La segunda temporada de 30 MONEDAS acaba de lanzar una nueva selección de imágenes. La segunda entrega de la serie dirigida por Álex de la Iglesia y coescrita por Álex de la Iglesia y Jorge Guerricaechevarría se estrenará en octubre de este año en HBO Max.
No te pierdas el primer teaser tráiler de la segunda temporada de 30 MONEDAS:
En la segunda temporada de 30 MONEDAS, la mayor parte del pueblo de Pedraza está loco, encerrado en un psiquiátrico. Elena yace en coma, en una oscura cama de hospital. Paco, destrozado por los remordimientos, intenta cuidar de ella, pero no es fácil. A medida que el horror crece a su alrededor, nuestro grupo de héroes deberá enfrentarse a un nuevo enemigo. Alguien tan perverso que hasta el mismo demonio le teme… Pero, ¿qué es del padre Vergara? ¿Ha muerto, junto con su archienemigo, el cardenal Santoro? ¿Dónde se esconden, las almas torturadas?
El reparto de esta nueva temporada está encabezado por Miguel Ángel Silvestre, Megan Montaner y Eduard Fernández, además de Macarena Gómez, Pepón Nieto o Cosimo Fusco, a los que se suman en esta segunda entrega Najwa Nimri y Paul Giamatti. La segunda temporada de 30 MONEDAS se ha rodado en España, Italia, Estados Unidos, Francia y Reino Unido.
30 MONEDAS está dirigida por Álex de la Iglesia y coescrita por Álex de la Iglesia y Jorge Guerricaechevarría. Los productores ejecutivos de HBO Max son Steve Matthews, Miguel Salvat y Antony Root. Álex de la Iglesia y Carolina Bang son Productores Ejecutivos de Pokeepsie Films (Banijay Iberia). Los servicios de producción de la segunda temporada de 30 Monedas corren a cargo de Anciana Milenaria S.L., una empresa de Pokeepsie Films.
Varias han sido las propuestas fílmicas que han intentado dar una respuesta al suicidio, mal que se puede considerar como una moderna plaga social. Ahí tenemos la nefasta serie Por 13 razones, producida por la otrora niña Disney Selena Gómez a partir del libro de Jay Asher, y decimos nefasta porque aborda el problema desde la óptica de la venganza, lo que le supuso en su momento fuertes críticas pues, más que luchar contra el suicidio, daba “razones” a los más jóvenes para cometerlo; la respuesta de la productora ante este hecho fue que ella solo había llevado a la pantalla una novela prexistente, aunque en su argumento nunca señaló la impronta de su serie sobre la juventud, mucho mayor que la propia novela. Ya sabemos que ver es más sencillo que leer.
Ahora llega a las carteleras la propuesta de Paolo Genovese, El primer día de mi vida, película basada en su propia novela con homónimo título en donde intenta que reflexionemos sobre las muertes autoinfligidas, no desde la venganza sino desde la perspectiva de lo que nos perderemos si morimos. La trama se basa en la existencia de unos seres (¿ángeles?) que intentan convencernos de lo bella que es la vida en 7 días (de nuevo, otra referencia cristiana), tiempo en donde los cuatros protagonistas de la película, una madre protectora sin nadie a quién proteger, un niño youtuber explotado por unos padres maltratadores, una gimnasta que nunca pasó del segundo puesto y un motivador “personal coach” de masas totalmente desmotivado, asistirán desde su propio entierro a tener una visión de ese futuro que han cercenado con su suicidio. La intención de este moderno Cuento de Navidad es que meditemos si la solución es el suicidio a los males que padecemos y, para ello, ofrece a los protagonistas una segunda oportunidad. La película, a pesar de sus buenas intenciones, fracasa en su objetivo por un motivo muy patente: la muerte no tiene vuelta atrás, no tiene segunda oportunidad por mucha mística religiosa con que la rodeemos. El mensaje, por lo tanto, y en una película como esta el mensaje es muy importante, está completamente errado ya que en realidad, nunca hay una segunda oportunidad ante la muerte. Y eso, a pesar de tener momentos brillante como la explicación del concepto de felicidad o el diálogo en donde, paradójicamente, demuestra que el dolor de nuestra ausencia se irá diluyendo con el tiempo y que todo el mundo seguirá su vida, y digo paradójicamente, porque la película se basa en demostrar que el mundo cambia con nuestra ausencia. Y ahí se produce una segunda contradicción de la narrativa porque, por causa de esa segunda oportunidad, la futura vida de los protagonistas se transforma en una vida llena de felicidad, alcanzando todo aquello que añoran, lo que significa que el suicidio es en sí una solución (lo dicho: si abordas el tema del suicidio y partes de la premisa que tu muerte es la solución, está muy mal enfocado el mensaje). Pero esas no son las únicas contradicciones detectadas; sin querer ser exhaustivos, nos podríamos plantear la injusticia que supone que los suicidas sean los únicos que tengan una segunda oportunidad mientras los demás difuntos, por ejemplo, los muertos en una accidente no provocado, no puedan decidir volver a vivir, o, por qué, si existe el libre albedrío (otra referencia cristiana de la película), hay unos seres que intervienen para que cambiemos nuestra nefasta decisión pero solo en nuestro suicidio, no en otros aspectos de nuestra vida.
Por lo dicho, El primer día de mi vida, que puede ser entretenida por momentos, es un fallido intento de abordar el suicidio como mal social que en España supuso la muerte de 3.941 en 2020 (3.717 en Italia para el mismo año). Como alguien dijo, ya existía una producción en donde los ángeles velaban por nosotros, Autopista hacia el cielo; no era necesario actualizar esa moralina religiosa.
