La inauguración de la exposición de ‘Ilustradoras & Ilustradas’ es el ecuador de un proyecto de la Diputación del Común que busca visibilizar a la mujer en el mundo del arte en el que colaboran la Fundación Cine+Cómics y la Cátedra Cultura Moebius de la ULL.
Podrá visitarse hasta el próximo 27 de mayo de forma gratuita en horario de 10:00 a 14:00 y de 17:00 horas a 20:00 horas de lunes a viernes.
La sala de arte del Parlamento de Canarias ha sido ocupada por muchas exposiciones a lo largo de su historia, pero ninguna como esta: con más de 100 dibujos abarcando casi la totalidad de la superficie disponible, esta colorida experiencia apuesta por la cultura segura y la divulgación del arte desde una perspectiva femenina. Ilustradoras & Ilustradas se trata de un proyecto de la Diputación del Común donde colaboran la Fundación Cine+Cómics y la Cátedra Cultural Moebius de la Universidad de La Laguna y en la que solo participan autoras isleñas, incluyendo la Macaronesia, y que se sustenta sobre tres pilares fundamentales.
Si bien esta exposición comisariada por Camila Pomares, que podrá visitarse hasta el próximo 27 de mayo de forma gratuita en horario de 10:00 a 14:00 y de 17:00 horas a 20:00 horas de lunes a viernes, es el más vistoso de ellos, la oferta incluye también una serie de charlas en directo que llevan realizándose desde finales del mes de octubre a través de la página de Facebook del Salón Internacional del Cómic y la Ilustración de Tenerife. En añadido, Ilustradoras & Ilustradas contará con un catálogo propio que ya se está terminando de diseñar y que, además de todas las imágenes que forman parte de la muestra también incluye fotografías y biografías de cada una de las autoras participantes.
“El proyecto es un espacio donde podemos ayudar a las ilustradoras a darse a conocer o a difundir su trabajo”, aclara Camila Pomares, al tiempo que añade que “es una forma de recordar que en las islas hay mucho talento y una gran producción artística”. La técnico también confiesa que durante el trabajo de documentación para este trabajo se ha “sorprendido”, ya que a pesar de que «conocía a muchas ilustradoras, había algunas de las que no había oído hablar y sé que aún me faltan muchas más», abriendo una puerta a la continuidad de la iniciativa.
Gustavo Matos, el presidente del Parlamento de Canarias, ha sido claro y conciso al hablar de la exposición, afirmando que es “simplemente espectacular”. Matos reiteró su intención de que “el Parlamento no solo sea un espacio de debate de las leyes y control del Gobierno, sino que sea un lugar de encuentro para la cultura”, algo que se ha conseguido también gracias a “esta y otras colaboraciones que se han tenido con la Fundación Cine+Cómics”.
Sobre la igualdad, el Diputado del Común Rafael Yanes aclaró que “se ha conseguido visibilizar la figura de la mujer en un campo tradicionalmente masculinizado como el de la ilustración”, al tiempo que agregó que “la Diputación del Común es una institución feminista”. Con ese mismo sentir intervino la adjunta de Igualdad de la Diputación, Beatriz Barrera, asegurando que “su trabajo consiste también en explorar la figura de la mujer en los diferentes puntos de la sociedad”. Antes de cerrar su intervención, Barrera informó de que esta exposición será itinerante, por lo que en los próximos meses podrá visitarse en Las Palmas de Gran Canaria.
Por último, el presidente de la Fundación Cine+Cómics, Francisco Pomares, puso en valor el “enorme esfuerzo” que se ha realizado para poner en marcha la muestra y el resto de oferta que incluye Ilustradoras & Ilustradas, al tiempo que resaltó la “extraordinaria pujanza que tiene la mujer en el mundo del dibujo, la ilustración, el cómic y la animación”.
La Diputación del Común entiende la ilustración en femenino
Ilustradoras & Ilustradas se trata de un proyecto de la Diputación del Común que cuenta con la colaboración de la Fundación Cine+Cómics y la Cátedra Cultural Moebius de la Universidad de La Laguna y que está incluido en el Proyecto DEMOS y cofinanciado con fondos FEDER en el marco del Programa Interreg MAC 2014-2020. Iniciado a finales de abril, concluirá el 28 de mayo de este año, coincidiendo con la finalización del III Congreso Internacional Fundación Cine+Cómics. El 7 de este mes continuará su ciclo de charlas online con la entrevista que Beatriz Barrera, adjunta de Igualdad de la Diputación del Común, y la escritora Dulce Xerach realizarán a Ana Teresa, ilustradora azoriana.
Esta semana Culturamanía y El Libro en Blanco les recomendamos: «Hasta el final del tiempo. Mente, materia y nuestra búsqueda de significado en un universo en evolución», de Brian Greene, una obra apasionante que nos sumergirá en los aspectos más trascendentales del universo.
