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Carnaval en el cine: 5 películas donde el carnaval toma protagonismo

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«Black Orpheus» (1959): Esta película brasileña dirigida por Marcel Camus sigue a Orfeo, un músico en el Carnaval de Río de Janeiro que se enamora de Eurydice. La trama se desarrolla en el trasfondo del desfile de Carnaval y presenta hermosas imágenes de la ciudad y la cultura brasileña.

«The Saddest Music in the World» (2003): Dirigida por Guy Maddin, esta película se desarrolla en Winnipeg durante la Gran Depresión. Una rica cervecería organiza un concurso para encontrar la canción más triste del mundo para promocionar sus productos durante el Carnaval de la ciudad. La película es una mezcla de comedia, drama y música.

«Ella Enchanted» (2004): Esta película de fantasía dirigida por Tommy O’Haver sigue a una joven llamada Ella, quien vive en un mundo mágico en el que el Carnaval es un evento importante. Ella tiene un hechizo que la obliga a obedecer a todos los que le dan órdenes, lo que la lleva a una aventura para romper el hechizo.

«Carne trémula» (1997): Dirigida por Pedro Almodóvar, esta película española tiene lugar en el Carnaval de Madrid. La trama sigue a un policía que, tras disparar accidentalmente a un hombre en el Carnaval, se enamora de su esposa. La película es una mezcla de drama y comedia negra.

«The Mask (La Mascara)» (1994): Esta comedia de superhéroes dirigida por Chuck Russell sigue a Stanley Ipkiss, un empleado de banco tímido y desafortunado que encuentra una máscara mágica que lo convierte en un superhéroe loco durante el Carnaval de Edge City. La película es conocida por la actuación de Jim Carrey como el protagonista, y presenta escenas de acción y comedia.

Adrián Gómez opina sobre la película Ant-Man y la Avispa: Quantumanía

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» El tiempo lo es todo» dice uno de los personajes en la última escena post- créditos. El MCU llevan dando la murga (efeméride carnavalera obliga) unos quince años, con una veintena de producciones, de las que apenas se salvan (artísticamente) tres o cuatro, y si añadimos Daredevil de Netflix. El megalómano de Kevin Feige comienza la fase cinco (que agotamiento, por Dios) con la tercera entrega de la saga iniciada por Edgard Wright (cineasta con talento que, al igual que Kenneth Branagh, salió echando pestes de la churrería). Peyton Reed recogió el testigo y nos ofreció dos entregas con puro Feeling eightie, del que se desmarca en esta tercera (y mejor) parte, constituyendo una grata sorpresa, cómo sucedió con No way home, hace año y medio.

Así, como en la citada secuela arácnida, más la primera media hora de Eternals o el segmento central de Endgame, se atisban diversos aciertos creativos, por lo general ajenos a la casa desde Soldado de Invierno. No me olvido de la genial película de animación sobre el Spider-verso. De resto, material desechable prefabricado en serie. Y en TV más de lo mismo.

Aires Pulp rodean esta aventura en el reino cuántico, un mundo subatómico, presidio durante largo tiempo de Janet Van Dyne (Michelle Pfeiffer, en una espléndida madurez) , esposa de Hank Pym (un Michael Douglas que ocupa más tiempo en pantalla que en las anteriores), ambos, no olvidemos; verdaderos miembros fundadores de Los Vengadores, circunstancia olvidada por el » maravilloso universo cinematográfico», con sus disparates anacrónicos…Scott Lang junto con su hija y Hope (Paul Rudd, Kathryn Warton y Evangeline Lilly) son arrastrados por accidente, a dicho lugar, donde microorganismos y subespecies se alían en clanes, formando una rebelión contra el rol estrella del film, en una enloquecida combinación entre el cine de Jack Arnold y el mundo literario de Edgar Rice Burroughs, en una entretenida película de aventuras, que comienza como Cariño he encogido a los niños, enlazando con el final de El increíble hombre menguante prosigue como Viaje Alucinante, y desemboca en Pellucidar, o John Carter de Marte. Enmarcada en un sugestivo universo, cuyos diseños son pura delicia para el fan de los cómics o la space opera, impera el CGI, de acuerdo, pero aquí fundamentado necesariamente. El humor imbécil está reducido considerablemente, y el ritmo es adecuado, sin dilatar metraje gratuitamente, para alcanzar supuestos niveles de trascendencia, como en la insufrible y tediosa Infinity War…otra cosa, el trepidante guión de Jeff Loveness (Rik y Morty ) presenta caracteres como Modok (regreso de Corey Stoll), que no terminan de funcionar en imagen real, ni visual ni psicológicamente, cómo hicieron con el monigote digital del titan loco, desastroso en todos sus aspectos, mal desarrollado (ojo, en el cine) durante diez años, con un perfil tan ramplón y vergonzoso, que nada tiene que ver con la creación de Jim Starlin…y a lo que vamos…