Los espectáculos “Mític” de Magí García, y “Matrioska”, de Valeria Ros, inauguran el nuevo canal de Filmin alrededor de la comedia en vivo y los espectáculos de monólogos
Filmin lanzará el próximo viernes 14 de julio el nuevo canal Filmin Comedy, con el que pretende dignificar los espectáculos de comedia y ofrecer a los creadores un canal de exhibición con el que dar visibilidad a sus actuaciones en vivo. La plataforma arranca esta iniciativa con el estreno de los espectáculos “Mític”, del cómico Magí García y dirigido por Ignasi Taltavull; y “Matrioska”, en el que Valeria Ros reflexiona sobre su embarazo en plena pandemia.
“Mític” es una de las grandes apuestas del año en el mundo de la comedia. El primer espectáculo de stand up en catalán ha sido autoproducido y por lo tanto libre, sin límites ni imposiciones de nadie, con el artista como centro único de las decisiones. Magí García (“Modgi”) es un monologuista, escritor y guionista con una amplia experiencia en humor satírico y de actualidad. Fue uno de los autores más vendidos en la última Diada de Sant Jordi, colabora con programas como “Està passant”, de TV3, y es uno de los miembros de “La Sotana”, el podcast autoproducido con más audiencia y más patreons de Catalunya.
Estructurado en diversos bloques temáticos, Filmin Comedy incluirá también documentales alrededor de cómicos como Gila (“Gila”, de Alberto Esteban), Eugenio (“Eugenio”, de Jordi Rovira y Xavier Baig) o Robin Williams (“El deseo de Robin”, de Tylor Norwood); biópics y ficciones sobre humoristas y cómicos como Andy Kaufman (“The Man of the Moon”) o Lenny Bruce (“Lenny”); y películas protagonizadas por cómicos que dieron el salto al cine, como Woody Allen (“Toma el dinero y corre”) o Richard Pryor (“El gran despilfarro”), entre otros contenidos.
Filmin Comedy se nutrirá cada mes con el estreno de nuevos espectáculos de comedia. En agosto, por ejemplo, se añadirán cinco espectáculos de Tricicle, el popular trío catalán que puso fin el pasado mes de diciembre a 40 años de carrera con una última función en el Liceu de Barcelona.
Fotografía: El cómico Magí García. Cedida por Filmin
Julio Peces San Román lleva 24 años al frente de la Semana Internacional de Cine Fantástico de Costa del Sol y cuando se cumpla el veinticinco aniversario se confirmará una muerte prevista y decidida. La semana pasada ha estado en Tenerife donde ha ejercido como comisario de la muestra dedicada a dos de los principales dibujantes de ciencia-ficción de España, Carlos Pacheco y Alfonso Azpiri, titulada Pacheco & Azpiri; en recuerdo de dos grandes, un sentido homenaje al cómic español.
La exposición puede ser disfrutada hasta el próximo día 23 de julio en la Sala de Los Lavaderos y se enmarca en el programa de los actos de la actual edición del Festival Internacional de Música y Cine de Tenerife (Fimucité). La muestra ha sido organizada por la Cátedra Moebius de la Universidad de La Laguna (ULL), la Fundación Canaria de Cine + Cómics y el Festival de Cine Fantástico.
La exposición se divide en dos bloques, dedicados a cada uno de los artistas, y a su vez, está conformado por secciones diferenciadas, con distintos tipos de obras. El espacio dedicado Azpiri cuenta con reproducciones en paneles de sus ilustraciones para el cine o para portadas de videojuegos, así como páginas completas y carátulas de algunos de sus cómics más importantes. También se expone una selección de dibujos cedidos por el crítico de cómics Eduardo Serradilla, así como una serie de ilustraciones que aparecen en el libro Nuestro Querido Azpiri, que se publicó en la XX edición de la Semana Internacional de Cine Fantástico Costa del Sol. En total, este espacio reúne 37 paneles, ocho cuadros y una muestra de algunos de sus tebeos publicados.
La sección dedicada a Pacheco cuenta con un área dedicada a la saga Arrowsmith, la obra más personal del historietista gaditano, en la que trabajó junto al guionista Kurt Busiek. Los asistentes podrán disfrutar de una selección de páginas y viñetas, así como portadas de distintos números de la serie y homenajes dedicados de otros autores. Por otro lado, el segundo bloque dedicado a este autor, hace un recorrido por su trabajo en Marvel y DC Comics, con distintas ilustraciones y portadas. En total, esta parte suma otros 24 paneles, treinta reproducciones enmarcadas, dos originales cedidos por la Fundación Cine+Cómics, una selección de historietas y dos figuras que fueron diseñadas por el autor.
El papel de Julio Peces como comisario no es casual. El experto ha sido desde hace años un admirador y amigo personal de ambos dibujantes, ya fallecidos, de los que resalta su talento y humanidad. Diferencia el trabajo de Azpiri, responsable de todo el proceso creativo, desde el guión hasta el dibujo, del estilo muy definido de Pacheco, como no puede ser menos para un dibujante especializado en superhéroes de la saga Marvel y DC, y que sólo en una ocasión se atrevió a firmar la historia. En general, este último se centró en dibujar a Los Vengadores, Los Cuatro Fantásticos o X Men, pero curiosamente se negó a hacer lo propio con Spiderman y sólo existe un boceto original que regaló a Peces con motivo de su boda.
El comisario cree que la muestra es una oportunidad de oro para reivindicar el papel de estos dos grandes dibujantes y darlo a conocer, tal y como subrayó durante la inauguración que tuvo lugar el pasado lunes, 3 de julio en la Sala de Los Lavaderos. La exposición tiene carácter itinerante y ahora ha llegado Tenerife, como una actividad paralela del Festival de Cine pero luego continuará su itinerario. Los organizadores del Fimucité, Pedro Mérida y Diego Navarro mantienen un contacto estrecho con Peces y por lo tanto con los responsables del encuentro de Estepona desde hace cerca de quince años, al que han visitado en algunas ocasiones. Cree que Fimucité se ha convertido en una cita “muy interesante”, que con su 17 edición, es ya una de las más longevas de Europa. Sólo hubo un precedente parecido en Croacia, donde en su día se intentó sacar adelante una iniciativa parecida en la que se mezclaba la música y el cine pero que finalmente no llegó a cuajar.