«Hasta el final del tiempo» es la nueva e impresionante exploración que Brian Greene hace del cosmos y nuestra búsqueda para llegar a comprenderlo. Partiendo de que los humanos somos las únicas criaturas con conciencia de nuestra finitud, y de que también el universo morirá algún día, el autor traza un viaje que nos lleva desde nuestro conocimiento más exacto sobre cómo empezó el universo hasta el final del tiempo, explorando cómo se formaron las estructuras duraderas, cómo del caos inicial surgió la vida y cómo nuestras mentes, al llegar a comprender su propia temporalidad, han buscado diferentes maneras dar sentido a la experiencia a través de la historia, el mito, la religión, la expresión creativa o la ciencia.
A través de una serie de historias entretejidas que explican distintas capas de realidad, Greene nos proporciona una idea más clara de cómo llegamos a ser, una imagen más precisa de dónde estamos ahora y una comprensión más firme de hacia dónde nos dirigimos. Desde las partículas hasta los planetas, desde la conciencia hasta la creatividad, desde lamateria hasta el significado, Brian Greene nos permite comprender y apreciar nuestro fugaz pero absolutamente exquisito momento en el cosmos.
Compartimos un pequeño fragmento del libro: <<En la plenitud de los tiempos, todo lo que vive muere. Durante más de tres mil millones de años, mientras especies simples y complejas han hallado acomodo en la jerarquía de la Tierra, la guadaña de la muerte ha proyectado siempre una persistente sombra sobre el florecer de la vida. La diversidad creció cuando la vida se arrastró fuera de los océanos y comenzó a reptar por el suelo y alzar el vuelo por el cielo. Pero, con el tiempo, el registro de las muertes y los nacimientos, con entradas tan numerosas como estrellas hay en la galaxia, ha ido cuadrando con desapasionada precisión. Nadie puede predecir cómo se desarrollará una vida, pero su destino último es una conclusión inevitable>>.
Brian Greene es doctor por la Universidad de Oxford y en la actualidad ejerce como profesor de Física y de Matemáticas en la Universidad de Columbia. Ampliamente reconocido por su serie de descubrimientos sobre la teoría de supercuerdas, ha colaborado como invsgigador en más de una veintena de países y ha editado, junto con S. T. Yau, «Mirror Symetry II» (1996) y, con Costas Efthimiou, «Fields, Strings, and Duality» (1997).
En español, con Crítica, están disponibles los títulos: «El universo elegante. Superecuerdas, dimensiones ocultas y la búsqueda de una teoría final» (2001); «El tejido del Cosmos. Espacio, tiempo y la textura de la realidad» (2006); «La realidad oculta: universos paralelos y las profundas leyes del Cosmos» (2011); y la obra que hoy les recomendamos «Hasta el final del tiempo. Mente, materia y nuestra búsqueda de significado en un universo en evolución» (2020).
El libro en blanco – C/ Juan Pablo II, 35 Santa Cruz de Tenerife www.libroenblanco.es
“Siempre ha sido difícil ser artista, pero hay cosas difíciles y otras más difíciles aún.El grado de dificultad es importante. Lo difícil que sea afecta a la cantidad de tiempo que puedes dedicar a tu arte —en lugar de a tu trabajo diario— y por lo tanto a lo bueno que puedas llegar a ser, así como a lo que te pueda reportar. El grado de dificultad influye en quién hace arte en primer lugar. Cuanto menos pueda ganar uno con su arte, más deberá depender de otras fuentes de apoyo, como mamá y papá. Cuanto menos dinero haya en las artes en general, más serán un juego de niños ricos. Y la riqueza se correlaciona con la raza y el género. Si te preocupa la diversidad, debes preocuparte por la economía. La idea de que «la gente lo hará de todos modos» —que si eres un artista de verdad, crearás arte no importa cómo— solo puede ser producto de la ingenuidad, la ignorancia o el privilegio”.
La muerte del artista. Cómo los creadores luchan por sobrevivir en la era de los billonarios y la tecnología
William Deresiewicz
La muerte del artista. Cómo los creadores luchan por sobrevivir en la era de los billonarios y la tecnología, del crítico y ensayista William Deresiewicz,llega para advertir sobre cómo la economía digital amenaza la vida y el trabajo de los artistas: la música, la escritura y las artes visuales que sustentan nuestras almas y sociedades.
Si bien siempre ha sido complejo vivir del arte, el ecosistema ha cambiado mucho en las últimas décadas. Este libro supone una importante evaluación del estado de la economía del arte en más de medio siglo, y muestra cómo el sistema actual enriquece a los gigantes tecnológicos, mientras empobrece a casi todos.
Se escuchan dos relatos sobre ganarse la vida como artista en la era digital. Uno surge de Silicon Valley: “Nunca ha habido un mejor momento para ser artista. Si tienes un ordenador portátil, tienes un estudio de grabación. Si tienes un iPhone, tienes una cámara de cine. Y si la producción es barata, la distribución es gratuita: se llama Internet. Todo el mundo es un artista; simplemente explote su creatividad y publique sus cosas”. El otro relato proviene de los propios artistas: “Claro, puedes poner tus cosas ahí, pero ¿quién te va a pagar por ellas? No todo el mundo es un artista. Hacer arte lleva años de dedicación y eso requiere medios de apoyo”. Si las cosas no cambian, el arte en gran medida dejará de ser sostenible.
