La primera película de Kyle Edward Ball se ha convertido en un auténtico fenómeno de culto en Estados Unidos. Llega a Filmin el próximo 27 de octubre.
El próximo viernes 27 de octubre Filmin estrena, en exclusiva en plataformas en nuestro país «Skinamarink», la película de terror de la que todo el mundo está hablando y sin duda uno de los grandes fenómenos del género de los últimos años. Rodada en una semana por Kyle Edward Ball, con 15.000 dólares de presupuesto, ha logrado recaudar más de 2 millones de dólares en Estados Unidos, donde ha sido distribuida por Shudder. Un medio tan prestigioso como Variety la ha colocado en lo más alto del ranking de mejores películas de terror de 2023, por encima incluso del fenómeno «Háblame», y el proyecto «The Science of the Scare» sentencia que es la tercera película más terrorífica de todos los tiempos según la ciencia.
«Skinamarink» es una película absolutamente divisiva: o la amas, o la detestas. El argumento es muy sencillo: dos niños se quedan una noche solos en casa. Sus padres parecen haber desaparecido, así como las puertas y ventanas del hogar, mientras una indefinida presencia llama insistentemente su atención. Ambientada en 1995, la película adopta la apariencia de una vieja cinta de VHS, muy granulada, en la que las formas y contornos apenas se divisan. El film pretende emular las sensaciones que tiene un niño pequeño cuando le asaltan los terrores nocturnos, convencido de que hay un monstruo debajo de su cama o que el montón de ropa sucia que hay en la silla de su habitación es en realidad la silueta de un ser malvado. Los 100 minutos de duración de «Skinamarink» se componen de tomas estáticas largas e ininterrumpidas filmadas desde la perspectiva de un niño y mirando por pasillos alfombrados hacia puertas entreabiertas y la impenetrable oscuridad más allá.
«Creo que es difícil no identificarse tan profundamente con la historia porque todos hemos sido niños pequeños en algún momento y todos hemos tenido miedo», afirma Ball. El director confiesa haberse inspirado en la descripción que un amigo le hizo del videojuego «Silent Hill 2»: «Hay horas en el videojuego en las que no sucede nada. Simplemente estás caminando sin hacer nada. Y pasado un tiempo todo se vuelve desconcertante y espeluznante. Entré un poco con esa mentalidad a la película». El director aconseja a los espectadores que se enfrenten a «Skinamarink» que diseñen el entorno perfecto para el visionado: «Lo ideal es que la habitación sea silenciosa y esté a oscuras, ver la película de madrugada y con el sonido de los auriculares al máximo». De hecho, Ball cree que ver la película en casa, y no en el cine, puede hacer que la experiencia sea más aterradora. «De hecho», explica, «la mayoría de películas de terror que he visto en mi vida las he visto en casa».
En el tercer número de Fzine, el fanzine de Filmin de edición limitada, la crítica de cine Desirée De Fez, autora del libro «Reina del grito», escribe una carta a Kyle Edward Ball, definiendo así su película: «no se parece a ninguna otra película de terror, no tiene ni el mal de la referencialidad ni el de la coyuntura. Emerge en una realidad paralela. Tiene sus propios códigos y su propio idioma, en el que se cruzan el lenguaje cinematográfico, el de Internet y el del arte experimental». Coincidiendo con el estreno de «Skinamarink», el próximo 27 de octubre, Filmin lanzará el tercer número de Fzine, esta vez dedicado al cine de terror.
La nueva docuserie creada por Fèlix Colomer (Vitals) se preestrenará el 21 de octubre en el Serielizados Fest de Barcelona.
Las vidas de Fèlix, producida por Minoría Absoluta para HBO Max, se suma a la oferta de contenidos en catalán de la plataforma y tiene su estreno previsto en noviembre.
Las vidas de Fèlix es la nueva producción original de Minoría Absoluta para HBO Max. En esta serie documental escrita y dirigida por Fèlix Colomer, su propio creador reconstruye a lo largo de sus siete capítulos las diferentes etapas de su vida y los aprendizajes que de ellas se derivan. El arbitraje de fútbol, el ajedrez, la música trap, el sexo para adultos, el activismo político… Todas estas vidas conforman un mosaico original, apasionante y atrevido que le sirve al autor para reflexionar en primera persona y cámara al hombro sobre qué vidas valdría la pena que su hijo pequeño, Riu, viviera por sí mismo.
La docuserie está rodada en catalán y castellano, y formará parte de la oferta de contenidos en catalán de HBO Max, que ya cuenta con una colección titulada En Català, en la que se incluyen series y películas con doblajes y subtítulos en calatán, así como producciones originales.
Las vidas de Félix es la segunda producción en la que participa Colomer que se estrena en HBO Max. En su anterior trabajo, de 2021, el director catalán dirigió la serie documental Vitals. Una historia humana, disponible al completo en la plataforma, que a lo largo de sus tres episodios construye un intenso, conmovedor y esperanzador relato de la vida en un hospital de Barcelona durante los momentos más duros de la pandemia provocada por el Covid-19. Vitals fue producida por El Terrat (The Mediapro Estudio) y Forest Film Studios para HBO Max.
Fèlix Colomer (Sabadell, 1993) estudió cine en la Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya ESCAC), donde se especializó en documental y montaje. Sasha, realizado como proyecto de fin de carrera, fue su primer largometraje como director y obtuvo premios como una mención especial en la Seminci y una nominación en los premios Gaudí de Cine. Su segundo largo documental como director, muy celebrado, fue el polémico Shootball. Relato muy impactante en primera persona de víctimas y agresores de pederastia, ha recorrido festivales de todo el mundo y ha ganado premios en Sole Luna Doc, RIFFA y FIC-CAT, entre otros.
Las vidas de Fèlix llegará en noviembre a HBO Max y se presentará oficialmente en el Serielizados Fest de Barcelona este 21 de octubre en una proyección que contará con la presencia su creador, Fèlix Colomer.
Por su parte, el creador de esta serie documental, Fèlix Colomer, ha contado: “Cuando empecé a desarrollar esta serie, mi idea era crear algo puramente destinado al entretenimiento y la comedia, en la que mi aportación sería únicamente el punto de vista. Sin embargo, ha terminado convirtiéndose en un documental catártico que me ha llevado a entablar conversaciones sobre temas tabú en mi familia, a superar mis complejos más íntimos y a reconciliarme con personas a las que había odiado en el pasado, como el policía con el que tuve un juicio. Me he dado cuenta de que, con la cámara al hombro, me siento capaz de abordar temas y confesar traumas que de otra manera no podría afrontar. Ha sido un ejercicio de autoevaluación en el que he llegado a valorar más que nunca el ser padre y he desarrollado una absoluta admiración por mi propio padre”.