Nada de eso ocurre con la presentación de Kang El Conquistador, un magistral Jonathan Majors (Territorio Lovecraft, Creed III, Devotion), cuyas inquietudes, miedos, anhelos, y objetivos, están tan perfectamente escritos como interpretados. Es cierto, que saldría ganando con un actor más maduro, pero supera con nota a otros intentos como Daniel Bruhl (Barón Zemo) Julian Mcahon o Toby Kebell (Dr. Muerte, esto ya en Fox) o…. Josh Brolin (Thanos… aunque está excelente como Cable en Deadpool). La majestuosidad que desprende así como la aureola de misterio y leyenda que enarbola hasta su aparición, realza una figura importante en el devenir de los acontecimientos de éste (interminable) ciclo. Al parecer, introducido en Loki (no pasé del piloto) , aquí han hecho las cosas bien, cómo se demuestra en los créditos finales.

Han crecido? No más que las hormigas porque, al igual que éstas, siguen construyendo sin prestar atención al resultado final… producir, producir… pero disfrutemos de este pequeño oasis entre tanta mediocridad…no es buena, pero es menos mala… y eso, con ésta gente, ya es mucho decir.

Dos apuntes; se condiciona el clímax con la única concesión woke en todo el film, para justificar el título conjunto. El peso del personaje de Janet (la auténtica Avispa y, en cierta etapa, líder de los Vengadores en las viñetas) si está bien fundamentada en la historia.

Atención a Bill Murray, en un papel atípico y, por primera vez, hasta mezquino. Otra sorpresa. Muy disfrutable

Imagen promocional de la película

Netflix anuncia ‘Pluto’, la serie de anime basada en el popular manga de Naoki Urasawa y Takashi Nagasaki

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Hoy Netflix ha anunciado una serie de animación basada en el manga Pluto. Se estrenará este año y cuenta con GENCO, que llevará la producción, y con M2STUDIO, que se encargará de la producción de animación.

El manga Pluto, considerado por muchos una obra maestra, se basa en el argumento de 1964 Astro Boy ‘El mejor robot sobre la faz de la Tierra’, de Osamu Tezuka, y es una creación de Naoki Urasawa (20th Century Boys, Yawara!, Master Keaton) y su cocreador de toda la vida, Takashi Nagasaki.

Este drama de suspense está ambientado en un mundo neofuturista, donde los humanos y los robots de alto rendimiento viven en completa armonía. El manga, aclamado en todo el mundo, ha ganado numerosos galardones, entre ellos el Premio Cultural Tezuka Osamu. Ante la gran demanda del público, la adaptación teatral de 2015 de Pluto regresó en 2018 y salió de gira por Japón y Europa.

«Aplaudo la valentía de todos los que han aceptado el reto de hacer un anime basado en ‘Pluto’. Estoy entusiasmado con el nacimiento de esta nueva serie, que conquistará el corazón del público. Y espero que, hoy más que nunca, el mundo escuche el mensaje de Osamu Tezuka», dice el autor Naoki Urasawa.