Entonces, ¿qué relato es el verdadero? ¿Cómo se las arreglan los artistas para ganarse la vida hoy en día? Deresiewicz, un destacado crítico de arte y de la cultura contemporánea, se propuso responder a estas preguntas en esta profunda y rigurosa investigación basada en el análisis de casos concretos y en entrevistas con artistas de todo tipo. El autor asegura que estamos en medio de una transformación de época. Si los artistas fueron artesanos en el Renacimiento, bohemios en el siglo XIX y profesionales en el XX, un nuevo paradigma está surgiendo en la era digital, que está cambiando nuestras ideas fundamentales sobre la naturaleza del arte y el papel del artista en la sociedad.
“Me inclino a creer a los artistas. Para empezar, no confío en Silicon Valley. Tienen miles de millones de razones para promover su particular narrativa, y está claro que por ahora no son las empresas socialmente responsables que les gusta pensar que son. Por otra parte, los datos apoyan a los artistas, que también están, después de todo, en la mejor posición para conocer su propia experiencia”, afirma el autor.
La muerte del artista es un ensayo sobre la crisis que enfrenta el arte y los artistas en una sociedad digitalizada y de libre acceso a mucho contenido y productos artísticos por los que, cada vez, queremos pagar menos, despreciando así el trabajo y el esfuerzo que requieren.
Pero también hay espacio en el texto de Deresiewicz para la crítica constructiva, porque el autor ahonda a su vez en las soluciones que existen para que el arte y los artistas no mueran para siempre. ¿Adivináis? Los artistas necesitan organizarse: “Para solucionar la economía del arte tenemos que enmendar toda la economía. Lo que significa que, dado que la única respuesta efectiva al poder de la riqueza concentrada es el poder de la acción coordinada, tenemos que organizarnos”.
Los lectores jóvenes encontrarán en él una llamada de atención, los artistas que literalmente sobreviven con su arte, un grito de guerra para continuar creando pese a todo.
Biografía William Deresiewicz:
William Deresiewicz (1964 Englewood, New Jersey) es un ensayista y crítico galardonado, orador frecuente en universidades, escuelas secundarias y otros lugares, y autor del éxito de ventas Excellent Sheep: The Miseducation of the American Elite and the way to a meaningful life. Su nuevo libro es La muerte del artista: cómo los creadores luchan por sobrevivir en la era de los multimillonarios y las grandes tecnologías.
Deresiewicz ha publicado más de 250 ensayos y reseñas. Ha ganado el Premio
Hiett en Humanidades, la Mención Balakian a la excelencia en la revisión y un Premio Sydney; también ha sido nominado en tres ocasiones al Premio Nacional de Revistas. Su trabajo, que ha aparecido en The New York Times, The Atlantic, Harper’s Magazine, The American Scholar y muchas otras publicaciones, ha sido traducido a 17 idiomas y antologizado en más de 30 lectores universitarios y escolares.
Deresiewicz enseñó inglés en Yale y Columbia antes de convertirse en escritor a tiempo completo en 2008. Ha sido ponente en más de 130 centros educativos, además de ocupar puestos de visitante en las universidades de Bard, Scripps y Claremont McKenna, así como en la Universidad de San Diego.
Es miembro de la Junta Directiva de Tivnu: Building Justice, un espacio de justicia social judía en Portland, Oregon, y del Consejo Asesor de Project Wayfinder, que ejecuta programas de aprendizaje con propósito en escuelas de EEUU.
Reseñas en prensa sobre el libro:
“Deresiewicz examina astutamente el estado de las artes en la cultura contemporánea. Pintar una imagen vívida de los desafíos involucrados en hacer arte, encontrar una audiencia y ser autosuficiente como artista. Una evaluación inteligente de cómo los artistas pueden y deben funcionar en el mercado «.