Hanka Kastelicova, responsable de documentales para HBO Europa, ha declarado: “Estamos muy orgullosos de presentar esta cautivadora serie. Fèlix Colomer aborda temas de actualidad y los entrelaza a la perfección en una narración atractiva, aportando una perspectiva que es a la vez cercana y vanguardista. Creemos que los relatos personales, audaces y perspicaces conectarán con el público joven, ofreciéndole un espejo de sus experiencias. Esta serie celebra la riqueza de nuestras historias locales y permite a nuestro público internacional experimentar los matices de diferentes paisajes lingüísticos y culturales“.
Las vidas de Fèlix está escrita y dirigida por Fèlix Colomer. Los productores ejecutivos de HBO Max son Hanka Kastelicova, Miguel Salvat y Antonio Trashorras. Los servicios de producción de la serie han sido prestados por Minoría Absoluta, cuyo productor ejecutivo es Francesc Escribano.
Sinopsis:
Fèlix Colomer tiene 29 años y a lo largo de todo este tiempo ha vivido innumerables vidas. Ha sido árbitro, ha trabajado en la industria del cine para adultos, ha formado una banda de trap, ha sido una promesa infantil del ajedrez… Y todas estas aficiones, trabajos y pulsiones vitales las ha vivido con intensidad y le han servido para extraer conclusiones y aprendizajes. Hace poco su vida cambió: ahora es padre. Y esto ha hecho que se plantee si merece la pena que su hijo repita todas esas vidas que Fèlix ha vivido. Estas reflexiones en primera persona con la cámara al hombro forman Las vidas de Fèlix, una emotiva y divertida carta audiovisual para su hijo Riu.
En una conversación íntima con Kim Simmons, la artista comparte su inspirador viaje de liberación a través de la música. Con raíces en la rica diversidad cultural de Tenerife y una herencia de la colonia británica de Belice, Kim nos lleva a un recorrido por su identidad musical única. Desde sus influencias de la música negra hasta su versatilidad en diferentes géneros, Kim explora cómo la música le ha permitido superar situaciones difíciles y se ha convertido en una fuerza de empoderamiento. Además, en esta entrevista exclusiva para Culturamanía, nos introduce a su apasionante proyecto, el documental «FREE, SALIR ES POSIBLE», diseñado para inspirar y apoyar a mujeres que enfrentan la violencia de género.
1- Kim, tu música se ha convertido en un vehículo de liberación para muchas personas, ¿cómo fue tu propio proceso de liberación a través de la música y cuál fue la inspiración detrás de tu nuevo proyecto?
Fue un proceso que llevó su tiempo, pero que desde que decidí salir de esa relación de maltrato, nunca se detuvo. Tuve momentos de todo tipo en los que en un principio me dominaba el miedo y la música era la que me ayudaba a poder gestionar esas situaciones y a seguir avanzando. Siempre he dicho que este disco y las canciones que lo conforman eran la manera en la que me decía: ¡Tú puedes! ¡No tengas miedo! ¡Todo va a salir bien!
La inspiración de este proyecto que incluye disco y documental era ayudar con un mensaje ganador a todas esas mujeres, que al igual que yo, sufren violencia de género. Durante este proceso llegué a una etapa en la que necesitaba ayudar a más mujeres y a mi productor, Kiko Castro, se le ocurrió que una buena manera de hacerlo era, además de la música del disco, el contar toda esa historia a través de un documental musical en el que se hablase de lo vivido, aunado a testimonios que aportan información valiosa, como la de las profesionales que nos atienden en los centros especializados en violencia de género, otras supervivientes e intervinientes en la creación de este proyecto.
2- En tu declaración reciente, mencionaste que la música te ha enriquecido como persona y como mujer que quiere ser libre. ¿Puedes profundizar en cómo la música te ha ayudado a superar situaciones difíciles y ser una persona libre?
La música ha sido esa parte de la conciencia que me decía claramente que era lo que quería. Cuando creas algo, vuelcas en ello tus ilusiones, miedos y deseos, y cada vez que cantaba o componía, me imaginaba e incluso sentía esa libertad, y lo que hice fue exteriorizarla. La música me dio el empujón y silenció el ruido que me producía ese miedo.
3- Sabemos que tu música está arraigada en tus raíces negras y se canta en inglés debido a tu herencia de la colonia británica de Belice. ¿Cómo se relaciona tu identidad cultural con tu música y tu mensaje de liberación?
Mi música está repleta de todas esas influencias que vienen de mi procedencia. Se entremezcla la música negra, en la que puedes encontrar desde el jazz y el blues hasta la música caribeña o jamaicana. Muchos de esos estilos musicales surgieron de las ansias de vivir y ser libres.
4- Cuéntanos más sobre tu experiencia creciendo en Tenerife con influencias culturales tan diversas. ¿Cómo ha influido en tu estilo musical y en tu perspectiva como artista?
Algo muy positivo que tiene vivir en Canarias es la gran riqueza cultural que existe, debido a que históricamente siempre han sido puertos de paso utilizados por muchos países, y hoy en día es un lugar que recibe a millones de personas de diferentes partes del mundo con sus consiguientes aportes en muchos campos. Tenerife está lleno de mucho arte y diversidad musical. Si bien es cierto que mi estilo musical puede que sea para determinado público por no ser en español, mi sello musical Arteria Films ha sabido dónde encajar y llevar mi música a más sitios y a más públicos.
5- Háblanos sobre el documental “FREE”, SALIR ES POSIBLE. ¿Qué podemos esperar de este documental que podremos ver en DocuRock y cuál es el mensaje central que deseas compartir a través de él?
Desde que mi productor Kiko Castro decidió contar mi historia en un formato documental, tuvimos claro que queríamos mostrar a una superviviente, una mujer que, a pesar de su situación, pudo salir de los malos tratos victoriosa gracias a la música y trasladar este mensaje a cuantas más mujeres mejor. “SALIR ES POSIBLE”.
