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Jaleo Party Presenta su Especial Fiesta de Difuntos: Jaleoween

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Jaleo Party, conocido por su capacidad de crear noches inolvidables, presenta su especial fiesta de difuntos «Jaleoween». Una noche llena de música, diversión y sorpresas que marcará el 31 de octubre de 2023 en el calendario de eventos imperdibles.

A los controles: Javadub, DJ Shera (Tenerife) y Shanty Crew (Italia) Los asistentes tendrán el placer de disfrutar de un increíble elenco de DJs, con Javadub, DJ Shera desde Tenerife y Shanty Crew desde Italia, quienes se encargarán de mantener la fiesta enérgica y vibrante durante toda la noche.

Cantando: Lasai (Madrid) + Invitados Sorpresa La música en vivo también tendrá su lugar en esta emocionante velada. Desde Madrid, Lasai pondrá su talento en el escenario, prometiendo una actuación que hará que el público se entregue al ritmo. Además, habrá invitados sorpresa que añadirán aún más emoción a la noche.

Entrada Gratuita Para hacer que esta celebración sea accesible para todos y todas, la entrada es gratuita. Jaleo Party quiere que todos tengan la oportunidad de unirse a esta celebración especial.

Ubicación y Horario:

  • Lugar: El Rincón de Tintín, La Laguna, Tenerife, Islas Canarias.
  • Fecha: 31 de octubre de 2023
  • Horario: Desde las 22:00 horas hasta que el cuerpo aguante.

El Camino de Santiago: Un Viaje Estelar. Por  Carlos Jesús Pérez Simancas

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El Camino de Santiago, una red de rutas de peregrinación que converge en la Catedral de Santiago de Compostela, en Galicia, España, es uno de los itinerarios más antiguos y significativos del mundo cristiano. A lo largo de los siglos, millones de peregrinos han emprendido esta travesía espiritual en busca de redención, fe y reflexión. Sin embargo, pocos saben que esta ruta también está íntimamente conectada con uno de los fenómenos celestiales más asombrosos: la Vía Láctea. En este artículo, exploraremos la fascinante relación entre el Camino de Santiago y la Vía Láctea, un vínculo que conecta a los peregrinos con el cosmos mientras atraviesan la majestuosa belleza de la tierra.

La Vía Láctea: Nuestra Galaxia en el Cielo

La Vía Láctea es una galaxia espiral que contiene nuestro sistema solar y miles de millones de estrellas más. Desde la Tierra, se presenta como una banda blanca luminosa que atraviesa el cielo nocturno. Para muchas culturas antiguas, esta franja de estrellas tuvo un significado sagrado y místico. En la mitología griega, la Vía Láctea era considerada la leche de la diosa Hera, mientras que en otras tradiciones se le atribuían historias de dioses, héroes y almas perdidas.

El Camino de Santiago: Una Ruta de Peregrinación

La historia del Camino de Santiago se remonta al siglo IX cuando los restos del apóstol Santiago el Mayor fueron descubiertos en Compostela. A partir de entonces, comenzó a desarrollarse como un importante centro de peregrinación cristiana. Las rutas que conforman el Camino se extienden por toda Europa, y cada una tiene su propia belleza y desafíos únicos. Sin embargo, todas convergen en un punto: la Catedral de Santiago de Compostela.

Durante siglos, los peregrinos han emprendido este viaje como una muestra de devoción, penitencia y búsqueda de un propósito más profundo en la vida. Además de su significado religioso, el Camino también ha sido una ruta de intercambio cultural y comercial, lo que ha enriquecido la diversidad y la historia de las regiones por las que atraviesa.

La Ruta Celestial: Vinculando Tierra y Cielo

A lo largo de la historia, las estrellas han sido guías para los viajeros, especialmente aquellos que se aventuran por caminos desconocidos. Los antiguos peregrinos del Camino de Santiago no fueron una excepción. En la época en que el conocimiento astronómico estaba estrechamente ligado a lo sagrado, la Vía Láctea jugó un papel vital en la navegación y orientación de los caminantes nocturnos.

Uno de los aspectos más fascinantes de esta relación es la forma en que la Vía Láctea se proyecta en el cielo nocturno a lo largo del Camino Francés, la ruta más popular y conocida del Camino de Santiago. En algunas noches claras y oscuras, la Vía Láctea se presenta en todo su esplendor, dibujando una línea brillante que atraviesa el horizonte, llevando la mirada de los peregrinos desde la tierra hasta el cielo.

En la tradición jacobea, la Vía Láctea también es conocida como «La Ruta del Cielo» o «El Camino de las Estrellas», enfatizando así su importancia como guía celestial en la travesía terrenal de los peregrinos. Se cree que seguir esta «Ruta del Cielo» proporciona una dirección clara y una conexión con lo divino durante el viaje espiritual.

La Cruz de Santiago y el Camino de las Estrellas

Uno de los símbolos más emblemáticos del Camino de Santiago es la Cruz de Santiago, también conocida como la Cruz de Espadas o la Cruz de Santiago Matamoros. Esta cruz tiene forma de espada y está asociada con el apóstol Santiago, el santo patrón de España. La leyenda cuenta que la noche antes de una importante batalla, Santiago apareció en el cielo montando un caballo blanco y llevando una cruz con hojas de espada, lo que inspiró a los cristianos a la victoria.

Si miramos la Cruz de Santiago y la comparamos con la Vía Láctea, encontraremos una sorprendente similitud. La forma de la cruz con las hojas de espada se asemeja a cómo la Vía Láctea se extiende a través del cielo nocturno. Esta analogía ha llevado a los peregrinos a ver la Vía Láctea como una extensión de la Cruz de Santiago, como si estuvieran siguiendo la huella celestial del apóstol en su camino hacia Compostela.

La Magia de las Noches Estrelladas

Durante su viaje, los peregrinos se encuentran con una variedad de paisajes naturales y ciudades históricas. Pero es en las noches estrelladas donde la magia del Camino de Santiago y la Vía Láctea se unen en una experiencia trascendental. En esos momentos, los caminantes se sienten infinitamente pequeños ante la vastedad del cosmos, y a la vez, conectados con el universo en un nivel espiritual profundo.