Kirkus Reviews
«Deresiewicz logra un truco extraordinario. Es un análisis brillante del estado del arte, uno que no rehuye la verdad sobre lo difícil que puede ser vivir del arte de uno. Pero también hace brillar una luz a través de la oscuridad para mostrar cómo los músicos, autores, ilustradores y más lo están descubriendo. Cómpralo si quieres ser artista. Cómpralo si quieres comprender a los artistas. Cómpralo si quieres comprender el mundo.» ― Derek Thompson, autor de bestsellers de Hit Makers: La ciencia de la popularidad en una era de distracción
“Fuerte, revolucionario y meticulosamente elaborado. Este tipo de narración sobre las verdades y la destrucción de mitos es escaso en el mundo de la música y el arte. Deresiewicz es uno de los grandes defensores de los artistas en la nueva economía digital, y su libro es la llamada de atención para artistas jóvenes más refrescante que jamás haya leído «. ― Rosanne Cash, cantante y compositora «De uno de nuestros críticos más valientes y feroces, este ensayo es una anatomización devastadora de la vida creativa en la era de la reproducción digital. A través de un retrato conmovedor de artistas empujados a la miseria y la humillación por un sistema económico diseñado para explotarlos, William Deresiewicz muestra que la vida cultural de una nación sólo puede ser tan saludable como la condición de su democracia. Para cualquier artista que trabaje (o mendigue), la difícil situación descrita será tan familiar como una pesadilla recurrente «. ― Nathaniel Rich, autor de Perdiendo la tierra
«Desde hace algún tiempo, el aumento de la desigualdad y la disminución del nivel de vida para todos, excepto para los estadounidenses más ricos, han sido la principales preocupaciones políticas y económicas. En ‘La muerte del artista’, Deresiewicz, uno de los críticos literarios más importantes del país, desarrolla un texto convincente sobre que estas tendencias también han llevado a una crisis artística, una que es fácil pasar por alto porque su consecuencia más terrible puede ser una ausencia. Es raro que un crítico vuelva una mirada tan comprensiva y penetrante no solo hacia el arte que se está creando, sino hacia ese que no lo es. Pero Deresiewicz demuestra la forma en que nuestro sistema actual, mientras enriquece a los gigantes tecnológicos, empobrece a todos menos a un puñado de artistas. Cuando la gran mayoría de los artistas no pueden mantenerse a sí mismos y concentrarse en su trabajo, perdemos lo que podrían han creado. Es el arte mismo el que está en peligro. Este es un libro sabio, sensible y astuto de un autor que ha demostrado ser esencial, no sólo como crítico de arte sino de la sociedad que lo produce». ― Adelle Waldman
«Deresiewicz no da golpes. A través de representaciones íntimas de la vida de los artistas en activo deja al descubierto cómo la gentrificación, las grandes tecnologías y el capitalismo desenfrenado están chupando a los artistas. Luego, vuelve sobre la histórica relación defectuosa entre el arte y el dinero, lo que genera un argumento moral convincente de que es inaceptable obtener grandes beneficios de las obras de los artistas sin pagar casi nada por ellas. Incisiva, reveladora, insistente e inspiradora, ‘La muerte del artista’ es una carta de amor a la belleza y las nuevas verdades que nos enriquecen ―el arte mismo― y un grito de guerra para quienes producen arte para mantenerse vivos».
― Julie Lythcott-Haims
“Deresiewicz es un provocador que desafía el status quo y los mitos que rodean la relación de los artistas con el trabajo y el dinero. Es un guía excelente y curioso, que dirige a los lectores con una mirada empática y una especie de valentía que debería dejar a cualquiera interesado en el tema bien despierto y un poco conmovido”. ― Liz Lerman, coreógrafa ganadora del premio MacArthur
«Un excelente relato animado, sincero y aleccionador de lo que es ser cualquier tipo de artista en los Estados Unidos hoy en día. El hecho es que se mueren de hambre: ingresos que alguna vez fueron a los creadores ahora van a las empresas de tecnología y los creadores apenas pueden sobrevivir. Su futuro puede depender de colectivos como Authors Guild, que han apoyado a escritores a nivel nacional durante más de un siglo. Bravo a Deresiewicz por mostrarnos el alcance de esta crisis en las artes.» ―Roxana Robinson, autora de Dawson’s Fall y ex presidenta del Gremio de Autores
«La evaluación más importante del estado de la economía del arte en más de 50 años y un manejo magistral del papel central del artista en esa economía a medida que ha evolucionado con el tiempo. El estilo narrativo es honesto, directo, lector amigable y personalmente comprometido. Con sus numerosas entrevistas y estudios de casos individuales, Deresiewicz hace un excelente trabajo al dar voz a los artistas. Los resultados son desalentadores, inspiradores y, me atrevo a decir, amorosos. Su empatía y respeto por los artistas serán un consuelo mientras los conduce a los pocos caminos esperanzadores de supervivencia que quedan. Aplaudo su llamada a la diversidad, la evaluación deslumbrante de las consecuencias de la gentrificación y la exposición devastadora de la mentira de que la tecnología es una panacea para las artes. No solo acusa la cultura que ‘mata’ a los artistas, también ayuda a los artistas a comprender las opciones disponibles para ellos, lo que hace de este libro un faro indispensable». ―Susan Solt, ex productora de cine (Doc Hollywood, Presumed Innocent), exdecana de teatro en CalArts, y profesora distinguida y exdecana de las artes en UC Santa Cruz.
Sin Perdón cambió las reglas del western hace casi 30 años. La obra maestra de Clint Eastwood rompió con lo anterior e impuso una atmósfera, un ritmo y una estética que marcó el género hasta hoy. Diez años después, Kevin Costner lo ratifica con Open Range (ese tiroteo final casi a quemarropa). Otros actores directores, recogen el guante y crean joyas como Apaloosa (Ed Harris) o Deuda de Honor (Tommy Lee Jones). Entre medias, la HBO (que ya había creado escuela con la miniserie Lonesome Dove), emite Deadwood, de Walter Hill, adaptación a la pequeña pantalla de los nuevos tiempos citados (como también lo fue con respecto al peplum, Roma de John Milius). Le siguieron perlas como Enfrentados, el remake de El tren de las 3:10 o la inesperada Hostiles. No comparto el entusiasmo (aún con sus momentos) generalizado, de El Renacido, y el doblete salvaje de Tarantino (Django desencadenado y Los Odiosos Ocho) juegan en otra liga
Paul greengrass (Green Zone, Sunday bloody Sunday) se reencuentra con Tom Hanks tras Capitán Phillips, en News of The World; producción de Universal, exhibida en salas y a la vez en Netflix. Visto el resultado, es una película plenamente disfrutable en pantalla grande. Esta historia de solitarios que emprenden un viaje para terminar encontrándose ellos mismos, no solo es un bello relato que supura emotividad sin cargar las tintas, sino recupera el pulso del» viejo oeste» de toda la vida ( hay ecos de Hombre, Sierra Prohibida, Jeremías Johnson o Valor de Ley), en una Road movie , que nos presenta al veterano Capitán Kidd (tal cual) en plena época de cambios, como noticiario ambulante, hasta que se topa con Yohanna, niña de colonos, criada por los indios, que debe ser devuelta a su hogar. Sorprende la realización del director, muy lejos de la cámara nerviosa habitual en sus producciones (como la sobrevalorada saga Bourne), demostrando una sobriedad narrativa encomiable.
