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La controversia llega a Filmin con el estreno exclusivo de «El Club del Odio»

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Filmin estrena el 28 de abril la controvertida e impactante película de Beth de Araújo sobre la violencia innata a todo movimiento fascista y el rol de la mujer en la alt-right estadounidense.

Filmin estrena el próximo viernes28 de abril, en exclusiva en España, la que promete ser una de las películas más polémicas e impactantes de la temporada: «El Club del Odio» («Soft and Quiet» en su título original), una película producida por Blumhouse que supone el debut en la dirección de Beth de Araújo. El film, presentado en el SXSW Film Festival de Austin, ha ganado recientemente el Premio del Público del Festival Americana de Barcelona.

«Es gracioso que ahora la gente me identifique con el terror, cuando no he filmado terror en mi vida. Pero me encanta», afirma la directora Beth de Araújo, que ha afrontado un reto mayúsculo en su primer largometrajes al rodarlo íntegramente en plano secuencia. La técnica imprime tensión y desasosiego a la trama, en la que un grupo de mujeres que pretenden fundar una asociación semiclandestina vinculada a la tradlife (un movimiento que aboga por el regreso a los valores tradicionales y que reserva a las mujeres el papel de madres de cuantos más niños mejor para preservar la «raza europea») tiene un encontronazo con un par de mujeres inmigrantes que acaba de la peor manera posible. «Las mujeres vinculadas al movimiento trad que tienen mayor relevancia y seguidores en las redes sociales suelen ser mujeres blancas muy bonitas, muy sofisticadas y con formación universitaria», explica la directora, que añade que estas mujeres, antes de ser madres, procuran ocupar trabajos en los que más puedan influir en la sociedad, como maestras de primaria o enfermeras. 

De Araujo es consciente de la dureza de su película y de las posibles reacciones adversas de parte del público. «Habrá quien se quede sentado en la butaca reflexionando sobre por qué le genera tanta incomodidad la película, mientras que otros no lo podrán soportar y huirán de ella. Pero no creo que haya una manera incorrecta de sentirse y reaccionar. Me encanta que la gente se vea sacudida de algún modo». La directora cree que la presencia de Blumhouse (el sello detrás de las grandes películas de terror de los últimos años) en la producción es un plus: «Tienen tanto prestigio de marca y tantos seguidores que para una película pequeña y sin grandes estrellas como esta es maravilloso contar con ellos».

James Gunn dirigirá la épica película de Warner Bros. Pictures «Superman: Legacy», cuyo estreno está previsto para el 11 de julio de 2025

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(Burbank, CA) – Dando inicio a su DC Universe conectado multiplataforma – Chapter One, Gods and Monsters – los copresidentes y directores ejecutivos de DC Studios, James Gunn y Peter Safran, anunciaron hoy que Gunn, quien escribió el guión, también tomará la timón de la muy esperada «Superman: Legacy», con la producción de Safran. La nueva aventura de acción llegará a los cines de todo el mundo el 11 de julio de 2025.

Superman: Legacy cuenta la historia del viaje de Superman para reconciliar su herencia kryptoniana con su educación humana como Clark Kent de Smallville, Kansas. Él es la encarnación de la verdad, la justicia y el estilo estadounidense, guiado por la bondad humana en un mundo que ve la bondad como algo pasado de moda.  

Gunn dirigirá a partir de su guión basado en personajes de DC. Superman fue creado por Jerry Siegel y Joe Shuster.

Superman: Legacy es el primer título pionero en una lista dinámica de películas, con The Batman Part II del escritor/director Matt Reeves llegando a los cines el 3 de octubre de 2025. La película más reciente de Safran, New Line Cinema’s Shazam! Fury of the Gods, está en los cines de todo el mundo este viernes 17 de marzo de la mano de Warner Bros. Pictures.

Claudio Tolcachir: “Dentro del aula es donde más feliz y libre me siento”

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El reconocido dramaturgo argentino es uno de los ponentes dentro de Campus MAPAS 2023. Este miércoles 19 estará ofreciendo una charla abierta al público en el Espacio La Granja de Santa Cruz de Tenerife.

La versatilidad es una de las características más importantes de Claudio Tolcachir: actúa, dirige y enseña. Aunque para algunos artistas con esta faceta versátil es complicado elegir, Tolcachir no tiene dudas y expresa abiertamente que en el campo de la docencia es donde se siente más cómodo. Según adelanta en esta entrevista, su próximo proyecto teatral es el estreno de ‘Rabia’ en el mes de septiembre.

– Su taller práctico, como primera propuesta de Campus MAPAS, está dirigido a intérpretes y profesionales de las artes escénicas. ¿Qué ofrecerá en esta formación?

El taller que vamos a compartir se trata, pura y exclusivamente, de entrenamiento actoral. La idea es compartir herramientas, experiencias, ejercicios que a mí me han funcionado y que durante estos años he comprobado que son muy útiles a los actores para el trabajo. Para mí, lo más importante es intentar conocerlos, descubrir el aporte que puedo hacer yo como docente y profesor al trabajo de actuación que cada uno tiene e invitarlos a un juego de comunicación, escucha, pensamiento, imaginación y muchísima libertad donde la técnica, la compresión del texto, la relajación del cuerpo incitan a la comunicación.

