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Filmin estrenará en España “La noche que Logan despertó”, primera serie de Xavier Dolan

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Se trata de un thriller psicológico de cinco episodios basado en una obra de teatro de Michel Marc Bouchard

Filmin ha adquirido los derechos de distribución en España de “La noche que Logan despertó” (“The Night Logan Woke Up”), primera serie creada, dirigida y protagonizada por el canadiense Xavier Dolan. La serie, producida por Canal + y Quebecor Content, y cuyas ventas internacionales gestiona Studio Canal, adapta la obra de teatro “La nuit où Laurier Gaudreault s’est réveillé” de Michel Marc Bouchard. Cuenta con el elenco original de la función, encabezado por el propio Dolan junto a Julie Le Breton, Magalie Lépine-Blondeau, Éric Bruneau, Patrick Hivon y Julianne Côté. 

“La noche que Logan despertó” se ambienta a principios de los años 90, y narra la historia de Mimi y Jules, dos hermanos que forman un trío inseparable con su amigo Logan. Su relación da un giro cuando Logan, al cumplir 17 años, viola a Mimi, que tiene 14. Treinta años después, Mimi, convertida en una tanatopractora de renombre, regresa a su tierra natal para cuidar del cuerpo de su madre y se reencuentra con ellos. Los rencores y las viejas heridas resurgen con más fuerza que nunca.

La serie, que consta de cinco episodios y cuenta con una banda sonora compuesta por Hans Zimmer, es la primera producción televisiva de Xavier Dolan, uno de los niños prodigio del cine de autor contemporáneo y protegido del Festival de Cannes, donde ha estrenado con éxito la mayoría de sus películas. “Mommy” (2014), por ejemplo, ganó el Premio del Jurado del festival, mientras que “Solo el fin del mundo” (2016) fue galardonada con el Gran Premio del Jurado. 

Filmin estrenará “La noche que Logan despertó” a lo largo del primer semestre de 2023. Próximamente anunciaremos su fecha de lanzamiento.

Netflix acaba en España con las cuentas compartidas en distintas casas ¡es la ruina!

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Siempre hemos facilitado a las personas que viven bajo un mismo techo el uso compartido de su cuenta de Netflix con funciones como los perfiles y el visionado en varias pantallas. Aunque han tenido un éxito enorme, también han provocado alguna confusión sobre cuándo y cómo puedes compartir Netflix. Ahora, hay más de 100 millones de hogares que comparten sus cuentas, lo que reduce nuestra capacidad de invertir en la creación de grandes historias, contadas con series y películas de la máxima calidad.

Durante el último año hemos probado varias soluciones para las cuentas compartidas en Latinoamérica, y ya estamos listos para aplicarlas en otros países. Hoy empezamos con Canadá, España, Nueva Zelanda y Portugal. Nuestro principal objetivo ha sido dar a los suscriptores un mayor control sobre quiénes pueden acceder a su cuenta.

  • Configuración de la ubicación principal: Ayudaremos a los suscriptores a configurarla, para que puedan usar su cuenta de Netflix todas las personas que vivan en su hogar.
  • Gestión del acceso y los dispositivos de la cuenta: Los suscriptores pueden controlar quién accede a su cuenta en la nueva página Gestionar el acceso y los dispositivos.
  • Transferencia de perfiles: Ahora, cualquier persona que use una cuenta puede trasladar su perfil a su propia cuenta de pago, conservando sus recomendaciones personalizadas, historial de visionado, Mi lista, sus juegos guardados y mucho más.
  • Ver Netflix cuando estés de viaje: Como siempre, los suscriptores podrán ver Netflix en sus dispositivos personales o iniciar sesión en otro televisor (en un hotel o un alquiler vacacional, por ejemplo).
  • Añadir suscriptores extra: Los suscriptores de nuestros planes Estándar o Premium de muchos países (Canadá, España, Nueva Zelanda y Portugal incluidos) pueden añadir «subcuentas» para dos personas, como máximo, con las que no convivan. Cada una de esas subcuentas tendrá un perfil, recomendaciones personalizadas, nombre de usuario y contraseña propios, a un coste adicional de 5,99 € al mes por persona (en España).

Valoramos a nuestros suscriptores y entendemos que tienen a su disposición muchas opciones de entretenimiento. Cada cuenta de Netflix está diseñada para un solo hogar y los suscriptores pueden elegir entre varios planes con distintas características (véase el cuadro de más abajo).

Como siempre, vamos a perfeccionar estas nuevas funciones basándonos en los comentarios de nuestros suscriptores para seguir mejorando Netflix en los próximos años.