Peces indica que toda esta serie de actividades y convocatorias tienen como objetivo no solo reivindicar el papel del cine si no también la importancia del cómic que ya puede ser considerado oficialmente como el noveno arte. “Hasta hace poco e incluso en la actualidad se pensaba que estaba dirigido al público infantil de forma exclusiva, pero nada más lejos de la realidad. Por ejemplo, en Japón los tebeos se sitúan a la misma altura que la literatura”. En el caso de España se ha pasado de un panorama dominado por las historietas infantiles de hace algunas décadas, a la apertura de muchas otras propuestas desde el underground hasta servir como soporte para biografías o relatos históricos.
La celebración este año del primer día oficial en el ámbito nacional supone bajo su punto de vista una oportunidad impagable para concienciar sobre la relevancia de este lenguaje, no tanto entre los aficionados a los que no hace falta convencer, sino de cara a obtener el apoyo de las instituciones que no siempre han estado a la altura de las demandas de los lectores. Como experto, Peces indica que los cómics se han convertido en un reflejo e incluso consecuencia de las diferencias de culturas y países, con sus grandes historias y relatos cotidianos.
En Estados Unidos predominan los superhéroes, en Japón las temáticas y número de devotos son inabarcables, Francia y Bélgica han sido cunas de dibujantes de autor y en España han predominado firmas como Ibañez, o Chumy Chúmez que cubren el espacio entre los dibujos de contenido infantil y los más adultos. Icónicas son publicaciones como El Jueves, Ajo Blanco o Makoki pero también estarían las que relatan las aventuras del Capitán Trueno o El Jabato, de las que se considera admirador. En este último grupo se encuadran precisamente, Pacheco y Azpiri cuya obra puede ser contemplada en Los Lavaderos.
La infantilización de las historietas españolas no es casual y tiene su origen en los tiempos de la dictadura en las que eran utilizadas como forma de adoctrinar a los jóvenes en las ideas que promovía el régimen. El papel de la mujer también ha cambiado en este tiempo y han surgido autoras como Belén Ortiz autora de Wonderwoman.
Peces es el alma del Festival de Cine Fantástico de Costa del Sol. Él lo inicio y también es uno de los que han decidido su pase a mejor vida de forma voluntaria cuando cumpla su edición número 25. Durante este tiempo las actividades se han desarrollado por distintos puntos como Sevilla, Madrid o Marbella pero también Oporto, Brasil o Argentina. Los organizadores han podido abarcar diferentes temáticas como la licantropía, los vampiros, la saga de Indiana Jones y casi todo lo relacionado con el mundo fantástico.
La diferencia con el festival de Sitges es que éste cuenta con un presupuesto superior, lo que lógica da lugar a que se puedan exhibir más películas, una programación más amplia y mayor número de publicaciones. En su caso han optado por colaborar con otras convocatorias, tal y como ocurre con Fimucité y prueba de ello es la exposición sobre estos dos autores que ahora ha recalado en Tenerife.
Peces siempre ha sido director del certamen andaluz desde sus inicios y ser funcionario del Ayuntamiento de Estepona le ha permitido mantener una continuidad y dentro de lo posible situarse al margen de los inevitables vaivenes políticos. “Nosotros hemos conseguido siempre tirar para adelante y el balance que hago es muy positivo pero lo cierto es que el próximo año ponemos el punto y final aunque cuando me jubile en 2025, seguiremos haciendo cosas puntuales como una exposición sobre el aniversario de la película Tiburón”.
En cuanto a la proliferación de la Inteligencia Artificial (IA), Peces se pone del lado de los que están en contra de su uso indiscriminado, “seguramente porque estoy chapado a la antigua pero creo que se debe apoyar a las mentes jóvenes. Utilizarla para sustituir a dobladores supone toda una pena y perder muchos talentos en una labor muy creativa. No estoy a favor pero nunca he sido partidario de prohibir, no me gusta esa palabra, simplemente prefiero pensar que hay otras opciones”. Y más aún cuando muchas veces se utilizan las IA con motivos simplemente económicos para ahorrar sueldos y reducir costes, por ejemplo en el mencionado caso de los dobladores, cuya labor defiende pese a que prefiere ver las películas subtituladas y en versión original. Es muy amigo de Ramón Langa, la voz a Bruce Willis y no duda de que las personas ponen más alma a la hora de realizar cualquier tipo de labor que unas aplicaciones.
Este experto es conocedor del momento que viven las Islas con la llegada de productoras de todo el mundo que eligen Canarias como escenario para realizar películas por los incentivos fiscales y el buen clima. En el caso de Andalucía también vivió un momento similar con el rodaje de grandes películas históricas y de western, que han dejado una huella que aún pervive como el parque temático llamado Minihollywood de Almería, donde es posible revivir aquella época.
En este caso las grandes productoras acudían a estos enclaves por la reducción de costes que implicaba rodar en la España de aquellos años y los paisajes exóticos muy parecidos a los del lejano oeste o Egipto. De ahí surgieron películas como Lawrence de Arabia, la tercera parte de Indiana Jones, Doctor Zhivago, el episodio dos de las Guerras de las Galaxias en la que aparece la plaza de España de Sevilla, entre otras muchas. La idea es ahora recuperar aquella época dorada y con este fin se ha creado la Film Comission con el fin de volver a atraer a las grandes productoras.
Por si no ha quedado lo suficientemente claro, el comisario se confíesa un gran aficionado al mundo del cine y de los cómics, en lo que tuvo mucho que ver la figura de su padre que lo solía llevar con frecuencia a ver películas. En su momento eligió estudiar Ciencias de la Información en la Universidad Complutense de Madrid en la rama de Imagen y en 1983 se convirtió en funcionario del Ayuntamiento de Estepona, lo que supuso una oportunidad decisiva para poner en marcha este festival. También ha actuado como actor en películas como Eres mi Héroe o Rojo Sangre, entre otras. Ahora su objetivo es jubilarse y poder cumplir su sueño de viajar y, por ejemplo, recorrer la ruta 66 en Estados Unidos. Pero deja claro que siempre mantendrá sus vínculos con actividades relacionadas con el cine y los dibujos, ahora de forma puntual pero no por ello menos apasionada.