Con este documental, queremos hacer ver a las víctimas que no están solas, que se puede salir. A la sociedad, en la que se incluyen familiares, vecinos y organismos públicos, que vean lo importante y crucial que resulta su implicación para frenar la lacra de la violencia de género, no mirar hacia un lado y decir que son asuntos familiares. Este es un asunto que nos incluye a todos como sociedad, y es en conjunto que debemos avanzar hacia la igualdad y el respeto de todos los géneros.
6- Tu potencia vocal y versatilidad son aspectos destacados de tu música. ¿Cómo trabajas en el desarrollo de tu voz y tu habilidad para adaptarte a diferentes géneros musicales?
Si bien es cierto que he dado clases de técnica y canto en alguna ocasión, soy autodidacta. Escucho mucha música y me fijo especialmente en las técnicas de muchos cantantes, desde los más enrevesados hasta los más sencillos en ejecución, sobre todo en estos últimos, porque encuentro en la sencillez de algunas interpretaciones la grandeza vocal de muchos de ellos.
7- ¿Hay alguna canción en particular de tu último proyecto que sea especialmente significativa para ti? ¿Puedes compartir la historia detrás de esa canción?
Es difícil escoger una canción favorita, todas ellas tienen ese algo que las hace especiales, pero sí, hay una que marcó un punto de inflexión en mi proceso. Fue con esa canción que sentí que dejé de ser víctima de alguna manera y me sentí persona. «No more lies» es sin duda esa canción. La escribí justo para un 8M y fue algo grandioso para mí, con estilo brasileño de una samba que compuso Kiko Castro y una letra en la que se habla de una manera serena, que fue al estado al que llegué. No quería más dolor ni mentiras en mi vida, y ahora camino con la cabeza muy alta, sabiendo de dónde salí y hacia dónde voy, pisando fuerte, con respeto, dignidad y amor. Siempre que la canto, y ahora que te la cuento, se me llenan de lágrimas los ojos de orgullo por haber librado esta batalla y haber salido victoriosa.
8- En tu música, fusionas diversas influencias y estilos. ¿Cómo describirías tu sonido musical y qué te inspira a explorar diferentes géneros?
Es algo difícil que me defina en un solo estilo, por eso suelo decir música
negra, pero me encanta explorar y experimentar cualquier estilo. Luego, yo me lo llevo a mi terreno. El explorar te lleva a sitios increíbles que nunca pensaste conocer, y ahí está la magia, en hacer cosas que pensabas que no eran para ti y resulta que te identificas con ellas cuando las descubres.
9- Finalmente, ¿qué planes tienes para el futuro en términos de tu carrera musical y tu misión de ayudar a otras mujeres a encontrar la libertad a través de la música?
Con el apoyo de mi productora Arteria Films y mi productor Kiko Castro, además del IASS y otros organismos que nos apoyan, el objetivo es hacer llegar este mensaje a cuantos más lugares mejor. Una de las cuestiones más importantes para abordar el problema de la violencia de género es hacerlo desde la educación. Queremos llevar este proyecto a centros educativos, centros de inmigrantes en los que hay mujeres que no conocen los derechos que tienen ahora que están en nuestro país, a colectivos desfavorecidos o en riesgo de exclusión, a cárceles, etc. El formato incluirá una pieza más corta del documental y coloquios y talleres con un profesional en igualdad y violencia de género, además de un pequeño concierto mío.
En cuanto a mi carrera musical, espero que siga siendo fructífera. Seguiré cantando mis historias, solo que ahora de principio a fin serán desde la óptica de una mujer completamente LIBRE.
“Admiro las luchas que están llevando adelante hot las mujeres, y pienso que son ellas parte de la vanguardia de la transformación de esta realidad machista y explotadora en la que estamos sumergidos”. Manuel Callau
“Camille La Maldita”, de la compañía argentina El Descubridor, se estrena en Canarias en el marco de la 36 edición del Festival del Sur-Encuentro Teatral Tres Continentes. En esta obra, una magistral Zuleika Esnal se pone en la piel de Camille Claudel, genial escultora y amante secreta de Rodin, quien fue considerada loca por luchar por la igualdad y por acabar con la discriminación que impedía a las mujeres de la época realizar diverso tipo de pinturas, como pintar modelos humanos. Un tema, el de la discriminación a la mujer, que a pesar de los años sigue estando más presente que nunca en la sociedad. Las entradas para verla se pueden adquirir a través de tickentradas.com
– ¿Cómo nace “Camille La Maldita? ¿Con qué intención?
Siempre me inquietó la figura de Camille Claudel, desde que me enteré que estudiando con Rodin éste la utilizaba para que hiciera las manos y los pies de sus esculturas rápidamente trate de encontrar esculturas de Rodin y quedé impresionado con la vida y la fuerza que Camille le imprimía a sus trabajos, casi diría, tal vez porque estaba enterado de esta particularidad, que lo primero que miraba de las obras de Rodin eran sus pies y sus manos. Andan por ahí algunos malos poemas de mi juventud en los que hablo de las manos y los pies, no los de Camille, pero cuento esto porque eran partes del cuerpo humano que me inquietaban. Pero yendo a la pregunta, recuerdo una fría friísima tarde de invierno en el bar Británico en Buenos Aires donde me había citado mi compañero de travesuras artísticas Mario Sadras de la Cooperativa de Radio Gráfica, con la que siendo parte de la Cooperativa El Descubridor habíamos desarrollado un proyecto de colaboración mutua. Mario me presenta a Zuleika Eznal (actriz) y a Hugo Barcia (autor de Camille la Maldita) para que si me interesaba dirigiera un espectáculo en base a ese texto con Zuleika. No olvidaré que me hicieron sentar en una mesa que estaba afuera del bar, porque ellos fumaban, vicio que yo había abandonado desde hacía tiempo. Con el tiempo comprendí que lo que querían era que me decidiera rápido y así fue, no por el frío, sino porque me interesó la propuesta. Hice algunas observaciones al texto y me di cuenta que Hugo el autor estaba abierto a que trabajáramos juntos los tres, y que Zuleika se encendía con los rudimentos de caminos que en ese momento se me ocurrían.
Quiero destacar también que admiro las luchas que están llevando adelante HOY las mujeres, y pienso que son ellas parte de la vanguardia de la transformación de esta realidad machista y explotadora en la que estamos sumergidos. Y es bienvenida la figura de Camille para reafirmar que vienen de un largo camino de luchas por sus reivindicaciones.