El espectáculo celeste de la Vía Láctea también ha inspirado a artistas, poetas y pensadores a lo largo de los siglos. Los cielos nocturnos iluminados por millones de estrellas han sido fuente de inspiración para reflexionar sobre la existencia humana, la búsqueda de significado y el propósito de la vida.

Un Legado de Espiritualidad y Trascendencia

El Camino de Santiago ha sido un punto de encuentro para personas de diversas culturas y creencias. No es solo un viaje religioso, sino una ruta espiritual que invita a la introspección y la contemplación. Al vincular esta travesía terrenal con la majestuosidad de la Vía Láctea, el Camino adquiere una dimensión cósmica, recordándonos que somos parte de un vasto universo en constante expansión.

 Prime Video anuncia la fecha de estreno de la nueva serie basada en el famoso videojuego Fallout

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Basada en la franquicia superventas de videojuegos, Fallout se estrenará en exclusiva en Prime Video el 12 de abril de 2024

Para celebrar el Fallout Day, Prime Video ha lanzado las redes sociales oficiales de la serie para los fans y el público de todo el mundo

Prime Video ha anunciado hoy que la esperada serie Fallout se estrenará el próximo 12 de abril de 2024. Los fans han recibido este anuncio especial en el 26º aniversario del Fallout Day, una celebración anual dedicada a la galardonada y superventas franquicia de videojuegos. Además, Amazon Studios ha compartido las redes sociales oficiales de la serie y se ha compartido un Pip-Boy interactivo que incluye la fecha de estreno en el texto desplegable para seguir deleitando y sorprendiendo a los fans.

Ambientada en el Los Ángeles de un futuro post-apocalíptico y en el universo de Fallout, la serie es una historia original basada en Fallout y que formará parte del canon de los videojuegos. La serie es obra de Kilter Films y los creadores de Westwolrd Jonathan Nolan y Lisa Joy serán los productores ejecutivos. Fallout se estrenará en exclusiva en Prime Video en más de 240 países y territorios de todo el mundo como parte de la suscripción Prime. Los suscriptores Prime en España pueden disfrutar de ofertas, envíos gratuitos y entretenimiento, todo en una misma suscripción por tan solo 4,99€ al mes o 49,90€ al año.

Fallout está protagonizada por Ella Purnell (Yellowjackets), Walton Goggins (Los odiosos ocho), Aaron Moten (Hacia la libertad), Moisés Arias (El rey del barrio), Kyle MacLachlan (Twin Peaks), Sarita Choudhury (Homeland), Michael Emerson (Person of Interest), Leslie Uggams (Deadpool), Frances Turner (The Boys), Dave Register (Heightened), Zach Cherry (Severance), Johnny Pemberton (Ant-Man), Rodrigo Luzzi (Inseparables), Annabel O’Hagan (Ley y orden: unidad de víctimas especiales) y Xelia Mendes-Jones (La rueda del tiempo).

Geneva Robertson-Dworet y Graham Wagner son los productores ejecutivos, guionistas y showrunners de Fallout. Jonathan Nolan y Lisa Joy se encargan de la producción ejecutiva a través de Kilter Films en el marco de su acuerdo global con Amazon. Athena Wickham, de Kilter Films, también es productora ejecutiva junto con Todd Howard, de Bethesda Game Studios, y James Altman, de Bethesda Softworks. Amazon y Kilter Films producen la serie en asociación con Bethesda Game Studios y Bethesda Softworks. Nolan dirige los tres primeros episodios de esta épica serie.

Santa Cruz se transforma en Cómic. Por Noé Ramón

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La capital tinerfeña se convierte durante unos días en el centro de un completo programa sobre el mundo de las viñetas en casi todas sus infinitas variantes

Santa Cruz de Tenerife acoge desde el pasado jueves hasta el día 29, la XX edición del Salón del Cómic, una de las citas más importantes para los amantes de las viñetas en las Islas. En esta convocatoria los actos se repartirán por ocho enclaves en cada uno de los cuales se ofrece un tipo determinado estilo, con lo cual supone un encuentro abierto para el público más amplio posible en un mundo en el que impera la variedad y los gustos personales casi hasta el infinito. En el cartel de Ibrahim Castillo, Saifrott Art y Sergio Carrés se puede observar a Batman subido en la cabeza del monumento a la Fecundidad del Parque García Sanabria, uno de los símbolos de la capital.

Los Lavaderos es el espacio dedicado de forma monográfica al manga, un estilo nacido en Japón que ha conquistado a medio mundo a través de un estilo característico de superhéroes con peinados imposibles, colores llamativos, ropas muy características y por supuesto cada uno con sus respectivos superpoderes. Los amantes del manga son legión, incluso en Tenerife, donde a los aficionados también les gusta vestirse con los trajes de cada uno de sus ídolos favoritos.

Uno de los visitantes ilustres de la primera jornada fue Manuel Darias, un referente del mundo del cómic en Tenerife donde ha mantenido una página semanal durante cincuenta años y por ello, en breve el Ayuntamiento le concederá la Medalla de Oro de la ciudad. No es un aficionado del manga y poca veces lo ha abordado en su sección pero le gustó como estaba organizada la exposición, a la que acudió de forma espontánea. Darias escuchó con atención las explicaciones que le ofrecía Francisco Pomares, presidente de la Fundación Canaria Cine + Cómics, organizadora del Salón, a quien no le atrae especialmente este estilo. “Lo respeto porque es lo más leído del mundo del cómic pero poco más”, señala a lo que Darias asiente y coincide.

Una parte está dedicada a la saga Dragón Ball que inició la fiebre por el manga, España incluida, gracias a la labor de algunos dibujantes que venían de otros referentes como Marika Vila, vinculada con las viñetas feministas, cuando trabajó en la editorial Planeta. El auge ha sido tal que a estas alturas los cálculos apuntan que siete de cada diez niños españoles han leído cómics de estilo manga.