Filmin estrena «Nana», la nueva película de Kamila Andini premiada en la Berlinale

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Filmin estrena en España el cuarto largometraje de la indonesia Kamila Andini, un drama de época premiado en el Festival de Berlín que evoca el cine de Wong Kar-wai.

Filmin estrena el próximo viernes 17 de febrero, la película indonesia «Nana» (también conocida con el título internacional de «Before, Now and Then»), que concursó en Sección Oficial en el Festival de Berlín de 2022, donde además ganó el Oso de Plata a la Mejor Interpretación de Reparto para la actriz Laura Basuki. La película fue programada también en Sección Oficial en el Festival de Valladolid.

«Nana», dirigida por Kamila Andini («The Seen and Unseen») y protagonizada por Happy Salma, adapta la novela «Jais Darga Namaku», del poeta Ahda Imran, acreditado como coguionista del film. Narra la historia de una mujer sumisa, sometida a un marido infiel, que encuentra un inesperado refugio en Ino, una de las amantes de su esposo. Una historia de amor, sufrimiento y sororidad, confesamente inspirada por el cine de Wong Kar-wai y «Retrato de una mujer en llamas», entre otras obras.

«Nana» se inspira en la vida de Raden Nana Sunani, una mujer que vivió en la década de 1960 en Java Occidental y que protagonizaba la citada novela de Imran. «No es un nombre conocido en Indonesia ni una heroína nacional; es tan solo una mujer», explica la directora: «Y eso es precisamente lo que me interesa de ella. Lo que le pasó a Nana les ocurrió también a otras mujeres en mi país.»

«Vivir en un país tan conservador como Indonesia, en una sociedad tan patriarcal, es todo un desafío», afirma Kandini, que denuncia que a veces son las propias mujeres las primeras en perpetuar el machismo: «Es importante la sororidad, ese apoyo incondicional que pasa de mujer a mujer y nos permite aceptar nuestras contrariedades y dificultades». Esa «hermana» que acaba siendo un apoyo imprescindible para Nana es, curiosamente, una de las amantes de su marido, Ino, con la que construye una relación que va más allá de la amistad.

Kandini se define a sí misma como una cineasta que habla «en voz baja»: «Sé que los conflictos en mis películas no parecen grandes y no hay giros de guión emocionantes». En su lugar, «Nana» es una película delicada como un suspiro, con una sensacional fotografía a cargo de M. Batara Gumpar Siagian y que sigue la tradición de cierto cine asiático de autor, de Wong Kar-wai a Apichatpong Weerasethakul, Kim Ki Duk o Tsai Ming-liang.

«Berlín», spin-off de «La casa de papel», se estrena en diciembre en Netflix

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El spinoff de La casa de papel está protagonizado por
Pedro Alonso, Michelle Jenner, Tristán Ulloa,
Begoña Vargas, Julio Peña Fernández y Joel Sánchez

Netflix estrenará BERLÍN el próximo mes de diciembre, el spinoff de La casa de papel que narra el recorrido por uno de los robos más extraordinarios del icónico personaje interpretado por Pedro Alonso.

Sólo hay dos cosas que pueden convertir un día de perros en un día maravilloso: una es el amor y la otra, un botín millonario. Esos son los motores que mueven a Berlín en sus años dorados, cuando aún no tiene noción de su enfermedad ni está encerrado como una rata en la Fábrica de la Moneda. Aquí se dedica a preparar uno de sus robos más extraordinarios: hacer desaparecer 44 millones en joyas como si fuera un número de ilusionismo, y para ello cuenta con una de las tres bandas con las que ha robado en su vida. 

La banda de BERLÍN.

Keila
(Michelle Jenner)

Una eminencia de la ingeniería electrónica. Experta en códigos informáticos y ciberseguridad. Tan inteligente y sensible como inadaptada. 

Damián
(Tristán Ulloa)

Es ingeniero, físico, y químico. El perfecto ejecutor de las ideas imposibles de Berlín y, quizá precisamente por eso, su íntimo amigo. Doctor con posgrados de ingeniería y física en su horario laboral y mente criminal en su tiempo libre.

Cameron
(Begoña Vargas)

Una fuerza de la naturaleza. Ella conduce al límite. Vive al límite.
Y nunca calcula el riesgo. Pero por ninguno de estos motivos está en la banda, sino por uno mucho más doloroso.