El coautor Takashi Nagasaki añade: «‘Pluto’ hereda la filosofía de Tezuka y no se limita a transmitir un mensaje antibélico, sino que nos recuerda que hay sufrimiento en ambos bandos, pero que, aun así, la única respuesta posible es la paz».

El supervisor Macoto Tezka, hijo del difunto Osamu Tezuka, añade: «Este ‘Pluto’ es auténtico de pies a cabeza y, además de ser la obra más reciente de Urasawa, también es una nueva obra de animación de Tezuka. Estoy deseando ver cómo resulta esta nueva generación de anime».

Detalles del proyecto: Basado en el manga homónimo de Naoki Urasawa y Osamu Tezuka, con Takashi Nagasaki de coautor y Macoto Tezka de supervisor, junto con la colaboración de Tezuka Productions

Producción de animación: Studio M2

Producido por: GENCO

Reparto de actores de doblaje (japonés)

  • Gesicht: Shinshu Fuji
  • Atom: Yoko Hikasa
  • Uran: Minori Suzuki

Filmin estrena el thriller «Jerk», de Gisèle Vienne, premiado en el Festival de Sitges

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Filmin estrena el debut cinematográfico de la artista multidisciplinar Gisèle Vienne, un thriller que adapta su performance más popular.

Filmin estrena, en exclusiva en España, el thriller «Jerk«, de la artista franco-austríaca Gisèle Vienne, el próximo viernes 24 de febrero. Este thriller teatral, ganador del premio a la Mejor Película de la sección Nuevas Visiones en el Festival de Sitges, relata los crímenes reales cometidos en los años 70 en Texas por Dean Corll, quien torturó, violó y asesinó a más de veinte jóvenes con la ayuda de dos adolescentes, David Brooks y Wayne Henley.

La película, de apenas una hora de duración y filmada en plano secuencia, utiliza una puesta en escena minimalista con un único actor, Jonathan Capdevielle, y cinco marionetas para crear un cara a cara con el lado más perverso de la naturaleza humana. De hecho, una de las disciplinas escénicas con las que trabaja Vienne son las marionetas: «Me cautivan los cuerpos artificiales en nuestra cultura y nuestras relaciones con ellos. En nuestra sociedad, la forma humana de un objeto siempre resulta confusa; provoca sensaciones de extrañeza. Me interesan las artes escénicas y las marionetas en todas sus formas, desde su historia religiosa hasta sus formas más entretenidas y comerciales».

«Jerk» es una apuesta atrevida en su forma y contenido que se convierte en un tour de force actoral para Capdevielle, quien interpreta a David Brooks, el adolescente que ayudó a Corll en sus crímenes y que ahora cuenta su historia a través de un espectáculo que reconstruye su imaginario. En su actuación, Capdevielle encarna un personaje perturbador que explora la complejidad y los límites de la mente humana y su capacidad para el mal.

Antes de convertirse en una película, «Jerk» fue una performance dirigida y coreografiada por la propia Gisèle Vienne en colaboración con el reconocido dramaturgo Dennis Cooper, autor de la novela en que se basa. Tras su premiere en 2007, la obra fue seleccionada en multitud de festivales y pudo verse en distintas localidades españolas.

Bwana Devil: Así fue la primera película 3D de la historia del cine en 1952. Por Jesús Hernández

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Bwana Devil es una película estadounidense de 1952 dirigida por Arch Oboler. La película se considera la primera película 3D en la historia del cine comercial, y fue un gran éxito en su época. Bwana Devil cuenta la historia de un ingeniero ferroviario, interpretado por Robert Stack, que es enviado a África para supervisar la construcción de un ferrocarril. Sin embargo, su trabajo se ve obstaculizado por la presencia de dos leones devoradores de hombres que aterrorizan a la población local.

La película fue producida por la compañía independiente United Artists, y se estrenó en noviembre de 1952 en el Teatro Paramount de Hollywood. Fue un gran éxito de taquilla, y en poco tiempo se convirtió en un fenómeno cultural. La gente hacía largas filas para ver la película en 3D, una experiencia que nunca habían tenido antes. El público se sentía atraído por la sensación de inmersión que proporcionaba la tecnología 3D, que hacía que las imágenes parecieran saltar de la pantalla.