Desde Aguere (La Laguna), les traemos las últimas noticias: Son las 18:30 horas en la ciudad de La Laguna, y aparentemente el ambiente en los alrededores se mantiene tranquilo. Sin embargo, muchos transeúntes están atentos a cada esquina, ya que el asesino conocido como Hitman tiene aterrorizadas a las personas que se dirigen al concierto «Héroes del píxel» en el Paraninfo de la ULL. ¡Atentos y atentas! Cojan los mandos de sus videoconsolas y aprieten el botón de START, porque el espectáculo está a punto de comenzar.
Asistimos al concierto «Héroes del píxel» dentro de Fimucité 17, un concierto dedicado a las bandas sonoras de videojuegos. Diego Navarro, como siempre, hizo una magnífica presentación en los primeros minutos del escenario. Invitó a subir a uno de los protagonistas de la noche, el compositor danés Jesper Kyd, famoso por sus trabajos en sagas como «Hitman», «Assassin’s Creed» y «Borderlands». El compositor explicó todo el repertorio del festival e incluso nos introdujo brevemente en una explicación sobre la serie de animación «Call of the Arbiter», basada en el famoso videojuego. La obra «Raid – Call of the Arbiter», con hasta 4 suites, se estrenaba por primera vez en el mundo, ¡y lo vimos en Tenerife!
Toma el control del escenario la Joven Orquesta Sinfónica de Fimucité, formada por alumnos del Conservatorio Profesional de Música de Santa Cruz de Tenerife y del Conservatorio Superior de Música de Canarias, dirigida por José Antonio Cubas. También participa el Coro Polifónico de la Universidad de La Laguna, dirigido por el Maestro de Coro Julio Chinea, y cuenta con Eugenia Jaubert como concertino.
Empieza a sonar la banda sonora «Raid – Call of the Arbiter – Suite 1: High Elves and Dark Elves» (Jesper Kyd – Arr. Benoit Grey), y creo que todos en la sala quedamos maravillados. Es una grandiosa composición de estreno mundial, con un coro que pone los pelos de punta y una orquesta al mismo nivel que las orquestas profesionales. Nos esperaban otras 3 suites de esta serie animada basada en el videojuego «Call of the Arbiter».
Llegaba la hora del famoso asesino Hitman, con una buena dosis de música con la suite de «Hitman» (Jesper Kyd – Arr. Benoit Grey). El coro entonó sus voces para sumergirnos en el misterio de este histórico videojuego, que cuenta con un total de 45 entregas para PC, Xbox 360, Xbox One, PS3, PS4, entre otros.
¡Miren todos hacia arriba! Las miradas de los espectadores se dirigen hacia los palcos del Teatro, ya que un joven encapuchado con vestimenta medieval salta de palco en palco hasta llegar a los camerinos en busca de la soprano Carmen Acosta. Comienza la otra gran parte del concierto con las bandas sonoras del videojuego «Assassin’s Creed», con dos temas iniciales: «Assassin’s Creed – Suite» (Jesper Kyd – Arr. Benoit Grey) y «Ezio’s Family – Suite» (Jesper Kyd – Arr. Benoit Grey), y luego el estreno mundial de la banda sonora de «Assassin’s Creed Valhalla». Carmen Acosta demostró su voz y su importante presencia en el escenario, convirtiendo esta parte final del concierto en un auténtico apoteosis.
Pero ahí no acaba la cosa. También estuvo presente en el escenario Ana Molowny, quien con unas emotivas palabras dedicó unas buenas impresiones al director de Fimucité, Diego Navarro, por apostar y cuidar de los jóvenes músicos de Tenerife. Además, reconoció el trabajo de todas las personas que hacen posible este festival, como es el caso de Pedro Mérida. Sin ellos, el festival no sería posible.
No quería despedirme sin destacar el valor de los alumnos y alumnas del Conservatorio Profesional de Música de Santa Cruz de Tenerife y del Conservatorio Superior de Música de Canarias. Creo que hoy demostraron estar a la altura de las grandes orquestas. Tenemos cantera para rato. Si esto fuera fútbol, la música de orquesta en Tenerife sería el Athletic Club de Bilbao del fútbol. ¡Bravo por ellos y por ellas!
Fimucité continúa y seguiremos contando todo en Culturamanía, el medio oficial del festival.
El director Jean-Albert Liévre (Le syndrome du Titanic y Flore) ha logrado capturar la esencia de estas criaturas extraordinarias a lo largo de todo el documental. A través de un meticuloso rodaje con un equipo reducido, Liévre ha logrado sumergirse en los territorios inexplorados donde habitan las ballenas, revelando su vida en toda su diversidad.
El viaje comienza en México, donde se encuentran tres especies de ballenas específicas. A partir de ahí, el rodaje se extiende a lugares como Groenlandia, Argentina, Polinesia, Bretaña, el Mediterráneo y Normandía. En cada ubicación, el equipo trabajó con profesionales locales, lo que permitió una inmersión auténtica en los entornos naturales de las ballenas.
La decisión de limitar los desplazamientos y trabajar con equipos locales fue fundamental para preservar la vida marina y reducir el impacto ambiental. Liévre se sumergió en la vida cotidiana de pescadores, buceadores y expertos en la materia, lo que proporcionó una perspectiva única y una conexión más profunda con las ballenas.
El documental revela sorprendentes aspectos sobre las ballenas, que continúan siendo en gran medida un misterio para los seres humanos. Desde su misterioso lenguaje hasta sus habilidades de caza, ‘Las Guardianas del Planeta’ nos muestra la fascinante diversidad de estas criaturas marinas.