Roi
(Julio Peña Fernández)

Roi también tiene talento, pero para abrir cerraduras y entrar en la cárcel. Hasta que conoció a Berlín y se convirtió en su alumno aventajado y fiel escudero. Juntos forman una extraña pareja

Bruce
(Joel Sánchez)

Maneja cualquier cacharro. Armas, grúas de gran tonelaje y lanza térmica. Lúdico, encantador y con alma gamberra. Apostarías a que no hay diez micras de materia gris en su cabeza, pero perderías. 

Los ocho episodios de la serie, creada por Álex Pina (La casa de papel, Sky Rojo) y Esther Martinez Lobato (La casa de papel, Sky Rojo), están escritos por Álex Pina, Esther Martinez Lobato, David Barrocal, David Oliva y Lorena G. Maldonado. Estarán dirigidos por Albert Pintó (Sky Rojo, Malasaña 32), David Barrocal (Sky Rojo) y Geoffrey Cowper (Tercer Grado). 

La serie comenzó su rodaje el pasado mes de octubre en París y se sigue rodando en Madrid

Acerca de BERLÍN.

Sólo hay dos cosas que pueden convertir un día de perros en un día maravilloso: una es el amor y la otra, un botín millonario. Esos son los motores que mueven a Berlín en sus años dorados, cuando aún no tiene noción de su enfermedad ni está encerrado como una rata en la Fábrica de la Moneda. Aquí se dedica a preparar uno de sus robos más extraordinarios: hacer desaparecer 44 millones en joyas como si fuera un número de ilusionismo, y para ello cuenta con una de las tres bandas con las que ha robado en su vida.

Filmin estrena «Doctor en Alaska» completa y remasterizada por primera vez en España

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Hoy 7 de febrero llega a la plataforma todos los episodios de una de las grandes series de culto de la historia de la televisión estadounidense.

Filmin estrena este martes 7 de febrero las seis temporadas íntegras de la serie «Doctor en Alaska», uno de los mayores hitos televisivos de los años 90. Ganadora de siete Emmy y dos Globos de Oro, la serie, creada por Joshua Brand y John Falsey, se mantuvo en antena en la CBS entre 1990 y 1995, a lo largo de 110 episodios que podremos ver en FIlmin en versión remasterizada por primera vez en España.

Comparada en ocasiones con «Twin Peaks» por su gusto por el absurdo y las situaciones surrealistas, «Doctor en Alaska» narra las aventuras y desventuras de Joel Fleischman (Rob Morrow), un médico judío recién licenciado que obtiene una beca que lo lleva a la remota y singular ciudad de Cicely, en Alaska. Allí entra en contacto con una serie de personajes de lo más extravagantes y descubre que, por más que lo intenta, le es imposible marcharse de la ciudad. Junto a Rob Morrow, protagonizan la serie 
Barry Corbin, Janine Turner y John Cullum, entre otros.

Sinopsis:
Cuenta la historia del recién licenciado doctor Fleischman, un joven judío de Nueva York, que es destinado a un pequeño pueblo de Alaska. Allí, en contra de su voluntad, tendrá que realizar su trabajo durante los próximos cuatro años con el !in de devolver el crédito que le concedió el Estado para cursar sus estudios de medicina en la Universidad de Columbia.

El episodio cinco de THE LAST OF US se estrenará el próximo sábado 11 de Febrero

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El episodio cinco de la serie original de HBO THE LAST OF US se estrenará a partir del 11 de Febrero en HBO Max antes de su estreno en el canal lineal de HBO en Estados Unidos. Los nuevos episodios de la serie seguirán estrenándose los lunes en HBO Max, hasta del final de temporada el 13 de marzo.

THE LAST OF US tiene lugar 20 años después de que la civilización moderna haya sido destruida. Joel, un superviviente nato, es contratado para sacar de contrabando a Ellie, una niña de 14 años, fuera de una opresiva zona de cuarentena. Lo que comienza como un pequeño trabajo pronto se convierte en un viaje brutal y desgarrador, ya que ambos deben atravesar los EE. UU. y depender el uno del otro para sobrevivir.

Protagonizada por Pedro Pascal como Joel, Bella Ramsey como Ellie, Gabriel Luna como Tommy, Anna Torv como Tess, Nico Parker como Sarah, Murray Bartlett como Frank, Nick Offerman como Bill, Melanie Lynskey como Kathleen, Storm Reid como Riley, Merle Dandridge como Marlene, Jeffrey Pierce como Perry, Lamar Johnson como Henry, Keivonn Woodard como Sam, Graham Greene como Marlon y Elaine Miles como Florence. Ashley Johnson y Troy Baker también forman parte del reparto.