– ¿Cómo valora el énfasis que MAPAS pone en la formación del sector artístico especialmente en las artes escénicas?

Estos talleres sin duda son un caldo de cultivo. Para mí es un regalo la oportunidad de conocer artistas y actores con los que todavía no me he cruzado ni he trabajado. Además de compartir mi vocación, mi observación y mis ganas de aportar herramientas al trabajo de cada uno de ellos, es una enorme posibilidad de conocerlos, trabajando, jugando, ensayando… Creo que en eso ganamos todos; alumnos, profesores… Los docentes después de un taller así salimos enriquecidos y esa red humana y de conocimientos que se va conformando con este tipo de encuentros queda para siempre.

– ¿Qué opinión le merece la aportación que hacen los mercados profesionales, como es el caso de MAPAS, en la necesaria promoción internacional de artistas y compañías?

En definitiva, todos nosotros somos creadores que deseamos, por un lado, encontrar inspiración y, por otro, compartir lo que nos enciende y conmueve con los demás. Estos espacios que funcionan como puente formativo o puente de producción son muy valiosos.

– Recientemente, dentro de la programación del Festival CAE en Tenerife, hemos podido disfrutar de uno de sus últimos trabajos, ‘Tercer cuerpo’. Nos consta que fue un éxito rotundo con pleno de asistencia, ¿qué experiencia tuvo la compañía con el público, el espectáculo y el montaje en general?

Solo puedo decir que los actores soñaban con quedarse y hacer más y más funciones. Se sintieron muy cómodos con el público y con el espacio y sintieron que era el lugar donde la obra mejor funcionaba. Fue una enorme alegría y regalo para todos ellos hacer funciones en Tenerife, Gran Canaria y Lanzarote. Yo estoy muy agradecido del trato, la acogida y la valoración del trabajo.

– Cuando la obra se traslada a otros países y hay que traducirla a diferentes idiomas, ¿cómo es esa adaptación a nuevos esquemas culturales?

Cualquier texto dramático no tiene nada más que misterios que descubrir y estímulos que proponer. Lo mágico es el encuentro que se da entre ese texto, los cuerpos que van a actuarlo y el espacio que lo propone. Eso cambia aunque uno cambie de elenco aún en un mismo país.

Por supuesto, al cambiar de ciudad, musicalidad o palabras, todo eso estimula. A mí me encanta que los actores aporten al trabajo, escucharlos cuando están en los camerinos conversando, porque todas esas frases, las maneras en las que los actores hablan pueden nutrir mucho al personaje. Cuando uno hace una obra y la imagina trasladable a otro lugar es porque cree que hay una esencia en ella que no tiene que ver con el vocalismo sino con la humanidad de los personajes, así que es importante no solo que los actores nuevos hagan una réplica de los que hicieron los actores viejos, sino que hagan una propia lectura de cara a aprovechar lo nuevo que cada uno de ellos tiene para aportar al personaje.

– En 1999 fundó Timbre 4 en Buenos Aires, hace poco más de un año ha cruzado el charco instalando una nueva sede en España. ¿Cómo ha sido la acogida de su compañía y escuela en Madrid?

Con España en general y con Madrid en particular, tengo la suerte de tener una larga historia de casi 18 años en la que he venido cada año a montar alguna obra con actores de aquí, a traer obras de mi compañía o de gira. En cada uno de esos viajes, realicé talleres con actores que fueron maravillosos. Tuve la oportunidad de conocerlos, de compartir, de probar determinadas herramientas que me interesaban…

Así que la idea de instalarse fue una continuidad orgánica y natural de algo que venía sucediendo. La diferencia radica en tener un lugar que nos brinda la posibilidad de realizar las cosas exactamente como las queremos, de la manera en la que creemos apropiada, la cantidad de horas que necesitamos, etc. Tenemos en mente la posibilidad de ser productora también y abrir en algún momento un teatro donde podamos representar estas obras… Muchos deseos y muchas ganas de hacer cosas.

– Es usted un profesional polivalente, además de dramaturgo y director, es actor y dedica parte de su tiempo a la formación escénica. ¿Sería capaz de elegir entre una de esas facetas?

Yo me formé en lo que en Argentina se llama el ‘teatro independiente’, que son espacios muy pequeños en los que se hace teatro y donde uno aparte hace de todo: actuar, dirigir, limpiar el baño, vender entradas, producir, hacer luces… Tal vez porque yo me formé ahí, me gusta estar en un teatro, en cualquier lugar, estar. Como espectador también. Me gusta mucho la posibilidad de mezclar esos roles.

Cuando actúo, es como el primer amor, el descubrimiento del teatro en mí vino con la actuación. La dirección tiene la construcción de un ritmo y de cómo se cuentan las cosas: el diálogo con el público, el uso del espacio, el estímulo de trabajar con los actores… El docente es el más divertido, tal vez porque no tiene la presión de un estreno o la crítica, ese tipo de cosas que ensucian mucho un trabajo. Es puro deseo e investigación. Es el más libre.

– ¿Qué aporta su rol de docente en esta variedad de dedicaciones?

Para mí, dentro del aula y con los alumnos, es donde más feliz y más libre me siento. Todo ello siempre genera movimientos que se trasladan al espacio de ensayo profesional.