Una de las curiosidades más destacadas es la forma en que se alimentan. Algunas ballenas tienen barbas que actúan como filtros para capturar alimentos, mientras que otras han desarrollado dientes para atrapar presas más grandes. Además, el documental revela la asombrosa técnica de caza de las ballenas jorobadas, que consiste en soplar burbujas para atrapar a sus presas.
A través de impresionantes imágenes y secuencias, ‘Las Guardianas del Planeta’ logra transmitir la majestuosidad y la importancia de estos gigantes del océano. Liévre ha sabido capturar momentos íntimos y emotivos, mostrando la necesidad vital de cooperación entre las especies que comparten nuestro planeta.
Uno de los mejores documental de los últimos tiempos sobre naturaleza, apasionante y cautivador que nos sumerge en el mundo de las ballenas. Con un enfoque meticuloso y un equipo reducido, Jean-Albert Liévre logra capturar la belleza y la complejidad de estas criaturas marinas, revelando su vida en toda su diversidad y recordándonos la importancia de proteger y preservar nuestro planeta y todas las especies que lo habitan, un claro mensaje contra el cambio climático y cómo el ser humano ha logrado acabar con gran parte de numerosas especies debido al descontrol en la contaminación de nuestros océanos
En esta entrevista para Culturamanía, hablamos con Iván López, director del documental «QUESADA: LA VERDAD DEL SILENCIO», quien nos cuenta sobre su motivación para realizar este proyecto y los desafíos que enfrentó durante el proceso. López nos revela la importancia de contar la historia y buscar la verdad sobre el asesinato de Javier Fernández Quesada, incluso después de más de cuarenta años. Además, explora la reacción de la sociedad y las autoridades en ese momento, así como la percepción pública a lo largo de los años. Con un enfoque humano y comprometido, López espera transmitir un mensaje contundente a través de su documental y generar un impacto duradero en la conciencia colectiva de la sociedad canaria.
¿Qué te llevó a decidirte a realizar un documental sobre el asesinato de Javier Fernández Quesada?
Cuando estudiaba en la universidad, siempre sentí curiosidad por el caso así que un día comencé a buscar información. En 2008 se inauguró la plaza que lleva el nombre de Javier en La Laguna, aproveché y fui a grabar el acto. Posteriormente contacté con Rosa Burgos, que había escrito un libro sobre el sumario del caso y la entrevisté. A principios de enero de 2009 viajé a Gran Canaria y recogí el testimonio la madre de Javier. Enseguida me sentí identificado con el caso y tomé conciencia de la injusticia histórica que se había cometido así que con estas piedras angulares comencé a construir el documental.
Después de más de cuarenta años, ¿por qué crees que sigue siendo importante contar la historia y buscar la verdad sobre este caso?
Es importante para que no impere el olvido. En los días que corren, las fake news, los bulos o el revisionismo manipulado de la historia están a la orden del día. El consumo de información genera ruido y desinformación y nos están volviendo a vender que el pasado, pasado está y no hay que removerlo. Es el mayor error que podemos cometer. La sociedad que no es consciente de su historia, está condenada a repetirla. El caso de Javier es un suceso violento de nuestra historia y debe ser contado desde lo más cercano a la verdad que podamos, más aún cuando a día de hoy nadie ha asumido la responsabilidad de su muerte, algo que me parece extremadamente grave. La Transición española no fue pacífica, se cobró casi doscientas víctimas y hay muchos agujeros negros que cuarenta seis años después deben ser conocidos no solo por los que lo vivieron sino por las nuevas generaciones.
FOTOGRAMA DEL DOCUMENTAL QUESADA: LA VERDAD DEL SILENCIO
¿Cuál fue la reacción de la sociedad y las autoridades en ese momento en relación con el caso de Javier Fernández Quesada? ¿Ha habido algún cambio en la percepción pública a lo largo de los años?
A nivel social, tras su muerte, la reacción de la calle fue de protesta. Se convocaron manifestaciones en varias ciudades de la península, Madrid, Bilbao, Barcelona. El nivel de indignación fue grande, La Laguna amaneció a los días siguientes con pintadas de desaprobación en las paredes de sus calles, pero el gobierno actuó rápido porque envió a la ciudad un destacamento policial de élite para sofocar las protestas que pudieran desarrollarse. La Laguna se convirtió en una ciudad sitiada, casi como si viviera un toque de queda o un estado de excepción. La policía patrullaba día y noche las calles y se establecieron puntos de control de vehículos en lugares como la avenida de la Trinidad. Cualquier persona que tuviera un crespón negro en señal de luto era represaliada e incluso llegaron a disparar a las viviendas donde los ciudadanos les increpaban. Los testigos presenciales cuentan que el ambiente que se respiraba era de mucho miedo y que el silencio en la ciudad perduró mientras la policía la controló.
A nivel político e institucional se tendió a la cautela y a esconder lo sucedido. Se creo una comisión de encuesta, la segunda de la democracia, en la que se intentó buscar responsabilidades, pero en el fondo no existió una intención real por parte de los partidos políticos de esa comisión de llegar hasta el fondo y condenar a los responsables materiales y políticos del suceso ya que lo único que se quería mostrar era que se querían depurar responsabilidades de cara a una “supuesta” apariencia de normalidad democrática.
La percepción pública sigue siendo la misma después de cuarenta y seis años. La vieja escuela y los herederos de aquella época ha mantenido el mismo discurso, nadie ha querido ir más allá o mojarse realmente. Estoy convencido que existen aún personas que conocen quién mató a Javier, pero lamentablemente creo que nunca lo sabremos porque para ello hace falta tener mucho valor y honestidad. La familia es consciente de lo que representa la figura de Javier dentro de la historia de Canarias y ha asumido ese papel con una honestidad fuera de duda pese al dolor que eso ha supuesto durante toda su vida. Creo que la actitud que han tenido todo este tiempo es un ejemplo verdadero y envidiable de comportamiento democrático.
¿Cuáles fueron los mayores desafíos a los que te enfrentaste como director al contar esta historia?