Hanks está inmenso. Su torturada mirada y gestos nos dice tanto de su interior, como la lectura de la prensa del exterior. La fotografía de Dariusz Wolski, y la hermosa banda sonora de James Newton Howard, nos sumergen aún más en ese itinerario repleto de polvo, indios, ladrones, extorsiones, explotadores mineros, pueblerinos ignorantes y tumbas indeseadas. Un espléndido film que nos devuelve a perdigones el espíritu de un género comercialmente en horas bajas, demostrando (como también hizo Los hermanos Sister hace dos años) la buena salud de la que goza a nivel artístico. Y es que, cinematográficamente, muchos confunden monedas con pólvora en los cartuchos. No es éste el caso que nos ocupa. Soberbia.
Esta semana Culturamanía y El Libro en Blanco les recomendamos: «Amadeus en bicicleta», de Rolando Villazón, una novela que con mucho humor y ternura nos habla sobre el fracaso, pero también sobre la alegría de vivir.
La ciudad de Salzburgo vive días frenéticos al inicio de su Festival. Por las calles, uno puede toparse con Cecilia Bartoli, Anna Netrebko y otras estrellas de la música. También anda por allí el joven mexicano Vian Maurer, sabedor de que es su última oportunidad para hacerse un hueco en el mundo de la ópera. De momento, solo ha conseguido un papel de figurante en Don Giovanni de Mozart. Pero no desfallece. Vian admira a Mozart y lee todo lo que cae en sus manos. Con su amiga Julia, a la que conoció en los ensayos, recorre Salzburgo y descubre la magia de la ciudad de los festivales. Pero tiene que enfrentarse a las envidias y traiciones de los que quieren llegar a ser algo en el despiadado mundo del espectáculo, donde solo muy pocos pueden llegar a la cima y a un padre autoritario que acude a Salzburgo para traer de regreso a casa al hijo soñador.
Novela de un fracaso, pero también de la alegría de vivir, escrita por uno de los grandes tenores de nuestro tiempo y lector voraz, «Amadeus en bicicleta» es una llamada a perseguir los propios sueños. Con mucho humor y escenas inolvidables, Rolando Villazón crea un personaje al que solo se puede querer. A la vez que erige un homenaje al mejor compositor de todos los tiempos y a su ciudad natal.
Compartimos un pequeño fragmento de la novela: <<Desde que tengo memoria vivo con la absurda sensación de que quienes me rodean, si me observan con detenimiento, son capaces de escudriñar dentro de mi cabeza y de mi pecho, de hallar mis defectos más ocultos, mis envidias no confesadas, mis miedos y angustias y mis sueños inocentes y risibles. ¡Cuántas veces me he sorprendido pidiendo disculpas innecesarias, dando explicaciones de actos que mis interlocutores desconocen, avergonzado ante la mirada de una mujer que, al verla, me ha inspirado fantasías eróticas! Al llegar al pie de la escalinata di una moneda al mendigo que ya estaba apostado entre los dos supermercados y que repetía una fórmula para todo el que pasaba en una mezcla de alemán e italiano -Alles gute la famiglia- y que más tarde escucharía en labios de muchos otros pedigüeños en la ciudad. Del otro lado de la calle una señora muy maquillada, muy grandes lentes oscuros y muy pañoleta en la cabeza me miró detenidamente. ¿Juzgaba positivo mi gesto altruista? ¿Negativo el monto miserable de la pieza que acababa de entregar? ¿Reprobable la contribución con la que yo ayudaba a mantener a los <<invasores de la patria>>? Sonrió y siguió su camino dejándome un poco perplejo. ¿A qué venía esa sonrisa? También yo continué mi marcha.>>
Rolando Villazón nació en Ciudad de México el 22 de febrero de 1972 y es reconocido internacionalmente como uno de los principales tenores líricos de nuestra era. Entre los reconocimientos más importantes que ha recibido destaca el nombramiento como Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres, otorgado por el gobierno de Francia, país donde reside. La intensa carrera de Rolando Villazón se ha nutrido de la combinación de una férrea disciplina y un talento artístico extraordinario, que se manifiesta también en sus dotes para el dibujo y la literatura. En 2013 escribió «Malabares», su primera novela, publicada en España por Espasa. Ahora publica «Amadeus en bicicleta» de la mano de Galaxia Gutenberg.