Una parte importante de esta especie de religión son las minúsculas figuras de plástico que aparecen en distintas estanterías, pero también es posible ver el proceso del dibujo y animación desde los primeros bocetos hasta el resultado final. El objetivo es que el espectador se pueda hacer una idea de cómo se elaboran estas viñetas, incluido el coloreado, muy vistoso y que supone la última fase de un trabajo perfectamente elaborado como corresponde al detallismo oriental.

Guste o no guste el manga, lo que queda claro es que los dibujantes japoneses son muy imaginativos y además la influencia de la saga Disney en los orígenes salta a la vista. Entre las reliquias está el rollo de una película original de hace tres décadas, los funkos y personajes con sus múltiples reencarnaciones, que reflejan la rica y milenaria mitología y cultura oriental. El domingo se procederá a exhibir un film de esta corriente.

Darias se muestra sorprendido por la capacidad de abarcar las paredes de Los Lavaderos, lo que ha conseguido poco o ninguna exposición anterior y otro tanto con las series de viñetas que muestran secuencias de movimientos. El experto señala que en alguna ocasión puntual ha dedicado su página dominical al manga pero en realidad se ha especializado en la historia clásica española, europea o americana.

También existe el manga español, cubano y el insular que ocupa su correspondiente espacio en Los Lavaderos, comisariado por Carlota Pomares. Mientras que la totalidad de la exposición está a cargo del director de la Fundación Canaria de Cine + Cómics, Lucas Morales. El artista tinerfeño conocido como VoidZero utilizó esta sala para presentar el jueves su libro de sketches y bocetos y otro tanto hizo la valenciana, Ana Oncina quien ofreció una charla en plena promoción de su nuevo cómic titulado Planeta.

Cintia Mora González se encuentra en Los Lavaderos como visitante y a la vez ilustradora gráfica y le parece muy bien la cita porque es “diferente” a lo habitual y valora que se apoye a este tipo de cultura. Su estilo lo define como “muy personal a la hora de abordar cualquier temática”, aunque ahora sus obligaciones como madre han dejado un poco de lado la ilustración.

Otro de los núcleos centrales del Salón es La Recova Vieja, donde habitualmente se han celebrado las anteriores convocatorias. El programa incluye juegos de rol y también firmas y presentaciones de libros, por parte de Sergio Carrés, Ibrahim Castillo, Raquel Gu, Isacomics, Ana Ocina, Sara Ruiz y Talamalentina.

El TEA acoge por primera vez una actividad del Salón de manera que puede disfrutarse de una llamativa exposición de la dibujante austriaca, Michaela Konrad en la que es posible ver los cuadros en tres dimensiones a través del móvil por medio de una aplicación. Su estilo es futurista y aborda aspectos metafísicos o científicos, basado en los años cincuenta, con lo cual la mezcla resulta sorprendente, tanto por el fondo como por la forma, y así es posible ofrecer su particular visión del futuro y del avance de la tecnología. Konrad también ha impartido estos días talleres para enseñar a los más jóvenes algunos de los misterios del dibujo.

En el Teatro Guimerá se programó la entrega de los premios del Salón y ese mismo día y en idéntico recinto pero por la mañana se organizó el concurso de Coldplay y el domingo se exhibe una película sobre la saga Dragon Ball. El Teatro Guimerá también acogió el viernes por la noche una cita con el fenómeno coreano del K-Pop, denominada La Gala Corazón de Oro, un concurso que premiará a los mejores bailarines de esta disciplina oriental.

Otro espacio que ocupa el Salón del Cómic es la Facultad de Periodismo de la Universidad de La Laguna (ULL) que acoge dos muestras de las cinco que hasta ahora podían disfrutarse en el Parque García Sanabria. En concreto, se trata de Planeta Bé, un cómic que surgió en las redes, de Talamaletina y Panorama del cómic latinoamericano de Sara Ruiz. Mujeres Canarias de Patricia Morales se ubica en el hall de la Facultad y rinde un homenaje a una veintena de ilustres mujeres de las Islas, y supone la primera vez que se puede ver de forma física, dado que hasta ahora sólo era posible hacerlo de manera virtual.

En el García Sanabria desde el jueves se ha montado una exposición sobre el arte de Carlos Puerta, comisariada por él mismo y que lleva por título Barón Rojo: el arte de Carlos Puerta. Hay otra de Carlos Esquembre sobre la memoria histórica comisariada por Eduardo Serradilla y Patricio Ducha y luego hay una más que lleva el título Fernando Dagnino: lágrimas de un futuro distópico.

El viernes tuvo lugar la jornada central en La Recova, donde se puede observar una exposición dedicada al recientemente fallecido, Francisco Ibáñez, comisariada por el presidente de la Fundación, otra a Walt Disney, centrada en los principales 20 villanos de esta marca que van desde la malvada bruja de Blancanieves hasta el capitán Garfio elegidos por Jorge Fonte. Este especialista indica que normalmente la maldad de los personajes es acorde con el tratamiento familiar de las películas donde el bueno tiene un antagonista cruel que en caso de morir, lo que no ocurre siempre, la mayoría de las veces lo hace cayendo desde las alturas.

Uno de los dibujantes invitados que dio una charla fue Carlos Forte quien situó sus inicios en plena movida madrileña en la década de los años ochenta del siglo pasado, momento en el que hubo una cierta facilidad de entrar en el círculo de creadores gracias a la explosión cultural de aquellos tiempos. Las exposiciones las organizaba Díaz García que luego formó parte la agencia Efe, a quien agradece que le permitiera, según dijo en tono irónico, “cometer este error” de ser autor. Pero poco después vino la debacle, la industria española se desmoronó por lo que intentó entrar en el mercado norteamericano donde lo que predominan son los dibujantes de superhéroes, una alternativa que nunca ha sido de su gusto. A partir de aquí ha desarrollado su propio estilo.