– ¿Tendremos oportunidad de ver próximamente alguna de sus obras en Canarias?

Nada me gustaría más que seguir visitando Canarias con mis trabajos, por ahora seguimos girando con ‘Tercer Cuerpo’ y con ‘Próximo’. A partir de septiembre, estrenamos una nueva obra que se llama ‘Rabia’ que es una adaptación de una novela del argentino, Sergio Vicio, en la cual comparto de dirección con Lautaro Perotti y además actúo.

Filmin estrena la serie «Mayflies», sobre una amistad inquebrantable y una enfermedad terminal

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«Mayflies»: Una amistad de por vida que hace frente a la muerte

Esta serie dramática, una carta de amor a las amistades masculinas que viaja de los años 80 al presente, se estrenará en Filmin el 25 de abril.

Filmin estrena, el próximo martes 25 de abril, la serie «Mayflies«, un drama británico sobre el vínculo incondicional entre dos amigos de toda la vida que un día, a sus 40 y tantos, reciben la peor de las noticias: un cáncer terminal. La miniserie, formada por dos capítulos que intercalan memorias de juventud con el presente, relata la historia real del novelista Andrew O’Hagan –nominado en tres ocasiones al Premio Booker–, que escribió el libro homónimo después de que su amigo de la infancia, Keith Martin, muriera a los 51 años.

«Mayflies es una carta de amor a las amistades masculinas y a lo que éstas significan«, explica O’Hagan, quien también es productor ejecutivo de la serie. «Estas relaciones exigen ciertos cuidados y responsabilidades. (…) Son otro tipo de romance, a menudo ignorado, con el que puedes compartir toda tu vida». Asimismo, los flashbacks de la serie permiten descubrir las raíces de tan bonita e inquebrantable amistad, estrechada a través de la música, las películas y el espíritu rebelde de los años 80. Todo un homenaje a la euforia de la juventud.

La serie está protagonizada por Martin Compston («Line of Duty»), en el papel del autor, Jimmy; y Tony Curran («Underworld: Evolution»), que interpreta a Tully, el amigo enfermo. «No me dejes morir como un imbécil», espeta el último a su compañero. Y mientras todos alrededor de Tully luchan por aceptar el diagnóstico, incluida su esposa Anna (Ashley Jensen, «After Life»), él comienza a plantearse cómo quiere que termine su vida. Pero ¿cuáles son los límites de la lealtad en una situación tan extrema?

Prime Video estrenará en exclusiva la serie de ficción Serrines, madera de actor protagonizada por Antonio Resines

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La serie relata la historia de un actor que necesita dar un giro a su carrera interpretativa para gozar del prestigio que siempre ha anhelado

Prime Video ha anunciado que estrenará en exclusiva la serie de comedia Serrines, madera de actor que aborda la historia de Serrines (Antonio Resines), un intérprete veterano que ha gozado de popularidad en su carrera gracias a su participación en una serie que fue muy famosa hace unos años, pero que no ha logrado su principal aspiración: gozar del respaldo de la crítica y del prestigio en la industria del entretenimiento y entre sus compañeros de profesión. Completan el reparto Jorge Sanz, Lucía de la Fuente, María Morales, Marta Flich, Ginés García Millán, Luis Bermejo, Canco Rodríguez, Jaime Pujol, Carmen Ruiz, Mar Abascal, Teté Delgado, Jesús Castejón y Ana Morgade. Serrines, madera de actor ya ha comenzado su rodaje y se estrenará próximamente en exclusiva en Prime Video.

Cuando está a punto de protagonizar el reboot de esa serie con la que se hizo conocido, Serrines deja en la estacada al servicio de streaming que lo produce y decide dar un nuevo enfoque a su carrera. Para ello, y pese a que siempre ha sido reticente a tener representante, contrata a la hija de su primo y le encarga que le busque obras sesudas en las que pueda interpretar un papel que le consagre como actor. Sin embargo, su objetivo no será nada fácil de conseguir y pronto se verá abocado a participar en campañas publicitarias de productos de segunda fila, entre otros trabajos, para continuar sobreviviendo mientras encuentra el personaje que le permita conquistar a la crítica.

Serrines, madera de actor es una comedia producida por Mediaset España en colaboración con Producciones

Renfield (2023): El narcisismo es gore. Por Pedro J. Mérida

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Si alguna vez han tenido la oportunidad de visitar el escenario emocional que vive la víctima de un narcisista, especialmente en las fases más agresivas de este tipo de relación (y sí, apuesto a que más de uno comprende de lo que hablo y que preferiría que no fuese así…), se darían cuenta que cualquier galería de los horrores vista en cintas de extrema violencia gráfica, como La matanza de Texas o Viernes 13, palidecerían en comparación ante un panorama tan desolador. La víctima siempre queda como un despojo, una cáscara vacía. Un títere que ya no obedece a los principios básicos de la razón, aún con la verdad revelada ardiendo ante sus ojos.

Este tipo premisa, que de alguna manera ha alimentado desde muy diversos enfoques metafóricos a una parte fundacional del imaginario en la tradición vampírica, ya sea en la literatura o en el cine, toma cuerpo en Renfield con una literalidad más que apabullante.