El libro en blanco – C/ Juan Pablo II, 35 Santa Cruz de Tenerife www.libroenblanco.es
Los Premios Quirino de la Animación, volverán a Tenerife en mayo. Un total de 24 obras competirán en las 9 categorías de estos galardones, creados para promocionar y poner en valor la animación iberoamericana.
Culturamanía, uno de los medios que más ha crecido en las redes sociales en los últimos años en Canarias, en la categoría de cultura y ocio, colabora este año en la promoción de uno de los eventos más destacados de la Animación del Atlántico, que une Iberoamérica con Canarias y la Península.
El Foro Iberoamericano de Coproducción y Negocio se celebrará en La Laguna,entre el 27 y el 29 de mayo, y contará con la presencia de importantes representantes del sector de la animación. Entre los actos, hay que mencionar la entrega de los Premios Quirino. La entrega de los Premios Quirino será el sábado 29 de mayo en el Teatro Leal.
– El Festival de Cine Fantástico de Canarias ofrece la oportunidad de volver a disfrutar en pantalla grande del clásico que popularizó el personaje de Hannibal Lecter
Este viernes, 23 de abril, el Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera conmemora el 30º aniversario del estreno del aclamado thriller criminal y de terror ‘El silencio de los corderos’, en el marco de un evento especial en el que se darán a conocer los primeros detalles de la quinta edición del certamen, que tendrá lugar en el mes de noviembre. Los asistentes conocerán en primicia el cartel oficial Isla Calavera 2021 y recibirán un regalo exclusivo, recuerdo de la proyección.
La cita, que cuenta con el patrocinio de la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de La Laguna, tendrá lugar a las 19:00 horas en Multicines Tenerife, sede de proyecciones del Festival, donde ya han sido habilitadas tres salas debido a la demanda del público que desea disfrutar del clásico en pantalla grande. Las entradas se encuentran a la venta en la taquilla del cine y en www.multicinestenerife.com.
Dirigida por Jonathan Demme, ‘El silencio de los corderos’ se estrenó el 14 de febrero de 1991, el 6 de septiembre del mismo año en las salas españolas, y recaudó en el ámbito internacional más de 272 millones de dólares. Basada en la novela homónima de Thomas Harris, relata la búsqueda del asesino en serie “Buffalo Bill” y la incorporación a la investigación del FBI de la agene en formación Clarice Starling, quien tendrá que entrevistarse con el peligroso Dr. Hannibal Lecter, para conseguir atraparlo.
Fue la tercera película de la historia en obtener los cinco premios principales de la Academia de Hollywood: los premios Óscar a la mejor película, al mejor director, al mejor actor protagonista (Anthony Hopkins), a la mejor actriz protagonista (Jodie Foster) y al mejor guion adaptado (Ted Tally).
Este evento especial prefestival Isla Calavera cuenta además con la colaboración del Aula de Cine de la Universidad de La Laguna, Juan Antonio Ribas Subtítulos y Ediciones Digitales, Fundación Diario de Avisos, Coca Cola y Chocolates Lava.
1- Para los que no las conozcan ¿Quién es Ariadna Simó? y ¿Quién es Melodie Pérez?
Ariadna – Ariadna Simó es una amante del arte en general y del teatro musical en particular que se ha formado durante muchos años para poder hacer de su pasión, su oficio. Licenciada en Filosofía, viajó a Irlanda a cursar un máster en teatro y se doctoró en Artes escénicas y creativas. El tándem con Melodie Pérez surge por la necesidad de reivindicar el trabajo bien hecho.
Melodie – Melodie Pérez es una artista y pedagoga de Tenerife con formación internacional en artes escénicas. Ha sido directora hasta la fecha de proyectos educativos/artísticos como Musical.ies y Manos a la ópera, así como fundadora con su amiga de la infancia Ariadna Simó de Mandrágora Laboratorio Cultural, con quien comparte su pasión por el teatro musical como disciplina polifacética y lenguaje escénico al que le queda mucho por decir en Tenerife.
2- ¿Nos podrían hablar de sus primeras experiencias sobre el escenario?
Ariadna – No tengo recuerdos previos a las tablas. Sé que de niña, entre semana, iba al colegio pero toda mi memoria sólida está en las incontables actividades extraescolares (todas ellas relativas a la música, el teatro y la danza – de hecho, así conocí a Melodie, ya que su madre fue mi primera profesora de piano). Los fines de semana disfrutaba del tiempo en familia, pero siempre a modo de paréntesis entre las clases de teatro con Nacho Almenar y la Escuela de Actores de Canarias (cuando aún estaba en La Laguna).
Melodie – Es complicado para mí encontrar un momento vital anterior a la existencia de las artes escénicas. Mis padres son artistas ambos y siempre hemos funcionado como las antiguas familias circenses, vamos todos juntos a todos lados y trabajamos en equipo. Así que cuando no estaba sobre las tablas acompañada de mis padres, ellos se encargaban de ofrecerme experiencias en las que pudiera seguir desarrollando esta faceta de mi vida. Pero creo que de las “primeras veces” en cuanto a experiencias escénicas tendría que resaltar la primera vez que estuve ante un público de 1600 personas cantando y bailando como Dulcinea del Toboso allá por el año 2006 con la PAU a la vuelta de la esquina.