United Artists. Douglas Fairbanks Sr, Charlie Chaplin, D.W. Griffith, Mary Pickford, Albert Banzhaf (Lawyer), Dennis 0’Brien (Lawyer).

Pero el éxito de Bwana Devil no fue solo por la tecnología 3D. La película también contaba con una historia emocionante y bien narrada, y un reparto de actores talentosos. Robert Stack, que más tarde se haría famoso por su papel en la serie de televisión «The Untouchables», demostró su habilidad para interpretar a un héroe valiente y decidido. La actriz Barbara Britton, que interpretaba el papel de la esposa del personaje de Stack, aportaba una presencia elegante y sofisticada a la película.

Además, la película tenía un trasfondo histórico interesante. El ferrocarril que se estaba construyendo en la película era en realidad el Ferrocarril de Uganda, que fue construido en la década de 1890. La película se basó en un incidente real en el que dos leones mataron a varios trabajadores que construían el ferrocarril, y que fueron finalmente cazados por un cazador llamado John Henry Patterson.

A pesar de su éxito, la tecnología 3D todavía tenía algunas limitaciones en ese momento. Los espectadores debían usar gafas especiales con lentes de color rojo y verde para ver la imagen en 3D, lo que podía causar mareos y fatiga ocular. Además, la tecnología solo funcionaba bien en salas de cine grandes y bien iluminadas, por lo que la experiencia podía ser diferente en cada cine.

Aunque el cine 3D no fue una novedad del siglo XXI, la película Avatar de James Cameron, estrenada en 2009, sí que marcó un antes y un después en la industria. Avatar llevó la tecnología 3D a otro nivel, utilizando cámaras especiales y pantallas gigantes, creando una experiencia totalmente inmersiva para el espectador.

El éxito de Avatar hizo que muchas películas siguieran su ejemplo y comenzaran a utilizar el 3D como un elemento importante en su producción.

Bwana Devil, aunque no se acerca ni de lejos a la tecnología actual, es una película que cambió la historia del cine y se convirtió en un referente para todas las películas que le siguieron en el género. Su legado sigue siendo importante, y continúa inspirando a muchos cineastas a innovar y a crear nuevas formas de entretenimiento.

En conclusión, Bwana Devil es la primera película 3D que abrió las puertas a una nueva forma de ver películas. Aunque el cine 3D ha avanzado muchísimo desde entonces, es importante recordar a las películas pioneras que sentaron las bases de lo que hoy en día disfrutamos.

Imagen promocional de la película

«La libertad es una lucha», John Wick 4 presenta su espectacular tráiler final

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John Wick 4, la próxima película de acción estadounidense dirigida por Chad Stahelski y escrita por Shay Hatten y Michael Finch. La película es la cuarta entrega de la popular serie de películas de John Wick y sigue al legendario asesino a sueldo John Wick, interpretado por Keanu Reeves, en su próxima aventura.

La trama de la película no ha sido revelada oficialmente, pero se espera que continúe la historia del final de la tercera película, en la que John Wick se encuentra en una situación peligrosa después de haber matado a un miembro de la Alta Mesa en el Hotel Continental, lo que le convierte en un objetivo para la comunidad de asesinos.

Además de Keanu Reeves, la película también cuenta con un impresionante reparto que incluye a Donnie Yen, Hiroyuki Sanada, Rina Sawayama, Shamier Anderson, Bill Skarsgard e Ian McShane, entre otros.

La producción de la película comenzó en junio de 2021 y se espera que se estrene en cines el 24 de marzo de 2023. Los fanáticos de la serie esperan que la película siga el mismo estilo de acción emocionante y coreografía impresionante de las películas anteriores y estén emocionados por ver cómo se desarrolla la historia de John Wick en esta nueva entrega.