– ¿Qué ha sido lo más difícil del proceso de esta obra?
No soy un director que trabaja con una idea preconcebida de puesta ni de construcción de personajes, más bien me gusta ir descubriendo en el trabajo. En este caso, con la actriz lo que nos proponía el texto y como este se abría en la medida de la corporalidad, el juego, que Zuleika desplegaba en los ensayos y las devoluciones que le iba haciendo. Observar la cantidad para descubrir y apoyarnos en esa calidad que se materializaba en escena y así llegar a sorprendernos con ese hecho vivo y que eso sería lo que sorprendería luego al público. Establecimos como proceso, invitar al autor y algunos amigos cuando veíamos estallar delante de nosotros el hecho vivo, aquello único, esos fueron momentos gloriosos. Asistimos entonces al nacimiento de un teatro de revelación, con el deseo más profundo de que el espectador sintiera que eso que estaba ocurriendo delante, nunca había ocurrido antes y que luego no volvería a ocurrir.
– La obra escrita ha sido nominada a los Premios Trinidad Guevara 2022 en la categoría Mejor Actriz Protagonista; a los Premios ACE en la categoría a mejor actuación femenina en obra para un solo personaje y mejor autor; a los premios Luisa Vehil 2022, donde ha optado al galardón a mejor actriz y mejor director, y ha sido premiado en la categoría de Dramaturgia de esos premios Hugo Barcia. ¿Cuál es la clave para tanta nominación y tanto reconocimiento?
Como en casi todo en la vida, el trabajo, la perseverancia, la exigencia de entregarle al espectador en cada función lo mejor de cada uno de nosotros. Ocupemos el lugar que ocupemos. El público verá una sola actriz en escena, pero a su alrededor hay un equipo de personas que nos esforzamos para que el espectáculo llegue al escenario lo más protegido que seamos capaces de conseguir. Y que ese encuentro entre espectadores y artista, sea cada noche una experiencia única, irrepetible y maravillosa.
– Forman parte de esta 36 edición del Festival del Sur-Encuentro Teatral Tres Continentes. ¿Qué supone para usted participar en el Festival de Artes Escénicas más antiguo de Canarias, y uno de los pocos que cuentan con compañías y artistas de África, América del Sur y Europa?
Estamos profundamente agradecidos de haber sido invitados a formar parte de este 36 Festival del Sur-Encuentro Teatral Tres Continentes. Somos del Sur y deseamos que podamos disfrutar juntos de nuestro trabajo.
– ¿Han tenido la oportunidad de actuar en alguna otra ocasión en Canarias?
Hace ya unos cuantos añitos tuve la fortuna de trabajar en Canarias con “El Guía del Hermitage”, y recuerdo un público cálido y atento.
-¿Cómo está siendo recibida por el público “Camille, La Maldita” y qué esperan del público canario?
Hace dos años que tenemos la obra en cartel, y eso ya es una respuesta. Del público canario esperamos que nos acompañe en este encuentro, y recibir de él su más sincera respuesta. Es el pacto que establecemos cada noche, cuando las luces de la sala se apagan y se encienden las del escenario.
– ¿Qué les diría al público para que se animen y acudan a ver la obra?
Les diría que vengan al teatro, porque sin ustedes no existimos.
La Plaza Santa Catalina acogerá los próximos 20 y 21 de octubre la primera edición de Las Palmas Burger Fest, organizado por Beers Tenerife tras sus exitosas ediciones en El Médano, La Laguna, Santa Cruz de Tenerife, etc… El evento reunirá a los mejores restaurantes de Burgers del Archipiélago por primera vez en Gran Canaria y contará además con algunos de los mejores dj del momento en las Islas.
La cita, además, ofrecerá con un concurso gastronómico en el que se elegirá a la mejor hamburguesa del evento con la participación de los maestros de ceremonias CanaryFoddies. El horario de Las Palmas Burger Fest será el viernes de 18:00 a 01:00 y el sábado de 14:00 a 01:00 horas, con entrada gratuita. En esta primera edición la música correrá a cargo de los dj Tana Sandoval, Juana la Cubana, MCR Selector, Raúl la Capria, Fano y Woodhands. La organización anunciará más artistas en próximas fechas.
Los puestos de burgers presentes serán All or Nothing, Rockabilly, Caminando por el Mundo, Kaleta, Malditas Smashburgers, 200 Gramos, La Chula, Madre Mía, La Chachi, Estarico, Mostazza, Viena 30, Leo Burger y la foodtruck Costumbres Argentinas.
Además, el evento contará con la participación de Tabaiba x Cielo, restaurante con Estrella Michelín. Como organizador también estará presente por primera vez el puesto de Beers de Tenerife. Además, Las Palmas Burger Fest contará con un puesto 100% sin gluten con Travel World Food y stand especial para los más golosos con Dulce This Cookie 21
El rincón Craft Beer ofrecerá las cervezas artesanas canarias Jaira, Tierra de Perros, Vagamundo, Agüita, Galotia, La Armada, Ranilla y distintas cervezas del mundo. Este encuentro gastronómico musical cuenta con la colaboración del Ayuntamiento de Las Palmas, Naviera Armas, Hyundai Canarias y Tropical.
Atención, esta crítica contiene algunos spoilers, aunque la película no contenga ninguna sorpresa ni giro inesperado. Empiezo.
«La película que Hollywood no quiere que veas», o «la película del que todo el mundo habla» son los eslóganes más usados para dar eco a la cinta que, supuestamente, marcaría un antes y un después en el panorama cinematográfico del momento, envuelta en una crisis de ideas en forma de películas de superhéroes, reinicios/remakes de películas emblemáticas y aderezadas con el correctismo bien pensante e inclusivo de rigor. Por tanto, “Sound de Freedom» sería como «El cantor de Jazz» de nuestro tiempo, o como diría nuestro héroe Jim Caviezel, «La cabaña del Tío Tom del siglo XXI». Y como servidor que fui a ver esta «obra singular de la humanidad» en pantalla, me hice unas cuantas preguntas mentales una vez terminada la proyección:
– ¿Es una mala película? No.
– ¿Es una obra maestra? Tampoco.
– ¿Su temática es innovadora? Ni mucho menos.
– ¿Resulta conmovedora? Lo justo.