Chris McKay tras la cámara, autor de la mejor película de Batman hasta la fecha (sí, la de LEGO, y estoy dispuesto a batirme en duelo si hace falta manteniendo esa posición hasta mi último aliento) y razón por la que la serie Robot Chicken es una obra cumbre de la animación stop motion que debería estudiarse en todas las universidades del planeta, une fuerzas con el último autor relevante en el mundo del cómic hasta la fecha, Robert Kirkman, para devolver a la vida la franquicia de monstruos clásicos de la Universal tras el descalabro del proyecto Dark Universe.

Imagen promocional de la película

El nombre de Renfield, para todos aquellos familiarizados con el mito creado por Bram Stoker, trae a la mente a esa figura maltrecha en todos sus niveles existenciales (y que hasta la fecha tuvo sus mejores representaciones en la gran pantalla bajo las apariencias de Tom Waits, gracias a Coppola, y de Klaus Kinski en la reivindicable cinta de Jess Franco), marioneta de los designios del Principe de las Tinieblas y que aquí se erige en protagonista absoluto en los rasgos de Nicholas Hoult, actor que se mueve con envidiable soltura en el género fantástico, ya sea con terror juvenil (Memorias de un zombi adolescente), el cine de superhéroes (la segunda iteración de los X-Men para Fox) y las explosiones de genialidad incontestables (porque de ninguna forma no podía dejarme en el tintero Mad Max: Furia en la carretera), perfilándose como la mejor elección para dar la réplica al astro llamado a robarse la función sin apenas esfuerzo: el gran Nicholas Cage en su papel más autoconsciente hasta la fecha.

No es la primera vez que un rol secundario toma aproximación protagonista en una revisión de los rostros clásicos del terror. Me vienen a la mente Victor Frankenstein (Paul McGuigan, 2015), con Daniel Radcliffe en el papel de un Igor sin joroba, o Mary Reilly (Stephen Frears, 1996), con una discutible Julia Roberts como criada al serivicio del Dr. Henry Jeckyll y su oscuro alter ego con los rasgos de John Malkovich.

En esta ocasión hablamos de una cinta que no ambiciona a las aspiraciones artísticas de las dos anteriormente mencionadas, ni cuenta con un presupuesto que podamos decir holgado. Sin embargo Renfield encuentra su mayor virtud en el cariño con el que todos los implicados en el proyecto dan lo mejor de sí para añadir valor al conjunto. Para empezar hablamos de una cinta que se cuenta sin mayores estridencias en unos más que agradecidos noventa minutos, rara avis en unos tiempos en los que las dos horas se han convertido en decreto, y donde el triangulo protagonista entre Hoult, Nicholas Cage (quien de un aparente homenaje a Bela Lugosi en el inicio de la película, se lanza en picado a los territorios expresivos acuñados por Conrad Veidt en películas como El hombre que ríe) y una divertidísima Awkwafina funciona como una máquina de precisión que es capaz de saltar de la comedia de tono más slapstick (hilarante el momento en el que uno de los villanos huye de la policía lanzándoles a la cara paquetes de cocaína…) a la acción desenfrenada que hoy día pueden ofrecer productos como la serie John Wick, sin escatimar lo más mínimo en generosas dosis de hemoglobina inundando el plano, cayendo de manera consciente en el gore más desquiciado e inventivo en una suerte de guiño a los inicios de las carreras de Sam Raimi o Peter Jackson.

En definitiva, Renfield se mantiene en su zona de confort de ser un entretenimiento sin pretensiones, pero tampoco olvida la coherencia del subtexto. Todo lo relativo al narcisismo y las relaciones tóxicas, auténtica plaga social de los tiempos que corren, con figura demoniaca de fondo para potenciar la alegoría, se traduce en momentos realmente álgidos durante los cara a cara dialécticos entre Cage y Hoult. No deja de asombrarme que, en la sesión a la que asistí, los diálogos que ponen de manifiesto la naturaleza tóxica de la relación entre vampiro y asistente fuesen recibidos con sonoros aplausos y carcajadas cómplices en la sala. Y es que Renfield, más allá de sus escasas necesidades por trascender sus márgenes de vehículo de evasión para pasar el rato, para muchos puede ser la llamada de atención de que se están juntando con las personas equivocadas.

Imagen promocional de la película

Podcast: Charla, Damaso «El Brujo»: Crímenes, fuga y final

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Aquí te dejamos el audio de la charla, Damaso «El Brujo»: Crímenes, fuga y final. Con un ponente de lujo, el criminólogo Félix Ríos y moderado por Gara Lacaba. Celebrado el pasado miércoles 12 de abril en el Salón de conferencias Domingo Pérez Minik, dentro de la Biblioteca Pública del Estado en Santa Cruz de Tenerife.

Regresa la Escuela de Arte Gráficas de la Recova

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En su época de mayor actividad la Escuela de Arte Gráfico La Recova de Santa Cruz de Tenerife propiedad de Alfonso Mertens fue un espacio que atrajo a artistas de muy diferente procedencia, que conocían el valor de las instalaciones, punteras en su especialidad. La rareza de la maquinaria, lo extraordinario de disponer de una colección de tanta envergadura de piedras litográficas, que no poseen talleres incluso en el ámbito europeo, lo convierten todavía hoy en un enclave único para la realización de cualquier técnica de artes gráficas. Todo ello hizo en su momento que las instalaciones fueran un referente tanto en el ámbito insular, como peninsular y europeo, para principiantes, estudiantes o creadores consagrados de bellas artes que difícilmente podían encontrar algo ni siquiera remotamente parecido.