Tráiler final:

Adrián Gómez opina sobre la película Llaman a la puerta

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Angustioso thriller fantástico donde el genial M. Night Shyamalan vuelve a dar en la diana. Tras varios trabajos de encargo, el director vuelve con La visita (2015) a obtener cierto respaldo crítico. Con Múltiple (2017) y Glass (2019) cierra su trilogía de El protegido con resultados óptimos, y con Tiempo (2021) da una pátina de calidad a los blockbusters de ese verano adaptando el cómic Castillos en la arena.

Ahora, el realizador hindú vuelve a adaptar material ajeno. Ésta vez una novela de Paul Tremblay, planteando casi un episodio de Twitlight Zone, cómo viene siendo habitual en su filmografía. El apocalipsis ahora… literalmente. Cuatro personas se dirigen a una cabaña para intentar remedar el inminente fin del mundo, mediante un secuestro destinado a unas peligrosas elecciones. Una pareja homosexual y su adoptada hija asiática son la clave…o no. El misterio está servido en una puesta de escena casi teatral, con planos cercanos y un excelente aprovechamiento del minimalista espacio. Diversos flashbacks desarrollan a los principales personajes. Aquí no hay inclusión forzosa, basculando la intriga entre una agresión homofóbica, un crimen sectario al más puro estilo » Familia Manson» o una misión divina. El prólogo ya nos pone en situación, tras el encuentro entre la niña Gwen y el personaje de Dave Bautista en la que es sin duda, la mejor interpretación de su carrera hasta ahora. Las referencias a dos clásicos como Frankenstein (1932) o La noche del cazador (1945) son palpables. De hecho, el buen hacer del gigantesco actor hace que el espectador empatice hasta cierto punto con su personaje; en contraste con el rol de redneck interpretado por Rupert Grint (el repelente Ron Weasley en Harry Potter) quién parece haberse convertido en un intérprete competente.

Inquietante y perturbadora, pues, con grandes dosis de cierta violencia (y no necesariamente visual), toca el palo místico- cristiano, tan caro para su director, y la lleva, ésta vez si; hasta sus últimas consecuencias.

Perfectamente hermanada, si se quiere, con la también soberbia Men de Álex Garland, Shyamalan vuelve a dar en el clavo con esta Rara Avis, en estos tiempos de idiotez en el cine de evasión. Como muestra, una anécdota. Un compañero cinéfilo presente en la sala, me cuenta que tras la proyección, un grupo de gente se levanta, señalando » no…esto no es Marvel»..

No, definitivamente no es Marvel… afortunadamente.

Otra joya en una cartelera, cada vez más formularia, repetitiva y sin ideas.
Esto es otra historia… pero no hay sacrificio que nos libre de tanta mediocridad audiovisual.
Menos mal que nos queda gente como el director de El sexto sentido… No se la pierdan.

Imagen promocional de la película

Se anuncia el reparto de la miniserie de Netflix «Eric», con Benedict Cumberbatch como protagonista principal

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Benedict Cumberbatch protagonizará este thriller de seis partes, de la guionista Abi Morgan, junto con Gaby Hoffmann y McKinley Belcher III

Noticias sobre el reparto

  • Vincent Anderson – Benedict Cumberbatch
  • Cassie Anderson – Gaby Hoffmann
  • Inspector Michael Ledroit – McKinley Belcher III
  • Lennie Wilson – Dan Fogler
  • George Lovett – Clarke Peters
  • Edgar Anderson – Ivan Morris Howe
  • Anne Anderson – Phoebe Nicholls
  • Matteo Cripp – David Denman
  • Yuusuf Egbe – Bamar Kane
  • Cecile Rochelle – Adepero Odyue
  • Raya – Alexis Molnar
  • Ronnie – Roberta Colindrez