Con una puntuación del 96% por parte de la crítica en Rotten Tomatoes, THE LAST OF US ha sido llamada «el próximo gran éxito de HBO» por Rolling Stone, y Variety señaló que «uno ve un futuro cercano en el que esta serie terminará entre las mejores de la televisión». IndieWire declaró que la nueva serie es «mejor que todas las adaptaciones de videojuegos que se me ocurran», e IGN la calificó como «una versión brillante de una de las historias más queridas de los videojuegos» y añadió que «ofrece un espectáculo enriquecedor para los fanáticos de los exitosos videojuegos de PlayStation, al mismo tiempo que consigue cálidamente emocionante para los recién llegados”. CNN calificó la narración como «absolutamente intrépida e inquebrantable, creando escenarios y momentos horribles que pueden ser alternativamente conmovedores y completamente trágicos».

THE LAST OF US, basada en el videojuego del mismo nombre aclamado por la crítica desarrollado por Naughty Dog exclusivamente para las plataformas PlayStation®, está escrito y producido por Craig Mazin y Neil Druckmann. La serie es una coproducción con Sony Pictures Television y cuenta con la producción ejecutiva de Carolyn Strauss, Evan Wells, Asad Qizilbash, Carter Swan y Rose Lam. Producida por PlayStation Productions, Word Games, The Mighty Mint y Naughty Dog.

Star Wars Visions Volumen 2: ya tiene fecha de estreno y confirma la participación de un estudio español

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ESTRENO EL 4 DE MAYO EN EXCLUSIVA EN DISNEY+

Disney+ y Lucasfilm han anunciado que el segundo volumen de la serie animada “Star Wars: Visions” se estrenará en exclusiva en Disney+ el 4 de mayo de 2023.

Después del éxito de «Star Wars: Visions«, nominado al Emmy®, el nuevo volumen seguirá superando los límites de la narrativa de «Star Wars» con nueve cortos nuevos de 9 estudios de todo el mundo. Utilizando los estilos de animación más cautivadores de diversos países y culturas, el segundo volumen ofrece una nueva y dinámica perspectiva de Star Wars.

Los cortometrajes incluidos en «Star Wars: Visions» Volumen 2 fueron creados por los siguientes estudios internacionales de animación: El Guiri (España), Cartoon Saloon (Irlanda), Punkrobot (Chile), Aardman (Reino Unido), Studio Mir (Corea del Sur) Studio La Cachette (Francia), 88 Pictures (India), D’art Shtajio (Japón), and Triggerfish (Sudáfrica). El corto de D’Art Shtajio se ha creado en colaboración con Lucasfilm Ltd. (Estados Unidos). 

“El impacto que tuvo el primer volumen de ‘Star Wars: Visions’ nos dejó boquiabiertos. Nos encantó que este proyecto sirviera de inspiración a tanta gente”, dice James Waugh, productor ejecutivo de «Star Wars: Visions” y Vicepresidente Sénior de Contenidos y Estrategia de Franquicias en Lucasfilm. “’Star Wars: Visions’ siempre nos pareció el mejor escenario para rendir homenaje a la franquicia de la mano de algunos de los mejores creadores que trabajan en la actualidad. La animación vive un renacimiento en todo el mundo y estamos fascinados con las enormes muestras de creatividad que están haciendo avanzar a este medio. En el Volumen 1 vimos el arrollador despliegue de las imaginativas mentes de la industria del anime japonés. En el Volumen 2 ampliamos nuestra propuesta para que el público conozca a algunos de los creadores con más talento de todo el mundo. Estamos orgullosos de dar a conocer la lista de estudios que hemos reunido.. Cada corto es increíble, repleto de emoción, imaginación y de los valores que hacen que las historias de ‘Star Wars ‘ sean tan inconfundibles. Al mismo tiempo, se abren nuevas y audaces formas de ver lo que es una historia de ‘Star Wars’.

Waugh es el productor de “Star Wars: Visions” Volumen 2 junto con Jacqui Lopez y Josh Rimes. 