– ¿Es tan revulsiva como para que ciertos círculos de poder la vetaran? Me temo que se han equivocado de película.
Básicamente «Sound of Freedom”, sí, habla sobre el tema espinoso del tráfico sexual de menores, e inspirada en la figura real de Tim Ballard, un exagente del FBI que emprendió una lucha sin cuartel contra el mercado sexual donde en la que involucran a degenerados con mucho poder y dinero dispuestos a saciar sus perversas fantasías. En este caso, aquí lo interpreta un Jim Caviezel dando su «do» de pecho mesiánico mientras se oye unos cánticos infantiles que parecen extraídos de «La delgada línea roja». Sin embargo, el director Alejandro Monteverde no es Terrence Malick, ya que su plana puesta en escena y su previsible narrativa impide que la película se despegue del telefilme de los domingos a la hora de la siesta (esa trama circular al estilo «Centauros del desierto» con la niña protagonista resulta rematadamente mediocre).
Tampoco llega a profundizar del todo la angustia y desesperación de un padre al ver que la cama de su hija sigue vacía, un pecado mortal si se quiere definir como «cine denuncia». No digamos ya de la galería de traficantes y pedófilos, con menos sustancia que un villano de «Walker Texas Ranger». En mi caso, agradezco que por lo menos, no resulte la típica «película de estampita» más propia de las producciones evangélicas de Kirk Cameron, y que las escenas de los abusos no resulten tan gráficas o gratuitas; como en aquel brutal telefilme canadiense llamado «Tráfico humano» (Duguay, 2005), protagonizada por Mira Sorvino, y que aquí precisamente hace el papel de la esposa de Tim. Por desgracia, su presencia resulta tan testimonial como inservible, fruto de un guión moroso y esquemático al servicio de nuestro héroe y su sagrada misión como rescataniños. Para ello, diseña una suerte de «Equipo A» junto a un atormentado excartel de la droga colombiana (el personaje secundario mejor descrito de la película), y un millonario confidente de la policía (totalmente desaprovechado), que no es otro que el productor de la cinta, Eduardo Verástegui, que también emprende este camino del bien como candidato a la presidencia mejicana. Y así, con la facilidad de sumar dos y dos, consiguen capturar a los villanos y salvar a los niños de Dios de los que, automáticamente, parece que los traumas causados por las sucesivas violaciones se sanan tocando los bongos y cantando alrededor de una isla paradisíaca (¿referencia al caso Epstein?). En general, toda la acción se resuelve desde un prisma tan simplista como inocente, muy al nivel de las películas mudas como «Tráfico de almas» (Tucker, 1913), la primera película centrada en el tráfico sexual. Así que como dije al principio, nada nuevo bajo el sol.
En resumen, «Sound of Freedom», más que transgresora, es una película contextual estrenada en tiempos de confrontación ideológica en plena guerra de las redes sociales; sumada a un buen ejercicio de marketing en el que el David cinematográfico venció al Goliat «Indiana Jones» en las taquillas estadounidenses. Sin embargo, el eco mediático no casa con una película que a lo mejor no deja de ser una operación comercial más en beneficio de una tragedia humana, por mucho que Jesu…, digo Caviezel, trate de ir a contracorriente de la industria y soltar discursos post-créditos para vender más entradas. Tal vez la organización conservadora QAnon tuvo la culpa de usarla como arma arrojadiza contra la izquierdista y «pedófila» Hollywood, responsable de la censura de la citada cinta. Por mi parte, vi una película estimable y valiente, a pesar de sus defectos, pero que no quedará impresa en mi memoria, ni tampoco en los libros de historia del cine. Es más, resulta muy superior a otro film similar, la vergonzosa «Machine Gun Preacher» (2011, Forster), con Gerard Butler como salvaniños y constructor de iglesias en África.
Por lo menos, aquella noche pude dormir como un ángel al oír en sueños el sonido de esos bongos: «es el sonido de libertad». Después no oí absolutamente nada.
Tres películas distribuidas en España por Filmin han sido premiadas en la 56ª edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya.
Filmin ha obtenido tres galardones en la presente edición del Festival de Sitges, que ha dado a conocer su palmarés este mediodía. Tras largometrajes distribuidos en España por la plataforma han logrado tres importantes galardones que los consagran entre las películas de género fantástico más interesantes de la temporada.
«Omen», dirigida por el músico y realizador de origen congoleño Baroji, se ha alzado con el Premio a la Mejor Dirección de la Sección Oficial del festival. La película, que representa este año a Bélgica en los Oscar, y que ya fue premiada en la última edición del Festival de Cannes, relata la historia de un hombre que regresa al Congo tras 15 años de ausencia junto a su pareja, una mujer blanca embarazada. El recibimiento no será el esperado, ya que sus compatriotas están convencidos de que es un brujo venido de otras tierras.
«Kim’s Video», película dirigida por David Redmon y Ashley Sabin («Night Labor»), ha ganado el Premio a la Mejor Película Sitges Documenta, la sección de cine de no ficción del festival. El film, que se estrenó en la última edición del Festival de Sundance, juega con las formas y tropos de distintos géneros cinematográficos para relatar la búsqueda de un tesoro: las 55.000 películas que adquirió un pueblo de Sicilia en 2008 tras el cierre del legendario videoclub neoyorquino Kim’s Video.
El Festival de Sitges ha acogido por sexto año consecutivo la ceremonia que libra los Premios Méliès de Oro, que otorga anualmente la Federación Internacional de Festivales de Méliès, una red de 29 festivales de cine procedentes de 21 países distintos. La película «LOLA», del debutante Andrew Hegge, se ha alzado con el Méliès de Oro a la Mejor Película Europea de género fantástico de 2023. «LOLA» fue estrenada por Filmin en España el pasado mes de agosto, dentro de la programación online de Atlàntida Mallorca Film Fest. El film reimagina la historia de Europa proponiendo un pasado alternativo en el que dos hermanas inglesas crean una máquina del tiempo que les permité adelantarse a los acontecimientos de la Segunda Guerra Mundial.