Primero que nada, asumir la gran responsabilidad de contar esta historia. Detrás de ella hay un ser humano y una familia que sufrió por ello. Es un tema extremadamente delicado. Quiero dar públicamente las gracias a la familia por haberme aceptado y apoyado durante todo este tiempo sobre todo Carlos Quesada, hermano y Ricardo Alvarado, primo de Javier, que han sido un poco los que me han acogido y colaborado en todo momento de una manera muy sincera. También a Rosa Burgos, sin su trabajo previo tampoco hubiera sido posible y los periodistas e investigadores que de alguna manera trabajaron en esclarecer los hechos.
En segundo lugar, afrontarlo desde la independencia y sin apenas apoyo económico. Realmente nunca lo busqué porque pensé que esta historia debía ser tratada sin la intervención de agentes externos. No quería convertir el documental en “un producto más” sino en una película que pudiera servir para divulgar la verdad y el contexto sociopolítico de aquella época y al mismo tiempo tratar la figura Javier, desde un punto de vista humanista.
En cuanto al proceso de producción, nos gustaría saber cuánto tiempo te llevó rodar y editar el documental «QUESADA: LA VERDAD DEL SILENCIO». ¿Podrías compartir con nosotros los desafíos que enfrentaste durante este proceso y cómo lograste superarlos?
El proceso de producción ha durado unos trece años y ha durado tanto porque nunca tuve prisa en acabarlo en una fecha determinada. Mi obsesión era encontrar al culpable de la muerte de Javier. Con el paso de los años pensé en que los responsables también pudieran de alguna manera de expresar su arrepentimiento a la familia cosa que no ha sucedido. Sin embargo, creo que el valor de lo que he realizado en este todo este tiempo es ser testigo de cómo el paso del tiempo ha ido moldeando aquel suceso y de cómo nos puede enseñar a día de hoy a comprender que no estamos muy alejados de que pueda volver a producirse.
Llevo dos años y medio editando el documental. He recogido el testimonio de cerca 30 personas, algunas de ellas ya han fallecido por lo que su testimonio adquiere aún más valor. Al mismo tiempo cuando afronté el montaje, disponía de una gran cantidad de información de todos los procesos del caso, desde el mismo suceso hasta el sumario de Rosa Burgos y los documentos de la comisión de encuesta hasta los testimonios de testigos directos e indirectos de aquel proceso. El mayor reto ha sido ordenar y condensar todo eso en una película de dos horas.
También es cierto que existían pocos documentos visuales del suceso más allá de lo publicado en su día, pero mi constancia me ayudó a que final haya podido encontrar fotografías inéditas de las horas posteriores al suceso y que hayamos reconstruido el suceso a través de los testimonios recogidos de los testigos presenciales.
FOTOGRAMA DEL DOCUMENTAL QUESADA: LA VERDAD DEL SILENCIO
¿Cuál es el mensaje principal que esperas transmitir a través de «QUESADA: LA VERDAD DEL SILENCIO»?
Hay una frase de Bertolt Brecht con la que comienzo el documental y creo que es muy descriptiva y que dice: “El que no sabe es un imbécil. El que calla y sabe es un criminal”. Creo que define de alguna manera esa verdad que se esconde en el silencio.
Por otro lado, espero que sirva para que las nuevas generaciones tomen conciencia de nuestra historia en esa época que ahora se está tratando de enterrar o manipular y que no solo estén informados del hecho en sí, sino que también conozcan quién fue Javier Fernández como persona más allá del estudiante de biología que murió en las escalinatas de la Universidad de La Laguna.
¿Qué impacto esperas que tenga este documental en la conciencia colectiva de la sociedad canaria y española?
Creo que el simple hecho de la muerte de un estudiante de tan solo veintidós años, con toda una vida por delante, hace cuarenta y seis años en un lugar tan emblemático como puede ser una Universidad y sin que se haya culpabilizado a nadie por su muerte sigue siendo lo suficientemente impactante para hacernos conscientes de ello.
A partir de ahí me gustaría que la gente reflexionara desde un punto de vista honesto de la injusticia que supuso y de que el encubrimiento que perdura a día de hoy nos debe dar mucho en lo que pensar. Yo he intentado ofrecer todas las herramientas desde la narración de los propios hechos en esta película. Creo que lo que he conseguido es el documento audiovisual más completo hasta la fecha y espero que sirva para que primero: se conserve la memoria histórica y por ende la memoria democrática de la historia y segundo: que sirva a los que lo vivieron a no olvidarlo, pero sobre todo que llegue a las nuevas generaciones para que tomen conciencia de dónde venimos.
Fotografía de Iván López
Sobre Iván López
Cuéntanos sobre tu formación académica en Ciencias de la Información y Filología, y cómo crees que ha influido en tu carrera como director de cine.
Evidentemente ha influido mucho. Con quince años descubrí que lo que quería hacer en la vida era contar historias, ser testigo de ello y aportar mi grano de arena a ser un cronista humilde. Tuve la oportunidad de poder leer a casi todos los grandes clásicos de la literatura antes de los 25 años. Eso creo que me ayudó a madurar mi conciencia narrativa y aplicarla a mi cine. Aunque he hecho mucha ficción, creo que el documental es donde me siento más cómodo. En 2005 tuve la oportunidad de asistir por primera vez en Cuba, al Festival anual de jóvenes realizadores que se celebra cada febrero en La Habana. Allí puede ver multitud de documentales de cineastas que provenían de diferentes provincias del país. Durante esos días quedé fascinado de cómo con muy pocos medios, contaban sus historias, sus problemas e inquietudes con un talento enorme. Aquello me impulsó para dedicar parte de mi vida a hacer cine a mi vuelta a Tenerife.
Has recibido varios premios y reconocimientos por tus cortometrajes y películas. ¿Cuál de ellos consideras que ha sido el más significativo para ti y por qué?