Estos son los detalles de cada corto y realizador:

Título: “Sith” 

Estudio: El Guiri

Guionista-director: Rodrigo Blaas

Rodrigo Blaas es un director ganador del Emmy® que lleva más de 20 años dedicado a la animación. Después de cofundar Stromboli Animation en 1997, Blaas se incorporó a Blue Sky Studios en 2000, trabajando en el largometraje “La edad de hielo (Ice Age)”, antes de entrar en Pixar Animation Studios. Allí trabajó en proyectos como “Buscando a Nemo” (2003), “Los increíbles” (2004), “Ratatouille” (2007) y “Wall-E” (2008) y en el cortometraje nominado al Oscar® “La Luna” (2011). Más recientemente, Blaas se asoció con Guillermo del Toro para desarrollar la galardonada serie “Trollhunters: Cuentos de Arcadia”, fue director creativo de Mikros Animation Paris y, en 2021, creó El Guiri Studios en Madrid con su socia, Cecile Hokes. También escribió y dirigió «Alma«, el premiado cortometraje de 2009.   

Título: “Screecher’s Reach”

Estudio: Cartoon Saloon

Director: Paul Young

Paul Young es cofundador de Cartoon Saloon, ganador del premio de la IFTA y nominado al Oscar®, al Emmy® y al BAFTA. Produjo las películas animadas “El dragón de papá”, “WolfWalkers”, “El secreto del libro de Kells”, “La canción del mar” y “The Breadwinner” así como series de televisión galardonadas como «Puffin Rock«, «Dorg Van Dango» y «Viking Skool”.

Título: “In the Stars”

Estudio: Punkrobot

Guionista-director: Gabriel Osorio

Gabriel Osorio se graduó en Bellas Artes en la Universidad de Chile, especializándose posteriormente en animación 3D. Después de trabajar en publicidad, cine y series de televisión, fundó Punkrobot Studio. Desde 2008, ha dirigido proyectos para la televisión infantil como “Flipos”, “Muelin y Perlita”, “Soccer Girls” y spots de televisión. En 2016, su cortometraje “Historia de un oso” se convirtió en el primer proyecto latinoamericano en ganar un Oscar® en la categoría de cortometraje animado. 

Título: “I Am Your Mother”

Estudio: Aardman

Directora: Magdalena Osinska

Magdalena Osinska es una premiada directora que lleva ocho años en Aardman. Ha dirigido anuncios publicitarios en stop-motion, CGI, 2D y acción real como «The Great Sofa Caper» de Wallace & Gromit y «Share the Orange«. Osinska dirigió el desarrollo de la serie infantil “Joyets” y también ha dirigido películas como “Spirits of the Piano” y “Zbigniev’s Cupboard”. Graduada por la Escuela Nacional de Cine y Televisión de Beaconsfield, Reino Unido, así como por la Escuela de Cine Polaco de Lodz y la Escuela de Arte de Varsovia, actualmente, Osinska está desarrollando el largometraje “Jasia”, basado en los recuerdos de la Segunda Guerra Mundial de su abuela polaca.

Título: “Journey to the Dark Head”

Estudio: Studio Mir

Director: Hyeong Geun Park

La estrella naciente Hyeong Geun Park ya tenía un nombre cuando se incorporó a la industria de la animación coreana en 2017, gracias a su talento para el dibujo y su sensibilidad para la animación. Ha dirigido la animación de docenas de trailers de juegos y desde entonces se he internado en el mundo de las series animadas, trabajando en proyectos como «Dota: Dragon’s Blood: Book 3» (2022) y «Lookism» (2022). “Journey to the Dark Head” es el primer título del que ha sido productor ejecutivo de principio a fin. 

Título: “The Spy Dancer”

Estudio: Studio La Cachette

Guionista-Director: Julien Chheng

Julien Chheng es el CEO de Studio La Cachette, un estudio de animación francés ganador del Emmy® que cofundó en 2014 con Oussama Bouacheria y Ulysse Malassagne, antiguos alumnos de la escuela Gobelins. Chheng se formó en desarrollo visual en Disney y ha trabajado como animador de personajes en las aclamadas películas animadas en 2D «El gato del rabino«, «Mune: Guardian of the Moon» y «Ernest & Célestine«, nominada al Premio de la Academia®. En 2021, ganó un Emmy® como productor ejecutivo de animación de “Genndy Tartakovsky’s Primal”, donde también ejerció de supervisor de animación. En 2022, Chheng dirigió con Jean-Christophe Roger el largometraje nominado al César «Ernest and Celestine: A Trip to Gibberitia”.

Título: “The Bandits of Golak”

Estudio: 88 Pictures

Director: Ishan Shukla

Ishan Shukla empezó su carrera como artista CG en Singapur. Durante más de una década, encabezó proyectos que van de anuncios publicitarios para televisión hasta series y videos musicales. Su corto animado de 2016, «Schirkoa”, se incluyó en los Premios de la Academia® después de recibir docenas de premios y exhibirse en 120 festivales internacionales, incluido SIGGRAPH Asia, donde fue elegida Best in Show. Después fundó su propio estudio de animación para trabajar en largometrajes de animación para adultos, incluida una versión en largometraje de «Schirkoa«, que llegará a los festivales en el verano de 2023. 

