecer tienen valor, que me mueven de alguna forma y podrá o no hacerlo en otros”.
V.F.: ¿Qué es lo que te mueve?
C.V.: “Sin ninguna duda, seguir aprendiendo”.
V.F.: Y, ¿qué es lo que te remueve? Ojo al matiz.
C.V.:“Como director siempre me ha interesado generar sinergias. Me remueve colaborar con otros artistas para aprender de ellos. Es algo innato en mí, lo arrastro desde que montaba coreografías con mis amigos. Nunca he podido parar de crear”.
V.F.: Es como una especie de laboratorio.
C.V.: “Sí, pero quitemos la parte encorsetada del asunto. Hace unos días inauguramos la exposición de “AS IN LIFE, SO IN DEATH” en el Museo Castillo de Mata de Las Palmas de Gran Canaria. La exposición evidencia la importancia del proceso y la convivencia de diferentes disciplinas. Es una exhibición de lo sumamente importante que es para mí generar vínculos con otros artistas, espacios para aprender y en los que poder conversar con libertad. De ahí surge también “IT’S SHOWTIME””.
V.F.: Antes de hablar de “IT’S SHOWTIME”, porque creo que también es interesante, has remarcado mucho la parte del proceso creativo. Hay muchos condicionantes en esto pero en tu caso, como artista canario, está el tema geográfico. ¿Cómo se vive la creación desde aquí? ¿Cómo se expande y gestiona?
C.V.: “¿Cómo se vive el proceso desde Canarias? Se vive bien, pero permite que me explique. Las islas son muy inspiradoras. Me siento en casa y estoy en casa, se trabaja cómodamente desde ahí. Hay muchísimo talento. Cada día descubro nuevos artistas y me siento en sintonía con ellos. Artistas que están en continuo crecimiento, considerando la precariedad del contexto. Pero, percibo mala gestión… con todas las propuestas culturales que existen en las islas, parece incongruente que sean pocas las que carecen de apoyo. En un lugar con tanto potencial, es injusto que las oportunidades sean sólo para unos pocos. Compartir es fundamental si queremos un sistema cultural sano”.
V.F.: Hablando de compartir… Es un poco lo que busca “IT’S SHOWTIME”.
C.V.: “Me encanta relacionarme con artistas y talentos, talentos emergentes. Probablemente en mi círculo de amistades no haya una persona sin talento pero, no por eso excluyo al resto. Lo que pasa es que lo necesito como motor de inspiración para mi vida y es inevitable que quiera compartir con ellos. Se suele decir, en el trabajo no hay amigos, pero… ¿cómo no voy a querer ser amigo de una persona con la que trabajo si es una persona a la que admiro? En “IT’S SHOWTIME”, quiero dar voz a estos amigos. Personas que encuentro en el camino profesional y a las que admiro muchísimo. Quiero celebrar tenerles en mi vida y que compartan su arte, sea cual sea, con el mundo”.
V.F.: Justo con lo que acabas de decir, entiendo que el punto en común con “IT’S SHOWTIME” es ese: encontrar un lugar seguro donde todo el mundo puede expresarse sin ningún tipo de problema.
C.V.: “Efectivamente. Y lamentablemente pocos son los espacios para esto. “ITS SHOWTIME” es la fiesta a la que siempre quise ir. Un lugar donde celebrar a todos los cuerpos, a todas las artes… un lugar donde expresarse e inspirarse, donde poder brillar pero, brillar juntas”.
V.F.: ¿Y cuál es el fin de “IT’S SHOWTIME”? Aparte de que la gente que no haya encontrado ese sitio aún, ¿hay algún trasfondo o crítica más allá?
C.V.: “El fin de este encuentro es el mismo que hay detrás de todas mis obras: generar sinergias a través del arte. En este caso, de los grandes amantes del show. Un lugar donde celebrarnos todas juntas. “ITS SHOWTIME” es toda en sí, una obra y una performance”.
V.F.: De hecho, en uno de los primeros vídeos que subieron a Instagram hacen alusión a “celebrar la vida, la amistad y el amor”. A fin de cuentas, es un poco eso.
C.V.: “Celebrar la vida, la amistad, el amor, y el arte”.
V.F.: Una cosa que me llamó particularmente la atención es que en cada encuentro, hay una temática distinta. ¿De dónde nace este patrón?
C.V.: “La experiencia siempre es diferente. Irrepetible. Conserva su estructura pero los shows son totalmente nuevos, con nuevos artistas y nuevas propuestas. Es una forma de mantener la frescura. La categoría es el motivo que hace a cada una tan especial. “IT’S SHOWTIME” es una fiesta temática y los invitados forman parte de una película sin saberlo. Ellos deciden qué personaje interpretar”.
V.F.: También, en las piezas audiovisuales, se puede observar mucha importancia en cuanto a las referencias.
C.V.: “Somos nuestras referencias. Un gran amigo y yo especulamos siempre con hacer unpodcast sobre esto. Tenemos el título: “Unafraid of References”.
V.F.: Pero, con lo que nos has contado, entiendo que también te apoyas en referencias que encuentras en tu entorno más cercano lo cuál lo hace todo más personal y auténtico.
C.V.: “Estoy rodeado de grandes oráculos. Son muy importantes para construir mi realidad. Todo lo que puedo, lo comparto y lo contrasto con ellos y así, sucesivamente. A prueba y error… como en un ensayo”.