3- Como cofundadoras de la compañía Mandrágora Laboratorio Cultural, ¿nos podrían hablar de la trayectoria de la compañía y futuros proyectos dentro de la misma?
Ariadna – Mira, hemos tenido tan mala suerte… Llevábamos años trabajando juntas y remando en la misma dirección: una cuya meta es situar el teatro musical en Canarias en el sitio en el que le corresponde. Estamos hartas de que en todas las producciones locales haya que contar con artistas de fuera, y de que se haya olvidado lo académico a la hora de reglar este tipo de formación. Entonces, en diciembre de 2019, sembramos Mandrágora Lab, y tan sólo tres meses después… se nos vino todo encima. Pero detrás de toda mala suerte hemos encontrado una fortuna aún mayor, y es que hay tanta demanda de formación en teatro musical – de la buena, de la académica, de la rigurosa, de la única que debería haber – que no hemos parado de trabajar desde julio de 2020.
Melodie – Pues Mandrágora, como no puede ser de otra manera, es una pequeña semilla que hemos sembrado en plena sequía, con la esperanza de que pueda crecer y extenderse como una enredadera por los entresijos de lo cultural, lo artístico y lo educativo. Hasta ahora hemos batallado por la supervivencia abordando el plano en el que más escasez hemos visto, que es la formación en teatro musical. Y hemos descubierto que la tierra que aramos estaba desesperada por ese nutriente en concreto y es mediante esta actividad que hemos ido conociendo a los actores y actrices con los que ahora impulsamos la compañía, con expectativas de seguir presentando propuestas escénicas y creciendo como grupo. ¡Así que no nos pierdan la pista!
4- El 17 de abril en el Paraninfo de la ULL estrenan el musical Hamilton, inspirado en el primer tesorero de Estados Unidos Alexander Hamilton. ¿De qué manera nos contarán en el musical la historia de este personaje histórico?
Ariadna – Somos unas tramposas, lo reconozco. No sabemos trabajar de otra forma. Siempre contamos las historias desde otros puntos de vista. Creo que esa es nuestra seña de identidad: mostrar desde abajo, desde el principio, los detalles, las otras voces y las otras visiones. Lo hacemos así porque ya hay mucha gente haciéndolo de otra manera. Hamilton nos ha enamorado porque tiene un protagonista poco protagonista, y eso hace que no te quedes con la sensación de que sólo has oído una historia o una versión.
Melodie – La historia se cuenta y se presenta desde un claro prisma de enaltecimiento a la superación y a la resiliencia, conceptos que no nos son extraños en los tiempos que corren. Lo interesante de este musical es que eligen un momento histórico que cambiaría la forma del mundo occidental para siempre y nos la cuentan a través de las experiencias de uno de los personajes que ha sido eliminado de los libros de historia. Creo que en ese revisionismo histórico encontramos ahora lo que verdaderamente queremos contar.
5- Dentro del musical estará presente la música urbana como el hip-hop y el r&b, … ¿Es importante el protagonismo de esta música y porque?
Ariadna – Es fundamental, porque nos aleja del paradigma, y eso siempre está bien. El autor ha logrado atrapar y embellecer una historia que sería sumamente aburrida contada a través de una partitura clásica. No hace falta que te guste el teatro musical ni la historia de EE.UU. para que ‘Hamilton’ te vuele la cabeza.
Melodie – Los estilos musicales son súper relevantes en todos los musicales, pero en este en concreto le da mucho vigor al aspecto reivindicativo que lleva implícito el montaje. Al final del día todos estos estilos son autóctonos y parte del folclore de Estados Unidos, pero son estilos que no fueron creados por los personajes que veríamos en un libro de historia en un colegio o instituto. Son estilos musicales que nacen de la esclavitud, la inmigración y el mestizaje. Por lo tanto no es una elección musical hecha a la ligera. Estamos contando la historia de los invisibles a través de su propio lenguaje musical.
6- Hace unos meses la plataforma Disney Plus estrenaba este mismo musical grabado en Broadway. ¿Existen similitudes o cada compañía y país tiene sus variantes sobre el escenario?
Ariadna – Yo diría que existen similitudes en cuanto al trabajo, las ganas, la energía y el talento desmesurado del elenco. De resto, estamos en las antípodas. Nada nos gustaría más que poder contar con todos esos recursos, pero, lamentablemente, el apoyo institucional y las ayudas a la producción brillan por su ausencia.
Melodie – Desde luego existe la franquicia “Hamilton: An American musical” donde todos los musicales son réplicas exactas del original, pero eso desde Canarias y con una compañía de nueva creación es inabarcable. No existen medios técnicos y económicos en el archipiélago que nos permitan imaginarnos llevar a cabo tremenda hazaña y menos con la idea de acercar las representaciones a teatros de todas las dimensiones y recursos. Pero desde nuestras posibilidades y nuestra perspectiva, pretendemos hacer una adaptación lo más respetuosa posible del espíritu impulsor del musical, tomándonos algunas licencias en vestuario, elenco y coreografía que dejen entrever nuestra propia visión del libreto.
El musical Hamilton se estrena en el Paraninfo ULL el próximo 17 de abril de mano de la compañía: Mandrágora Laboratorio Cultural.