Tras la muerte de su propietario en 2021, Mertens donó todo el legado de valor incalculable pero que se encuentra en un estado calamitoso al Ayuntamiento de Santa Cruz. Ahora ha salido a licitación su gestión y ésta ha recaído en quien durante cinco años ejerció como profesor de la Escuela, Fabián Castilla Labrador. El docente cree que en breve comenzará la labor para dejar a punto las instalaciones y de esta manera podría ser en los meses de verano cuando abriera sus puertas y comenzara a funcionar la labor docente.

Alfonso-Mertens-La-Recova-Santa-Cruz

Desde que el taller inició su andadura como escuela municipal se instauró la costumbre de que todos los alumnos dejaran una obra que pasaban a formar parte de sus fondos. Esta especie de “rito” se llevó a cabo durante casi cuatro décadas y ha dado lugar a que en la actualidad exista una cantidad ingente de obra gráfica propiedad de artistas, algunos de los cuales, con el tiempo ha adquirido renombre. El depósito, sin embargo, no está catalogado y necesita urgentemente de un buen almacenamiento que garantice su óptima conservación, por ello se ha decidido que cuando las cerca de dos mil piezas se haga un inventario sean guardadas en el Museo de Bellas Artes.

Esta labor es imprescindible ya que una gran parte de la obra carece de firma, año y número de edición. Su valor pedagógico es enorme en cuanto permite realizar un recorrido por todas las variantes de grabado y conocer su técnica, riqueza y prestigio institucional. Castilla Labrador apuesta por que en el futuro se organice una muestra con una selección de obras, lo que permitiría que los ciudadanos conozcan esta riqueza artística que actualmente en manos del Organismo Autónomo de Cultura del Ayuntamiento.

Alfonso Mertens nació el cinco de noviembre de 1941 en la ciudad belga de Turnhout, por lo que en realidad su nombre Alphonsus Agustinus Mertens. Desde pequeño destacó por su carácter innovador y emprendedor hasta el punto de que su primer taller fue un palomar de la casa de sus padres cuando tenía 16 años y ya con 17 adquirió su primera prensa litográfica.

Tras su formación que incluyó el paso por el Instituto Superior de Grabados de Amberes en el año 1972 llegó a Tenerife con camiones cargados de piedras y prensas para crear un taller en Los Cristianos en el que realizó trabajos particulares. A principios de la década de los ochenta se mudó con más de 26 toneladas de maquinaria a Santa Cruz donde lideró el Centro Municipal de Arte Gráfico situado en el Parque Viera y Clavijo, y fomentó junto con el que sería el cronista de la ciudad, Gilberto Alemán, la creación de un auténtico espacio para la cultura.

En principio sus alumnos se limitaban a dos grupos de diez jóvenes cada uno y fabricaban su propia tinta y pintura porque el material que tenían a mano se estropeaba a causa del clima. En 1986 comenzó a colaborar con la Universidad Menéndez Pelayo (UIMP), lo que ayudó a que su labor recibiera múltiples alabanzas por parte de las autoridades en la materia que visitaron las instalaciones en las que se creaban piezas únicas.

El taller fue trasladado en 1990 al Centro de Arte de La Recova cerca del Teatro Guimerá lo que supuso un coste de casi dos millones de pesetas sufragado por el Ayuntamiento y el Cabildo. Desde ese momento la ciudad dispuso de todo el material y la maquinaria que tenía a sus manos y que fue la causa de que atrajera artistas de renombre nacional e internacional, como el cubano Alfredo Sosasbravo y estudiantes universitarios europeos. En ese año la escuela cedió cerca de 3.500 obras al Ayuntamiento de Santa Cruz cuando era alcalde, Manuel Hermoso y concejal de Cultura, Maribel Oñate.

El traslado fue muy complicado pero a la vez permitió disponer de más espacio e instalar maquinaria que abría la posibilidad de utilizar técnicas innovadoras, por ejemplo el primer tapiz que se elaboró fue obra del artista César Manrique. Comenzaron a realizarse exposiciones como la denominada Graphos a principios de 1993 con la colaboración de varias universidades de toda Europa y en 1996 el taller empieza a utilizar medios electrónicos. Por esta razón recibe un premio por su sistema pionero de Creación de Arte transmitido por telecomunicación de alta definición, lo que convirtió en un centro neurálgico de lo que entonces suponía toda una experiencia piloto a nivel mundial. En el año 2000 se refuerza la labor educativa con artistas y el público en general con cursos específicos sobre ilustración, comprensión del dibujo y otras técnicas experimentales.

Alfonso-Mertens-en-Arona

Mertens también dejó su marca en los carnavales con la impresión de 50 litografías de Manrique que se pusieron a la venta por 20.000 pesetas, igualmente diseñó junto con sus alumnos el primer gran escenario del carnaval y a lo largo de los años continuó con esta colaboración con las principales fiestas de Santa Cruz. También intentó buscar una solución a la cubierta de la plaza de toros para lo que presentó diversas alternativas. Finalmente, el 11 de abril de 2021 moría a los 71 años poco meses después de que las instalaciones volvieran a abrirse tras la pandemia y tuviera que volver a cerrarse a causa de unas intensas lluvias que por suerte no afectaron a la maquinaria.