Las charlas fueron ofrecidas ante más de medio centenar de alumnos del IES Los Cristianos en la rama de Bellas Artes. Una de las estudiantes, Yazmín Jorge Sosa calificó de “muy interesante” la iniciativa, la conferencia y las exposiciones especialmente porque se confiesa una apasionada de los cómics. De las muestras las que más le gustaron fueron las ilustraciones de Mortadelo y Filemón y otro tanto ocurrió con los villanos de Disney. Sobre la conferencia de Forte le llamó la atención el repaso que hizo a su carrera y todos los lugares en los que ha estado, por lo que confíesa que no descarta dedicarse al dibujo en el futuro. Aunque lo ve a largo plazo y siendo consciente de que debe hacer frente a muchas dificultades pero al menos por ahora está dando sus primeros pasos.

También intervino como invitado el autor Iñigo Franco Benito, afincado desde hace años en Lanzarote que lleva el seudónimo Ifabre quien destaca por dar un enfoque radicalmente humano a sus historias. Por ejemplo, relató una tragedia que sufrió su hermano, también autor, y cómo “una sociedad enormemente machista” le exigía ser fuerte cuando le resultaba imposible. “En algunas circunstancias el hombre tiene que ser el macho alfa que tire del carro y en aquel momento mi hermano me decía que más bien tenían que tirar de él”. El programa del Salón incluye también la entrega de premios en el Teatro Guimerá la presentación del cómic Backhome de Toni Caballero y Sergio Hernández, dinamización infantil en el exterior de La Recova y una sesión sobre Dragon Ball.

Otros espacios más son el Museo de Bellas Artes, con Magius y Paco Roca y el Círculo de Amistad, Tomás Felipe y en La Laguna, sigue abierta la exposición sobre el cómic Kronikas que reúne las obras de una veintena de autores de Canarias, Europa y Cuba. La inspiración única es el patrimonio lagunero.

Fotografías de Jesús Hernández

Hoy lunes se estrena el primer episodio de la segunda temporada de 30 MONEDAS

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El próximo lunes se estrena el primer capítulo de la segunda temporada de 30 MONEDAS, que pasó por la sección oficial de la 56ª edición del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya · Sitges; y el Fantastic Fest de Austin.

Álex de la Iglesia y Jorge Guerricaechevarría son los guionistas de la serie, y Álex de la Iglesia dirige los ocho episodios de una hora que se estrenan en 4K UHD en HBO Max.

Producida por Pokeepsie Films para Warner Bros. Discovery en España.

En la segunda temporada de 30 MONEDAS, la mayor parte del pueblo de Pedraza está loco, encerrado en un psiquiátrico. Elena yace en coma, en una oscura cama de hospital. Paco, destrozado por los remordimientos, intenta cuidar de ella, pero no es fácil. A medida que el horror crece a su alrededor, nuestro grupo de héroes deberá enfrentarse a un nuevo enemigo. Alguien tan perverso que hasta el mismo demonio le teme… Pero, ¿qué es del padre Vergara? ¿Ha muerto, junto con su archienemigo el cardenal Santoro? ¿Dónde se esconden las almas torturadas?

Episodio 1 – «El pueblo fantasma»
Escrito por Álex de la Iglesia y Jorge Guerricaechevarría; Dirigido por Álex de la Iglesia

Haruka, una youtuber, investiga con Salcedo la extraña implicación de la empresa NRK en el pueblo de Pedraza y en una institución psiquiátrica en la que permanecen ingresados varios habitantes de Pedraza. 

Elena, en coma y bajo el cuidado de Paco, sufre extrañas pesadillas en las que habla con Vergara en medio de las habitaciones de un siniestro palacio habitado por monstruos.

El reparto de esta nueva temporada está encabezado por Miguel Ángel Silvestre, Megan Montaner y Eduard Fernández, además de Macarena Gómez, Pepón Nieto o Cosimo Fusco, a los que se suman en esta segunda entrega Najwa Nimri y Paul Giamatti. La segunda temporada de 30 MONEDAS se ha rodado en España, Italia, Estados Unidos, Francia y Reino Unido.

30 MONEDAS está dirigida por Álex de la Iglesia y coescrita por Álex de la Iglesia y Jorge Guerricaechevarría. Los productores ejecutivos de HBO Max son Steve Matthews, Miguel Salvat y Antony Root. Álex de la Iglesia y Carolina Bang son Productores Ejecutivos de Pokeepsie Films (Banijay Iberia). Los servicios de producción de la segunda temporada de 30 Monedas corren a cargo de Anciana Milenaria S.L., una empresa de Pokeepsie Films.

La nueva «Pesadillas» del 2023: ¿Demasiado seria para los fanáticos de Goosebumps?. Por Electrum

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Ah, «Pesadillas» (2023), la serie de terror y comedia que nos hace preguntarnos si realmente estamos ante una adaptación de los libros de R.L. Stine o si alguien más se ha hecho cargo del guión. Pero no, no se preocupen, es solo la versión moderna y «mejorada» de Goosebumps que todos hemos estado esperando.

Si alguna vez disfrutaste del toque tonto y colorido de la versión anterior, olvídalo, esta vez están tratando de ser serios. Adiós a la comedia slapstick y al absurdo, hola al misterio y al drama. Porque ya sabes, los adolescentes de hoy en día quieren miedo real, no payasadas. Claro, porque la razón por la que los niños leían los libros de Goosebumps y veían la serie original era para disfrutar de un auténtico terror psicológico. Por supuesto.

La serie se desarrolla en Port Lawrence, una pequeña ciudad portuaria donde cinco adolescentes intentan desentrañar los oscuros secretos de sus padres y su conexión con la horrible muerte de Harold Biddle, el niño amante de los gusanos y las máscaras espeluznantes. ¿A quién no le gustan los adolescentes que se enfrentan a sus propios demonios mientras investigan muertes misteriosas en Halloween? Es como si «Scooby-Doo» se hubiera tomado un curso de terapia y ahora se toma muy en serio (jajaja).