Acerca de Eric

Eric es un nuevo y emotivo thriller de Abi Morgan ambientado en la Nueva York de los ochenta. Narra la búsqueda desesperada que emprende un padre cuando Edgar, su hijo de nueve años, desaparece por la mañana de camino al colegio. A Vincent, uno de los marionetistas más destacados de Nueva York y creador de una popularísima serie televisiva infantil, le cuesta horrores lidiar con la pérdida de Edgar y está cada vez más angustiado e inestable. Se odia a sí mismo y se culpa de la desaparición. En ese estado, se aferra a los dibujos que hacía su hijo de un monstruo azul, una marioneta llamada Eric, convencido de que si logra que Eric salga por la tele, Edgar volverá a casa. El comportamiento de Vincent, cada vez más destructivo, lo distancia de su familia, de sus colegas y de los policías que intentan ayudarlo. Será Eric, ese delirio fruto de la necesidad, quien se convierta en su único aliado en la lucha por traer a su hijo a casa.

  • Ya ha empezado el rodaje de la serie, que se filmará en Hungría y Nueva York.
  • Producida por SISTER (Chernobyl, Esto te va a doler, Cómo meterse en un jardín) y coproducida por Little Chick (The Split)
  • Creadora y guionista: Abi Morgan, Oficial de la Orden del Imperio Británico premiada con el BAFTA y el Emmy (River, Sufragistas, The Split)
  • Productores ejecutivos: Abi Morgan, Jane Featherstone (Chernobyl, Esto te va a doler), Lucy Dyke (The Split, Black Mirror), Lucy Forbes, premiada con el BAFTA (‘Esto te va a doler’, ‘In My Skin’, ‘The End of The F***ing World’) y Benedict Cumberbatch.
  • Directora: Lucy Forbes
  • Productora: Holly Pullinger (Esto te va a doler, Don’t Forget The Driver)
  • La creadora, guionista y productora ejecutiva Abi Morgan dijo: «Eric es un recorrido oscuro y demente por el corazón de la Nueva York de los ochenta y el mundo bueno, malo y feo de Vincent, el brillante marionetista de un programa infantil muy popular de la televisión estadounidense. La oportunidad de trabajar con Benedict y con el equipo creativo de Sister y Netflix es irresistible. Y, con Lucy Forbes al timón, me siento afortunada por estar trabajando en una época de tanta creatividad en el sector. Espero que ‘Eric’ sea una grata aportación».
  • Las productoras ejecutivas Jane Featherstone y Lucy Dyke dijeron: «Cuando Abi nos propuso hacer ‘Eric’ se nos puso la carne de gallina. Es un guion extraordinario, inspirado en la experiencia de Abi en la Nueva York de mediados de los ochenta, una ciudad podrida hasta la médula, pero a punto de cambiar. Lo que ha escrito Abi es a la vez un tenso thriller y un retrato íntimo de un padre delirante que busca a su hijo con un monstruo llamado Eric pegado a los talones. Nos hace muchísima ilusión que ‘Eric’ tenga de protagonista al premiadísimo Benedict Cumberbatch y de directora a la brillante Lucy Forbes. ‘Eric’ va a ser una miniserie increíblemente única y especial, y estamos encantadas de colaborar otra vez con Abi, nuestra socia creativa de siempre».
  • Formato: Miniserie
  • Episodios: 6 episodios de 60 minutos

Descripciones de personajes

Vincent Anderson (Benedict Cumberbatch)

Vincent, uno de los marionetistas y fabricantes de títeres más destacados de Nueva York, es el creador del popularísimo programa infantil televisivo Good Day Sunshine. Es brillante y carismático pero narcisista, inestable en lo profesional y descuidado en lo personal, pues tiene abandonados a su mujer, Cassie, y a su hijo, Edgar.

Cassie Anderson (Gaby Hoffmann)

Cassie nació y se crio rodeada de privilegios en una granja del norte del estado de Nueva York y se enamoró de Vincent cuando estudiaba Bellas Artes. Pero todo eso fue antes de enfrentarse a la cruda realidad de la vida. Es una madre dulce y cariñosa con Edgar, pero está siempre bregando con Vincent, harta de que sea tan inestable y mujeriego.