V.F.: También entiendo que es una manera de despojarte de la exigencia, si bien el proceso de por sí tiene que ser libre, bajo el concepto del ensayo se gestiona de otra manera.
C.V.: “El ensayo tiene las mismas exigencias, pero no el mismo fin”.
V.F.: ¿Qué puede esperar la gente que sienta la curiosidad de acudir a “ITS SHOWTIME”?
C.V.: “No me gustaría contestar a esta pregunta. Me encanta generar expectativas. Que esperen, que imaginen. Si de algo estoy seguro es que no va dejarles indiferentes. “IT’S SHOWTIME” les espera para disfrutar de una fiesta que no creo que puedan olvidar jamás… de esas que recuerdan nuestras madres y abuelas con nostalgia en las que se bailaba, de verdad”.
V.F.: Pero, pese a que a priori se entienda como una fiesta al uso, hay una carga cultural.
C.V.: “La tiene. “IT’S SHOWTIME” es un montón de cosas a la vez”.
V.F.: ¿Cómo surge la alianza con LEVI’S? Son el sponsor de “IT’S SHOWTIME”, un producto hecho en Canarias que igual, para otras marcas, puede resultar una propuesta arriesgada incluso por el fondo político.
C.V.: “Como director creativo, trabajo haciendo campañas de publicidad para marcas de moda, ¿qué mejor patrocinador que LEVI’S? Es muy importante que el patrocinador sea coherente con el discurso. Trabajamos juntos en cada detalle de la campaña que realizamos en cada edición. LEVI’S siempre se ha implicado con el arte, apoyando a artistas emergentes y visibilizando al colectivo LGTBIQ+. Juntos apostamos por este evento cultural en Gran Canaria que promueve la creatividad, la libertad y la diversidad”.
V.F.: ¿Cuáles son los valores que sostienen tu propuesta creativa en su conjunto?
C.V.: “Los voy descubriendo. Con cada película y con cada show. Los valores que se quedan, trato de no comprometerlos. Trabajar para la industria es un arma de doble filo”.
V.F.: ¿Qué aspectos has sacado en limpio de la primera edición hasta ahora?
C.V.: “Nunca esperé de la primera una segunda, ni de la segunda una tercera. Los invitados insistieron. Surgen estas sinergias y relaciones que se dan entre profesionales que se encuentran y generan nuevos proyectos”.
V.F.: Tal vez, lo concebimos a priori como algo súper complicado y más si se trata de juntar a gente que, en una normalidad, se siente vulnerable. El contexto también es importante.
C.V.: “El contexto brinda la oportunidad de exponerse sin ser juzgado. Como anfitriones, los artistas invitamos a todos a desfilar en el escenario para aplaudir sus fantasías. Todos somos protagonistas en este espectáculo”.
V.F.: Es un acto de romper con la cuarta pared.
C.V.: “En “IT’S SHOWTIME” no existe esa pared. Los artistas están entre el público”.
V.F.: Vamos, que a lo mejor tú vas allí por ver que pasa y acabas siendo protagonista. Es una performance en sí misma todo el tiempo.
C.V.: “Todos somos protagonistas y todo puede suceder, siempre que se quiera”.
V.F.: En la anterior edición, te inspiraste en el futuro y en esta nueva entrega, te basas en el mundo de Andy Warhol. ¿Qué te lleva a enfocarlo por ahí?
C.V.: “Andy Warhol ha influenciado mucho mi trabajo. Pero “WARHOL’S PORTRAIT” -la categoría de la siguiente edición de “IT’S SHOWTIME”– tiene que ver con el autorretrato. Me gustaría que todos los invitados se retrataran, de la forma que sea y como sea. Quiero convertir el teatro en una galería de arte».
V.F.: También, para la gente que vaya, es súper llamativo ese proceso de introspección previa.
C.V.: “Un lugar donde expresarse e inspirarse. La propuesta está ahí. Yo no quiero condicionar más a nadie. Los invitados son libres de interpretar la categoría a su gusto. Me fascinan las lecturas que hace cada uno de esta”.
V.F.: Otro aspecto súper llamativo en “IT’S SHOWTIME” es la importancia de la imagen y la estética. Esto puede suponer, incluso, un despertar para la gente.
C.V.: “Soy una persona que adora la estética. Es normal que esté implícita en absolutamente toda la experiencia”.
V.F.: Para cerrar… ¿ya se están cociendo más encuentros?
C.V.: “Uno te lleva al otro y uno construye el otro de una forma diferente. Me gustaría estrenar próximamente en Madrid como un escaparate para impulsar a los artistas locales en la capital. Pero, no hay nada cerrado. La razón es que The Theatre by Garbo’s es un teatro y una de las salas de fiestas última en su condición en toda Canarias. Es una pena que ya no queden salas así pero, también un privilegio crecer bajo su amparo. The Theatre by Garbo’s les sorprenderá tanto como los artistas que actuarán cuando levante su telón la próxima semana. Por una noche, les transportará a Brooklyn o París. Podrán desfilar por su pasarela y bailar desenfrenadamente música disco bajo la luz de las lámparas de araña. Toda la vida supe que la primera vez que dirigiera un espectáculo, tenía que ser en un lugar así”.
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