Título: “The Pit”

Estudio: D’art Shtajio y Lucasfilm Ltd.

Guionista-director-productor ejecutivo: LeAndre Thomas

Codirector: Justin Ridge

LeAndre Thomas es un premiado guionista y director de Oakland, California, cuya película más reciente ganó el premio al Mejor Director en el Festival Internacional de Cine de Pasadena. Además de sus películas independientes, Thomas forma parte del equipo de estudio de franquicias de Lucasfilm Ltd., donde ha trabajado durante más de 11 años en títulos recientes como «Light & Magic: Un sueño no tan lejano«, «The Mandalorian», «Obi-Wan Kenobi”, “Star Wars: Las crónicas Jedi”, y muchos más. 

Justin Ridge fue productor ejecutivo de la serie nominada al Emmy® “Star Wars Resistance”. Sus créditos también incluyen “Star Wars Rebels”, “Cigüeñas”, “El show de Cleveland”, “Star Wars: The Clone Wars” y “Avatar: The Last Airbender”.

Título: “Aau’s Song”

Estudio: Triggerfish

Guionista-directores: Nadia Darries y Daniel Clarke 

Nadia Darries es directora, animadora y cofundadora de Goon Valley Animation, cuyo hobby es escribir canciones. Nacida en Cape Flats, Sudáfrica, Darries ha trabajado en películas animadas de primera fila y en diseño de movimientos como animadora, project manager, directora creativa y directora desde 2015. Su experiencia incluye animar en Triggerfish Animation Studios las premiadas películas de la BBC «La Navidad del hombre rama y la escoba voladora«, «La rebelión de los cuentos» y «La rata pirata”. 

Daniel Clarke es un director y artista que reside en Ciudad del Cabo y trabaja en animación, cine e ilustración. Empezó su carrera en animación en 2008 en Triggerfish Animation Studios, donde fue diseñador de producción, director de arte y director en proyectos como el largometraje “Khumba”, “La Navidad del hombre rama y la escoba voladora” de la BBC y “El caracol y la ballena”. En 2018, junto con James Clarke y Daniel Snaddon, escribió la novela gráfica “Kariba”

The Jazz Singer: 96 años de la primera película sonora. Por Jesús Hernández

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«The Jazz Singer» (El cantor de Jazz) es una película estadounidense de 1927 dirigida por Alan Crosland y producida por Warner Bros, con el reparto de Al Jolson, May McAvoy, Warner Oland, Eugenie Besserer, Otto Lederer y Bobby Gordon.

La película fue el primer largometraje sonoro de la historia y utilizó la tecnología Vitaphone, que permitía la proyección sincronizada de sonido y música en vivo con la imagen en pantalla, la película fue filmada en blanco y negro y tiene una duración de 89 minutos.

La música original de la película fue compuesta por Lewis F. Muir y Grant Clarke, y el guión fue escrito por Alfred A. Cohn y Berlin. La película fue filmada en los estudios de Warner Bros en Hollywood, California, y se estrenó en octubre de 1927 en Nueva York.

fue mi primera película clásica que pude disfrutar desde muy joven en un televisor de tubo en La 2 de TVE

La trama sigue a un joven llamado Jakie Rabinowitz, interpretado por Al Jolson, que desobedece las tradiciones de su familia judía y persigue su sueño de convertirse en un artista de jazz. Jakie crece en un entorno familiar riguroso y tradicional, donde su padre, un rabino ortodoxo, espera que siga sus pasos y se convierta en líder religioso. Sin embargo, Jakie tiene una pasión por la música y un talento natural para el canto, y no puede resistir la tentación de perseguir su sueño.

Escena de la película

En la película, Jakie enfrenta varios obstáculos mientras intenta equilibrar su amor por la música y su lealtad a su familia y sus raíces culturales. La película presenta un drama emocional que explora temas como la identidad cultural, la tradición y el conflicto generacional. Jolson, conocido por su estilo de canto y su personalidad vibrante, ofrece un desempeño impactante como Jakie, y su interpretación de la canción «Mammy» se convirtió en un éxito de ventas y una de las canciones más memorables de la película.

En general, «The Jazz Singer» es una película importante en la historia del cine y una muestra del poder del cine para abordar temas importantes y emocionantes. Su impacto en la industria cinematográfica fue enorme, y abrió el camino para una nueva era de películas sonoras y musicales. La película fue un éxito comercial y recaudó más de $5 millones en su primer año en taquilla, aún hoy en día, la película sigue siendo una obra valorada y apreciada por su valor histórico y cultural.