Inspector Michael Ledroit (McKinley Belcher III)

Ledroit lleva veinte años en el cuerpo de policía, sobre todo en la brigada antivicio, y es inspector jefe de la Unidad de personas desaparecidas desde que tuvo que echar una mano al desbordado departamento. Ledroit se esfuerza a diario por ocultar su sexualidad y su vida con su pareja de siempre, William, pero cuando su secreto se convierte en un obstáculo para su trabajo, debe escoger entre proteger su identidad y resolver un caso.

Lennie Wilson (Dan Fogler)

Lennie Wilson es el mejor amigo de Vincent, colega suyo y un brillante marionetista y fabricante de títeres hecho a sí mismo. Es un soltero empedernido que está muy unido a Edgar y suele pasarse por el taller de Good Day Sunshine.

George Lovett (Clarke Peters)

George Lovett, el encargado de mantenimiento del edificio donde vive Edgar, es un vecino simpático que tiene pocas cosas, pero las pocas que tiene las atesora. Sus hijos ya no le hablan y se hace amigo de Edgar, a quien deja jugar en su piso siempre que sus padres se pelean.

Edgar Anderson (Ivan Morris Howe)

Edgar es un niño de nueve años con talento artístico pero muy retraído que, inspirado por los títeres de la serie de su padre, Good Day Sunshine, un programa infantil de marionetas, quiere fabricarse una.

Anne Anderson (Phoebe Nicholls)

Anne es un ama de casa elegante pero frágil, esposa del magnate inmobiliario Robert Anderson y madre de Vincent, quien hace lo posible por conectar con ella y se ha labrado una vida totalmente opuesta a todo lo que Anne y Robert quieren ser.

Matteo Cripp (David Denman)

El capitán Cripp, director de la comisaría y jefe de Ledroit, es todo un lince. Tiene una buena relación con Ledroit y, como mentor suyo, se preocupa por él. El caso de Edgar acapara la atención de los medios de comunicación y genera presión por parte de las altas esferas. Cuando Ledroit cree que la desaparición de Edgar podría estar relacionada con la de Marlon Rochelle, un chico de 14 años que se esfumó hace casi un año, Cripp le urge a quitárselo de la cabeza, deseoso de que Ledroit cierre el caso cuanto antes.

Yuusuf Egbe (Bamar Kane)

Yuusuf Egbe vive entre los sin techo bajo Nueva York, en los túneles abandonados del metro. Es un grafitero que va estampando su firma por toda la ciudad, pero nunca pensó que nadie se fijaría en él, y menos un niño de nueve años.

Cecile Rochelle (Adepero Odyue)

Cecilie es una madre afroestadounidense cuyo hijo, Marlon, desapareció hace 11 meses. Marlon era mayor que Edgar y, aunque la policía ha hecho muy poco por encontrarlo, ella no se rinde. Se ha resignado a la idea de que está muerto, pero aun así quiere que lo encuentren.

Raya (Alexis Molnar)

Raya es una amiga de Yuusuf que también vive en la Nueva York subterránea, entre los vagabundos que habitan los túneles del metro abandonados. Es listísima y adicta al crack, y sabe cómo usar su ingenio para procurarse sus dosis, lo cual a veces supone un peligro para ella misma y para quienes la rodean.

Ronnie (Roberta Colindrez)

Ronnie es una legendaria marionetista que trabaja en Good Day Sunshine con Vincent y Lennie, sus colegas de toda la vida. Es inmune a los encantos de Vincent, lo cual la coloca en una posición privilegiada para ponerlo en su sitio con su ingenio rápido y sarcástico

Filmin estrena «Hilma», de Lasse Hallström («Chocolat»), el biopic sobre la pionera del arte abstracto

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Lasse Hallström («Chocolat») dirige el primer biopic sobre la artista Hilma af Klint, que se estrenará en Filmin el próximo 24 de febrero

Filmin estrena el próximo viernes 24 de febrero, en exclusiva en España, «Hilma«, la nueva película del cineasta sueco Lasse Hallström, nominado tres veces al Óscar y conocido por «Chocolat» y «Las normas de la casa de la sidra». En la película, Lena Olin, también nominada al Óscar y esposa del director, y su hija en común, Tora Hallström, encarnan a la protagonista en diferentes etapas de su vida.