Esta semana Culturamanía y El Libro en Blanco les recomendamos: «El jardín de vidrio», la nueva novela de la escritora moldava Tatiana Tibuleac, autora de «El verano en que mi madre tuvo los ojos verdes», y que vuelve a editar Impedimenta, donde los lectores nos enfrentaremos a una historia cruel y compasiva a la vez, al mismo tiempo que reveladora de aquello que nos depara el destino y su belleza.
La anciana Tamara Pavlovna rescata a la pequeña Lastochka durante los años más grises del comunismo en Moldavia. Lo que en principio puede parecer un acto de piedad esconce una realidad terrorífica. A Lastochka la han comprado para trabajar como esclava recolectando, durante casi una década, botellas por las calles de la ciudad. Sobrevive en un ambiente marcado por la violencia y la miseria mientras rechaza lasinsinuaciones de unos hombres demasiado obstinados.
«El jardín del vidrio» es un ejercicio de exorcismo doméstico. Una carta imaginada por una niña para nos padres desconocidos, en la que el dolor a causa del abandono, el desamor y la ausencia de ternura y emoción se muestra como una herida que quizá nunca llegue a cicatrizar del todo.
Una novela iniciática sobre el trauma y la búsqueda de la identidad,cruel y contundente, que cuestiona la maternidad, el amor y los vínculos que nos unen con nuestro pasado.
Compartimos un fragmento de la novela: <<Había ido hasta la tienda para comprar zumo de abedul -una de las pocas alegrías de mi vida infantil-, pero, al cabo de una hora de esperar en la cola, me di cuenta de que se me había olvidado el dinero en casa. Me daban ganas de golpearme la cabeza contra las paredes. Por si fuera poco haber cedido el puesto a unas diez abuelas que querían solo cuatro cosas, a una embarazada y a unos cuantos bestias con carnet del partido, al final me había quedado sin mi ambrosía. El zumo de abedul lo traían precisamente de Bielorrusia y se venía solo por vasos o en bidones de tres litros, resumiendo, tenía las manos destrozadas. Regresé a casa muerta de rabia, y cuando entré en la cocina a coger los rublos, me encontré a un hombre. Joven. Fumaba. Había arrimado la espalda al radiador caliente y estaba descalzo. Es extraño cómo funciona la mente de una persona. Después de tantos años, recuerdo que mi primer pensamiento fue acariciarle largamente las plantes de los pies. En el tubo se veían sus calcetines, puestos a secar, y sobre la mesa, junto al dinero, un paquete de cigarrillos con un camello.>>
Tatiana Tibuleac nació en Chisináu, Moldavia, en 1978. Hija única de un periodista y de la correctora de un periódico, ya en la universidad comenzó a colaborar con diversos medios como traductora, correctora y reportera mientras realizaba sus estudios de Periodismo y Comunicación. Se dio a conocer en 1995, cuando empezó la columna <<Historias Verdaderas>> en el periódico Flux, uno de los diarios más importantes en lengua rumana. En 1999 comenzó a trabajar en televisión como una de las reporteras principales del telediario de la cadena PRO TV, donde consolidó su papel dentro del periodismo de corte social. Su primer libro, una colección de relatos titulada «Fábulas modernas», se publicó en 2014. «El verano en que mi madre tuvo los ojos verdes», su primera novela, impactó a crítica y lectores, llegando a ser un fenómeno literario en Rumanía. La novela ha recibido diversos premios, entre los que destacan el otorgado por la Unión de Escritores Moldavos y la revista literaria Observator Cultural. En 2019 fue publicada en España y la novela resultó finalista al Premio Libro del Año de las Librerías de Madrid.
El libro en blanco – C/ Juan Pablo II, 35 Santa Cruz de Tenerife www.libroenblanco.es
Para ofrecer las mejores experiencias, utilizamos tecnologías como las cookies para almacenar y/o acceder a la información del dispositivo. El consentimiento de estas tecnologías nos permitirá procesar datos como el comportamiento de navegación o las identificaciones únicas en este sitio. No consentir o retirar el consentimiento, puede afectar negativamente a ciertas características y funciones.
Funcional
Siempre activo
El almacenamiento o acceso técnico es estrictamente necesario para el propósito legítimo de permitir el uso de un servicio específico explícitamente solicitado por el abonado o usuario, o con el único propósito de llevar a cabo la transmisión de una comunicación a través de una red de comunicaciones electrónicas.
Preferencias
El almacenamiento o acceso técnico es necesario para la finalidad legítima de almacenar preferencias no solicitadas por el abonado o usuario.
Estadísticas
El almacenamiento o acceso técnico que es utilizado exclusivamente con fines estadísticos.El almacenamiento o acceso técnico que se utiliza exclusivamente con fines estadísticos anónimos. Sin un requerimiento, el cumplimiento voluntario por parte de tu proveedor de servicios de Internet, o los registros adicionales de un tercero, la información almacenada o recuperada sólo para este propósito no se puede utilizar para identificarte.
Marketing
El almacenamiento o acceso técnico es necesario para crear perfiles de usuario para enviar publicidad, o para rastrear al usuario en una web o en varias web con fines de marketing similares.