Realmente todos. Es muy bueno recibir el reconocimiento a tu trabajo mediante premios, eso ayuda a motivarte de alguna manera, pero finalmente siempre los pongo en cuarentena. Para mí el mayor premio es poder acabar una película y compartirla con el público. El proceso de creación comienza con la necesidad de contar una historia y concluye cuando la compartes con la audiencia, es un proceso comunicativo necesario que quizás yo no haría de igual manera en mi vida cotidiana. Yo hago películas como terapia de vida.
¿Cuáles son tus principales influencias cinematográficas y cómo han moldeado tu estilo como director?
Estoy claramente influenciado por el cine de la Nouvelle Vague, El Free Cinema británico o el de figuras como John Cassavetes o Jim Jarmusch, entre otros. En cuanto a documentalistas me gusta mucho Frederick Wiseman
En tu experiencia como documentalista, ¿qué te atrae de este género y qué crees que lo hace tan poderoso para contar historias?
Creo que el documental es el género más potente, directo y libre que existe para contar historias. El cine comenzó siendo documental. Con el documental se pueden retratar las historias desde muchos puntos de vista, aporta un valor real y contribuye a que la memoria social, política y humana perdure en el tiempo.
¿Cuál ha sido el mayor desafío que has enfrentado hasta ahora en tu carrera como director y cómo lo superaste?
Sin duda alguna la producción y dirección de mi primer largometraje de ficción Platón. Dediqué un año completo al rodaje con todo lo que eso implica. Rodábamos los fines de semana que teníamos libres y con apenas una cámara, un micrófono, unos cuantos focos y un equipo técnico y artísticos muy entregados al que les debo mucho, sin ellos nunca hubiera sido posible sacar esa película adelante a la que considero mi mayor hito.
¿Qué consejo le darías a los jóvenes que aspiran a convertirse en directores de cine o documentalistas?
Que busquen su propia mirada, que sobre todo sean constantes pese a las dificultades y que marquen su propio camino. No entiendo la labor del director como un mero trabajador al que se le encarga un producto, entiendo que la labor del director va sumada a su condición de autor.
¿Tienes algún proyecto en mente actualmente en el que estés trabajando y que te emocione compartir?
Tengo pendiente preestrenar en septiembre otro documental: Another Part Of me, que está producido por Rumen Justo Reyes y que aborda la historia de Gus Jackson, que a día de hoy está considerado el segundo mejor imitador del mundo de Michael Jackson. Él es de Gran Canaria y en el documental contamos lo que han sido sus 25 años de vivencias y como su gran sueño se ha hecho realidad. En esta película también nos acercamos a lo que supuso el concierto del propio Michael Jackson en Tenerife, del que este año se cumple el 30 aniversario.
También tengo pendiente el estreno de un corto de producción propia que rodamos a principios de año: “Arderéis en el infierno”, en el que abordo la problemática de los desahucios en este país.
Y la verdad es que siempre hay proyectos. Hay dos más para documental y otros dos guiones de ficción que he escrito y me gustaría hacer en los próximos años, pero todo depende de la viabilidad y de que alguien crea en ellos para producirlos, si no es así, intentaré llevarlos acabo yo como he hecho en casi todos mis proyectos.
¿Cuál es tu visión a largo plazo como director de cine? ¿Hay algún logro o meta en particular que te gustaría alcanzar en tu carrera?
Realmente he llegado a una edad en la que me conformo con disfrutar de hacer películas. Me da igual de qué forma, siempre que pueda encontrar una manera de que sean viables. Hago esto por amor al arte, como se suele decir, a partir de ahí todo lo que venga entiendo que será suerte, mala suerte o el fruto de mi trabajo.
«Scarlet»: La fábula de la hija del ebanista y el aviador
Filmin estrena el 14 de julio la última película del italiano Pietro Marcello («Martin Eden»), ganadora del Premio a la Mejor Dirección en el Festival de Sevilla.
Filmin estrena, el próximo 14 de julio, en exclusiva en plataformas digitales, la película «Scarlet», último largometraje del italiano Pietro Marcello. Se trata de una adaptación libre de la novela «El velero rojo», de Aleksandr Grin, sobre la historia de Juliette, que se cría junto a su padre en un pueblo al norte de Francia. Apasionada por el canto y la música, conoce un verano a una hechicera que le promete que, algún día, verá en el cielo unas velas escarlatas que la sacarán de su pueblo. La joven nunca deja de creer en esta profecía, cuando en su vida se cruza Jean, un aviador frágil, inestable y temerario, un hombre opuesto al carácter de su padre del que se enamorará perdidamente. «Scarlet» se estrenó mundialmente en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes y ganó el Premio a la Mejor Dirección en el Festival de Sevilla.
Es la primera película rodada fuera de Italia de Pietro Marcello, quien en esta ocasión ha trabajado en Francia y en francés, lo que supuso para él todo un desafío: «En Italia tenía una red, sabía a quién tenía que dirigirme para cualquier cosa. Por el contrario, al llegar a Francia estaba solo. Y no hablaba el idioma. Me esforcé, mi productor fue tomando confianza en mí y terminé decidiéndome», recuerda. El director cree no obstante que el mensaje de la película es universal: «La esencia de ‘Scarlet’ pertenece al campesinado en general […] Es una historia que pertenece a todos los sures del mundo y yo siempre miro hacia el sur, porque es algo familiar para mí».
Mientras que sus anteriores trabajos estaban narrados desde el punto de vista de personajes masculinos, «Scarlet» late al ritmo de Juliette, interpretada por la novel Juliette Jouan, auténtico descubrimiento del film: «Me he enamorado de ella, cinematográficamente hablando. Es una joven extraordinaria. Sabe cantar, sabe escribir, encierra una enorme fuerza.», explica Marcello. Su presencia pone en pie una historia que, como afirma el director, «se pone del lado de las mujeres»: «Cuando aparece Jean (interpretado por Louis Garrel) en su vida, Juliette no se deja salvar por él como una damisela en apuros. Al contrario, es ella quien toma la iniciativa, ella quien se decide a besarle, ella quien lo cuida y ella, al final, quien lo deja marchar.»