Se trata del primer biopic que profundiza en la vida y obra de Hilma af Klint (1862-1944), la pionera del arte abstracto cuyas creaciones permanecieron escondidas, por su propia elección, hasta 20 años después de su muerte. La artista siempre pensó que el público no estaba preparado para comprender esa forma de arte. Su obra vio la luz por primera vez en el Museo de Arte de Los Ángeles en 1986, pero no fue hasta 2018 cuando, gracias a la exposición monográfica que le dedicó el Guggenheim de Nueva York, su nombre sacudió el mundo del arte y se reveló como una de las primeras artistas abstractas de la historia, anticipándose incluso a Kandinsky, Malevich o Mondrian.

«He pasado varios años tratando de entender el enigma de Hilma af Klint», explica Hallström: «Esta es una historia sobre una búsqueda incansable de la verdad sobre la humanidad y el universo, en una época en la que los hombres establecían todas las reglas.» Hilma af Klint, mediante técnicas experimentales, creó un lenguaje geométrico único que captura la fuerza y el misterio de la filosofía espiritual, corriente imprescindible en la trayectoria de la artista. Asimismo, la pionera desafió la hegemonía masculina del mundo del arte. «A pesar de los obstáculos, Hilma creó un arte que, hoy en día, sigue influyendo en nuestras vidas. Espero que el público experimente estas luchas con todos sus sentidos».

La película también nos descubre su participación en «Las cinco», un grupo de mujeres artistas que combinaban el espiritismo con el arte automático o semiinconsciente, adelantándose a las posteriores corrientes surrealistas. Según los diarios de Hilma, ellas recibían órdenes de «seres superiores» para crear de manera pura e instintiva, sin interferencia del pensamiento. «Eran mujeres muy oprimidas por la sociedad», comenta Olin. «Se reunían para pasar la noche pintando juntas, ya que esa era su única forma de experimentar la libertad. En aquella época había muchas mujeres científicas y artistas que hoy en día la historia ha borrado. Eran fuertes y valientes. Todas debemos sacar a relucir nuestra Hilma interior.«

La serie Bosé se estrenará en exclusiva en SkyShowtime el 3 de marzo

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Bosé es un biopic que sigue la intensa y dramática vida del legendario cantautor Miguel Bosé. Rodeado de un halo de misterio, Miguel Bosé siempre ha sido muy reservado. Por primera vez, la serie rompe los muros y revela las fortalezas y debilidades del cantautor, brindando al público una mirada íntima a su vida. Cada episodio se enfoca en una canción diferente de Miguel Bosé y viaja a través de flashbacks a momentos cruciales en la vida del artista. La línea de tiempo actual de la serie tiene lugar durante la promoción de su álbum multiplatino “Papito”, un momento especial para Miguel personalmente cuando decide hacer realidad un sueño largamente postergado: ser padre. Bosé está protagonizada por José Pastor e Iván Sánchez, quienes retratan a Miguel Bosé en diferentes momentos de su vida.

José Pastor e Iván Sánchez interpretan a Miguel Bosé en diferentes momentos de su vida. Además, parte del elenco incluye a Nacho Fresneda (Luis Miguel Dominguín), Valeria Solarino (Lucía Bosé), Alicia Borrachero (La Tata), Ana Jara (la mejor amiga del cantante), José Sospedra (Pablo Alborch), Miguel Ángel Muñoz (Julio Iglesias) y Mariela Garriga (Giannina Facio), entre otros.

SkyShowtime, el próximo gran servicio de streaming para Europa, completará su exitoso despliegue europeo en 2023, y llevará su oferta premium a sus mercados finales de España y Andorra el 28 de febrero. El servicio de transmisión, que recibió la aprobación regulatoria completa en febrero de 2022, se habrá lanzado en más de 20 mercados en solo cinco meses.

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