Más cerca de la ciencia que de lo improbable, entre la estética de los años cincuenta y las temáticas futuristas, se encuentra el trabajo de la ilustradora austriaca, Michaela Konrad, una obra que llama la atención tanto por el fondo como por la forma. Esta autora que vive casi la mitad del año en Tenerife siente auténtica pasión por los asuntos filosóficos, metafísicos y científicos en su forma más comprensible, huyendo de teorías descabelladas y apostando más por la ciencia que por la ficción. El día 17 de octubre coincidiendo con el XX Salón del Cómic de Tenerife será posible ver su obra en el TEA y además hacerlo en tres dimensiones a través de móvil por medio de una novedosa aplicación.
En 1994 llegó por primera vez a Tenerife dentro de intercambio universitario y le gustó tanto que al final ha decidido repartir el año entre su país natal y la Isla. En este vínculo tiene mucho que ver el Taller de Artes Gráficas Mertens que conoció cuando su promotor Alfonso Mertens estaba aún vivo y se situaba en La Recova Vieja. El flechazo fue instantáneo y la fascinación llegó al punto de que en ese momento decidió dedicarse a las Bellas Artes de forma plena, con lo que rompe un poco el perfil de dibujante que tiene clara su vocación desde la infancia. Ella, lógicamente siempre había dibujado, pero sería después de conocer el taller tinerfeño cuando tuvo clara cuál iba a ser su profesión y así lo ha conseguido.
Konrad mantiene sentimientos encontrados sobre la reapertura en su actual formato como escuela municipal y en el Museo de Bellas Artes, al no ser posible concluir las obras de rehabilitación en su emplazamiento original desde donde sólo se ha podido llevar una de las máquinas dado su peso. “No ha sido posible traer la que era mi preferida, un offset con la que hacía mis obras”. La envergadura de estos aparatos se cuenta por toneladas y de hecho para poder trasladar la única que está en el Museo se tuvo que emplear un camión y varios operarios.
Konrad no guarda sino buenos recuerdos de los momentos que pasó en este taller en su época de máxima actividad y especialmente porque el concepto que se manejaba entonces era el de un estudio abierto en el que entraban y salían los creadores en cualquier momento entre las 10 de la mañana y ocho de la noche. Aquellos que como ella comenzaban tenían la posibilidad impagable de aprender de los profesionales de toda Europa con los que se codeaban libremente. “Para mi fue muy importante el trabajo en aquel taller a la hora de evolucionar mi estilo, me cambió el chip y me di cuenta de que las Bellas Artes siempre habían sido mi vocación. Era mi casa, donde me encontraba con artistas y podíamos intercambiar ideas y ahora me siento como si no tuviera hogar”.
Su estilo llama la atención por su estética y mezclar textos con imágenes, pero sin tratarse de un cómic en el sentido estricto. Una de sus principales obras es Vacuum Cleaner (Limpiadora del Vacío) que gira en torno a una joven que se dedica a limpiar una nave espacial, guión que se inspira en la experiencia propia de hacer este trabajo temporalmente en los aviones. También es autora de un libro multimedia titulado “Tomorrow” (Mañana) en el que hace un repaso a visiones pasadas del presente en forma de portadas de cómic imaginarias.
Su pasión por estas temáticas un tanto inusuales la extrae de sus constantes lectura de libros de filosofía, metafísica, científicos, viendo documentales y series al estilo Star Trek. Reconoce que no es ninguna especialista, pero le gusta conocer todo lo relacionado con asuntos como la teoría cuántica, universos paralelos o agujeros negros que luego utiliza en sus obras. Por eso en Tenerife una visita obligada fue el Observatorio de Izaña y el del Roque de Los Muchachos en La Palma, instalaciones que considera un lujo para los canarios. Participó en un experimento que se hizo de forma simultánea en los dos emplazamientos en el que se pudo demostrar que el contacto entre los fotones es instantáneo pese a las distancias.
Lógicamente a medida que aumenta el conocimiento van surgiendo más preguntas que respuestas, por ejemplo, le llama la atención que más de un 80% del Universo sea totalmente desconocido y por ello se denomina materia y energía oscura, la teoría de que el espacio está conformado por cuerdas que vibran con distintos sonidos o las dimensiones paralelas. Todo mezclado con dibujos de los años cincuenta y sesenta, lo que justifica a que simplemente le gusta esa estética.
Cree que vivimos en el futuro pese a que ella se imaginaba que a estas alturas estaríamos vestidos como los personajes de Star Trek, pero poder contar con móviles, realizar operaciones quirúrgicas a distancia o mediante láser o los avances informáticos y científicos le ha llevado a esa conclusión. Lo contradictorio es que la ciencia va por delante de una realidad que no resulta nada esperanzadora y que es más accesible a una casta que a la totalidad de la población.
Es rotunda al rechazar de plano la Inteligencia Artificial (IA) en su uso para el arte en cuanto que se apropia del trabajo de los demás sin que los autores reciban nada a cambio, dada la existencia de un auténtico vacío legal que les impide reclamar derechos de autor.
Asegura que siente atraída e influenciada por el movimiento llamado Poesía Visual que se asentó hace décadas en Austria. El hecho de contar historias por medio de secuencias la sitúa más cerca de las viñetas que de los cuadros estáticos, “necesito relatar algo, no sólo transmitir sensaciones a través de una ilustración”.
Konrad tiene una legión de seguidores con muchos de los cuales está en contacto continuo y se acercan a su taller en Austria, por ello una y otra vez se marca el reto de implicarse más en las redes sociales, aunque habitualmente acaba tropezando con el aburrimiento.
La Fundación Cine + Cómics le otorgó en 2019 el premio Ilustración y desde que tomó contacto con la misma ha podido llenar el vacío que le ha dejado el cierre del taller. Las primeras colaboraciones tuvieron lugar en el Salón del Cómic de 2018 cuando eligieron cuatro cuadros suyos y desde entonces la relación ha sido constante. La autora equipara a esta cita anual tinerfeña con otras organizadas en su país, el secreto del éxito radica en que, por una desconocida razón, se deben llevar a cabo en localidades sin demasiada población y contar con el mayor número de colectivos culturales posibles.
Lo importante es que la creadora ha conseguido cumplir el sueño de poder vivir de su trabajo creativo gracias a las ventas de sus obras, “pero tal y como está el mundo no se sabe lo que va a pasar mañana…”, indica.
Su próximo proyecto promete ser tan sorpresivo y original como los demás. Aborda un mundo en el que se utiliza la publicidad, pero al contrario de lo que ocurre hoy en día, el objetivo es evitar el consumo desmedido que bajo su punto de vista es el origen del cambio climático y un futuro nada halagüeño.