En su segunda parte, la película parece, literalmente, echar a volar. Del realismo campesino pasamos a un tono ligero, por momentos cercano a la comedia musical. Y la puesta en escena sigue este trayecto, al principio predomina la cámara al hombro, mientras que muchos planos de la segunda parte evocan el cine de Jacques Demy. «Mis actores tenían ganas de cantar y me dije ¿por qué no?, recuerda Marcello. «Siempre me ha apasionado el cine de Jacques Demy. Consiguió llevar al cine la opereta italiana. Sus películas siempre resultan de carácter popular», concluye.
Alumnado del Conservatorio Profesional de Música de Santa Cruz de Tenerife y del Superior de Canarias participarán en la jornada dedicada a la música escrita para videojuegos, organizada por Fimucité, bajo el título ‘Héroes del Píxel’ que tendrá lugar el domingo 9 de julio, a las 19:00 horas, en el Paraninfo de la Universidad de La Laguna y que contará con la participación del aplaudido compositor JesperKyd.
El autor visitará el Festival y asistirá al concierto que será interpretado por la Joven Orquesta Sinfónica de FIMUCITÉ, conformada por alumnos del Conservatorio Profesional de Música de Santa Cruz de Tenerife y del Conservatorio Superior de Música de Canarias, bajo la dirección de José Antonio Cubas, y con la participación, por primera vez, del Coro Polifónico de la Universidad de La Laguna.
El programa, que entusiasmará a los aficionados a los videojuegos, incluirá numerosos estrenos mundiales y no solo recorrerá la música compuesta por JesperKyd para ‘Hitman’ y ‘Assassin’s Creed’, sino también para otras destacadas propuestas como ‘Raid: CalloftheArbiter’, la serie original animada basada en la franquicia de videojuegos para móviles que ha recaudado más de mil millones de dólares, ‘Raid: Shadow Legends’.
Además, la soprano Carmen Acosta, estrechamente vinculada al proyecto educativo impulsado por la Joven Orquesta de FIMUCITÉ, también actuará como solista invitada en el concierto ‘Héroes del Píxel’.
Ganador de un premio BAFTA de la Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión por la música del videojuego ‘Hitman: Contracts’, tercera entrega de la saga, y nominado en otras tres ocasiones por las partituras de la franquicia ‘Assassin’s Creed’, JesperKyd es uno de los autores más celebrados, por su enfoque experimental a la hora de crear bandas sonoras únicas para este formato, así como por sus trabajos para el cine y la televisión.
En una tarde ventosa y algo fresca en la ciudad de La Laguna, ciudad Patrimonio de la Humanidad, nos adentramos en el Teatro Leal. Caminamos por un pasillo en el patio de butacas, acompañados de la mano de Stanley Kubrick, un pasillo que parecía extraño y tenebroso. Al final, dos niñas nos esperaban para llevarnos a nuestros asientos. ¡El espectáculo estaba a punto de comenzar!
La solemnidad invadió el ambiente con la apertura del director de Fimucité, Diego Navarro, y la directora técnica de la Sinfonietta Cracovia, Agata Grabowiecka. Durante su presentación, ya se palpaba la emoción de estrenar una serie de piezas especialmente arregladas para este concierto en homenaje al compositor y director de orquesta polaco, Krzysztof Penderecki.
Entre los invitados de la noche, esperábamos la presencia de la banda británica Juno Reactor, conocida por sus elementos electrónicos. Había llegado desde el Reino Unido y ya había participado en Fimucité el año pasado, dejando una clara impresión con su concierto sinfónico «Cyberpunk Remastered Vol 1». En esta ocasión, volvió a brillar con genialidad y elementos sonoros alternativos al presentar la primera parte del concierto con composiciones especialmente arregladas para el festival. Fue la primera vez que estas piezas sonaron en el mundo, desde la ciudad de La Laguna.
Maciej Lulek y Piotr Marciak, en los violines, nos introdujeron en los primeros segundos de algo diferente que estaba por venir, acompañados por los primeros cantos de la solista Liliana Izyk. ¿Sería «El resplandor» o «El exorcista»? Algunos sonidos iniciales nos recordaron a ese tipo de películas. La directora Katarzyna Tomala-Jedynak guió al elenco musical en el escenario, donde, además de los mencionados violinistas, participaron Ewa Szczepanska Chwast en la viola, Marcin Maczynski en el violonchelo, Lukas Mazanek en el contrabajo y Wojciech Kogut en el piano. A ellos se unieron dos invitados especiales: Maciej Zimka con el acordeón y Piotr Lato con el clarinete. Fue un conjunto sensacional en la primera parte, y tanto el público como nosotros mismos nos sorprendimos por la novedad de este segmento del concierto.
En la segunda parte, la directora Katarzyna Tomala-Jedynak nos sumergió directamente en las bandas sonoras de películas dramáticas. «Lolita» (Tema de amor) y «Barry Lyndon» (Sarabande) nos sorprendieron gratamente con la incorporación de un nuevo invitado en el escenario: Juan Miguel Castellano, quien acompañó muchos de los temas con su guitarra española. La noche continuó con «Terciopelo azul» (Tema principal), «Una historia verdadera» (Tema de Rose), «Mulholland Drive» (Tema principal), «Corazón salvaje» (Sinfonía española oscura) y «Eyes wide shut» (Vals 2). Luego llegó uno de los momentos destacados de la noche con la banda sonora de «Espartaco» (Tema de amor), otra genialidad cinematográfica de Stanley Kubrick. El Teatro se rindió con una gran ovación, pero el plato fuerte aún estaba por venir: la banda sonora de la serie «Twin Peaks» (Tema de Laura Palmer / Tema principal / Falling), donde todo el conjunto en el escenario estuvo a la altura de las grandes orquestas. Cabe destacar la voz de la solista Liliana Izyk, cuyo sonido se filtraba por cada grieta del teatro hasta llegar a la calle.
Fimucité continúa y seguiremos contando todo en Culturamanía, el medio oficial del festival.
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