Fotos en portada de los carteles originales

HBO Max lanza la primera imagen de “The Palace”, la miniserie protagonizada por Kate Winslet

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Kate Winslet es la protagonista de esta primera imagen de la nueva miniserie de HBO

HBO ha lanzado un primer vistazo a la serie limitada THE PALACE (WT). Protagonizada por la ganadora del Oscar® Kate Winslet y dirigida por Stephen Frears y Jessica Hobbs, THE PALACE (WT) cuenta la historia de un año dentro de los muros del palacio de un régimen europeo moderno a medida que comienza a desmoronarse. La miniserie se encuentra actualmente en producción en Austria y continuará en el Reino Unido.

El reparto ya anunciado incluye a Winslet, Matthias Schoenaerts, Guillaume Gallienne, Andrea Riseborough, Martha Plimpton y Hugh Grant.

Will Tracy es guionista, productor ejecutivo y productor ejecutivo. Los productores ejecutivos son Winslet, Frears, Frank Rich y Tracey Seaward. Hobbs es coproductor ejecutivo y los guionistas son Seth Reiss, Juli Weiner, Jen Spyra, Gary Shteyngart y Sarah DeLappe.

Esta producción cuenta con el apoyo de FISAplus, una medida de financiación del Ministerio Federal de Trabajo y Economía gestionada por Austria Wirtschaftsservice Gesellschaft mbH (aws). FISAplus apoya producciones internacionales de películas y series y coproducciones internacionales para cine, televisión y streaming, así como producciones de streaming y televisión austriacas.

Esther Vital explora los límites del lenguaje documental al introducir el arte textil en la narración

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La directora presenta en MiradasDoc su ópera prima,‘Cadê Heleny?’, donde muestra la dureza de la dictadura brasileña a través de la extraordinaria figura de Heleny Guariba

Esther Vital explora los límites del lenguaje documental al introducir el arte textil en la narración cinematográfica. La directora presenta en el concurso nacional de MiradasDoc su ópera prima, Cadê Heleny? –¿Dónde está Heleny?– (29’ / España, Brasil), en la que muestra la dureza de la dictadura brasileña a través de la extraordinaria figura de Heleny Guariba, filósofa, profesora y directora de teatro, que fue desaparecida en 1971.

“Las mujeres traemos al cine estas otras miradas y tenemos la capacidad de explorar lenguajes no explorados. La costura ha sido relacionada con el papel doméstico, con la dominación y te das cuenta de que no es así y no ha sido así nunca: siempre ha habido un espacio de resistencia en ese lenguaje”, dice Vital, que, antes de dedicarse como directora al cine documental, trabajó como psicóloga y artesana textil en labores de reconstrucción de memorias de mujeres violentadas en sus derechos humanos, especialmente, en América Latina, aunque también en Palestina y el Bilbao, con mujeres inmigrantes.

“En muchísimas partes del mundo se ven manifestaciones en las que el bordado y la costura es un medio riquísimo a nivel expresivo”. Sin embargo, no ha sido reconocido, “cuando ha sido una forma de comprender la realidad y de aproximarnos a ella que se remonta probablemente a antes de la escritura. Es una forma de leer el mundo diferente, genuina y, de alguna forma, hasta que las mujeres no nos hacemos hueco en el mundo del cine, no podemos traer estos lenguajes. Me parece que es muy característico de mi lucha, en concreto”, explica Vital.

¿Cómo un trabajo de memoria se materializa a través de una labor artesanal, de arpilleras?

Como psicóloga he estado investigando las arpilleras chilenas, testimonios de denuncia que surgen durante la dictadura de Pinochet, el único el único testimonio disidente de aquella época. Las mujeres familiares de desaparecidos bordaron con lo que tenían –la ropa de los desparecidos y sacos de papas y harina– para contar lo que estaba pasando. Desde 2008 he estado estudiando este arte textil e implementando grupos de mujeres que viven situaciones de violencia, programas de recogida de testimonios a partir de este lenguaje.