En su momento Castilla Labrador elaboró un detallado inventario que sirviera como especie de llamamiento para pedir que se reformaran las instalaciones dadas las deficiencias estructurales que presentaba después de haber sido ocupadas durante 35 años. Solicitaba que se llevara a cabo una profunda labor de limpieza, selección y evaluación de la maquinaria, herramientas, muebles y utensilios que se encuentra depositada en el local.

Creía que las labores debían realizarse teniendo muy en cuenta la singularidad, carácter excepcional, rareza de la maquinaria y su valor artístico y patrimonial, sin perder de vista su vertiente más práctica y funcional. El objetivo era conseguir un espacio más diáfano y ordenado que permitiera tener una visión amplia de la envergadura de este espacio.

En el inventario no se nombran algunos elementos que consideran “obsoletos” como armatostes, maderas, cristales, metacrilatos, maquinaria y componentes electrónicos, estructuras metálicas, marcos e instrumento fútil. Todos ellos fueron eliminados porque no aportaban ningún dato de interés, su escaso valor económico y funcional o sencillamente entorpecerían la tarea de limpieza y adecentamiento del espacio. En cuanto a la maquinaria también se busca preservar únicamente las piezas, herramientas e instrumentos que fueran útiles para garantizar que se pudiera trabajar con comodidad.

“Lo importante sería proyectar una mirada hacia el futuro planificando un espacio que satisfaga toda las necesidades de los próximos usuarios, convirtiéndolo en un centro de encuentro de aprendices, estudiantes y artistas profesionales de las artes gráficas”. Toda la maquinaria que se encuentra en el taller llegó en su momento desde Bélgica a principios de la década de los años setenta y con el tiempo se ha convertido en “un legado” de valor cultural y patrimonial, que sin embargo permanece en un estado de abandono que Castilla califica de “espantoso”.

El docente recuerda que tras su jubilación Mertens acudía cada día al taller, lo que había convertido en una especie de “rutina diaria” y una muestra del cariño que sentía por la escuela y su maquinaria. Castilla indica que además de la labor docente su impulsor siempre apostó por convertir este espacio en un lugar dedicado a la creación de profesionales y artistas, incluso en su momento pensó en crear una Fundación. Y ello es así por el enorme valor de la maquinaria que ha permitido no sólo que se hagan reproducciones, carteles publicitarios, si no también obras personales y seriadas con técnicas muy puntuales.

Autoría del texto: Noé Ramón

HBO Max se transforma en Max, la nueva plataforma de streaming de Warner Bros. Discovery

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Warner Bros. Discovery presenta el servicio de streaming Max

El servicio se lanza en EE.UU. el 23 de mayo. En España en 2024

Max anuncia la serie de Harry Potter y la precuela de Juego de Tronos «El caballero de los siete reinos: El caballero errante», y el primer tráiler de “The Penguin”, serie protagonizada por Colin Farrell

Warner Bros. Discovery (Nasdaq: WBD) ha presentado hoy Max, su mejorado servicio de streaming, que se lanzará en los EE. UU. el 23 de mayo. Max es la casa de los originales de HBO, las películas de Warner Bros., los originales de Max, el universo DC, del Mundo Mágico de Harry Potter, una amplia oferta de contenido para niños y la mejor programación sobre comida, hogar, reality, estilo de vida y documentales de marcas líderes como HGTV, Food Network, Discovery Channel, TLC, ID y más. Max sobresaldrá al combinar de manera única una variedad inigualable y una calidad superior con franquicias icónicas y una sólida experiencia en productos, todo por un gran valor.

Presentamos Max: el que hay que ver en cada momento y estado de ánimo.

El evento incluyó un adelanto de la campaña de lanzamiento de Max, que comienza mañana y celebra los diferentes estados de ánimo, fandoms y géneros que representan a los espectadores de Max. La campaña invitará a nuevos suscriptores a experimentar la experiencia mejorada del producto de Max y el contenido ampliado para todos en el hogar.

“Desde los superhéroes más grandes hasta los campeones de la vida real; desde dramas que dan forma a la cultura hasta entretenimiento que da forma al gusto; desde reinos fantásticos hasta el más real de los mundos, Max ofrecerá una variedad inigualable de opciones”, dijo JB Perrette, presidente y director ejecutivo de Global Streaming & Games de Warner Bros. Discovery. “Esta nueva marca supone un cambio importante desde dos productos más limitados, HBO Max y discovery+, hasta una oferta de contenido y propuesta para el consumidor más amplia. Si bien cada producto cumplió con algunas necesidades, Max tendrá una amplia gama de opciones de calidad para todos y cada uno”.

SUSCRIBIRSE (Precios solo para Estados Unidos)

Max ofrecerá tres opciones de precios, dando a los suscriptores la opción de seleccionar el plan que mejor se adapte a las necesidades de su hogar.