La serie intenta ser más como «Historias de miedo para contar en la oscuridad» que como la versión anterior de Goosebumps, pero en realidad solo logra ser un híbrido extraño de los dos. ¿Drama? Sí, drama. ¿Suspenso? Por supuesto, es más adulto ahora. Y sí, todavía hay algunas bromas por ahí, porque no podemos ser demasiado serios.

Pero no te preocupes, los elementos de los libros de Goosebumps siguen ahí. Cada episodio está impregnado de la «esencia» de un libro o idea clásica de la serie. Y si bien no siempre logran una narrativa coherente, al menos podemos disfrutar de las referencias fugaces. Además, ya era hora de que alguien le diera el reconocimiento que se merece a «Night of the Living Dummy».

Entonces, en resumen, «Pesadillas» (2023) es una serie que se toma muy en serio a sí misma, tratando de dejar atrás el legado «tonto» de Goosebumps. Pero no te preocupes, todavía hay elementos de los libros para que los fans disfruten. Si eres un amante del terror adolescente que busca algo nuevo, esta serie podría ser para ti. Pero si te gustaba el toque clásico de R.L. Stine, tal vez quieras quedarte con los libros originales o la versión anterior de la serie. ¡El miedo de la nostalgia nunca pasa de moda!

Soy Electrum…

Soy Electrum, el crítico de cine más sincero y sin pelos en la lengua desde Madrid. Series, videojuegos o películas, no importa; si no me convence, lo diré sin miedo. Las críticas no me asustan, solo me motivan a ser aún más contundente. ¿Estás listo para mis reseñas de fuego?

«Skinamarink», la gran apuesta de terror de Filmin para este Halloween

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La primera película de Kyle Edward Ball se ha convertido en un auténtico fenómeno de culto en Estados Unidos. Llega a Filmin el próximo 27 de octubre.

El próximo viernes 27 de octubre Filmin estrena, en exclusiva en plataformas en nuestro país «Skinamarink», la película de terror de la que todo el mundo está hablando y sin duda uno de los grandes fenómenos del género de los últimos años. Rodada en una semana por Kyle Edward Ball, con 15.000 dólares de presupuesto, ha logrado recaudar más de 2 millones de dólares en Estados Unidos, donde ha sido distribuida por Shudder. Un medio tan prestigioso como Variety la ha colocado en lo más alto del ranking de mejores películas de terror de 2023, por encima incluso del fenómeno «Háblame», y el proyecto «The Science of the Scare» sentencia que es la tercera película más terrorífica de todos los tiempos según la ciencia.

«Skinamarink» es una película absolutamente divisiva: o la amas, o la detestas. El argumento es muy sencillo: dos niños se quedan una noche solos en casa. Sus padres parecen haber desaparecido, así como las puertas y ventanas del hogar, mientras una indefinida presencia llama insistentemente su atención. Ambientada en 1995, la película adopta la apariencia de una vieja cinta de VHS, muy granulada, en la que las formas y contornos apenas se divisan. El film pretende emular las sensaciones que tiene un niño pequeño cuando le asaltan los terrores nocturnos, convencido de que hay un monstruo debajo de su cama o que el montón de ropa sucia que hay en la silla de su habitación es en realidad la silueta de un ser malvado. Los 100 minutos de duración de «Skinamarink» se componen de tomas estáticas largas e ininterrumpidas filmadas desde la perspectiva de un niño y mirando por pasillos alfombrados hacia puertas entreabiertas y la impenetrable oscuridad más allá. 

«Creo que es difícil no identificarse tan profundamente con la historia porque todos hemos sido niños pequeños en algún momento y todos hemos tenido miedo», afirma Ball. El director confiesa haberse inspirado en la descripción que un amigo le hizo del videojuego «Silent Hill 2»: «Hay horas en el videojuego en las que no sucede nada. Simplemente estás caminando sin hacer nada. Y pasado un tiempo todo se vuelve desconcertante y espeluznante. Entré un poco con esa mentalidad a la película». El director aconseja a los espectadores que se enfrenten a «Skinamarink» que diseñen el entorno perfecto para el visionado: «Lo ideal es que la habitación sea silenciosa y esté a oscuras, ver la película de madrugada y con el sonido de los auriculares al máximo». De hecho, Ball cree que ver la película en casa, y no en el cine, puede hacer que la experiencia sea más aterradora. «De hecho», explica, «la mayoría de películas de terror que he visto en mi vida las he visto en casa».

En el tercer número de Fzine, el fanzine de Filmin de edición limitada, la crítica de cine Desirée De Fez, autora del libro «Reina del grito», escribe una carta a Kyle Edward Ball, definiendo así su película: «no se parece a ninguna otra película de terror, no tiene ni el mal de la referencialidad ni el de la coyuntura. Emerge en una realidad paralela. Tiene sus propios códigos y su propio idioma, en el que se cruzan el lenguaje cinematográfico, el de Internet y el del arte experimental». Coincidiendo con el estreno de «Skinamarink», el próximo 27 de octubre, Filmin lanzará el tercer número de Fzine, esta vez dedicado al cine de terror. 

HBO Max presenta la serie documental LAS VIDAS DE FÈLIX

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La nueva docuserie creada por Fèlix Colomer (Vitals) se preestrenará el 21 de octubre en el Serielizados Fest de Barcelona.

Las vidas de Fèlix, producida por Minoría Absoluta para HBO Max, se suma a la oferta de contenidos en catalán de la plataforma y tiene su estreno previsto en noviembre.

Las vidas de Fèlix es la nueva producción original de Minoría Absoluta para HBO Max. En esta serie documental escrita y dirigida por Fèlix Colomer, su propio creador reconstruye a lo largo de sus siete capítulos las diferentes etapas de su vida y los aprendizajes que de ellas se derivan. El arbitraje de fútbol, el ajedrez, la música trap, el sexo para adultos, el activismo político… Todas estas vidas conforman un mosaico original, apasionante y atrevido que le sirve al autor para reflexionar en primera persona y cámara al hombro sobre qué vidas valdría la pena que su hijo pequeño, Riu, viviera por sí mismo.