Sobre la pregunta principal de si en todo ese mundo propio que ha creado tiene cabida la existencia de un dios, se declara atea o en todo caso mantiene que se trataría de una figura al estilo de la que defendía el filósofo Spinoza y que acogió Einstein. Un ser supremo que al final viene a ser el propio Universo.
Ramón González y Daniel Fumero, director y cofundador del Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera, charlan con Culturamanía sobre la evolución del festival, sus objetivos y las sorpresas que nos esperan en la próxima edición.
El Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera se ha convertido en un evento importante en el cine fantástico de España. Desde su primera edición en 2017, el festival ha ido creciendo de manera notable, hasta convertirse en una cita imprescindible para los aficionados al género.
Para empezar, ¿cómo describirían la evolución del Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera desde sus inicios hasta la actualidad?
Ramón González: Trepidante. Algo que no esperábamos y que fue creciendo según nuestra asociación crecía. Creo que estamos en un punto en el que nos sentimos cómodos y tenemos un programa muy redondo.
Daniel Fumero: Desde la primera edición, el festival se ido adecuando a los medios, la experiencia y la agenda que se ha ido adquiriendo con los años. Comenzamos con un evento muy modesto que ha ido creciendo de manera natural.
El Festival se ha convertido en un evento importante en el cine fantástico de España. ¿Cuáles creen que son los factores clave que contribuyen a su éxito y crecimiento en España?
Ramón González: En primer lugar, hemos logrado tener un equilibrio entre la programación, los invitados, los eventos, etc. que nos permiten una pluralidad de actividades muy atractiva. Por otro lado, la imagen y la proyección exterior la hemos cuidado y trabajado mucho. Estar en Sitges, en Madrid, San Sebastián, Venecia, etc. nos ha servido para aprender y exportar nuestro festival más allá de nuestra región.
Daniel Fumero: Isla Calavera es un festival hecho por fans, para los fans. La pasión, la energía y la constancia que invierte cada uno de los miembros de la organización es determinante a la hora de llevar a buen puerto el proyecto. En el equipo hay profesionales que llevan años trabajando a mucho nivel en sus campos y han volcado todo su “know how” en Isla Calavera.
Además del festival, ustedes también están involucrados en las Charlas de Cine y el Aula de Cine de la ULL en los Multicines Tenerife. ¿Podrían compartir cómo estas iniciativas se conectan con el festival y su visión para la promoción del cine?
Ramón González: Charlas de Cine unió al grupo que hoy realiza el festival. Es decir, el cariño por el gran cine, el compartir una afición nos llevó a conocernos y realizar más y mejores actividades. Creemos que sin la pasión que sentimos por el cine, no tendríamos el programa anual de eventos que tenemos.
Daniel Fumero: Charlas de Cine y el Aula de Cine son dos iniciativas de carácter anual que comparten la divulgación del séptimo arte y a nivel organizativo comparten los mismos valores que el festival, aunque ajustándose a distintos presupuestos. Nuestra intención es que el público regrese a las salas de cine, que redescubran y disfruten el cine.
¿Cuáles han sido los momentos más memorables o emocionantes en la historia del Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera hasta ahora?
Ramón González: Para mí, tener una foto en la que David Naugthon mira su mano, con la cara que puso en la película Un hombre lobo americano en Londres, con Rick Baker agachado, fingiendo que eleva su mano como en la película (y encima yo estando al lado de ellos) eso fue muy emocionante.
Daniel Fumero: En mi caso, recibir a Rick Baker y David Naughton en Tenerife me produjo especial emoción. Otros momentos inolvidables son: ver la cabaña de Posesión infernal construida en el vestíbulo de Multicines Tenerife¨; la primera vez que subimos al escenario para presentar el proyecto; el anuncio de la implicación del municipio de San Cristóbal de La Laguna me produjo una especial satisfacción y tener la certeza que todo había cambiado para el proyecto.
El cine fantástico abarca una amplia gama de géneros y estilos. ¿Cómo seleccionan las películas que se presentarán en el festival y qué criterios siguen para elegirlas?
Ramón González: Buscamos una programación variada, que tenga lo mejor de cada año en el cine fantástico y que dé un plus, un valor a la proyección que no tendrás en plataformas o en la programación de salas de cine. También reparamos en las tendencias, en el cine español, canario y europeo, dejando espacios importantes en el programa.
Daniel Fumero: Cada año hay un “catálogo” de producciones que “pujan” por entrar en las selecciones de los festivales y desde Isla Calavera buscamos destilar esta oferta, abarcando distintos subgéneros y sensibilidades del fantástico.
Hablando de películas, ¿cuál es su película de género fantástico favorita de todos los tiempos? ¿Y por qué?
Ramón González: Blade Runner. Y el porqué, se lo debo al personaje de Rachael. Solo el cine fantástico puede mostrar una emoción artificial de dolor ante la pérdida de algo que nunca existió, el amor de una madre que nunca se tuvo porque fue un sentimiento implantado. Tela. A eso, ponle la estética de una maravillosa película, bajo la dirección de un artista como Ridley Scott y tendrás una obra de arte del género fantástico. ¡Ah! Que no se me olvide la cara de Sean Young con la partitura maravillosa de Vangelis.
Daniel Fumero: Yo soy muy clásico en este aspecto. Mi triada de títulos favoritos podría enmarcarse en Posesión Infernal, El Exorcista, El Retorno del Jedi. No obstante, podría elegir otros títulos de cabecera como Se7en, Spiderman de Sam Raimi, Superman o La Profecía de Richard Donner, etc.
Sam J. Jones, conocido por su icónico papel como Flash Gordon en la película de 1981, será honrado con el Premio Leyenda del Fantástico en el festival. Además, el actor Richard Dreyfuss recogerá en Tenerife el Premio Isla Calavera de Honor 2023. ¿Pueden compartir qué los llevó a seleccionar a Sam y Richard para estos premios y qué significa para el festival reconocer sus contribuciones al género fantástico?
Ramón González: Todo artista del cine, tiene su cabida en nuestro evento. Nosotros valoramos en primer lugar las posibilidades, siempre bajo el parámetro de la calidad, de la contribución al séptimo arte y del valor de esa persona. Tener este año a dos figuras tan emblemáticas es muy importante para nosotros, para Isla Calavera y para Tenerife. Es un sueño.