• Max Ad Lite | $9.99/mes o $99.99/año

2 transmisiones simultáneas, resolución de 1080p, sin descargas sin conexión, calidad de sonido envolvente 5.1

• Max Ad Free | $15.99/mes o $149.99/año

2 transmisiones simultáneas, resolución 1080p, 30 descargas sin conexión, calidad de sonido envolvente 5.1

• Max Ultimate Ad Free | $19.99/mes o $199.99/año

4 transmisiones simultáneas, resolución de hasta 4K UHD, 100 descargas sin conexión, calidad de sonido Dolby Atmos

Los suscriptores existentes de HBO Max tendrán acceso a Max al mismo precio que su suscripción a HBO Max y pueden visitar http://help.hbomax.com/introducingMax para obtener más información. Además, los suscriptores de HBO Max seguirán teniendo acceso a las funciones de su plan actual durante un mínimo de seis meses después del lanzamiento. Los perfiles, la configuración, el historial de visualización, los elementos «Continuar viendo» y «Mi lista» de los suscriptores de HBO Max también se migrarán a Max para que puedan retomar la transmisión justo donde la dejaron.

OFERTA DE CONTENIDOS

Max reunirá la programación imperdible de HBO Max y el atractivo contenido de entretenimiento de Discovery+ para crear una experiencia de visualización completa para todas las edades. El servicio contará con una actualización regular de contenido con un promedio de más de 40 nuevos títulos y temporadas cada mes. Con una biblioteca de favoritos icónicos, Max ofrecerá una colección de marcas de alcance mundial, franquicias, series y personajes reconocidos a nivel mundial, lo que la convierte en una oferta verdaderamente sin precedentes. El público podrá explorar los mundos icónicos de HBO, Universo DC y Harry Potter, además de películas de éxito, series originales y los géneros favoritos de los fans como true crime, realities, comida y comedia, todo en un solo lugar.

“El servicio Max es un mosaico de contenido de gran alcance que no tendrá comparación en cuanto a la amplitud, el alcance y la excelencia de sus ofertas”, dijo Casey Bloys, presidente y director ejecutivo de HBO y Max Content. “Somos únicos porque tenemos a los mejores en todas las categorías en todos los ámbitos, ya sea en audiencias, premios, o fandom. Sabemos que podemos satisfacer cualquier antojo porque tenemos las marcas que la gente ama. En Max, encontrarán lo que quieran, cuando lo quieran”.

Los títulos recientemente anunciados incluyen una serie Max Original de Harry Potter, una fiel adaptación de la querida serie de libros originales de J.K. Rowling, que ejercerá como productora ejecutiva; una serie de comedia Max Original derivada de The Big Bang Theory; una precuela original de HBO de «Juego de Tronos» titulada El caballero de los Siete Reinos: El caballero errante; una serie dramática Max Original basada en las películas de Expediente Warren; Fixer Upper: The Hotel de Magnolia Network; Survive the Raft de Discovery Channel; la serie Max Original Peter & The Wolf de Bono; Rick and Morty: The Anime de Adult Swim;  Lost Women of Highway 20 de Investigation Discovery; Tiny Toons Looniversity de Cartoon Network; y Love & Translation de TLC.

Max también ha presentado hoy los primeros avances de otros títulos muy esperados, como la serie original de Max El Pingüino, protagonizada por Colin Farrell; la serie dramática original de HBO The Sympathizer, un thriller de espionaje y sátira intercultural basado en la novela homónima ganadora del Premio Pulitzer; la miniserie original de HBO True Detective: Night Country, protagonizada por Jodie Foster y Kali Reis; la miniserie HBO Original The Regime, protagonizada por la ganadora de un Oscar Kate Winslet; la docuserie de seis capítulos Max Original SmartLess: On The Road, que sigue a Jason Bateman, Will Arnett y Sean Hayes en una exclusiva mirada entre bastidores a la gira en directo de su podcast, con todas las entradas agotadas; y la serie infantil Max Original Gremlins: Los secretos de los Mogwai. Además de la programación original de Max, durante la presentación se mostró un primer vistazo a Barbie Dreamhouse Challenge de HGTV presentado por Ashley Graham, que también estará disponible en Max.

CARACTERÍSTICAS DEL PRODUCTO 

Tanto si sabes exactamente lo que quieres ver, como si buscas recomendaciones personalizadas o te apetece explorar nuevos intereses, Max hace que el viaje hasta hacer clic en play no te suponga ningún esfuerzo. Max reunirá todo este contenido en una experiencia de usuario sin fisuras que invitará a todos los miembros de la familia a encontrar un gran entretenimiento.

«Nuestro increíble equipo ha trabajado duro cogiendo lo mejor de las dos plataformas tecnológicas heredadas para ofrecer un producto que funciona mucho mejor», dijo Perrette. «Estamos seguros de que todas estas mejoras ofrecerán una experiencia más sólida a nuestros clientes, lo que impulsará un mayor compromiso, ayudará a mejorar la retención y mejorará la satisfacción del cliente, lo que a su vez nos ayudará a seguir escalando.»

Entre los aspectos más destacados se incluyen:

– Reproducción de vídeo premium: Una nueva experiencia de reproducción de vídeo ofrecerá vídeos fluidos y dinámicos a los usuarios, donde y como prefieran verlos. Los usuarios podrán sumergirse sin problemas en sus mundos preferidos, ya sea para disfrutar de sus películas favoritas, verlas sin conexión mientras se desplazan o sintonizar el último episodio de Succession.