La docuserie está rodada en catalán y castellano, y formará parte de la oferta de contenidos en catalán de HBO Max, que ya cuenta con una colección titulada En Català, en la que se incluyen series y películas con doblajes y subtítulos en calatán, así como producciones originales.

Las vidas de Félix es la segunda producción en la que participa Colomer que se estrena en HBO Max. En su anterior trabajo, de 2021, el director catalán dirigió la serie documental Vitals. Una historia humana, disponible al completo en la plataforma, que a lo largo de sus tres episodios construye un intenso, conmovedor y esperanzador relato de la vida en un hospital de Barcelona durante los momentos más duros de la pandemia provocada por el Covid-19. Vitals fue producida por El Terrat (The Mediapro Estudio) y Forest Film Studios para HBO Max.

Fèlix Colomer (Sabadell, 1993) estudió cine en la Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya ESCAC), donde se especializó en documental y montaje. Sasha, realizado como proyecto de fin de carrera, fue su primer largometraje como director y obtuvo premios como una mención especial en la Seminci y una nominación en los premios Gaudí de Cine. Su segundo largo documental como director, muy celebrado, fue el polémico Shootball. Relato muy impactante en primera persona de víctimas y agresores de pederastia, ha recorrido festivales de todo el mundo y ha ganado premios en Sole Luna Doc, RIFFA y FIC-CAT, entre otros.

Las vidas de Fèlix llegará en noviembre a HBO Max y se presentará oficialmente en el Serielizados Fest de Barcelona este 21 de octubre en una proyección que contará con la presencia su creador, Fèlix Colomer.

Por su parte, el creador de esta serie documental, Fèlix Colomer, ha contado: “Cuando empecé a desarrollar esta serie, mi idea era crear algo puramente destinado al entretenimiento y la comedia, en la que mi aportación sería únicamente el punto de vista. Sin embargo, ha terminado convirtiéndose en un documental catártico que me ha llevado a entablar conversaciones sobre temas tabú en mi familia, a superar mis complejos más íntimos y a reconciliarme con personas a las que había odiado en el pasado, como el policía con el que tuve un juicio. Me he dado cuenta de que, con la cámara al hombro, me siento capaz de abordar temas y confesar traumas que de otra manera no podría afrontar. Ha sido un ejercicio de autoevaluación en el que he llegado a valorar más que nunca el ser padre y he desarrollado una absoluta admiración por mi propio padre”.

Hanka Kastelicova, responsable de documentales para HBO Europa, ha declarado: “Estamos muy orgullosos de presentar esta cautivadora serie. Fèlix Colomer aborda temas de actualidad y los entrelaza a la perfección en una narración atractiva, aportando una perspectiva que es a la vez cercana y vanguardista. Creemos que los relatos personales, audaces y perspicaces conectarán con el público joven, ofreciéndole un espejo de sus experiencias. Esta serie celebra la riqueza de nuestras historias locales y permite a nuestro público internacional experimentar los matices de diferentes paisajes lingüísticos y culturales“.

Las vidas de Fèlix está escrita y dirigida por Fèlix Colomer. Los productores ejecutivos de HBO Max son Hanka Kastelicova, Miguel Salvat y Antonio Trashorras. Los servicios de producción de la serie han sido prestados por Minoría Absoluta, cuyo productor ejecutivo es Francesc Escribano.

Sinopsis:

Fèlix Colomer tiene 29 años y a lo largo de todo este tiempo ha vivido innumerables vidas. Ha sido árbitro, ha trabajado en la industria del cine para adultos, ha formado una banda de trap, ha sido una promesa infantil del ajedrez… Y todas estas aficiones, trabajos y pulsiones vitales las ha vivido con intensidad y le han servido para extraer conclusiones y aprendizajes. Hace poco su vida cambió: ahora es padre. Y esto ha hecho que se plantee si merece la pena que su hijo repita todas esas vidas que Fèlix ha vivido. Estas reflexiones en primera persona con la cámara al hombro forman Las vidas de Fèlix, una emotiva y divertida carta audiovisual para su hijo Riu.

Kim Simmons: La música como vehículo de liberación

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En una conversación íntima con Kim Simmons, la artista comparte su inspirador viaje de liberación a través de la música. Con raíces en la rica diversidad cultural de Tenerife y una herencia de la colonia británica de Belice, Kim nos lleva a un recorrido por su identidad musical única. Desde sus influencias de la música negra hasta su versatilidad en diferentes géneros, Kim explora cómo la música le ha permitido superar situaciones difíciles y se ha convertido en una fuerza de empoderamiento. Además, en esta entrevista exclusiva para Culturamanía, nos introduce a su apasionante proyecto, el documental «FREE, SALIR ES POSIBLE», diseñado para inspirar y apoyar a mujeres que enfrentan la violencia de género.

1- Kim, tu música se ha convertido en un vehículo de liberación para muchas personas, ¿cómo fue tu propio proceso de liberación a través de la música y cuál fue la inspiración detrás de tu nuevo proyecto?

Fue un proceso que llevó su tiempo, pero que desde que decidí salir de esa relación de maltrato, nunca se detuvo. Tuve momentos de todo tipo en los que en un principio me dominaba el miedo y la música era la que me ayudaba a poder gestionar esas situaciones y a seguir avanzando. Siempre he dicho que este disco y las canciones que lo conforman eran la manera en la que me decía: ¡Tú puedes! ¡No tengas miedo! ¡Todo va a salir bien!

La inspiración de este proyecto que incluye disco y documental era ayudar con un mensaje ganador a todas esas mujeres, que al igual que yo, sufren violencia de género. Durante este proceso llegué a una etapa en la que necesitaba ayudar a más mujeres y a mi productor, Kiko Castro, se le ocurrió que una buena manera de hacerlo era, además de la música del disco, el contar toda esa historia a través de un documental musical en el que se hablase de lo vivido, aunado a testimonios que aportan información valiosa, como la de las profesionales que nos atienden en los centros especializados en violencia de género, otras supervivientes e intervinientes en la creación de este proyecto.