Daniel Fumero: Hay figuras en la historia del cine cuya influencia es incontestable. Ellos son parte de la cultura popular. No hay que dejar pasar la oportunidad cuando sus agendas les permite visitarnos en el mes noviembre. Como sucede con estos dos invitados, y otros que aún están por anunciar, llevamos años para que estas piezas encajen.
¿Cuáles son las películas o eventos más destacados que los asistentes pueden esperar en la próxima edición del festival? ¿Podrían adelantarnos alguna sorpresa?
Ramón González: Destaco la entrevista que realizaremos a Joe Dante. Siempre que realiza un encuentro con el público cuenta experiencias y anécdotas muy buenas sobre su trayectoria. También tengo especial interés por ver la master class que realizará que realizará Colin Arthur sobre su trabajo y trayectoria en más de 50 años como creador de efectos visuales.
Daniel Fumero: Sin duda será la edición más grande y ambiciosa del festival realizada hasta la fecha. Hemos denominado como “Eventos” aquellas proyecciones que recibirán la visita de los invitados. Por otra parte, como aficionado, no me perdería ninguno de los largometrajes y cortometrajes de la Selección Oficial, ni de la Sección Panorama. En definitiva, no me perdería nada.
En la pasada edición del festival, se creó el Club de Fans Isla Calavera, una iniciativa entusiasta por parte de los seguidores del festival. ¿Qué opinión tienen sobre la formación de este club y cómo creen que puede contribuir al festival?
Ramón González: Es un lujo para todo evento tener seguidores fieles que apoya y contribuyen al trabajo que está detrás de un festival como el nuestro.
Son personas que adoran el festival, y eso es el mejor reconocimiento que podemos tener. La organización del Festival Isla Calavera les escucha y también mejora y corrige aspectos que se ven mejor desde el lado del público.
Daniel Fumero: Nosotros creamos y organizamos el festival siendo los mayores fans de Isla Calavera. En este sentido, nos agrada muchísimo el haber contagiado esta pasión a más gente.
Por último, si tuvieran que crear su propia película de género fantástico, ¿qué título le darían y cuál sería la premisa básica de la historia?
Ramón González: Yo haría una película anclada en la conquista de Canarias, en la que alguna de nuestras leyendas fuese clave en la misma. El título que le daría… eso me lo guardo, no vaya a ser que logre algún día realizarla. (jajaja)
Daniel Fumero: Mi película se titularía “Ten cuidado con lo que deseas” y trataría de un grupo de aficionados al cine que logran hacer realidad sus sueños.
Es imposible decir algo nuevo de Jurassic Park, 30 años después. Se sabe cómo se redactó el guion, cómo se crearon las animaciones y animatronics, cómo se realizó el casting, cómo trabajó Spielberg, lo sabemos todo. El más nimio detalle de esta película ha sido estudiado, diseccionado, analizado y ponderado y, sin embargo, su proyección, como degustación de la próxima cita del Festival de Cine Fantástico Isla Calavera entre el 10 y 19 de noviembre, fue todo un éxito de asistencia; sold out garantizado desde que anunciaron la proyección.
El origen de la película se encuentra en la respuesta dada por Michael Crichton en forma de novela al dilema de si todo lo que podemos lograr por medio de la ciencia es ético llevarlo a la práctica, véase la clonación de seres vivos, anticipando el debate generado con la clonación de Dolly, la oveja más famosa del mundo (dejando al margen la oveja Shaun). La consecuencia fue Jurassic Park, un bestseller mundial y un caramelo para el cine. Hasta tal punto lo tenía claro Crichton, que incluso antes de publicar su novela, ya le había puesto precio a sus derechos para llevarla a la pantalla: 1,5 millones de dólares y un jugoso porcentaje sobre lo recaudado.
El éxito de la proyección, el mismo éxito que 30 años antes, seguramente se explica porque Jurassic Park no es solo una película, es toda una emoción que nos traslada a nuestra infancia, a esa época en donde soñábamos con mundos perdidos o viajes al centro de la Tierra a través del tamiz de los tebeos de las Joyas Literarias Juveniles de Bruguera. Y ese sentimiento lo explotó perfectamente Spielberg quien, y aquí viene un topicazo, volvió a ser el Rey Midas. Tampoco es que en su momento fuera una apuesta ciega, ya que, desde el mismo amanecer de la industria cinematográfica, los dinosaurios habían demostrado ser unos seres que abría las puertas de nuestra imaginación. No olvidemos que incluso una filmación realizada en stop motion y presentada por Arthur Conan Doyle, fue certificada como un viaje a una dimensión paralela al mundo de los dinosaurios, como una realidad. Si los dinosaurios son personajes emotivos, los parques temáticos son espacios muy queridos para el público, sobre todo cuando todo se van de madres como ocurría en WestWorld (¡maravilloso título en Venezuela y México: Oestelandia!) que, ¡vaya!, también es un libro de Crichton y que fue la primera película en donde se emplean escenas generadas por ordenador, el éxito no es que estuviera asegurado, sino certificado antes de rodar el primer plano. Y eso explica que los grandes estudios redoblaran sus esfuerzos para hacerse con los derechos: Warner Bros, con Tim Burton; Columbia Pictures, con Richard Donner; o 20th Century Fox, con Joe Dante. Y aquí viene una de las sorpresas anunciadas durante la charla posterior entre Miguel Ángel Rodríguez, Ramón González, Vanesa Bocanegra y Daniel Fumero: la presencia en el Festival Isla Calavera de Joe Dante, director entre otras películas de Gremlims, Pirañas o Aullidos, con la proyección de su película Exploradores, de la cual se harán pases matutinos para los centros escolares. Estos nombres se unen a los ya anunciados de Richard Dreyfuss, Eduardo Noriega o Sam J. Jones, así como la proyección del clásico del fantaterror hispano Pánico en el Transiberiano con la presencia de su protagonista, Silvia Tortosa acompañada de Víctor Matellano. Y como la noche iba de sorpresa, también anunciaron un masterclass del genio de los efectos Colin Arthur.
Seguiremos soñando con dinosaurios, seguiremos trepidando con Jurassic Park por 30 años más, si el cuerpo aguanta, pues como hemos dicho no es simplemente una película, es un viaje a esa parte de nuestra niñez en donde nacieron las emociones, donde la imaginación nos hizo volar en el tiempo.
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