– Personalización: Max ampliará la personalización más allá de la página de inicio, ofreciendo una experiencia diferenciada y de alto rendimiento para cada usuario en todo el servicio.  Al aumentar significativamente nuestra inversión en aprendizaje automático, manteniendo al mismo tiempo una voz editorial, Max ofrecerá un enfoque humano y automático único que ayudará a sacar a la superficie el mejor contenido para nuestros usuarios.

– Experiencia infantil más destacada: En el momento del lanzamiento, Max introducirá un perfil infantil por defecto para los nuevos abonados, junto con los controles parentales correspondientes. Los padres podrán personalizar la configuración y limitar el contenido del perfil infantil por clasificaciones: little kids (tv-y), big kids (tv-y7, tvy7-fv), big kids plus (tv-g, g), preteens (tv-pg/pg) o teens (tv-14, pg-13). Los padres también tendrán la posibilidad de establecer PINs de perfil individuales para bloquear el acceso a sus perfiles de adultos, así como un código paterno para bloquear a sus hijos dentro de la experiencia Max kids.

– Navegación simplificada: Max trabaja más duro para que los espectadores no tengan que hacerlo. Las categorías simplificadas, las páginas de detalles de contenido mejoradas, los accesos directos, los hubs dedicados a marcas y los raíles de contenido temático facilitan la exploración de la aplicación y el descubrimiento de nuevos intereses. El diseño actualizado, junto con un mejor motor de personalización, ayudará a los consumidores a encontrar y descubrir rápidamente lo mejor de lo que buscan.

– 4K UHD: El nivel Ultimate Ad-Free de Max tendrá un catálogo ampliado de contenidos disponibles en 4K UHD, incluyendo programación clave como Juego de Tronos, The Last of Us, Harry Potter, El Señor de los Anillos, La Trilogía del Caballero Oscuro y más. Todas las películas de Warner Bros. estrenadas este año y en adelante también estarán disponibles en 4K UHD cuando lleguen a Max tras su estreno en cines.

Según el ChatGPT. Culturamanía: Un referente en la difusión de la cultura en las Islas Canarias

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Culturamanía
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Las Islas Canarias, situadas en el océano Atlántico frente a la costa noroeste de África, son conocidas por sus playas paradisíacas, su clima cálido y su rica cultura. En medio de esta efervescencia cultural, surge un medio de comunicación que se ha convertido en un referente para la difusión de la cultura en la región: Culturamanía.

Culturamanía es un medio de comunicación digital que tiene como objetivo principal promover y difundir la cultura en las Islas Canarias. Fundado por Jesús Hernández en el año 2012, se ha consolidado como un espacio de referencia para el arte, la música, el cine, el teatro, la literatura y otras manifestaciones culturales en la región.

Una de las características distintivas de Culturamanía es su enfoque multidisciplinario, abarcando una amplia variedad de disciplinas artísticas y culturales. El medio cubre eventos y noticias relacionadas con la música, desde conciertos y festivales hasta entrevistas con artistas locales e internacionales, como el Festival Fimucité, Salón del Cómic de Santa Cruz de Tenerife, Festival de cine fantástico Isla Calavera, PHE, entre otras apuestas. Además, ofrece críticas de cine, reseñas de libros, reportajes sobre exposiciones de arte y cobertura de eventos teatrales, entre otros contenidos culturales.

Culturamanía también destaca por su compromiso con la promoción de la cultura canaria y su identidad. El medio brinda un espacio destacado a los artistas locales, impulsando su trabajo y promoviendo la riqueza cultural de las Islas Canarias. A través de entrevistas, reportajes y reseñas, Culturamanía pone en valor la producción cultural autóctona, fomentando la conexión entre la comunidad artística local y su audiencia.

Otra de las fortalezas de Culturamanía es su compromiso con la participación activa de su audiencia. El medio fomenta la interacción con sus seguidores a través de sus plataformas digitales, promoviendo la participación en concursos, encuestas y debates sobre temas culturales relevantes. Además, el medio realiza cobertura en tiempo real de eventos culturales, generando un espacio de diálogo y difusión en vivo.

Culturamanía también ha establecido alianzas estratégicas con otras instituciones culturales en las Islas Canarias, como festivales de cine, teatros, museos y editoriales. Estas colaboraciones permiten al medio acceder a contenidos exclusivos y ofrecer una cobertura completa de la escena cultural de la región.

Además de su cobertura de eventos culturales y la promoción de la cultura local, Culturamanía también aborda temas de actualidad y reflexiones sobre la cultura en la sociedad canaria. El medio aborda temas relevantes como la preservación del patrimonio cultural, la promoción del turismo cultural sostenible, la inclusión y la diversidad en la cultura, entre otros.

Culturamanía se ha consolidado como un medio de comunicación cultural de referencia en las Islas Canarias, promoviendo la cultura local y generando un espacio de diálogo, participación y difusión de las manifestaciones culturales en la región. Con su enfoque multidisciplinario, compromiso con la comunidad local, colaboraciones estratégicas y su visión integral de la cultura, Culturamanía continúa siendo un medio influyente en la escena cultural de las Islas Canarias, llevando la cultura a un público amplio y diverso.

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