Promoví en Brasil exposiciones de las arpilleras chilenas y me llamaba muchísimo la atención que la gente como que negaba la dictadura en Brasil, que era considerada una dictablanda. Tenía la idea de hacer una película sobre la dictadura en Brasil y yo, como artista textil y como documentalista, tenía muchas ganas de explorar ese lenguaje textil, que para mí era tan potente y que, de alguna forma, era capaz de romper la barrera del espectador, porque el espectador no quiere escuchar un testimonio de tortura, no quiere aproximarse, son temas tremendamente traumáticos que generan una resistencia; hay que presentarlo de forma cándida, que pueda soportarse. Me pareció que las arpilleras chilenas tenían la capacidad de enganchar a quien las estaba mirando, atraerlas por su inocencia, y una vez que ya estaba la persona atraída, darles el testimonio. Me parece impresionante tanto, como herramienta de resistencia como del poder expresivo que tienen, que encima llegan, consiguen traspasar los límites del lenguaje verbal. Me apetecía muchísimo explorar y traspasar el lenguaje textil de la arpillera, con toda su connotación de resistencia, con todo su lugar de emisión, que eran mujeres pobres, de los suburbios de la periferia de Santiago, que no tienen nada, que lo hacen con lo que tienen… Me interesaba explorar los límites que da esa materialidad y llevarla al cine.

¿Cómo encontraste al personaje?

La personaje viene después del lenguaje. Primero quiero usar el lenguaje, que son las arpilleras adaptadas el cine para hablar de la dictadura en Brasil… y luego decidí a buscar una mujer desaparecida en Brasil, porque el corazón de la arpillera es buscar personas desaparecidas, y, al investigar, aparece Heleny Guariba, que, cuando conozco su historia, me traspasa por muchas cuestiones. Me identifico profundamente con ella y me parece una mujer que tenía un legado de transformación a partir del teatro, de la articulación popular y de la cultura y del trabajo que estaba realizando de una forma pionera en Brasil en los años 60. Me pregunto a dónde habría llegado, quién sería ella si no la hubieran matado. Entonces, empieza a ser ella más grande que el lenguaje, indago en su historia, en saber quién era ella, por qué la mataron y me pregunto… una mujer que lo tiene todo, una familia, dos hijos, una carrera promisoria en plena dictadura, considerada por la crítica como la mejor directora de teatro… ¿por qué esta mujer lo deja todo por cambiar su país, por un objetivo colectivo? ¿Qué sueños tenía ella, que hoy no tenemos? Y cómo esa mujer, su trayectoria, de alguna forma, puede influirnos y toda esta reflexión con una situación actual en Brasil, en un periodo muy complicado, con un gobierno muy autoritario que venera a los torturadores de aquella.

¿Con tu recorrido profesional y vital relacionado con la artesanía textil y la investigación, cómo tomas la decisión de hacer cine?

El cine siempre ha estado presente en mi vida. Mi compañero trabaja con cine y, desde 2008, hemos trabajado con cine de alguna forma y he estado involucrada, no como directora, pero sí en proyectos que tienen que ver con retratar historias a partir del cine, desde un proyecto que tuvimos en Bilbao, Documenta Bilbao, o proyectos de cine sin techo… como una forma de usar el lenguaje cinematográfico para contar historias de autorretrato, de denuncia. He estado trabajando con esto, de una forma no autoral, de ayudar a otros a hacer, más que yo misma hacer. La última cosa en la que estuve muy involucrada fue en este proyecto de documentar a partir de arpilleras para hacer una especie de mapa de la violación de derechos humanos de las mujeres desplazadas por hidroeléctricas en Brasil. Hicimos un largometraje documental en el que estuve muy involucrada en su concepto, creamos una arpillera, que bordé yo, y atrás poníamos cinco bolsillitos y la arpillera iba viajando de región en región en Brasil y cada mujer bordaba alguna violación en este mapa ponía un bolsillo detrás y representaba toda la problemática de la región. La arpillera se usaba como un dispositivo en este documental. Después pensé que me apetece hacer una cosa yo, crear yo misma, porque yo no lo había hecho, y explorar más, me interesaba mucho llevar al límite, hacer como un laboratorio para ver hasta dónde podía llegar este lenguaje.

Contaba con mi compañero Giuliano Conti, que es el director de fotografía y productor ejecutivo de la película, para pensar todo el universo fotográfico. Él ha contribuido muchísimo en eso, desde traer de la fotografía referencias del cine negro para crear ese universo, hacer el traspaso desde la arpillera a la imagen cinematográfica. Cuando me dieron la ayuda para hacer este proyecto en Brasil, estaba embarazada de siete meses, de mi tercer hijo, necesitaba mucho apoyo, estaba sola en Brasil… Entonces es como nuestro cuarto hijo. Ha sido fundamental el papel de Giuliano en este proyecto. Hace falta tener apoyadores.

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