2- En tu declaración reciente, mencionaste que la música te ha enriquecido como persona y como mujer que quiere ser libre. ¿Puedes profundizar en cómo la música te ha ayudado a superar situaciones difíciles y ser una persona libre?


La música ha sido esa parte de la conciencia que me decía claramente que era lo que quería. Cuando creas algo, vuelcas en ello tus ilusiones, miedos y deseos, y cada vez que cantaba o componía, me imaginaba e incluso sentía esa libertad, y lo que hice fue exteriorizarla. La música me dio el empujón y silenció el ruido que me producía ese miedo.

3- Sabemos que tu música está arraigada en tus raíces negras y se canta en inglés debido a tu herencia de la colonia británica de Belice. ¿Cómo se relaciona tu identidad cultural con tu música y tu mensaje de liberación?


Mi música está repleta de todas esas influencias que vienen de mi procedencia. Se entremezcla la música negra, en la que puedes encontrar desde el jazz y el blues hasta la música caribeña o jamaicana. Muchos de esos estilos musicales surgieron de las ansias de vivir y ser libres.

4- Cuéntanos más sobre tu experiencia creciendo en Tenerife con influencias culturales tan diversas. ¿Cómo ha influido en tu estilo musical y en tu perspectiva como artista?

Algo muy positivo que tiene vivir en Canarias es la gran riqueza cultural que existe, debido a que históricamente siempre han sido puertos de paso utilizados por muchos países, y hoy en día es un lugar que recibe a millones de personas de diferentes partes del mundo con sus consiguientes aportes en muchos campos. Tenerife está lleno de mucho arte y diversidad musical. Si bien es cierto que mi estilo musical puede que sea para determinado público por no ser en español, mi sello musical Arteria Films ha sabido dónde encajar y llevar mi música a más sitios y a más públicos.

5- Háblanos sobre el documental “FREE”, SALIR ES POSIBLE. ¿Qué podemos esperar de este documental que podremos ver en DocuRock y cuál es el mensaje central que deseas compartir a través de él?

Desde que mi productor Kiko Castro decidió contar mi historia en un formato documental, tuvimos claro que queríamos mostrar a una superviviente, una mujer que, a pesar de su situación, pudo salir de los malos tratos victoriosa gracias a la música y trasladar este mensaje a cuantas más mujeres mejor. “SALIR ES POSIBLE”.

Con este documental, queremos hacer ver a las víctimas que no están solas, que se puede salir. A la sociedad, en la que se incluyen familiares, vecinos y organismos públicos, que vean lo importante y crucial que resulta su implicación para frenar la lacra de la violencia de género, no mirar hacia un lado y decir que son asuntos familiares. Este es un asunto que nos incluye a todos como sociedad, y es en conjunto que debemos avanzar hacia la igualdad y el respeto de todos los géneros.

6- Tu potencia vocal y versatilidad son aspectos destacados de tu música. ¿Cómo trabajas en el desarrollo de tu voz y tu habilidad para adaptarte a diferentes géneros musicales?

Si bien es cierto que he dado clases de técnica y canto en alguna ocasión, soy autodidacta. Escucho mucha música y me fijo especialmente en las técnicas de muchos cantantes, desde los más enrevesados hasta los más sencillos en ejecución, sobre todo en estos últimos, porque encuentro en la sencillez de algunas interpretaciones la grandeza vocal de muchos de ellos.

7- ¿Hay alguna canción en particular de tu último proyecto que sea especialmente significativa para ti? ¿Puedes compartir la historia detrás de esa canción?


Es difícil escoger una canción favorita, todas ellas tienen ese algo que las hace especiales, pero sí, hay una que marcó un punto de inflexión en mi proceso. Fue con esa canción que sentí que dejé de ser víctima de alguna manera y me sentí persona. «No more lies» es sin duda esa canción. La escribí justo para un 8M y fue algo grandioso para mí, con estilo brasileño de una samba que compuso Kiko Castro y una letra en la que se habla de una manera serena, que fue al estado al que llegué. No quería más dolor ni mentiras en mi vida, y ahora camino con la cabeza muy alta, sabiendo de dónde salí y hacia dónde voy, pisando fuerte, con respeto, dignidad y amor. Siempre que la canto, y ahora que te la cuento, se me llenan de lágrimas los ojos de orgullo por haber librado esta batalla y haber salido victoriosa.

8- En tu música, fusionas diversas influencias y estilos. ¿Cómo describirías tu sonido musical y qué te inspira a explorar diferentes géneros?

Es algo difícil que me defina en un solo estilo, por eso suelo decir música

negra, pero me encanta explorar y experimentar cualquier estilo. Luego, yo me lo llevo a mi terreno. El explorar te lleva a sitios increíbles que nunca pensaste conocer, y ahí está la magia, en hacer cosas que pensabas que no eran para ti y resulta que te identificas con ellas cuando las descubres.

9- Finalmente, ¿qué planes tienes para el futuro en términos de tu carrera musical y tu misión de ayudar a otras mujeres a encontrar la libertad a través de la música?

Con el apoyo de mi productora Arteria Films y mi productor Kiko Castro, además del IASS y otros organismos que nos apoyan, el objetivo es hacer llegar este mensaje a cuantos más lugares mejor. Una de las cuestiones más importantes para abordar el problema de la violencia de género es hacerlo desde la educación. Queremos llevar este proyecto a centros educativos, centros de inmigrantes en los que hay mujeres que no conocen los derechos que tienen ahora que están en nuestro país, a colectivos desfavorecidos o en riesgo de exclusión, a cárceles, etc. El formato incluirá una pieza más corta del documental y coloquios y talleres con un profesional en igualdad y violencia de género, además de un pequeño concierto mío.

En cuanto a mi carrera musical, espero que siga siendo fructífera. Seguiré cantando mis historias, solo que ahora de principio a fin serán desde la óptica de una mujer completamente LIBRE.

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Entrevista con Manuel Callau, director de la obra argentina «Camille La Maldita»

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“Admiro las luchas que están llevando adelante hot las mujeres, y pienso que son ellas parte de la  vanguardia de la transformación de esta realidad machista y explotadora en la que estamos sumergidos”. Manuel Callau

“Camille La Maldita”, de la compañía argentina El Descubridor, se estrena en Canarias en el marco de la 36 edición del Festival del Sur-Encuentro Teatral Tres Continentes. En esta obra, una magistral Zuleika Esnal se pone en la piel de Camille Claudel, genial escultora y amante secreta de Rodin, quien fue considerada loca por luchar por la igualdad y por acabar con la discriminación que impedía a las mujeres de la época realizar diverso tipo de pinturas, como pintar modelos humanos. Un tema, el de la discriminación a la mujer, que a pesar de los años sigue estando más presente que nunca en la sociedad. Las entradas para verla se pueden adquirir a través de tickentradas.com

– ¿Cómo nace “Camille La Maldita? ¿Con qué intención?

Siempre me inquietó la figura de Camille Claudel, desde que me enteré que estudiando con Rodin éste la utilizaba para que hiciera las manos y los pies de sus esculturas rápidamente trate de encontrar esculturas de Rodin y quedé impresionado con la vida y la fuerza que Camille le imprimía a sus trabajos, casi diría, tal vez porque estaba enterado de esta particularidad, que lo primero que miraba de las obras de Rodin eran sus pies y sus manos. Andan por ahí algunos malos poemas de mi juventud en los que hablo de las manos y los pies, no los de Camille, pero cuento esto porque eran partes del cuerpo humano que me inquietaban. Pero yendo a la pregunta, recuerdo una fría friísima tarde de invierno en el bar Británico en Buenos Aires donde me había citado mi compañero de travesuras artísticas Mario Sadras de la Cooperativa de Radio Gráfica, con la que siendo parte de la Cooperativa El Descubridor habíamos desarrollado un proyecto de colaboración mutua. Mario me presenta a Zuleika Eznal (actriz) y a Hugo Barcia (autor de Camille la Maldita) para que si me interesaba dirigiera un espectáculo en base a ese texto con Zuleika. No olvidaré que me hicieron sentar en una mesa que estaba afuera del bar, porque ellos fumaban, vicio que yo había abandonado desde hacía tiempo. Con el tiempo comprendí que lo que querían era que me decidiera rápido y así fue, no por el frío, sino porque me interesó la propuesta. Hice algunas observaciones al texto y me di cuenta que Hugo el autor estaba abierto a que trabajáramos juntos los tres, y que Zuleika se encendía con los rudimentos de caminos que en ese momento se me ocurrían.

Quiero destacar también que admiro las luchas que están llevando adelante HOY las mujeres, y pienso que son ellas parte de la  vanguardia de la transformación de esta realidad machista y explotadora en la que estamos sumergidos. Y es bienvenida la figura de Camille para reafirmar que vienen de un largo camino de luchas por sus reivindicaciones.

– ¿Qué ha sido lo más difícil del proceso de esta obra?

No soy un director que trabaja con una idea preconcebida de puesta ni de construcción de personajes, más bien me gusta ir descubriendo en el trabajo. En este caso, con la actriz lo que nos proponía el texto y como este se abría en la medida de la corporalidad, el juego, que Zuleika desplegaba en los ensayos y las devoluciones que le iba haciendo. Observar la cantidad para descubrir y apoyarnos en esa calidad que se materializaba en escena y así llegar a sorprendernos con ese hecho vivo y que eso sería lo que sorprendería luego al público. Establecimos como proceso, invitar al autor y algunos amigos cuando veíamos estallar delante de nosotros el hecho vivo, aquello único, esos fueron momentos gloriosos. Asistimos entonces al nacimiento de un teatro de revelación, con el deseo más profundo de que el espectador sintiera que eso que estaba ocurriendo delante, nunca había ocurrido antes y que luego no volvería a ocurrir.

– La obra escrita ha sido nominada a los Premios Trinidad Guevara 2022 en la categoría Mejor Actriz Protagonista; a los Premios ACE en la categoría a mejor actuación femenina en obra para un solo personaje y mejor autor; a los premios Luisa Vehil 2022, donde ha optado al galardón a mejor actriz y mejor director, y ha sido premiado en la categoría de Dramaturgia de esos premios Hugo Barcia. ¿Cuál es la clave para tanta nominación y tanto reconocimiento?

Como en casi todo en la vida, el trabajo, la perseverancia, la exigencia de entregarle al espectador en cada función lo mejor de cada uno de nosotros. Ocupemos el lugar que ocupemos. El público verá una sola actriz en escena, pero a su alrededor hay un equipo de personas que nos esforzamos para que el espectáculo llegue al escenario lo más protegido que seamos capaces de conseguir. Y que ese encuentro entre espectadores y artista, sea cada noche una experiencia única, irrepetible y maravillosa.

– Forman parte de esta 36 edición del Festival del Sur-Encuentro Teatral Tres Continentes. ¿Qué supone para usted participar en el Festival de Artes Escénicas más antiguo de Canarias, y uno de los pocos que cuentan con compañías y artistas de África, América del Sur y Europa?

Estamos profundamente agradecidos de haber sido invitados  a formar parte de este 36 Festival del Sur-Encuentro Teatral Tres Continentes. Somos del Sur y deseamos que podamos disfrutar juntos de nuestro trabajo.

– ¿Han tenido la oportunidad de actuar en alguna otra ocasión en Canarias? 

Hace ya unos cuantos añitos tuve la fortuna de trabajar en Canarias con “El Guía del Hermitage”, y recuerdo un público cálido y atento.

-¿Cómo está siendo recibida por el público “Camille, La Maldita” y qué esperan del público canario?

Hace dos años que tenemos la obra en cartel, y eso ya es una respuesta. Del público canario esperamos que nos acompañe en este encuentro, y recibir de él su más sincera respuesta. Es el pacto que establecemos cada noche, cuando las luces de la sala se apagan y se encienden las del escenario.

– ¿Qué les diría al público para que se animen y acudan a ver la obra?

Les diría que vengan al teatro, porque sin ustedes no existimos.